❶ 求一篇经典电影音乐赏析的论文啊。。。
1900音乐的灵魂,音乐的天使
1900一组数字么？不！他是一个人名，他是音乐的灵魂，音乐, 船 和海是他生命的全部。他是哪里人？这个问题也许是耐人寻味的，他属于海上属于船上 属于上帝但不属于陆地。出现在钢琴旁，也许只能用出现这个字眼，因为觉得他不属于任何人遗留下了的，属于上帝赐给这世间的礼物，那是音乐的灵魂，眼睛是他接纳外部事物的窗口，心灵是他酝酿灵感和体会感受的地方，手指抚摩着键盘所发出的美妙声音是他表达那具有灵魂的音律的方式。
路地对他来说只是世间浮华假象的载体，一个女人？一作房子？一片地？一个平凡或在外人看似奢华的正常人生活？在他看来不存在任何意义，他不属于这样的生活，不属于陆地 他不属于这个世界，他生来没名字 没身份，一生在属于他的地方度过，也许在人们看来他只是一个世间的过客，但也许在他看来每个人才是他人生过客，我们不需要知道他的身份，他的相貌，他的名字等等。只需要记得那些曾经打动人的美妙旋律，只需要记住一组数字1900。
影片中那张《Playing love》的母盘一直是影片的一个重要线索，正是这张唱片打开了“康”记忆的闸门，开始了对1900的回忆。
反观这张唱片，是在1900为“唱片公司”录音的时候恰巧在窗户上正在照镜子的她时即兴创作并演奏的（是否为即兴我还不是很确定）。这张承载了1900纯真唯美的爱的唱片是1900本来准备送给她的礼物，结果却在这纷繁的社会中一次又一次的错过......（不知道是不是也预示着像1900这样纯真唯美的人在这样的社会中也无会法生存）
再到后来1900下船计划失败，将那张唱片亲手毁掉，给我们留下了和“康”同样的疑问。而最终1900也没告诉“康”那张唱片是谁放进钢琴里的。
我思考了很久，也看过好几次影片（当然不是专门为了这个去看的，否则就太......），一直找不出一个导演“布置”的这样一个人物——把唱片粘好放到钢琴里人物。
记得有一天，很平常的一天，我突然很想听那首《Playing love》，就打开电影，快进到那首曲子。合上了眼，静静的享受着耳机里传来的美妙的声音......听着听着突然想到了，是1900亲手粘好这张唱片并放到那架属于他的简易钢琴里的。
海上钢琴师展现了人的天赋的伟大，人情感世界的博大，都想大海一样。但也展示了人的极端脆弱性，无助与孤独，在我们每个人身上都有，所以大部分人的世界不会比那条巨型海上客轮大，我们不敢走下船去，只愿意随波逐流，安稳地在自己的世界里欢笑和烦恼，最后象那条船一样，报废和炸毁，炸毁的是自己，也是自己的那个小小的世界。
大海与船，一个无限大，一个那么小，两者又紧紧地联系在一起。这真是最值得让人冥思的一对矛盾。
没想到在暴风雨中可以阔步而行，虽然别人都被晃得呕吐；更没想到在暴风雨中竟然可以便弹奏，边随着钢琴在大厅里漂游滑行，如花样滑冰一样，但伴随着弹奏者的微笑、轻松、幸福、投入，伴随着优美的乐声，伴随着初识朋友的聆听，人、钢琴、客轮、大海、暴风雨组成了一幅最浪漫的最诗情画意的人生至景，那真是影片中最美妙的时刻，也是每个人梦寐以求的时刻。倘若有一天，一个天才坐在我身边，此情此景，弹奏着随兴而发的乐章，那么，我该是多么幸福的人啊！
无疑每一个观众都喜欢这个不幸与幸运交替，有着惊人的天赋和致命的缺点的海上钢琴师。陆地、城市、人群。连我们每日生活于都市中，习惯于都市生活的人都难以避免忧郁、孤独、哀伤、空虚，我们何苦苛求那位从小在客轮上快乐成长，每日在音乐中幸福畅游的人呢？只是他诞生于客轮，也毁灭于客轮，提醒者陆地上的人：什么是世界，什么是幸福，什么是人生？世界有多大，人生有多长，幸福又如何得到？
他终于没有跨上陆地，大家异常惋惜。回头想想，我自己的世界又比他大多少？我的内心比他更能感受世界吗？谁能真正面对这个世界？也只能象只蚂蚁一样，扎如人群，再也看不到。
好像多了点...自己删吧
❷ 被忽略的电影音乐 论文
确定你的论点
查阅相关的书籍
论文研究的论点
最主要的字眼
我和你一起
❸ 要写个论文，谈音乐在电影中的作用，谁能给我推荐几部电影分析下
上大学时选修外国音乐的论文，当时是93分。
优雅的舞者
——新世纪音乐大师乔治温斯顿、神思者和他们的音乐小品
我第一次接触新世纪音乐是在高一的寒假。考完试，去图书大厦淘碟，无意之间看到了一张不很起眼的专辑。黑色封底，封面正中是一张淡蓝色的风景：严冬，白雪皑皑，几棵萧索的树径直地站在白雪之中，背后是望不见边缘的森林，静谧而安详。我不曾听说过封面上写到的“新世纪音乐”，更不曾听说过“乔治温斯顿（George Winston）”这个名字。然而我看着封面，看着简单的构图中透出的几分独特的美，喜欢上了它。回到家，带上耳机，按下播放键，清冽的钢琴缓和而优雅地流入我的心头，世界此刻也为之静止。这张专辑出版于1982年，专辑的名字叫《十二月（December）》。
来浙大之前的暑假，收拾行李。我的指尖滑过一整架的CD，最终带上了这张专辑，一张无论何时何地都会让我感到十二月中那种独特的凛冽与澄澈的专辑，它可以轻抚躁动的内心，舒展紧张的身体，让我完全沉浸在这个超然的世界中。甚至此时此刻，敲击着键盘，我还在听，听这张乔治温斯顿的杰作，《十二月》。
那个与《十二月》邂逅的寒假，我在网上搜索这位大师的生平。美国蒙大拿州的爵士钢琴手，创作了十几张新世纪音乐专辑，抒发自己对故乡的眷恋之情。钢琴演奏之余，他研习了经典的夏威夷散弦吉他（Hawaiian Slack Key Guitar）,复兴了这种几乎被人们忘却的传统乐器。他还曾为4部儿童音乐剧配乐，包括著名的花生（Snoopy），一个有才华又不失童趣的艺术家。
随后的很长一段时间中，我一有时间就跑到各个唱片行，想找到乔治温斯顿的其它作品。情形往往是这样：我兴致冲冲地跑进唱片店，垂头丧气的出来。老板们会摇摇头，说道：“乔治温斯顿？就是那个弹钢琴的，很早以前有，现在很少有卖的了。”跑了不下十个唱片店，一个店员说：“我记得好像有一张，是那个弹钢琴的嘛！”然后她进里屋翻箱倒柜了约莫几十年，最后拿出了一张已经落了很多灰的专辑。我小心翼翼地擦去灰尘，激动得眼眶近乎模糊：乔治温斯顿精选集《四季（All the Seasons of George Winston）》。我估计我的确是饥不择食了，因为我从不买精选集。缩略版的音乐在我看来是对艺术家和听众的欺瞒。我本能地抵制速食主义音乐，精选集在某种意义上正是这种满足普罗大众的快餐食品。然而我还是满心欢喜的将它带回了家，聆听，直到困得忘了关掉CD机。
买这张专辑后没多久我遇到了神思者。那是一张封面红得有些俗气的专辑《故宫序曲（Palace Sketch）》。封面的噱头很是吓人，“继喜多郎后唯一享誉全球的日本New Age团体”。出于当时对新世纪音乐疯狂的喜爱，几乎没有什么犹豫就将它买了下来。客观地说，比起神思者的其它许多令人陶醉不已的电影电视配乐，这张专辑并不算较为出色。但是不久我又在同一家店中淘到了故宫系列的另外两张专辑《故宫序曲（Paean to Palace Memories）》和《再见故宫（Palace Seeds）》，我这时才后悔当初对神思者先入为主的看法。神思者的音乐——或者更确切地说，为故宫纪录片所做的音乐——体现了一个对中国文化崇拜者的自己用音乐所做的文化诠释。在其中不仅有宏大的交响乐背景，更加难能可贵的是一些中国特色的乐器（如电子合成的编钟，二胡）所演绎的主旋律，听来源远流长，回味无穷。
神思者是一个由两个擅长电子音乐的艺术家所组成的团体。成立之初名叫Sensitivity Project（感性企划室），86年为NHK电视台的纪录片《海上丝路》配乐后改名为S.E.N.S.，取sense 和cense的谐音，四个字母分别代表sound nature earth spirit。神思者主要以电影和电视剧的配乐为主业，出版了很多精彩绝伦的原声碟。我收藏了一张电影《悲情城市》的原声碟。这部由侯孝贤导演的中国台湾电影，获1989年威尼斯电影节金狮奖，而由神思者所做的深沉而婉转的配乐在其中功不可没。
乔治温斯顿和神思者仿佛在我心中开启了一扇新的门，一扇通往一个全新的音乐世界的门。我不再流连于唱片店排在最显眼的位置上的流行音乐专辑，而是如饥似渴地寻找新世纪音乐专辑，因为比起新世纪音乐，流行在某种意义上显得那么肤浅。新世纪音乐——无论是从最早的曼陀凡尼（Mantovani Orchestra）改编古典大师如肖邦，李斯特的作品使之成为雅俗共赏的轻音乐，还是喜多郎范吉利斯为电影和电视纪录片的精妙绝伦的配乐——囊括了音乐的各个角落。这群对未来充满希冀的艺术家们将古典与现代相结合，展现出一种空前绝后的艺术流派。以前在看相关资料的时候找到了一位青岛大学音乐学院教授对这类音乐所下的定义：“所谓新世纪音乐就是以现代化的音乐器材、音乐手段来演绎古典音乐、民族音乐、地方音乐。”（“语言的尽头是音乐出现的地方—— 新世纪音乐” 作者：青岛大学音乐学院音乐系 姜良君）虽然我远不及这位教授的艺术造诣高，但我个人并不是很同意这种说法。诚然，诸如神秘园（Secret Garden），姬神（Himekami）等众多音乐家在探索本国民族音乐方面做出了不朽的贡献，曼陀凡尼，马友友（这两者的新世纪音乐家地位还有所争议）在发掘古典音乐方面独树一格，然而新世纪音乐绝对不尽仅是民族、地方和古典。在我看来，新世纪音乐的独特魅力正在于它没有确切的界限，各种想要表达内心深处冥想的旋律都可以算作是新世纪音乐。从德国电子曲风浓厚的橘园之梦（Tangerine Dream）到中国的充满佛教内涵的邓伟标，从西班牙热情奔放的吉普赛国王（Gypsy King）到美国冷静优柔的苏珊西亚尼（Suzanne Ciani），还有久石让那些日本民族风格的动漫配乐，旅韩华裔钢琴家Daydream跨越国界略带忧伤的钢琴旋律，所有的所有，都指向一种全新的音乐理念。这种理念或许用喜多郎自己形容自己的音乐时所用的词非常恰当，那就是spiritual，灵魂的。美国女作家奥尔科德说：“眼因流多泪水而愈益清明，心因饱经忧患而愈益温厚。”我想，新世纪音乐这种spiritual的特点或许同样的会令听者心中“清明而温厚”，而这恐怕也是为什么新世纪音乐会如此与众不同吧！
乔治温斯顿的十张钢琴小品集都由广州星外星公司在国内正版发行。我陆陆续续买齐了所有的专辑，每一张都仔细而认真地听，听到熟到每一个音符，修饰音都能背得出来。乔治温斯顿不仅仅用他娴熟的技巧打动了我，更多的是他在音乐中注入的真情实感，听起来没有一点造作的感觉，完全是发自内心对自己故乡蒙大拿州的赞美。我也听过几乎所有的班德瑞的作品，然而不知是因为国内销售商们不遗余力地推广使之最终俗到烂掉，还是这帮瑞士音乐家们本身就是将自己的音乐理想建立在虚幻的现实上，反正那些音乐都有类似什么“微风山谷”“梦花园”之类虚无缥缈的名字，但是听过以后绝对不会产生真实的意境，仅仅是虚幻的好听的音符而绝非旋律。乔治温斯顿有一张专辑《辞冬（Winter into Spring）》，当音符连续而密集地响起时，我竟不由自主地想到了春天的雨，以及春天万物生机勃发的场景。翻开专辑插页，惊讶地发现这首曲子就叫做《雨（Rain）》。而这种感觉，是听班德瑞无病呻吟的曲子所绝对无法享受到的。
相比之下神思者的音乐在国内发行的较少，除去故宫三部曲之外，还有一张精选集《透明的音乐》和一张电视连续剧配乐《二千年之恋》，仅此而已。很不好意思地承认，我的《悲情城市》也是盗版的。我在网上下载了神思者的其它所有的专辑，一次又一次地被他们所震撼，所折服。有很多曲子，简单到只有八个小节的主旋律，然而钢琴与弦乐的交织融合却产生了不可思议的和谐与充盈。比如神思者2000年出版的音乐专辑《Asian Blue》中有一首曲子《Sican-Prayer》，钢琴旋律重复两遍，变调，接着同样的旋律融入弦乐，重复，再变调。结构简单得夸张，然而那种静默的柔情却令人回味无穷。
我有时候喜欢作这样的比喻：乔治温斯顿的作品好比轻快清新的现代诗，听来有一种若即若离的感觉，听者与乐者既不遥远，也不过分亲近，乐者隔着这段既定的距离，让听者产生共鸣。而神思者的作品更像是雍容华贵的散文，以一种势不可挡的力量完全地包裹住听者内心。这种温情无微不至，让听者彻底沉醉于他们所营造的艺术世界中，敞开心扉，用炽热的心直接去感受这种唯美的旋律。至于现代诗和散文孰优孰劣，我想并没有定论。两种文体各有千秋，同样感召着一代又一代的生命，使他们的生活中充满令人难忘的回忆的片段。
如果你在网络中搜索乔治温斯顿，最先出现的（同样也是出现最多的）是电影《我的野蛮女友》中全智贤弹奏的缩略版的由乔治温斯顿改编的约翰帕赫贝尔的《D大调卡农》。约翰帕赫贝尔（John Pachelbel）这位对巴赫影响巨大的巴罗克时期音乐家恐怕永远也不会想到自己的这首卡农被改变了几十个版本，被不断演奏，经久不衰。不过另一方面，乔治温斯顿恐怕也不会想到，自己创作的几百首美妙绝伦的钢琴小品竟比不上一首改编曲在电影的推广下所产生的流行热潮。在我看来，有时艺术是一种无奈尴尬的矛盾统一体：一方面，艺术家不断创作更新更好作品，为的是让更多艺术的受众们享受更好的精神层面的食粮。另一方面，艺术又不可以完全屈尊下顾，完全抛弃高雅的“嫁妆”，让所有的普罗大众勉为其劳地为其推广，以至最终失去艺术本应享有的感召力。我还是拿班德瑞的例子来说。这群与世无争的瑞士音乐家们将自己封闭在瑞士的原始大森林中，全身心地投入创作之中，为的是让更多的人了解他们心中所向往的精神世界。我不清楚在世界的其它地方情况如何，至少在中国，班德瑞的出版发行单位很是混乱，许多家出版社同时“正版发行”班德瑞的专辑，并且配上与专辑内容毫不相关的莫名其妙的插图。唱片店，超市、购物中心的老板们仿佛抓住了救命稻草一般，以为不断在自己店里放这种“高雅音乐”就能招徕更多顾客 。于是乎，班德瑞迅速在大街小巷中走红，几乎所有的人都有意无意的听过许多班德瑞的作品。即使这种音乐再高雅，它最终也只能走向俗套的流行音乐的道路。同样的问题似乎也在侵蚀着恩雅，莎拉布莱曼，肯尼基，甚至是亚尼，神秘园，英格玛。我不知道多久以后路边孩童会哼着《Shepherd’s Moon》上学，我对这位爱尔兰唱诗班出身的女音乐家有着十二分的崇敬，但恩雅的天籁也正在大众化，平民化，最终……但愿“最终”不会发生，起码能晚一些发生，好让我们这群准“爱乐者”们能够将享受她的音乐这一小小的“特权”延续的时间再长一些。
有一天傍晚，我在学校广播台上听到了熟悉的神思者的音乐，《海上丝路》中的“Aphrodite”和《疾走》中的“Rain”，一首是纪录片的配乐，一首是电影配乐。唯美的旋律在校园广播不甚协调的喇叭中播放，竟还保留着几分原曲的优雅与温存，令我激动不已。可是听着音乐，心情又不觉地变得复杂。我曾向寝室的同学推荐过神思者的音乐，最终发掘神思者的号召力远不及周杰伦，只好作罢。我当时很希望能找到可以分享听神思者的音乐的乐趣的人，但倘若校园广播也不遗余力地推广神思者，最后浙大学生都喜欢上了这个组合，神思者不断被推广，最后变得和周杰伦一样。到那时我猜我绝不会缺少倾诉我自己音乐感悟的对象。但当所有人都在听着同样的音乐，都在自我感觉良好地发表或深刻或肤浅仿佛领悟又不甚了解的看法时，我估计……我肯定我会选择沉默。但我现在还在向人推荐，还在用论文介绍乔治温斯顿，介绍神思者，介绍新世纪音乐，介绍这群优雅的舞者，迈着轻快的舞步，在艺术的世界中翩翩起舞，留下一首首令人难以忘怀的经典的音乐。而我，只希望做一个观众，用我诚恳的心去感知。感知大师们的艺术世界同时，自己的心仿佛也跟着变得澄澈。心因聆听音乐而愈益清澈，我相信，爱音乐的人可以做到。
希望能帮到你。
❹ 用“流行音乐与电影”为题写1000字以上论文
太难了
❺ 求《浅谈音乐与电影情节的关系》
电影音乐的作用——渲染背景气氛 音乐能为影片的局部或整体创造—种特定的气氛基调(包括时间和空间的特征)，从而深化视觉效果，增强画面的感染力。这种音乐不是简单重复画面的内容，而是细致入微地为影片营造—种背景氛围。 这种渲染气氛的音乐在影片中用的很多的。由于用得多，便往往处理得一般化，缺乏个性，不够考究，也常常分量过重，因此遭到评论家的批评。如果能克服这些不足，提高背景气氛音乐的品位，那么，这种渲染气氛的音乐对增强影片的艺术感染力是能起到重要作用的。 这种音乐的作用，可以包括渲染环境气氛、渲染时代气氛、渲染地方色彩、渲染民族特点等方面。 1．渲染环境气氛 音乐可以为整部影片渲染一种总的环境气氛。 例如上海电影制片厂1983年摄制的故事片《城南旧事》(导演吴贻弓，作曲吕其明)。它通过小姑娘英子的眼睛所看到的人和事来表现二三十年代北京城南的风土人情，表达了作者林海音从这些往事的回忆中所引起的那种“离我而去”的惆怅之情和对故土的思念。为此，影片导演吴贻弓规定了整部影片的情绪基调是“淡淡的哀愁、沉沉的相思”。 作曲家吕其明根据这个总的基调，选用二三十年代流行的学堂歌曲《送别》为这部影片音乐的主旋律，并采用非常规的配器，只用了弦乐队和抱笙等几件有特色的民族乐器，以非常简洁凝练的音乐语言，为整部影片渲染了一种惆怅惜别之情。这种情绪的音乐在片头音乐中有较完整的展示，在影片的中间也有所流露。而在影片的结尾则表现得更为强烈；英子的父亲已去世，她和妈妈、弟弟去为父亲扫墓，从小把她带大的纯朴的农村妇女宋妈也要离开她们回农村去了，英子和妈妈、弟弟在满地黄树叶的秋天坐着车子和宋妈告别……这段画面的背景音乐就是在弦乐队的轻弱陪伴之下，抱笙吹奏《送别》的曲凋，这平缓、疏淡的音乐，恰如其分、含而不露地渲染了那种“淡淡的哀愁、沉沉的相思”之情。 由于吕其明成功地创作了这部影片的音乐，使他荣获1983年第三届中国电影金鸡奖最佳音乐奖。 音乐也可以为影片的局部渲染制造气氛。在一部影片中，有时某个场面表现的是人物的一种情绪；或是欢乐、喜悦，或是悲苦、伤心，或是紧张、惊恐，或是轻松、愉快等等；有时影片的某个场面营造的是一种特定环境的气氛：或是喧闹或是静寂，或是繁华或是萧条，或是庄严肃穆或是活泼热烈，等等，而此时往往很少对话或没有对话。在这种情况下，音乐从听觉这个角度介入，参与画面视觉内容的表达，使画面内人物的某种情绪得到进一步的强调，环境气氛得到进一步的渲染，从而达到深化视觉效果、增强画面艺术感染力的目的。当然这种音乐要用得准确适度。 例如影片《红高梁》中贴窗花一段：酿酒作坊掌柜、麻疯病人李大头死后，九儿(巩俐饰)带领伙计们把老掌柜用过的东西烧的烧、埋的埋，还用红高粱酒在地上连泼了3遍，用以消毒去火。九儿把自己的住房也重新粉刷过，被褥重新换过。此时画面上，身穿红上衣的九儿在新窗户纸上贴着新窗花，脸上绽开从未有过的喜悦，好像这回才真正做了新娘。伴随着此画面的音乐，是一段柔和、优美而又含蓄的唢呐曲，音乐为这个场面渲染了一种欢欣、祥和的气氛。 再如影片《红高粱》中抬花轿的队伍经过青杀口这一段，气氛是很恐怖的，刚才还疯狂颠轿的轿夫们，此时偃旗息鼓，收敛了那股嬉闹劲，个个低头屏息、蹑手蹑脚地走在两旁长满野高粱的小路上。只听画外音说道：“我家到十八里坡要过青杀口，这地方不知从哪年起，长出了百十亩高粱，没人种也没人收。老家的人都说这是野高粱，还说这儿常闹鬼。”画外音说完，音乐仅以小锣、低音大锣等打击乐器的两三下声响，便十分形象、准确地制造了那种令人毛骨悚然的恐怖气氛。作曲家赵季平写的这段渲染环境气氛的音乐真可谓惜墨如金，十分精练。它去除了有些影片这类音乐过于臃肿累赘的弊病。 http://tieba..com/f?kz=21248416
❻ 谁能提供我几篇有关电影音乐鉴赏的论文呀
《阿根廷别为我哭泣》的音乐鉴赏论文“……阿根廷别为我哭泣，事实上我从未离开你，即便在我狂野不羁的日子里，我也承诺不离开你……” 电影《贝隆夫人》主题曲《阿根廷别为我哭泣》唱出了阿根廷前“第一夫人”艾薇塔-贝隆辛酸曲折、辉煌传奇的一生。从穷裁缝的私生女到15岁的舞女，从高级交际花到总统夫人，艾薇塔33载的短暂一生记录了太多的悲欢离合、大起大落。7月26日是艾薇塔逝世纪念日，当麦当娜倾情演绎的《阿根廷别为我哭泣》缓缓响起时，“贝隆夫人”的传奇一生如电影般展现面前，人们不禁流下了热泪…… Evita(艾薇塔）是阿根廷前总统贝隆的夫人，她出生贫寒，做过舞女和影视演员，她靠姿色和手腕成为贝隆夫人后，为阿根廷的社会、劳工、医疗，妇女平等，单身母亲权利等方面均作出过卓越的贡献，逝世时年仅33岁。 贝隆夫人的传奇经历一向是剧作家非常感兴趣的题材，1976年，韦伯首先推出了由朱丽叶·科文顿（Julie Covington）演唱的单曲《阿根廷别为我哭泣》（Don't cry for me Argentina)，随着这首歌的轰动，由寇姆韦尔金森加盟的唱片随即发行，而且不出意料地广受欢迎。1978年，在万千音乐剧迷的企盼下，《贝隆夫人》在伦敦爱德华王子剧院正式上演，创下了连演八年的惊人纪录。次年9月，它又登上了百老汇的舞台，拉开了英国音乐剧攻陷百老汇的序幕。 电影《贝隆夫人》（Evita）（电影英文译作《艾薇塔》是1996年由麦当娜、班德拉斯和普莱斯主演的电影版本，其中移植了舞台剧的所有歌曲。这部由美国拍摄的电影由于描写了贝隆夫人早年的风尘生涯，在开拍时就遭到了阿根廷群众的强烈抗议和坚决抵制，再加上导演挑选以性感出位的表演而闻名的歌星麦当娜来出演阿根廷的国母，更是屡遭非议。但后来的事实证明，麦当娜的演出风格无损于她对角色的精当把握，也不会遏制她的艺术天分和敬业精神，尽管韦伯为适应麦当娜的音域特地把《阿根廷别为我哭泣》降了几度，但她的演绎自然贴切，歌声真切感人，不但在拍摄时感动了全体摄制组，还使了整个阿根廷完全接受了麦当娜扮演的这个角色，为这种名曲增添了新的光彩。麦当娜因此获得当年金球奖最佳女主角奖实非侥幸。对于这样一部带有韦伯音乐剧色彩的电影来说，实在没有不收藏的理由。 据说，当年麦当娜为能出演女主角，写了四页亲笔信给导演，并专门学习声乐三个月，光在录音棚就录了四个月，49音乐就录了四百多个小时，果然是精品。她在阿根廷拍外景时，面对抗议浪潮，她付出几倍于他人的努力，终于得到回报，甚至阿根廷总统也被她的诚心感动，答应出借总统府阳台。拍摄当天，当她出现在阳台，演唱“别为我哭泣阿根廷”时，4000群众演员和摄制人员都被深深的感动，以至人们都疯狂了，在电影中可以见到这一真实感人的场面。（这不是群众演员的“高超演技”）。 Don't cry for me Argentina 这首歌曲我听了多个版本，麦当娜，伊莲佩姬，沙拉布莱蔓，还有超女张靓影演唱的（正是由于听了她的这首歌曲的演绎，把我吸引到超女PK中，成为“凉粉”）。但是我感觉麦当娜把韦伯的这首歌曲演绎的最为到位，尽管其他两位佩姬和布莱蔓都是韦伯歌剧《艾薇塔》不同时期的不二的主角。 我不仅欣赏了精彩演出，而且也在这部音乐影片里，也了解到是一位出色的歌手，里面的演唱都是他亲身而为，影片而名声大震的演唱才华在影片中得以完全的展现
❼ 解电影与电影音乐的论文是写什么
。、可以
❽ 音乐对电影的作用论文
字数是够的，可能还超了一点吧。还不行就自己看着办吧！
电影已有百年历史，随着电影艺术的不断发展，音乐已成为这门艺术中不可缺少的一个重要组成部分。电影的彩色化、宽银幕化以及立体声音响的出现，杜比录音系统、数字多轨录音技术的运用等伴随着科学技术的进步不断发展。电影音乐的重要性和可能性大大超出了人们的预想。
《My Heart Will Go On》一曲回忆的、欲以挣脱某种纠缠,悲哀的、带有哭泣的主题音调充满深沉的情绪,立刻将我们带入到了《泰坦尼克号》宏大的世界当中。
在影片的前部分，交响乐配合得天衣无缝。节奏紧凑，气势恢弘。在隆重的交响乐烘托下，铁达尼坚固的形象深深树立在每个人心目中。
影片中“Rose主题”总是伴随着浪漫的情景出现，制造出一种梦幻的氛围。在甲板上Rose欣赏Jack的素描作品时，Rose要求Jack给她画只戴“海洋之心”的肖像时，钢琴旋律随之响起，渲染出暧昧，梦幻的气氛，清脆，优美的钢琴声，跳跃的音符充斥着观众的听觉。预言了一场爱情将要轰轰烈烈上演。
除此之外，影片中还掺差着其他的音乐元素。Jack扮成绅士参加Rose未婚夫邀请的晚宴时，Jack带着Rose参加“真正”的Part时。《蓝色多瑙河》和苏格兰曲风的旋律分别成为了背景音乐。《蓝色多瑙河》愉快，讽刺又滑稽的配合着这个场戏。显示出Rose的不满与嘲讽。而Jack拉着Rose的手奔跑到三等舱时，一切都被释放，欢笑的人们，自由自在的舞蹈。苏格兰调愉快的融入在这气氛里。Rose大杯大杯的喝酒，肆无忌惮的抽烟，跳舞，欢呼。她的灵魂在这刻是自由的。在影片中，Jack 和Rose愉快，轻松的场景，背景音乐总会合着轻快的苏格兰调的旋律。
但冰山的出现，一切美好，平静都被打破。激烈的交响乐给影片带来了另一个高潮。整个节奏迅速起来，急促的节奏伴随着画面里的人们逃窜，强烈悲剧色彩的音乐，音调低沉，激越悲壮，震撼人心。浑厚强大的音乐以及人们惊慌，呼喊，奔逃，形成一股洪流，一泻而下。这里交响乐的完美配合，把这一情节推向高潮点，达到震撼人心的强烈艺术效果。这幕不仅画外音乐很好的配合，画内音乐也密切的配合着。甲板上勇敢的乐队成员们，演奏着小提琴，大提琴，悲伤的旋律混杂在一起，萦绕每个人的听觉细胞，淹没了其他一切不相干的声响。 影片的最后，满头白发的Rose把“海洋之心”丢进了大海，让它和铁达尼永存海底。“Rose主题”最后一次响起，画面进入在海底沉默的铁达尼，一切突然还原，Jack站在楼梯上等待着她，所有的人都向他们投来祝福的微笑，他们再一次的拥吻在一起，完成这个永远无法成真的遗憾。主题歌慢慢响起，一句句歌词流淌出真挚的情感，比任何语言都更有力，动人的披露着爱情，仿佛在弥补片中不圆满的结局，让他们的爱情永远得到释然，见证他们永恒爱情。
❾ 急求,想要一篇关于音乐电影赏析论文.
《罗马假日》除了是一部爱情文艺经典电影外，它更象是一部罗马观光导览电影，并因为这部电影的上映和成功，让我们很好的感受了一回罗马的观光景点。片中公主因逃出皇室误打误撞遇到葛雷哥莱毕克演的美国记者，两人游历罗马的过程，也是他们开始恋爱的过程。两人在“真理之口”的俏皮对话，公主把手伸进真理之口被记者乔吓到的经典画面令我记忆犹深,记者乔伸手进真理之口突然大叫一声假装被真理之口咬住了,吓了公主一跳赶快帮乔去拉手出来,原来这只是乔开的一个玩笑,这时他们就像是一对恋人让人感觉到情人间的浪漫.在“许愿池”许愿的经过，骑着伟士牌饶过罗马的大街小巷...... 公主买花,还像平时接受献花时礼节性地表示谢谢，并不知道要付钱；最后因为没钱老板还送了她一枝花,这一段让人看了又觉得有点搞笑。公主去理发,理发师侧头问“剪了？”、“都剪了？”，他精心设计并打造公主的发型，完全像一个艺术家，相约晚上去船上跳舞；这些情节都很生动，也提示出了罗马人的生活的一个方面。 而公主剪完头发，在西班牙广场的阶梯上吃着冰淇淋的一幕，也深深牵引着我的心。虽然这些都是一些很平常的小事,但这些事发生在一个的高高在上、尊贵典雅公主身上却又会给人一种不同的感觉,也让我们了解到一个高高在上、尊贵典雅的公主对做一些平常的小事的向往。 更深一层：最后的最后，公主还是回到了她的宫殿，即使那是她的囚笼她也无法放弃；而记者乔，也转过身，一步一步、慢慢地、走出公主的生命，回归自己的生活。 无论未来会如何，各人的生活还是得按照既定的轨道过下去…… 不记得谁曾说过：刹那就是永恒。想来，这便已经足够了。 电影和小说里都充斥了太多的巧合和矛盾，二个人的故事或许就把一百个人的分量给用掉了……或许，公主安最初遇到的不是记者乔，而是诸如理发师某某、司机某某某……他们也会相爱吧，如果那些被遇到的人也如同乔一样（善良？正直？）的话？然而，即使是电影，剧中人的“人生”也是不可逆转的，从他们邂逅的那一刻、从乔决定把安带上车、捡回家的时候……就决定了他们的故事已经拉开帷幕了。 但无论怎么说，在我看来，这还是一个非常好的故事的。拥有过童话般的美好，最终也回归到现实。即使虚构的色彩很强烈、发生的几率很渺茫……但比起其他那些天马行空不知所谓只会洒狗血的东西，实在还是好得太多太多太多了！
❿ 论文：电影音乐与电影叙事间的关系 围绕《钢琴家》《角斗士》《天使与魔鬼》
何腾的课吧？