电影世界大重合

㈠ “一镜到底”的电影真的不需要后期剪辑吗

说起“一镜到底”的影片，大家最熟悉的就是摘得第87届奥斯卡金像奖最佳影片的《鸟人》。影片中，摄影机主要跟随着主角里根的视角，既穿梭于舞台前后、室内室外，也穿越到过去，再神不知鬼不觉地回到现在。观众也仿佛置身角色所在的物理世界与精神迷宫，切身感受着里根一步步走向崩溃的过程。“一镜到底”的形式感与电影内容的深层意涵巧妙融合，一部别具匠心的佳作就此诞生。除了《鸟人》之外，还有哪些“一镜到底”的电影？所谓“一镜到底”，真的就是“one－shot”吗？是否需要后期剪辑？“一镜到底”适合表达哪些内容，又会产生怎样的审美效果呢？这就是我们今天要讨论的话题。

开宗明义，“一镜到底”通常指代看上去几乎不用剪辑，完全打破了蒙太奇的规则，没有切换，没有正反打，一个镜头从头到尾，完整记录了整个事件的发生过程。注意，仅仅是“看上去”不经过后期剪辑，其实很多所谓“一镜到底”的影片是长镜头和蒙太奇的结合。但它们往往运用各种后期技术使剪辑点不易察觉，形成一种天衣无缝的观赏效果。简单地说，名副其实的“一镜到底”＝整部电影是一个不经过后期剪辑的单一长镜头；伪“一镜到底”＝多个长镜头＋后期剪辑／特效。

入围第65届柏林电影节主竞赛单元的德国电影《维多利亚》在今年的北京电影节上一票难求。导演塞巴斯蒂安·施普尔追随五个青年在柏林的酒吧、大街、天台上转场20多次，在自然时间、自然环境中完成了140分钟的one－shot拍摄，完整地再现了躁动不安的年轻人如何陷入万劫不复的暴力深渊。影片前半段的浪漫邂逅缝合于后半段紧张的犯罪场面，形成急转直下的心灵震撼与情绪张力。全片由佳能C300手持摄像机拍摄，看似随意的摇晃镜头和灯红酒绿中偶尔的虚焦镜头营造出一种真实感与代入感。摄影师Sturla Brandth Grvlen的名字出现在片尾字幕的第一个。

纵览以上影片，无论是通过后期剪辑、特效达成“一镜到底”的效果，还是行云流水般的单一长镜头，都在对电影语言进行创新的基础上造就了令人赞叹的视觉奇观。比起主要依靠蒙太奇剪辑而成的电影，“一镜到底”难度更大，对导演的场面调度、演员的表演功力、摄影师的技艺和体力都有着极高要求。One－shot不是为了炫技，而是落脚于动作、情节、心理的完整性与流动性，成为一种表达内在情绪与精神处境的视觉载体。因此，现有的“一镜到底”影片多用于展现紧张惊悚的犯罪题材与心理失衡题材，以独具魅力的艺术形式唤起观众刺激、惊奇、紧张、同情等错综复杂的心灵体验。

㈡ 3D电影是怎么实现的立体感是如何产生的

人们看到的世界是3d是的，因为你能真正感受到每个物体的距离、几何形状和大小。这是一个非常复杂的计算过程，3D电影原理 3D这部电影通过两个镜头从两个不同的方向拍摄场景，然后用两个放映机同时放映两组胶片，使两组图像在屏幕上重叠。通过特殊的3D眼镜，两只眼睛看到不同的图像，大脑会自动产生三维视觉效果。

颜色实现3D效果会使最终图像失去一些颜色，看起来非常不真实。所以人们想出了其他方法，除了颜色，还有其他我们无法察觉的区别，比如方向，有些光“横”还有一些光“竖”是的，虽然这对我们看到的物体的形状和颜色没有影响，但我们可以制作只能通过水平或垂直光的镜头，然后拍摄镜头和3D这种镜片可以让左右眼看到不同的画面，产生眼镜3D效果。不管怎样，3D电影给了我们一种平面图像深度的错觉。虽然这些方法相对简单，但效果仍然有限。我们只能盯着特定方向的屏幕，而不能全面地观察物体。

㈢ 有哪些灾难片，关于海啸，末日，地震，龙卷风，火山喷发的，够可以，谢谢

灾难片是好莱坞最重要的类型片之一，每年盛产多部而且质量上佳，从地震、海啸、龙卷风火山爆发到外星人入侵、病毒肆虐等等题材，基本拍了个遍，从空中到陆地到海上到地下深处都有相关电影，灾难片大体可以分为自然灾难片和人为灾难片，当然有时候二者是互相联系的，比如最著名的《泰坦尼克号》。
观众爱看灾难片，这是植根于人类心中深处的一种危机感，比如基督教《启示录》的文化传统，加上现代文明和自然环境的严重冲突，都让种种危机成为潜在的可能。这类灾难片有的是追求生理刺激，有的则带有明显的道德寓意：或是环保的，或是伦理的。
这期我们推荐一些精彩的灾难片。很多灾难片一开始就设定了世界末日的背景，不展现末日来临的过程，只呈现结果，比如一些科幻片、丧尸片就如此。
《独立日》
地震、海啸、火山爆发、外星人入侵，这类电影永不过时！
1996年的《独立日》是好莱坞商业片的一座里程碑，从口碑到票房当年都是现象级的存在，也是外星人侵略题材灾难片中的标杆作品。导演罗兰·艾默里奇也是好莱坞灾难片的顶尖高手，新世纪的《后天》《2012》都是他的得意之作。《独立日》达到了当时电影特效水准的最高峰，现在看起来依然震撼，不过今年的续集算是彻底扑街。
《天地大冲撞》
1998年的这部电影做出的灾难设定是关于彗星撞地球的，彗星撞地球这种猜想是比较现实的，这部电影其实缺点很多，比如叙事较弱，几条线索各自发展却很难结合在一起，但在灾难细节的想象上面很有亮点：阻止彗星撞上地球的办法，就是派出小分队在太空把彗星钻几个洞，装进核弹炸掉。最后撞上地球引发的海啸场面。
《世界末日》
迈克尔·贝在1998年的作品，说来有趣，这部电影的剧情和《天地大冲撞》简直高度重合，都是彗星撞地球，都是派出英雄去外太空在彗星上钻洞安装核弹炸毁。而且两部电影的上映时间相差不到两个月，不过本片的卡司强大很多，布鲁斯·威利斯、本·阿弗莱克、丽芙·泰勒主演，整体观感上超过《天地大冲撞》。
《完美风暴》
地震、海啸、火山爆发、外星人入侵，这类电影永不过时！
这是关于海上暴风灾难的电影，乔治·克鲁尼和马克·沃尔伯格主演，捕鱼船上的五位船员都有着自己的生活安排，急需用钱，而附近的海域鱼类资源已经急剧减少，众人决定航行到远方海域捕捞，途中却遇到了致命的风暴。这部电影不仅是单纯的灾难片，风暴更接近一种隐喻，让众人的行为具有了一种高贵的尊严。
《后天》
地震、海啸、火山爆发、外星人入侵，这类电影永不过时！
罗兰·艾默里奇真的是一个人挑起灾难片的半边天，作为新世纪灾难片的现象级作品，2004年的《后天》是全球气候变暖导致冰川融化全球进入冰河世纪，极度严寒中人类如何生存成为本片一大看点，强烈的环保主义诉求让本片显得政治非常正确。2009年罗曼导演的《2012》成为当年话题之作，属于综合性末日灾难，地震海啸火山爆发全上，玛雅人预言的世界末日一直到2012年还被人们纷纷讨论。
《僵尸世界大战》
关于僵尸爆发的灾难片无数，这部《僵尸世界大战》的特别之处是比较“严肃和深沉”，布拉德·皮特饰演的前联合国调查员承担起保护家庭和拯救世界的重任，过程自然凶险万分，最后皮特遭遇丧尸包围那段，简直让人紧张到窒息。丧失题材的灾难片要翻陈出新已经非常困难，《我是传奇》也是不错的例子。
《流感》
韩国电影工业化发展迅猛，灾难片也学习好莱坞花样繁多，今年大热的《釜山行》《隧道》都是这一类型，这部2013年的《流感》也很出色。属于灾难片中的“病毒肆虐”题材，来自东南亚的偷渡客随身带来了致命的猪流感病毒，病毒几何式广泛传播，造成全面的恐慌。从气氛营造到叙事，本片都是水准之上。
《末日危途》
地震、海啸、火山爆发、外星人入侵，这类电影永不过时！
本片根据小说改编，有着浓厚的文学属性，重在气氛渲染、心理描摹，几乎没有什么冲突的情节，属于灾难片中的另类。就是在世界末日的设定下，一对父子的远途征程，周围全都是丧心病狂的末日人类，而他们却保留着人之为人的底线，怀念美好的过去，虽然末日，但总有一些温暖不经意出现，给予这对父子坚定的力量。
《海啸奇迹》
地震、海啸、火山爆发、外星人入侵，这类电影永不过时！
本片也是根据2004年印度洋海啸中的真实事件改编，娜奥米·沃茨饰演的母亲在突如其来的海啸灾难中和自己的三个儿子失散，在漂流中她发现了自己的大儿子卢卡斯，母亲决心要带着儿子活下来。灾难片的情节都不复杂，几乎都将人性尤其是亲情、爱情作为核心元素，本片就是典型代表。
《地心营救》
这部根据智利矿难成功营救33名矿工的真实故事改编的电影，在今年三月曾在国内上映。从灾难类型到营救方式等许多细节，后来的韩国电影《隧道》似乎都有借鉴。只不过《隧道》重在讽刺，这部《地心营救》则是智利主旋律，安东尼奥·班德拉斯表现极其出彩，整部电影节奏稳健，细节丰富，虽然老套了些，但也值得一看。
《鲨滩》
地震、海啸、火山爆发、外星人入侵，这类电影永不过时！
几乎每年都有好莱坞灾难片引进国内，这部《鲨滩》九月初在国内上映，属于那种以小博大、靠节奏取胜的电影，很容易让人想起《大白鲨》等鲨鱼灾难片。布蕾克·莱弗利的独角戏，和一只鲨鱼斗智斗勇，最后干掉鲨鱼的手法非常具有想象力。这部电影给了“反派”鲨鱼一个环保主义的包装：它因为被人类伤害，所以愤而报复。
灾难片大概是永远不会过时的类型片，不管是气候变暖还是核弹危机，人类永远不可能完全安然生活在地球上，并无止境地掠夺自然资源，这才是灾难片受到观众喜爱的一种深层心理。当然，还因为美国人爱扮演世界拯救者的角色，没事儿就创造几个大灾难然后再拯救，电影里的总统说几句人性永恒的话，鼓励大家一切从头再来。——灾难片也需要翻陈出新啊！

㈣ 为什么拓荒者往往能成为控制者

在文化领域的众多艺术形式中，电影是一种从诞生之日起就彻底资本化的艺术。电影不仅是人类历史上制作成本最高的艺术品之一，而且是一种直接以赢利，至少是以收回投资为目的的艺术形式。这样一种最资本化的艺术形式，恰恰是由犹太商人一手培育扶持得以成长和成熟的。世界电影史在其发端之后的相当长一个“历史时期”内，是与美国电影史重合的，而美国电影史在很大程度上也就是一部美国犹太人电影史。主宰美国电影业的五家最大制片公司：米高梅影片公司（包括其前身米特罗影片公司、高德温影片公司和梅耶影片公司）、派拉蒙影片公司、华纳兄弟影片公司、雷电华影片公司和20世纪福克斯影片公司，都为犹太人所拥有和控制；另外三家较有规模的影片公司，即环球影片公司、哥伦比亚影片公司和联美影片公司，也都为犹太人所创建或拥有。美国电影史上许多重要制片人或发行人，如阿道夫·朱克尔（派拉蒙）、塞缪尔·高德温（米高梅和联美）、卡尔·利姆勒（环球）、马库斯·洛伊（米高梅）、威廉·福克斯（20世纪福克斯）、哈里·科恩（哥伦比亚），还有华纳四兄弟，即哈里、阿尔伯特、山姆和杰克（华纳兄弟），所有这些主宰好莱坞黄金时代的巨头，都是犹太人。在电影事业的发展方面，从电影业的初创，到探索连锁电影院的分布，从提高影片的质量到引进第一部有声片，从创立明星制到起用第一个场外导演，一直到20世纪30年代全面改组电影制片公司和60年代巩固制片公司，犹太人在电影制作和为电影提供资金方面，都起着主导作用。犹太人在电影世界中的几乎无处不在，甚至引起一些非犹太人的美国人的不安。在第一次世界大战结束以后，随着电影对大众的影响越来越大，“必须将电影从魔鬼和500个非基督徒的犹太人手中解放出来”，成了某一压力集团的口号。这种要求，撕开其道貌岸然的外套，内里同几千年中一再发生的情形极其相像：当电影业完成了资本化，已经成为一个安全而又有利可图的金矿之时，犹太人就应该被“请”出去了，因为现在这里似乎已经没有什么地方特别需要犹太人了。不管现在需要不需要犹太人，电影业在其初起之时，确实是需要犹太人，尤其是犹太商人的。用美国经济学家本·塞利格曼的话来说，电影业是在“手套商、药剂师、皮货商、布商和珠宝商”（皆为犹太人密集的商业行业）这些开“5分剧场”的人手中兴起的。也就是说，早期的电影如同看“西洋镜”，付5分钱，凑在小孔上看个几分钟。谁能保证从那动作笨拙、无声无色且只有几分钟长度的早期电影作品，会诞生出今日令人目眩的整个电影世界？谁能从当年“5分钱”票价开发出今日上亿美元的票房收入？电影业是潜在的有利可图的行业，但谁能预知，为了让这种潜力成为现实，或者更为理想，成为“现钞”，又需要投入多少“现钞”？即使在电影业总体上已经成为安全之地的今日，耗资巨大的影片，因号召力不强而致亏损的，也不在少数，100部影片中，最终赚钱的，还不到四成。由此不难想见，当年犹太小商小贩们投身电影业的时候，是有着什么样的魄力和远见的！阿道夫·朱克尔是一个匈牙利移民，抵达美国时，他所有的财产就是缝在外衣衬里内的40美元。最初，他以推销皮货为生。生意做大之后，他抽出20万美元的资金，投入到当时已开始实际拍摄电影的廉价游乐场，即所谓的“5分剧场”。就在这期间，他遇到了马库斯·洛伊。洛伊出身贫民，小时候做过童工，也是靠做皮货生意起家的。朱克尔和洛伊两人合伙，在第一次世界大战结束时，买了西洋镜和廉价游乐场。由于意见不合，不久两人就各奔东西。有意思的是，由于对电影业资本化的相同认识，两人从相反方向开始，最终仍然走到了同一点上，虽然两人没有重新合伙。散伙之后，朱克尔守着自己的廉价游乐场，继续搞制片，后来组建了“著名演员公司”，并最终接管了派拉蒙影片公司。朱克尔很早就认识到控制电影院的重要，因为有了电影院，才能保证拍出的影片有销路。于是他发行了1000万美元的股票，建立了自己的连锁电影院。1926年，他在纽约建造了极为豪华的派拉蒙电影院，将它奉献给美国。洛伊的道路刚好同朱克尔方向相反。洛伊先是控制了一批连锁电影院，以后为了保证自己电影院有足够的影片可以吸引观众，他又转向了制片。在他的撮合下，3家犹太人的电影制片公司，米特罗影片公司、高德温影片公司和梅耶影片公司合并，建立了以三家公司第一个字母合在一起作为名称的米高梅影片公司。朱克尔和洛伊这种将电影制片与放映电影的剧院联系在一起的做法，实质上也就是实现了电影的产供销一体化，使电影的制作直接以市场效益或票房价值为取向，电影业资本化所必须具备的构架已经形成。至于电影作为一种艺术形式的商品化，尤其是其美学趣味上的商业化，也许应该更多地归之于华纳四兄弟。哈里、阿尔伯特、山姆和杰克四兄弟，是一个原籍波兰的犹太补鞋匠的儿子。他们（主要是两个大的）原先做过各种小生意，并积累资金，开了一家自行车行。1904年，四兄弟搞到一架电影放映机，就此开始了电影生涯。开始时，他们只有一架放映机，没有自己的剧院，连拷贝也只有一部，叫《火车大劫案》。他们四处巡回放映，因为当时还是无声片（默片）时代，放映时，就由他们的妹妹弹钢琴，由四兄弟中最小的杰克伴唱，那时，他才几岁。以后积累了一点资金，他们开始同别人交换影片，并进而成为影片发行商。1912年，他们迁居加利福尼亚，创建了华纳兄弟影片公司。华纳公司锐意创新，虽遭受一系列的失败，并多次损失惨重，但不改初衷。1927年，他们终于拍摄成功电影史上第一部有声电影《爵士歌王》，在该影片中，他们巧妙地借剧中人物之口说了一句脍炙人口的俏皮话：“你们还不曾听见过什么声音”。华纳兄弟常被人称为“电影界的蒙古人”，四兄弟性格各异，并不十分合得来，但他们有一个共同之处，即始终追求票房价值，致力于向大多数人提供人们最容易接受的东西。因此，他们有着明确的制片标准，这种市场定位，借用华纳公司所生产的一部较为著名的影片《封面女郎》剧中人的话来说，就是：“如果你开始取悦上流社会的话，那你就完了。”面向大众乃至迎合大众，是华纳兄弟影片公司甚至整个好莱坞拍摄影片时遵循的一条总体性标准。不管电影评论家们或电影史研究者持何种批评态度，斥之为“平庸”或者其他什么，但就电影自身的属性和电影业资本化的内在要求而言，耗资巨大的电影只有从人数最多的观众群体那里，才能收回投资并获得赢利。不管是把以华纳兄弟为代表的好莱坞犹太巨头的这种强调“大众口味”的做法，看做犹太人根深蒂固的平等观念的作用，还是犹太电影商的精明使然，真正说明问题的是电影业这个艺术领域在相当一段时间里是自我照顾得最好的领域，电影能找到慷慨的观众，观众能有豪华的电影看，这是电影业资本化进展良好的实例。所以，好莱坞的巨头们不仅在电影中提供让观众沉醉于其中的梦境，还建造起豪华程度同银幕上毫无二致的欣赏电影的场所。在“格劳曼中国剧院”和各大电影公司的电影院里，一片金碧辉煌，地上铺着厚厚的地毯，四处都是琳琅满目的装饰，观众被奉为皇帝，而领座员和检票员则像贵族府第中的仆役一样衣冠楚楚彬彬有礼。所以，在所有面向大众的电影门类中最面向大众的喜剧片部门，成了真正的犹太人天下：除了少数几个喜剧演员为非犹太人之外，其余的都是犹太人，如法尼·布赖斯、马科斯兄弟、杰克·本尼，以及莱尼·布鲁斯，而喜剧大师查理·卓别林则因为演技太好而一再被人误认为是犹太人！随着电视的兴起，好莱坞以及整个电影世界多少有些衰落了，不过，同时也可以看到，在电视这个商业性更强的领域中，有着与电影业中同样多的犹太人。美国三大电视网曾经都是由犹太人掌门的：哥伦比亚广播网（CBS）的威廉·佩利，美国广播公司（ABC）的伦纳德·戈登森和全国广播公司（NBC）的大卫·萨诺夫；英国的3家商业性电视网络：联合电视台、格拉纳达电视台和联合转播台，也分别为3个英国犹太人埃米尔·李特、刘·格雷德和悉尼·伯恩斯坦所掌握。而且即使在素以保守、老派著称的英国，伯恩斯坦的格拉纳达电视台也在制作出足以同ABC最好节目相媲美的电视节目的同时，获得了较高的利润，并成为“商业性

㈤ 所谓“一镜到底”的 电影 真的不需要后期剪辑吗

说起“一镜到底”的影片，大家最熟悉的就是摘得第87届奥斯卡金像奖最佳影片的《鸟人》。影片中，摄影机主要跟随着主角里根的视角，既穿梭于舞台前后、室内室外，也穿越到过去，再神不知鬼不觉地回到现在。观众也仿佛置身角色所在的物理世界与精神迷宫，切身感受着里根一步步走向崩溃的过程。“一镜到底”的形式感与电影内容的深层意涵巧妙融合，一部别具匠心的佳作就此诞生。除了《鸟人》之外，还有哪些“一镜到底”的电影？所谓“一镜到底”，真的就是“one－shot”吗？是否需要后期剪辑？“一镜到底”适合表达哪些内容，又会产生怎样的审美效果呢？这就是我们今天要讨论的话题。

开宗明义，“一镜到底”通常指代看上去几乎不用剪辑，完全打破了蒙太奇的规则，没有切换，没有正反打，一个镜头从头到尾，完整记录了整个事件的发生过程。注意，仅仅是“看上去”不经过后期剪辑，其实很多所谓“一镜到底”的影片是长镜头和蒙太奇的结合。但它们往往运用各种后期技术使剪辑点不易察觉，形成一种天衣无缝的观赏效果。简单地说，名副其实的“一镜到底”＝整部电影是一个不经过后期剪辑的单一长镜头；伪“一镜到底”＝多个长镜头＋后期剪辑／特效。

入围第65届柏林电影节主竞赛单元的德国电影《维多利亚》在今年的北京电影节上一票难求。导演塞巴斯蒂安·施普尔追随五个青年在柏林的酒吧、大街、天台上转场20多次，在自然时间、自然环境中完成了140分钟的one－shot拍摄，完整地再现了躁动不安的年轻人如何陷入万劫不复的暴力深渊。影片前半段的浪漫邂逅缝合于后半段紧张的犯罪场面，形成急转直下的心灵震撼与情绪张力。全片由佳能C300手持摄像机拍摄，看似随意的摇晃镜头和灯红酒绿中偶尔的虚焦镜头营造出一种真实感与代入感。摄影师Sturla Brandth Grvlen的名字出现在片尾字幕的第一个。

纵览以上影片，无论是通过后期剪辑、特效达成“一镜到底”的效果，还是行云流水般的单一长镜头，都在对电影语言进行创新的基础上造就了令人赞叹的视觉奇观。比起主要依靠蒙太奇剪辑而成的电影，“一镜到底”难度更大，对导演的场面调度、演员的表演功力、摄影师的技艺和体力都有着极高要求。One－shot不是为了炫技，而是落脚于动作、情节、心理的完整性与流动性，成为一种表达内在情绪与精神处境的视觉载体。因此，现有的“一镜到底”影片多用于展现紧张惊悚的犯罪题材与心理失衡题材，以独具魅力的艺术形式唤起观众刺激、惊奇、紧张、同情等错综复杂的心灵体验。