① 音乐鉴赏 急 急 急
音乐剧《悲惨世界》赏析
法国人克劳德勋伯格根据法国文豪雨果的名著《悲惨世界》改编的同名音乐剧自从1985年上映之后就常演不衰，并且这部音乐剧与他自己的另一部音乐剧《西贡小姐》以及英国人安德鲁韦伯的《猫》和《歌剧魅影》并称为世界四大音乐剧。《歌剧魅影》和《西贡小姐》我并未找到碟片，所以不曾欣赏过，但从《悲惨世界》和《猫》来看，《猫》杂糅了多种音乐元素：爵士、布鲁斯、金属等等；而《悲惨世界》的多数配乐都是以古典音乐作为基础的，而我自己是个古典音乐的爱好者，因此更喜欢《悲惨世界》。可惜的是，《悲惨世界》已经转入演出淡季且不再百老汇上演了，无法现场亲身体验这部经典名剧实在是非常遗憾。除了在课堂上欣赏过该剧全球巡演10周年的碟片，我在课余时间又完整地看了两遍，每一次欣赏这部音乐剧都会给我深深地震撼。虽然没有看过雨果的原著，但这部音乐剧通过视觉和听觉对我的冲击，让我深切地体会到了原作中所要反映的东西。下面就就我印象最深的几个音乐片段谈一点自己的感受。
第一个触动我的音乐片段是《At the End of the Day》，描述的是工厂里有一个叫芳汀的女工，她的美丽遭到其他女工的妒忌；当她们看到芳汀因对老板的轻薄不从，而且得知芳汀有一个寄人篱下的私生女时，便以此为借口怂恿厂主将其开除。这首曲子的节奏很快，演员们的词也都很多，但同样的曲调、同样的节奏在两类人的演绎下表现出了不同的感觉。一类人就是那几个带头的女工，她们一人一句，歌词就象连珠炮似的从她们嘴里蹦出来，好象巴不得一口把芳汀吃掉，言语中透露出来的轻蔑、鄙夷，让人不禁对她们产生厌恶之情。而她们几个人与跟风起哄的女工们的一唱一和——一句独唱一句合唱相间的安排，则把女工们急于赶走芳汀之心暴露无遗。另一类人就是孤独的芳汀。虽然还是一样的曲调，一样的节奏，但演员那略带哭泣的唱腔、委屈无奈的表情则表现出了芳汀孤独无依的窘境。芳汀一个人还辩驳不上几句，就被女工们更多更大声的无理指责给压了下去。同样的快节奏，放在芳汀身上，与其说是表现其有力地反驳，倒不如说是表现其在众女工以多欺少的情况下艰难无奈地抓紧仅有的一点喘息之机进行反驳。随着工厂主的一句“On your way！（马上滚吧）”，芳汀无奈地被赶出了工厂，她也失去了生活的来源。
第二个打动我的音乐片段是《Castle on a Cloud》，描述的是被寄养在德纳第夫妇家中已5年的珂赛特，终日受到非人的虐待；但这对黑心肠的夫妇却对自己的两个女儿疼爱有佳。可怜的珂赛特幻想着自己能到云端的城堡里，因为那里没有人大吼大叫，也没有人再要她做苦工。这首空灵的曲子出现在一段“重”音乐之后，整个现场突然间安静下来，只有交响乐团奏出微弱的前奏，接着穿着肮脏破烂的珂赛特唱起了这段空灵的歌曲。这里不得不提一下珂赛特的神情：红肿外凸的眼睛、沾满尘灰的脸颊与鼻子，让人顿生怜爱之情。她唱着“There is a castle on a cloud，I like to go there in my sleep……”，憧憬地望着远方，似乎看到了有这么一个云端城堡能让她摆脱现在无尽的苦工，她能在那里愉快地生活。突然间，这优美的旋律被老板娘霸道地唱腔打断了，珂赛特又回到了悲惨的现实中，又有一大堆的苦工要做了。珂赛特刚有一句哀求，就又被粗鲁地骂了回去，更显出这段歌曲的悲凉的一面。
这部音乐剧中还有许多“亮点”片断。比如描述流浪儿加夫洛许带来了拉马克将军的死讯后，众人在恩佐拉的带领下走上街头争取民众的支持所唱的《Do You Hear the People Sing》，这也是这部音乐剧中最振奋人心的音乐，在这里和最后尾声17个国家让阿冉同唱这首歌时将全场气氛推向了高潮；比如酒馆老板的《Master of the House》，其颇有喜剧感的节奏不禁让人随着节奏摇摆起来；比如珂赛特、马吕斯、爱波宁互诉衷肠的《In My Life》，他们之间的真挚感情把我深深地打动；比如爱波宁独诉相思之苦的《On My Own》；比如爱波宁为革命牺牲时在马吕斯怀里与马吕斯对唱的催人泪下的《A Little Fall of Rain》……这些歌曲生动地刻画出了一个个鲜活的形象，仿佛活生生地站在观众面前：令人爱的，令人恨的，令人不屑的，令人同情的……所有这些构成了这部经典的音乐剧。
《悲惨世界》
改编自雨果同名文学巨著的经典音乐剧《悲惨世界》，音乐剧《悲惨世界》的始作俑者—法国人阿兰·鲍伯利和米歇尔·勋伯格，都曾是音乐剧的狂热歌迷。1971年，两人在纽约观看了韦伯的音乐剧《万世巨星》，由此萌发出创作一部史诗风格的音乐剧的想法。两人从韦伯的经典音乐剧《万世巨星》和《艾维塔》中汲取了相当多的灵感，令其既有史诗般的壮丽，又不乏流行文化的精华。1978年，鲍伯利和勋伯格在巴黎“奇迹般地”完成了这项宏伟的工程。
1980年秋，长达两个小时的音乐剧《悲惨世界》在巴黎体育馆首演。令人难以置信的是，它竟然被硬插在了拳击和马戏表演之间，并在上演后的第十六周便被迫收场。哀叹之余，曾经把《猫》成功包装上音乐剧舞台的英国著名演出制作人麦金托什找到了鲍伯利和勋伯格，下决心要把《悲惨世界》搬到“世界歌舞之都”—百老汇。三人一拍即合，6年后，重新包装后的《悲惨世界》落户百老汇，并正式踏上了国际舞台。
作为一部大型音乐剧，《悲惨世界》聘用的演员总数为421人，幕后的员工更高达1633人。该剧之所以能连演16年而不衰，除了故事和主题的历久弥新、真切感人外，演员的专业、音乐的动人以及场景的变换等，也都是引人入胜的原因。例如主角冉·阿让在大战前夕祈祷上苍保佑养女珂赛特的爱人马吕斯的独唱《让我死，让他活》，其神情之恳切、旋律之优美，令人过耳难忘；再者，《悲惨世界》的编导破天荒地利用大型转台，将革命青年和巴黎市民共同堆砌的“战壕”逼真地呈现出来，加上慷慨赴沙场的激昂军乐和充满火药味的枪声、爆炸声，令观众如身历其境，达到了比电影还要真实的震撼体验。
② 千与千寻影片从音乐方面赏析
《幽灵公主》制作公映后，宫崎骏原本以此部作品完成后即宣告封笔。但1999年底，宫崎骏却意外复出，主导制作了动漫巨作《千与千寻》。音乐仍旧由久石让创作。在《千与千寻》里，自然的矛盾与人类的迷失，成为被反复诉诸的议题。主人公千寻在城市与城市之间的辗转里，见证着身边的一幕幕失落的影像。他与他们，都在不断攀爬的人生旅途中被世界所遗忘，丢掉了记忆，丢掉了名字，忘记了回家的道路。
以单纯的眼光看，影片是关于千寻在成长过程中的一系列神奇经验。但事实上，它却是一则关于整个人类的精神寓言。人类在苦苦追寻生存出路的时候，却都无不意外地迷失在歧途，开始在精神流失的过程里丧失希望。要寻找回真正的自我，做最后的救赎，只能寄希望于千寻那样纯洁而无邪的童心。纷争，欺骗，贪婪，懒惰，利用，自私，虚伪……成人世界里的一切丑陋的侧面，都在孩子那洁净的心灵面前黯然失色。
久石让在《千与千寻》的音乐创作中，淡却了早前的轻佻，反而是渐渐压缓了节奏，以最简单的音符、最繁复多变的弦乐篇章去诠释小女孩千寻的情感世界。钢琴，往往是以独白的形式独立于交响空间里，给人以一种取自于复杂世界里最孤独的心灵感(听歌)受。虽是细腻的抒情，但琴键之音却已没有了宫氏动画中的童趣色彩，反而是哀气十足。如其中的一章one summer day，曲调上原本是追随着《天空之城》做点题式的独白，但却在一派古典气息里被编配得老气横秋，让人在冥想中逐渐催生了年华老去的失落意境。
影片中的音乐与《幽灵公主》相仿，越发具有成人味道，想来久石让的音乐创作似乎也象千寻一样，经历了不同阶段的成长，逐渐开始变得老气横秋。很多人对此不太习惯，都在怀念那个纯真而跳跃的《龙猫》时代，都在怀念那个时候的久石让。但是，我们没有发觉，我们自己的心灵也已经不再单纯，也不再信奉梦想，也随着那淡淡的少年回忆的影像在短短的瞬间变得衰老。《千与千寻》的音乐与画面，其实就象是一个完整的人生一样，辗转来去，一点一点地寻回我们曾经失落的东西。久石让的音乐仍旧是充满关怀的，永远都是，就象是你心脏被刺痛的那一刹那，突然抚慰过来的一只手掌。很温暖，很人性。
相比于《幽灵公主》，《千与千寻》的音乐元素更为丰富，表现手法也更为老练，显示了久石让扎实精致的一贯风格，再次展现了久石让以简单琴音捕捉复杂情感的独到功力，优雅而美丽的琴音里不时随着剧情坠入调皮、可爱、奇趣、踌躇、犹疑、不安、感伤的思路，并随时与掌握惊险奇异冒险历程的管弦乐交互融合。与前作更为不同的是，《千与千寻》对古典音乐的追随显得特别鲜明了一些，很多章节已经成为音乐舞台上被反复改编演绎的新宠。而本片最为流行的，则是传统日本民谣风格的主题歌《与你同在》，这是木村弓所创作并自己亲自演唱的，而不是久石让的手笔，难怪其曲风与影片的大多配乐风格有着那么明显的出入。
木村弓早年一直在美国留学，学习的专业可不是演唱，而是钢琴课程。回国后，由于脊椎意外受伤，使她遭遇了人生最沉重的打击。可是她却没有放弃自己，也没有对人生失望，而是依靠歌声重新站了起来。现在总在各个公益演出与伤残理事会的活动中出现的她，有着与千寻一样美好而单纯的品质。难怪她的声音会被宫崎骏所青睐，《千与千寻》的命题不就是人生跌倒之后重新找回自我的艰辛历程吗？
不过熟悉古典音乐的朋友，应该不会对《与你同在》的曲调陌生。歌曲的和声部分，明显是取自于帕赫贝尔的《卡农》，除了拍子上有点变化之外，基本属同宗。在《千与千寻》所出品的电影原声中，特别收录了这个主题歌，而且后来还特别制作了交响音乐版。人们都说，这个曲子虽然与久石让无关，却有着与久石让一样的情怀，当然，也有着帕赫贝尔那不可磨灭的古典身影。
③ 角斗士音乐赏析
我也很喜欢呢，给你介绍一下吧
Gladiator《角斗士》于2000年由“梦工厂”推出，这是一部史诗巨片气势恢宏，场面壮观，而其中带有强烈古罗马帝国色彩的配乐，整个配乐充满着威武、雄壮、却又有一丝忧郁和哀伤。配乐者是德国人Hans Zimmer，他在电子合成音乐和传统交响音乐的结合上，表现出令人叹为观止的能力。
在开头马克西姆斯率领军队与日尔曼军队作战时候，从开始的沉静，深幽，古老，且富有民族风味的音乐，立刻转为The wheat，这首女声的吟唱，只有短短一分钟，之后开始转为The Battle，为了体现古战场的浩大，Hans Zimmer在这段里主要选用的进行曲的演奏方式，这段音乐的弦律气质在战场气氛营造上所展现出的是作曲家非凡的功力，交响乐所演奏的军队进行曲式的配乐具有强劲的爆发力，古典音乐在这里对战争的描写显得非常精彩，充分显示Hans Zimmer不是只会玩“电子动作音乐”的音乐家。
另外不得不提的一个人是Lisa Gerrard，这位一向活跃于哥德式摇滚音乐界的天才女性不仅谱写和制作音乐，还在若干曲目中献声，她的音乐的气息对配乐的风格也有很大的影响，她没有了一贯的阴冷感觉，而是更加具有娱乐元素，这与Hans Zimmer在电影配乐方面的风格良好地结合起来，使得整个电影音乐中体现出一种古老、悠远和深沉的感觉。
Lisa Gerrard的吟唱更是让人体会到战斗结束后那种放松，那种动人而细腻的弦乐，让人感觉非常棒。
整个电影的主旋律好象没有特别突出的，一个就是根据主题歌Now We Are Free的一些变奏，然后就是第3首反映开始战争的The Battle，这段旋律在第13首Barbarian Horde中出现过，后者描述的是马克西姆斯率领着奴隶们在角斗场内与驾驶着波斯滚刀战车的对手，以步兵对抗骑兵并获得胜利的精彩场面，这段乐曲与The Battle大同小异，而且都长达10分钟，利用充满现代感的合成音乐让古典音乐产生一种推陈出新的感觉。
还有一些让我感觉比较气势的音乐，比如The Might Of Rome，是当马克西姆斯准备出场进行角斗的时候那段音乐，音乐的旋律低沉而厚重，电子合成的低音效果让人觉得非常舒服，而且旋律的速度由慢变快，给人一种大战来临前的紧张感觉，而结尾处低缓的弦乐描绘出一幅角斗士胜利后接受全场欢呼的壮观场面...说实话这是一段非常出色的音乐，我甚至在玩一些战争游戏的时候喜欢把原来的音乐关掉，而用其他播放器播放这首音乐来作为游戏的背景音乐。
整张专辑除了气势恢弘的音乐，也有一些细腻的表现感情的音乐，比较有代表性的就是第4首Earth，这段仿佛由古代的笛子所演奏出的音乐，非常动人。配合着小提琴的演奏，特别是在表达人物内心的情感方面显得的非常细腻而丰润。另外Strength And Honor和Slaves To Rome也是非常出色。结尾的那首主题歌Now We Are Free在最后点燃了观众心里的情绪，每个人听到这首歌曲，看着电影里落日余辉下角斗场，无不感慨万千。
你觉得怎么样？～
绿巨人的我暂时还没有什么资料
④ 如何赏析古典音乐，并举例。
不知道你是不是学音乐的专业人事，反正我不是，发表点愚见：
我觉得，其实每个人都可以欣赏古典音乐！
欣赏音乐有很多种境界，比如纯旋律地欣赏，心灵同步地欣赏、钻研地欣赏。
实际上很多古典音乐在我们的生活中经常出现，比如广告中、宣传片中、晚会中、电视剧中、电影中。
我们可以先从欣赏旋律的角度切入，旋律好听，当然可以吸引住人，不需要去理解、不需要去分析。
当你真的喜欢上这种音乐形式，那么你就自然地用心去感受，慢慢、自然知脊就想了解这些作曲家和曲目背后的故事或曲子的结构。
当然，钻研地欣赏，吵猛败就是专业人事的事情了，我觉得一般人就到第二重境界就已经很好了！如果你是专业人事的话，那我就不妄加评论了，因为我都没到这个级别，呵呵~~
至于什么技巧升颤、素质，我觉得不是要具备什么技巧、素质、修养，而是音乐会慢慢养成一些好的修养、让你的耳朵喜欢起她来。
⑤ 哪些经典电影是能把古典音乐运用得较好的
能把古典音乐运用比较好的电影有一下几部：
1.莎拉·亚当斯 《上帝离你更近》
在那部几乎全球人都看过的电影《泰坦尼克号》中，我相信你一定记得那几个不怕死的提琴手。
2.约翰·帕赫贝尔 《D大调卡农与吉格》
电影《我的野蛮女友》不仅让许多人认识了全智贤，更让一段名为《卡农》的旋律风靡一时，由不同乐器演绎的各类改编版本层出不穷。
3.马斯卡尼 《乡村骑士》的序曲
在姜文的成名作《阳光灿烂的日子》中，也用到了古典音乐。这在国产片中是很罕有的，从这点都可以看出姜文的独具慧眼。
⑥ 电影《卧虎藏龙》民族音乐运用分析|运用民族音乐的电影
［摘芦岩 要］ 电影《卧虎藏龙》的创作无疑是成功的，这部带有浓郁东方色彩的影片得到了世人的广泛认可,它不仅使得中国电影赢得了世界的尊重，更使中国民族音乐走向了世界。无论是导演、音乐创作者都能从中得到启示。本文从电影音乐的积极作用入手，通过分析主题、场景、人物心理等方面进一步指出电影中音乐使用的主要方式，多元化的音乐使用模式,最后从三个角度提出了该电影对我国今后民族音乐使用的借鉴意义。
［关键词］ 电影； 民族音乐；运用分析
电影《卧虎藏龙》自公映开始，就得到了市场和专家的认可，并在第73届奥斯卡电影评选中获得七项提名，最终获得了最佳原创音乐和最佳主题曲两项大奖，使得这部带有浓郁东方色彩的影片得到了世人的广泛认可，对提升我国电影业起到了重要的推动作用，尤其是在目前中国音乐中民族元素逐步降低的情况下，更给人以深深的启示。俗话说“民族的才是世界的”，导演李安、音乐人谭盾、大提琴演奏家马友友用自己的实际行动，再次证明只要能够真正领悟到民族音乐的精髓，能够用适当的方式向世人表达，就能够得到各民族、各文化人群的认可，就能够展示其民族音乐的迷人之处。同时也要看到的是，通过电影这种文艺表现形式，将电影与音乐完美地结合，就能使两者相得益彰，熠熠生辉。
一、电影音乐在电影中的积极作用
电影音乐作为音乐范畴的一种，是电影艺术中的重要组成部分，对电影内容、实质起到重要的作用，对电影创作者所要表达的思想具有增强艺术效果、提高精神内涵的积极意义。电影音乐通过与电影画面的结合，能够很好地对观众思想、情绪产生推动、催化的效果，从而更好的衬托电影需要表现的内容，提升电影艺术效果。正如著名音乐家门德尔松所言，在真正的音乐中，充满了一切心灵的感受，比言词更好得多。它能够将许多无法用言语表达的思想通过自身的方式传递给听众灵魂的深处。就电影音乐而言，其积极的作用主要表现在以下方面。
（一）突出电影主题
电影《卧虎藏龙》叙述的是因一把青冥剑失窃而引发的一系列江湖恩怨故事，其实质上是一部爱陪败御情的悲剧电影，既有李慕白和俞秀莲的爱情悲剧，也有罗小虎与玉娇龙的爱情悲剧。这一电影主题就要求其配乐既要能够显示出电影中两段爱情悲惋凄凉的艺术效果，又要能展现江湖恩怨的生死与激烈。因此，导演李安就将《月光爱人》这首歌曲作为整部电影的主题音乐，自始至终贯彻于电影的始终。乐曲通过优美的夜景从侧面表现出电影的主题：凄美的月光下，凄凉的歌曲始终伴随着江湖的恩怨情仇与男女主人公之间的爱情，更衬托其无比的凄凉。而歌曲的英枯卜文名称A love before time，似乎也昭示这电影中的爱情如同时光一样转瞬即逝，也暗示着江湖中爱情的脆弱和不可知性。
（二）渲染场景氛围
好的音乐如同人们情绪的调酒师，能够为电影场景渲染出不同的色彩。其节奏的快慢、旋律的急缓、音响的高低，能够使观众如置身场景之中，更能够激发观众的情绪。在电影中，李安导演就将场景与音乐进行完美的结合，如在描写罗小虎在大漠出现的场景时，就使用了马头琴、二胡等音响效果的音乐出现，从而渲染了“大漠孤烟直，长河落日圆”的场景，同时选择一曲维吾尔族民歌《阿瓦尔古丽》，展示出人物豪放不羁、对爱忠贞的性格特征。将人、境、乐三者充分结合，使观众一下能够深刻领会导演的意图。
（三）刻画人物心理
音乐作为一种最能表达人物内心情感的方式，是电影中经常用到的一种形式，表达银幕上无法直观向观众展示的人物复杂心理状态，加强影片的感情色彩，促进影片与观众的情感交流。如影片中反映玉娇龙盗得青冥剑后，下定决心闯荡江湖快乐心情时，就选用了我国传统的民间乐器竹笛，其音色嘹亮深远，同时选用了云南民歌《小河淌水》的曲调，旋律优美委婉，配以边疆的特色乐器鼓乐，充分反映了主人公脱离牢笼，赢得自由，回归自然的欢乐心情，同时也展现了人物涉足江湖，不知江湖险恶的心理，为后面故事情节的发展形成了鲜明的对比。
（四）留给观众深刻印象
音乐的魅力在于能够给人的想象的空间，由音乐带动听众的情绪，由情绪影响其思想，从而能够激发听众的想象力。因此，一首好的音乐往往能够给听众留下深刻的印象，即使若干年后，每当音乐响起，依然能够将听众带回到那段画面之中。如电影中留给人深刻印象的就是主人公李慕白和玉娇龙在竹林比剑一段，两者轻灵的身姿、矫健的身手与随风飘摆的竹林形成了一幅完美的画面。导演使用了以音色苍凉萧瑟著称的民族乐器箫作为此段音乐的乐器，成功地展现了古代江湖神秘的气息，给观众以巨大的视觉冲击。
二、电影《卧虎藏龙》多元化的音乐使用模式
电影《卧虎藏龙》的音乐创作人谭盾，是我国著名的音乐家，其从湖南长沙的一个普通农村家庭中走出，凭借着对音乐的热爱，考取了中央音乐学院学习作曲，并取得了硕士学位，尔后前往美国哥伦比亚大学学习西方古典音乐，并顺利获得了音乐艺术博士学位，此后一直在纽约生活。可以说，谭盾本人就是一个多元音乐文化的统一体，既受到了中国传统音乐的熏陶，也受到了西方音乐的影响，因此在为电影进行音乐创作中，就能够很好地将中国古典音乐与西方古典音乐进行较好结合，形成了电影《卧虎藏龙》多元化的音乐模式。
（一）多元化的乐器使用，凸显民族色彩
电影根据剧情的发展变化，不仅仅大量使用了中国传统乐器，特别是少数民族的乐器，而其将西方乐器与中国乐器的演奏方式相结合，体现了不同韵味的中国民族音乐特点。一方面，将中国传统乐器的特点做一充分的发挥，展示了东方文化的神秘色彩和魅力。如在配乐《交锋》这一乐曲中，将琵琶轻灵、通透的音色特征与电影场景中激烈的打斗场景相结合，将中国武术的特点在音乐背景的衬托下更显示出其吸引力，向观众展示一幅气势壮观的武打场面；另一方面，则是将西洋乐器使用中国传统乐器的弹奏模式进行演绎，更显其独特的韵味。如在演绎《永恒的誓约》时，其电影场景就是玉娇龙在大漠中与一群沙漠盗贼奋力拼杀的情况，而如果用传统的音乐模式进行表现就不可避免地落入了俗套，而担忧则是使用了大提琴这种典型的西方乐器，在演奏家马友友的演绎，模仿马头琴和二胡的滑音从而制造了一种别样的苍凉效果，凸显了电影内容，给人以深刻的印象。
⑦ 电影配乐的配乐介绍
电影配乐指在电影作品中出现的主题音乐。一般应配合情节发展和场景的情绪， 起到烘托气氛的作用。配乐的制作有以乐器、声乐、乐团或电子音乐等方式制作。
⑧ 影视剧中的古典旋律
很多人总是对古典音乐敬而远之，但其实很多时候我们早已在影视剧作品中与古典音乐不期而遇。古典音乐因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而成为了影视剧作品的好搭档，时而激昂慷慨时而婉转低回，无论是作为烘托情境的背景音乐，还是主线伏笔，古典音乐早已与影视剧结下了不解之缘。
神探夏洛克海报
小提琴无伴奏奏鸣曲与组曲英剧 《神探夏洛克》 中，卷福不仅盘亮条顺，还有着超高的智商，没事还喜欢拉拉小提琴撩一撩华生~在《神探夏洛克》第二季第三集，莫里亚蒂入侵英国监狱、银行以及博物馆被释放，去找夏洛克·福尔摩斯的时候，夏洛克拉的曲子就是 巴赫 的 小提琴无伴奏奏鸣曲与组曲 ，并且莫里亚帝也是个巴赫爱好者。
夏洛克演奏巴赫小提琴曲
巴赫无伴奏小提琴奏鸣曲与组曲一共6首，大约于1720年作于德国的克滕。这6首奏鸣曲与组曲，它们构成了巴赫小提琴音乐的颠峰。在巴赫之后，小提琴无伴奏奏鸣曲很少有人再创作，是因为再也无法逾越这座颠峰。
不过很让人难以置信的是，巴赫1720年完成手稿之后，直到1839年，德国小提琴家费迪南德·大卫才予以编订出版。而这6首作品的巴赫手稿，居然是1814年有人在圣彼得堡一家奶油店的包装纸堆中发现的。
电影《七宗罪》海报
不知是否高智商人群都比较偏爱巴赫，在大卫·芬奇执导的 电影《七宗罪》 中就出现了 巴赫的《G弦上的咏叹调》， 七宗罪这部电影的成功在很大程度上得益于这个反派角色的塑造和凯文·斯派西在剧中精彩的表演 。
试听链接：https://y.qq.com/portal/player.html
巴赫的特质就在于能用最少的材料，经过不同方式的加工来组成庞大的音乐。在宫廷舞会上，巴赫的提琴被做了手脚，除了G弦之外，所有的弦都断裂了，当大家准备看巴赫出糗的时候，他却只用G弦即兴演奏了一首咏叹调，这曲子就是今天大家所说的《G弦上的咏叹调》。
巴赫
巴赫的音乐像数学一样优美，严谨，逻辑严密。这不正是「高智商犯罪」的特点吗，也正因此，巴赫的音乐能够用于影视剧中塑造高智商人物的形象。其实，不一定是罪犯，很多高智商的“正常人”也喜欢巴赫，例如现实中的乔布斯，就很喜欢巴赫。
当然，好好的犯罪电影，如果放个刘老根大舞台，还让不让人好好地犯罪了哇！！
影视剧中令人难忘的古典音乐还有很多，篇幅有限，难以穷尽，今儿就先瞎扯到这里啦~
⑨ “远”见——细探《碟中谍5》中的古典音乐元素（四）
远爷乐道道，本期将聊到《碟中谍5》 以歌剧《图兰朵》为核心，通过精妙的视听语言，打造的高潮大戏 。
不得不说，从以下这个桥段可以看出，导演麦考利是相当懂音乐，也相当会使用音乐的。
导演为了保证电影的节奏以及视听语言的统一性，对真实发生在维也纳歌剧院舞台上的歌剧《图兰朵》进行了非线性剪切。
影片第30分35秒，Ilsa进入Vienna Opera的画面配上的音乐，用的音乐是展现“图兰朵反悔，向父皇请求不要履行诺言，把自己嫁给陌生人”的情节。但是这里请注意一点，为了突出Ilsa进场时人物形象的展现以及Ethan的同步进入剧院的蒙太奇切换，导演用了很巧妙的心思。
按照逻辑，这段音乐本应该是完完全全的画内声，即歌剧舞台上的声音主导一切。此处唱段在原版歌剧中几乎是从头到尾都有以女高音图兰朵为主的人声，伴以皇帝和众人的劝说唱词。但是，实际上导演从30分35秒开始就把人声给去掉了，或者准确地说，导演是把女高音伴随乐队的第二乐句以纯乐队演奏的方式提前到30分35秒，作为画外声使用了。一直到31分07秒Ethan拉开包厢帘子，舞台上才真实演奏了刚刚这一唱段。也就是说，这半分钟的音乐嫁接其实充当了电影配乐的功能，为歌剧外的剧情设置的，而不是画面内的真实背景声。这样的技巧，观众如果不是边看着歌剧总谱边看电影，一般很难发现。
那么如何分辨呢？导演其实也有提示。从声场效果判断。Ilsa出场的配乐声场是完全录音室感觉，与电影配乐是一致的，属于画外声。而剧院中的音乐混响是真实在音乐厅场景中的，属于画内声。
此外，类似的例子还有31分30秒Ilsa取枪时进行了舞台音乐的跳切剪接。舞台上的物理时间已经和幕后刺杀的时间矛盾，导演强行调快了歌剧进度。之后在打斗场景中，导演又在第二幕结束后倒插了第一幕开场众人的悲壮合唱。随着场景的切换，音乐又回到了第二幕，仿佛一直在等待全剧的高潮——咏叹调《今夜无人入睡》。对舞台剧情如此肢解式的剪辑，说明导演已经完全把舞台音乐当做电影背景音乐来用了。这一切完全是为了幕后阿汤哥和辛迪加间谍打斗场面的顺利进行，以及剧情情绪的逐层推进。
值得一提的是，在电影中的好几处片段，当Ethan和Ilsa同时在场时，背景音乐大都配上了《图兰朵》爱情主题。 尤其是当Ethan在维也纳剧院发现Ilsa时，电影第32分42秒，舞台上歌剧在上演卡拉夫的表白爱情主题《请在黎明前说出我的名字》，同时也充当了剧中男女主人公情感羁绊的配乐。这是一出画内声在画外使用的经典手法，即用舞台表现的东西来反映剧中人物内心。
点睛之笔：剧院打斗场面的调度以及看总谱杀人的巧妙设计。 第38分19秒至38分50秒刺杀行为发生在在音乐的最高潮处，同时也是该桥段矛盾冲突的爆发点，剧情的最高潮处。两个个杀手同时埋伏在不同狙击角度，一边看着总谱等待 《今夜无人入睡》 （点击欣赏原曲）中“vin cero“这句的到来，一边瞄准总统。见下图谱例：
而此时的Ethan无法在毫秒之间同时击杀三名杀手。这个设计在其他电影片段中屡试不爽，屡用屡新。但是每一次只要变换其中某些元素和场景，观众就会十分买账。毕竟剧情由音乐决定，多了一个维度，显得非常高级、智慧。
这里插句题外话，Lane安排这三名杀手狙击总统，一定培训过他们，或者知道他们的古典音乐素养很好，看得懂总谱，背熟《今夜无人入睡》的旋律，还不能背错乐段（因为乐段的相似性）。也就是说特工必须样样精通，反派也得智慧超群。记得日本动画电影《名侦探柯南之战栗的乐谱》中也有类似的设计，是通过演奏家弹奏管风琴上不同键位音符，引起声波振动，带动同一频率的传感器引爆炸弹。
下一期，远爷将通过分析剧情后半段的古典音乐的使用，来进一步阐述，导演和配乐师是如何用音乐暗示剧情，配合台词甚至讲述台词以外的故事的。
⑩ 电影音乐赏析 那些经典电影中的音乐赏析
1、《beauty and the beast》 电影《美女与野兽》影视原声
《美女与野兽》是一个创作于18世纪的古老法国童话，原作者是Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve。故事讲述了一个被施了咒语的王子变成了一个面目可怕的野兽，后来有一个美丽的女孩爱上了野兽，从而解除了魔法。这个故事早在1946年就曾被法 国导演拍成过电影，1991年的迪士尼动画版本则更让它更加家喻户晓。
据悉，比尔·康顿（Bill Condon）为迪士尼导演的这部《美女与野兽》还将从1994首演的迪士尼同名百老汇音乐剧中取材。后者根据动画片改编，剧中由艾伦·曼肯（Alan Menken）和蒂姆·赖斯（Tim Rice）创作的多首歌曲，都是动画片里所没有的。
2、 《The Two Towers》 为电影《指环王》影视歌曲
霍华德肖《Howard Shore》为托尔金的《指环传奇》中获得巨大成功的第一部电影章节所作的音乐为他赢得了奥斯卡（Oscar）最佳原创配乐奖，这给了他一个惊喜，因为这部音乐有着雄心勃勃的规模和坚定的黑暗意味，这些因素轻易地模糊了典型电影幻想音乐和完成的音乐会作品之间的界限。
它的续集采用了同样的，通常是瓦格纳式的戏剧手法，按照电影的故事情节，进入了更加阴郁和不祥的黑暗角落。前一部由霍比特人启发而成的牧歌在这里被丰富的民族结构所取代，这些结构扩展了中土世界和人类世界的音乐范围；挪威小提琴哈丹格尔代表了罗汉和北非的瑞塔，为摩尔多主题增添了色彩；而圆木鼓、迪卢巴、木木琴和西姆巴隆则增添了迷人的纹理。在那里。乐谱中隐约出现的管弦乐云朵因肖尔出色的合唱作品而变得明亮起来，这部作品将古老的礼仪影响与伊莎贝尔·贝拉克达利安、独立流行歌手希拉·钱德拉、本·德尔·马斯特罗和伊丽莎白·弗雷泽的各种独奏曲相融合。”戈伦的歌曲《作曲家与抒情诗人弗兰沃尔什的最后合作》是埃米利亚娜·托里尼的后现代主义焦虑中的比约基，有助于突出故事的现代寓意。
3、《Breaking Dawn 》是《 暮光之城：破晓》的影视原声
加州乐团Castaneda主唱Vega Schenk最新企划的普普风电气双人组The Boom Circuits，其繁星闪烁般的电子乐音碎片，搭配有如Death Cab For Cutie主唱Ben Gibbard的嗓音，给人惊喜的错觉。好像从清澈的吉他picking漫舞渐入至层层堆砌出的合成器浓雾中，然后又在沉沦迷走之后步出薄暮、迎接外头洒下的暖阳光束。