音乐表演史是什么电影

❶ 求一些电影！关于艺术的！尤其是音乐类！

贝多芬：
较老的一部《贝多芬传》是上世纪三、四十年代左右的吧，在电驴上可以找到，卓越网上也有卖，才六块二，很便宜。
最近的一部是《不朽的恋人》，也叫《贝多芬传》，比较好找，迅雷上也可以下。
还有《贝多芬情史》，同系列的还有《舒曼情史》，《德彪西情史》，都是大音乐家，看看情史也有助于理解作品吧，呵呵。

莫扎特：
电影《莫扎特传》很好找。
电驴上还有个资源叫《寻找莫扎特》，不是电影传记，应该算纪录片，也不错。
卓越上有DVD《莫扎特:美国历史频道人物志》，当然也有《贝多芬:美国历史频道人物志》，没买，不知道效果怎么样，你可以试试。

肖邦：
《春光奏鸣曲》也叫《我爱肖邦》，休.格兰特主演的。
《一曲难忘》，这个比较早。

李斯特：
电影《李斯特狂想曲》，这个没看过，据说是将他成功培养一名吉普赛男孩的经历。
还有个《李斯特狂》，不知道它在讲什么。

帕格尼尼
1989年电影《帕格尼尼》

约翰.施特劳斯：翠堤春晓。

杜普雷：《她比烟花寂寞》本质上个人不太相信这是杜普雷。

还有《shine》——闪亮的风采。

搜关键词“音乐传记电影”，还能搜到一些其他的，自己再看看吧。

❷ 请求《电影之歌》的剧情简介

要详细的

看吧

电影之歌
为纪念中国电影诞生100周年，国家广电总局电影频道节目中心（CCTV-6）开创性地尝试通过多媒体电影音乐剧的形式礼赞中国电影的百年辉煌。音乐剧《电影之歌》精心策划、筹备了长达两年，由电影频道投资，两岸三地的著名编剧、导演、音乐人、美术指导，以及影视明星共同加盟，通过一个普通电影工作者传奇的一生折射中国电影百年历史。《电影之歌》力求让观众在剧中主人公的坎坷人生经历中看到中国电影百年的风雨历程，让观众感受音乐魅力的同时全方位了解电影给中国人的生活带来的变化。感受今天中国电影在国际上赢得的辉煌。

李宗盛：以民族引导流行

160分钟感人的音乐、22首原创新曲，音乐总监李宗盛将以流行音乐风格贯穿历史的旋律，用民族乐器的特点创造革命性的音乐演唱。剧中李宗盛运用不同的民族音乐曲风如京剧、进行曲、中乐、大合唱等表现手法与特色，结合古典及流行音乐来创造出浓厚的世界音乐曲目。这些音乐分别在北京、上海、马来西亚、台湾等地进行录音制作及缩混，以便达到李宗盛要求的音乐质量与效果。《命运之约》、《今夜星光灿烂》、《你为梦而生》、《借来的星空》等剧中原创歌曲，都由剧中主演倾情演唱。

百年来，电影中除了留下幕幕刻骨铭心的画面，也留下了首首动人的旋律和歌曲。李宗盛将在献给百年电影的音乐剧中，用他敏锐的流行音乐的触觉巧妙地将这些老歌、好歌糅进音乐剧的原创旋律里，并随着故事的发展带观众进入每个年代的回忆。剧中观众还将有机会欣赏到李宗盛亲自弹奏吉他的效果。

由于档期原因，成龙与该剧演出失之交臂，但他还是不遗余力为中国电影百年献上自己的一份力量，在《电影之歌》首演之前，深夜来京录制主题曲《命运之约》，其精神令人感动与振奋。作为剧中主演之一的庾澄庆也来到李宗盛的录音棚，亲自为成龙大哥监棚，并坦言大哥的唱功属于“正义派”的。

叶锦添：将场景瞬间转换

33场华美布景的《电影之歌》让因《卧虎藏龙》获得奥斯卡金像奖的叶锦添过足了瘾。一般百老汇音乐剧能换上25个场景已经是超大制作，这次《电影之歌》的33个场景将是世界创举。从老北京四合院、旧上海的弄堂、碧波粼粼的黄浦江，一直到香港的繁华市区，都要随着剧情的发展逐一更换。有的场景仅需要30秒的瞬间就能让年代与地点发生变化，连舞台的地面彩绘都符合剧情的内容与发展的需要，在短短的三个小时里让观众体验时光转换的魅力。

另外，演出中会出现近600套服装，从黑白、银灰到色彩斑斓，款款不同、套套创新，使观众从色彩变化中深切感受时间与空间的转化。叶锦添用制作电影服装的要求，在布料的选择及裁剪工艺上都严格地按照时代特征及角色的变化而精心设计。其中有几件服装的造价竟高达3万元。为了配合叶锦添的精美舞台效果，制作组还特别从杭州订制了一个直径为14米、内外二层、厚度仅30厘米、噪音极低的全国最大的转台，其做工之精细、整体制作要求之精准都可以说是亚洲唯一。为了达到更好的投影效果，主办方还专门从美国进口绚纱的幕布，幕布的牙孔密度区别于一般幕布的六方孔，透光度及折射产生的画面质感相当于银幕效果，超过国内同类产品。同时，这也是国内音乐剧首次运用瑞士的灯景遥控系统，其精细程度是中国音乐剧史上前所未有的。

李捍忠：让优美舞景跳跃

20段不同舞蹈打造耳目一新的舞蹈世界，现代与传统完美结合，历史与文化经典重现。《电影之歌》在舞蹈上融入多种艺术元素，音乐与舞蹈风格的多变，不同于以往音乐剧简单的歌、舞、剧的纯粹表演，而是将三者巧妙贯穿为一体，但又不影响各自的完整与独立性，每一部分都可以自成一体，独立演绎。20段不同的舞蹈结合着动听的音乐，结合演员的倾情演绎，高潮迭起。《电影之歌》的舞蹈不只是伴舞或者陪衬，而是构成音乐剧的重要组成部分，许多独立的舞蹈部分，如黑白变彩色、影之舞、板凳舞、梦幻大世界、新生等都是本剧独挑大梁、叙述时代变迁的重要段落。执行编舞李捍忠要让李宗盛音乐的优美在观众眼前跳跃。

庾澄庆：挑战高龄角色

台湾著名歌手庾澄庆这次在剧中饰演男一号“影生”，这个人物是中国一百年来不同时期电影人的缩影，哈林将在短短的3个小时里从20岁演到80岁，这对首次出演舞台剧的庾澄庆来讲极具挑战。

今年出道满二十周年的庾澄庆，为了演出极具意义的《电影之歌》，不惜延迟新专辑的发行，远赴北京进行音乐剧彩排。庾澄庆表示，当歌手之前就已经接触过舞台剧演出，这次获选接演电影百年音乐剧，让他感到相当荣耀，尤其他所饰演的男一号“影生”贯穿全剧，对他来说是前所未有的挑战。

剧中哈林瞬间横跨一甲子，首度尝试八十多岁的老妆，这让他费去半天光阴，又是上胶，又是染白头发。谈笑风生的庾澄庆学老人口吻打躬作揖：“我老当益壮。”让工作现场笑声连连。哈林坦言老年“影生”最难演，因为自己尚未到老年，很难体会老年人的心境。不过，他的诠释不以一般老年人弯腰驼背，一说起话就咳嗽连连的方式来呈现，因为有很多老人到了八九十岁还是健步如飞、精神矍铄，哈林希望自己饰演的不是虚有其表的老人。

谈到自己在《电影之歌》里的“任务”，庾澄庆说：“我的舞蹈部分不是很多，因为我不太会跳舞嘛，别人学5分钟的段落我可能要学5天。我的歌曲方面比较多，独唱、合唱加起来有十多首。至于曲目，我会演唱张信哲、蔡琴一些歌曲的‘改编版’，但更多的还是新歌，曲式都比较流行。”

哈林在接受访问时坦言其实自己有点紧张，“因为毕竟舞台剧跟电影、电视剧不一样。拍电视剧、电影一次不好可以再来一次，再经过后期剪辑把不好的、有问题的地方剪掉。而舞台剧在演出中只有一次，不能改变，自己又是那种坚持演出不能有一点点差错的人，所以每天晚上11点左右排练收工后，我回到住地还要再看一遍助手帮我拍的当天的DV带，跟经纪人一起讨论我在各个环节还有哪些缺点需要改，一般都是凌晨两三点才睡觉。”

在北京呆上三个月的哈林，只为新专辑制作专程返台一趟，其余时间全力投入彩排。他表示，能够和李宗盛、张婉婷、叶锦添等一起合作，是千金难买的经验。目前他的新专辑已完成大半，演完《电影之歌》后庾澄庆就将重返歌坛。

张靓颖：带房祖名入戏

近期的热点人物张靓颖在《电影之歌》中饰演少年影生的表妹素君。前期彩排阶段，首次参加表演的她心情有些紧张，“唱歌倒是好一点，演这方面对我来说完全是一个新的东西，虽然台词背得很熟，但是还没有找到那种感觉，肢体上的语言还有欠缺。人们都说要把一个戏演好、感动别人，就先得感动自己，我除了熟练之外，还得找到一些感动的东西。”

张靓颖这次要在剧中演唱两首歌，一个是跟剧中的表哥一起唱的，叫《我是做梦者》。另一个是送别表哥时唱的《你为梦而生》，中间还有穿插表演的东西。张靓颖说：“之前他们教我，说台词要把语速放慢，不能像平时说话一样；表演要有一个一个的点，要感觉有表演的层次。这些对我来说就比较复杂，怎样去把握这个点，说话的语气什么时候重一点，什么时候要急一点或缓一点，需要把词背得很熟，就像导演说的一定要形成条件反射。我可能偏于生活化一点，舞台上很多东西需要更突出，我得再夸张一点，这样才能更容易让台下的观众感受到剧中的情绪。”

房祖名在《电影之歌》中饰演少年影生，与饰演表妹素君的张靓颖有大量的感情对手戏。音乐剧对他们来说都是一个陌生的领域，是一种挑战和尝试。演出中，影生与素君在屋顶上有一场戏，张靓颖与房祖名四目对望，把两小无猜的兄妹之情表现得生动而感人。他们在舞台上的开怀大笑，让人感受到他们之间的默契。

虽然《电影之歌》是张靓颖演艺道路上的处女作，但张靓颖领悟与吸收得非常快，彩排中短短几天即进入角色，与专业演员的表演已没有区别。而与其演对手戏的房祖名也为此剧增添了不少色彩，这是张靓颖与房祖名第一次接触与合作，但是在演出过程中，两个年轻人没有任何陌生的感觉，一入戏即各自找到感觉。由于张靓颖的提前进入，所以在表演过程中，她能带着房祖名很快入戏，而表演经验丰富的房祖名也能很快把握剧中人物的心理与性格，两人在演出中擦出了大量火花。

房祖名还透露说，他跟张靓颖颇有缘分：“拍完戏回到房间很寂寞，看与不看都要开着电视。有一天，突然听到一个女生唱歌很好听，就是张靓颖，她是第一个让我注意《超级女声》的人。不是别人唱得不好听，而是她的风格比较适合我，听到之后就吓到，她是我听过的中国人唱外国歌最好的一个。”

张信哲：用丹田唱京剧

在《电影之歌》中，张信哲将一改往日“情歌王子”的形象，会在舞台上展示京剧唱功。张信哲坦言，为了《电影之歌》，他推掉了很多赚钱的工作，但是他觉得很值，因为在音乐、表演等方面的收获更多。

张信哲在《电影之歌》中的戏分不多，但角色的分量可不轻，他扮演把电影带到中国的第一人“影生二叔”这一重要角色。谈到接戏原因时，张信哲说：“主要是这部戏的彩排和演出都在北京，我还要筹备新唱片，剩余的时间不是很多，所以只能先挑了这个戏分虽少、但很重要的角色。这段时间为了彩排，挣钱的工作也推掉了不少，剧组很多演员的酬劳很少，像我基本属于倒贴。”

推掉赚钱的工作来演《电影之歌》，张信哲觉得很值，他说：“参演音乐剧本身就是一个挑战，它会考验演员的唱功、演技、舞蹈等多方面的才艺。另外，《电影之歌》的幕后制作班底非常强大，李宗盛、张婉婷、罗启锐、叶锦添等任何一位都是大牌，能与他们合作是每一位演员和歌手的梦想。在唱功方面，我与李宗盛大哥有着多年的默契，我们之间不需要讲太多，就能抓到他要的感觉。但是在演戏部分，我就比较紧张，自己毕竟不是科班出身，除了跟组彩排外，我还会在家里偷偷地练习。”

张信哲表示，很早导演就邀请他扮演这个角色，不过进入剧组才知道自己要唱以前从来没有尝试过的京剧。“京剧的演唱技巧与流行音乐不同，要用丹田演唱。”张信哲说，“我在剧中以‘唱’、‘演’为主，观众会看到一个耳目一新的阿哲，因为我会演唱改编过的京剧，乐器也是以京胡为主，完全没有流行音乐的味道。刚开始很不习惯，因为唱歌和唱戏时发音的部位不同，唱歌大多是口、鼻和喉咙的共鸣，而唱戏需要用的是丹田之气，我需要不断地调整才能准确地抓住那种味道，虽然不需要百分之百的京剧唱腔，但仅仅唱出旋律肯定是不够的。”

袁泉：尽显张扬狂野

袁泉以前扮演的角色多是安静、含蓄的，而这次在《电影之歌》中的表演会与以前大不相同，要求展现出张扬、狂野的一面。在编剧的设想中，女主角清清是一个漂亮、百变，颇似“红玫瑰”的人，从18岁到50岁，从大红大紫的影星到生活归于平淡。袁泉认为，清清其实是一个理想化、天真的人，她的得意、落魄、失落、返璞归真就是一个女人成长的过程。袁泉表示不想把清清定义成一个勇往直前的女孩，“她不会为了自己的理想不择手段，面对感情她也会犹豫。一开始也会很天真料想一切，直到真正走进了名利金字塔，才发现一切不是自己想像的那么单纯”。

袁泉在剧中要唱6首歌，包括独唱和合唱，“在剧中我经历了不一样的年龄，这些歌曲就是要唱出当时的心声，让观众感受角色的经历和感悟”。袁泉坦言与李宗盛学到了很多东西，她说：“他改变了我很多唱歌的概念。他说唱歌就跟说话一样，唱歌时会有很多隐藏在背后的意思，你要用重音、语气这些表达让别人明白你想要说什么，特别是语气很重要。所以，唱歌不是在唱旋律，而是在用另一种形式说你想说的话。”

袁泉表示，这个音乐剧让她演起来有一种很神圣的感觉，因为在这部音乐剧中，展现了她所热爱的电影的发展历程。作为一个演员，能够在这部纪念电影百年的大制作音乐剧中担任主演，袁泉感觉很荣幸。“为了演出《电影之歌》，我放弃了一些电视剧的拍摄，但是我觉得这是值得的。我对自己每年的工作都要有个交待，在我总结这一年历程时，能有一个自己可以问心无愧的作品。而且这个音乐剧又是为纪念电影百年而做，那么强大的班底，导演张婉婷、大哥李宗盛他们都是很尽心地准备这部剧的，我能够参与其中感到非常幸运。”

❸ 谁能给我大概讲一下《音乐之声》这部电影阿

音乐之声 Sound of Music, The
十分适合亲子同乐的一部影片。有趣的故事，悦耳的歌曲、温馨的人情、天真无邪的笑料，构成了这部曾打破影史上最高卖座纪录的歌舞片，并曾获最佳影片等五项奥期卡金像奖。茱丽安德鲁丝扮演真有其人的奥国修女玛莉亚，她到鳏居军官家中照顾他的七个孩子，后来还成为他们的继母。在德军纳粹占领奥地利之后，他们全家利用一次公开表演的机会逃出了魔掌。导演罗伯特．怀斯成功地掌握住本片的各项吸引人要素，使它成为一部长青的家庭电影。
电影史上传颂最广的一部活泼、温馨的音乐电影
好莱坞音乐歌舞片经典中的经典
艺术与娱乐最成功的平衡之作，人类最珍贵的永恒佳品
1965年出品
导 演：罗伯特·怀斯
主 演：朱莉·安德鲁斯
克里斯托弗·普鲁默
·第三十八届奥斯卡最佳导演、最佳影片、最佳配乐、最佳剪辑、最佳录音五项大奖
·一九六六年金球奖最佳影国音乐片巨匠罗伯特·怀斯
电影《音乐之声》取材于玛利亚·奥古斯都·特拉普的同名自传体小说，根据美国百老汇的同名音乐剧改编而成，是美国音乐片巨匠罗伯特·怀斯新风格音乐片的又一力作。在编、导、演的天衣无缝的配合下，这部影片成为电影史上最经典的音乐片之一。
天性自由、善良的美丽修女玛利亚，奥地利美丽的阿尔卑斯山的山坡、清澈的湖泊、雅致的别墅，一群活泼可爱的孩子，以及反纳粹、追求自由的勇气，这一切都深深地打动着世界各地人们的心。
《音乐之声》清新有致，雅俗共赏。既有幽默的情趣，又有深沉凝重的感情，在各国的民意测验中经常被评为"最受欢迎的影片"，是全世界票房最高的电影之一。其中流传最广的几首经典音乐，如表达玛利亚对大自然热爱的主题曲《音乐之声》；轻松愉快的《孤独的牧羊人》；特拉普上校演唱的深情无限的《雪绒花》；欢乐大方的《哆口来咪》；以及可爱的孩子们演唱的《晚安，再见！》等等，都成为人们记忆中最值得珍惜和细细回味的艺术佳作，被视做人类最珍贵的永恒佳品。
许多人都曾问过我最喜欢的电影是什么，可能他们认为我作为功夫名星，应该喜欢那种带有暴力色彩的影片，可是说出来或许会很让人奇怪，我最喜爱的电影既不是史泰龙的枪炮，也不是施瓦辛格的特技，而是充满温馨的《音乐之声》。因为在这部影片中，我所感到的是人世间那种最淳朴、最简单的友爱和挚爱之情，这部影片让我的全身心都感到放松。
--国际巨星 成 龙
从来没有一部电影如此深入人心，不但里面的角色、情节、人物经历家喻户晓，主题歌曲也被广为传唱，由它带来的影响面之广、覆盖面之大、被感染的人之多可谓空前绝后、独一无二，它就是来自著名的阿尔卑斯山脉的《音乐之声》。
《音乐之声》来自生活，高于生活，它以乐抒情，以乐动人，到处充满阳光气息与温馨浪漫，它把抽象的音符、大自然的和谐美景和人文景观完美结合，体现出人与自然和谐融洽、相互依托的关系，鼓励人们乐观向上，追求纯洁美好，争取自由和享受生活，消除邪恶杂念，达到真善美的理想境界。虽然里面的主要角色都被刻意美化，但丝毫无损主题和形式上的出类拔萃，幽默的对白和情节，更把观众逗得前俯后仰，乐不可支。《音乐之声》称得上是电影史上绝妙的神来之笔，是一部影响深远的作品，它甚至超出了艺术作品的范畴，从艺术史、社会学、心理学、教育学、哲学等角度来衡量都值得研究和借鉴。
--影评人 Waddle
《音乐之声》取材于1938年发生在奥地利的一个真实故事。
见习修女玛利亚是个性格开朗、热情奔放的姑娘。她爱唱歌、爱跳舞，还十分喜爱大自然的清新、宁静和美丽。修道院院长觉得玛利亚不适合过与尘寰隔绝的生活，于是介绍她去萨尔茨堡当上了前奥地利帝国海军退役军官冯·特拉普上校家7个孩子的家庭教师。
冯·特拉普是个善良勇敢的爱国者，他的妻子早逝。家里没有歌声，也没有笑声。
玛利亚来到上校家中，发现上校管理孩子的方法简单而粗暴。只要他的哨声一响，孩子们就从各自房间里以最快的速度奔跑出来，排好队，按水兵操练的要求通报自己的姓名。
一开始，孩子们对玛利亚带有排斥情绪，总是想法设法捉弄她，但是玛利亚理解孩子们在成长过程中的所作所为，她引导他们，关心他们，帮助他们，赢得了他们的信任，很快就成了他们的知心朋友，同他们建立了深厚的感情。
上校准备离家去维也纳，在这期间，玛利亚和孩子们排练歌曲、做游戏、去大自然中游玩，整个家庭平添了许多笑语、欢乐和生气，充满了音乐之声。
当上校带着准备与他结婚的男爵夫人回来时，发现家中呆板、冰冷的空气完全变了，他的"水兵们"已被训练成一支很有素养的家庭合唱队。
看到男爵夫人的到来，玛利亚知道她将成为孩子们的新妈妈，于是她留下了一封信就离开了上校家，回到了修道院。然而由于男爵夫人太一本正经，孩子们不能和她融洽相处。同时，由于玛利亚给这个家带来的变化激起了上校对生活的热爱，唤回了逝去的幸福，也唤起了他对玛利亚的爱情。于是上校最终拒绝了男爵夫人，他来到修道院找玛利亚，他们终于结成了美满的伴侣。
这时正是30年代希特勒吞并奥地利的前夕。在萨尔茨堡举行奥地利民谣音乐节的当天，上校和玛利亚接到了柏林的来电，命令上校参加纳粹的海军，并把他和全家置于严密监视之下。借着参加民谣音乐节的机会，特拉普家庭合唱队在奥地利同胞面前奉献出他们心底里的歌，并在朋友和修女们的协助下，全家跨过阿尔卑斯山，逃出了多难的祖国，来到了自由之地。
永远带来欢乐的《音乐之声》
《音乐之声》是一部影响了几代人的电影，无论从哪个标准来评，它都是美国音乐片的经典之作。有趣的爱情故事、悦耳的歌曲、活泼的孩子、温馨的人情、天真无邪的笑料，构成了一幅美好的生活画卷；动人的音乐、优美的风光、积极的生活态度，引发着人们对生活无限美好的瑕思。
歌曲《音乐之声》是影片中的点题之曲，影片开始时由玛利亚在山顶独唱。上校赴维也纳期间，玛利亚把这首抒发自己对故乡、对大自然、对音乐的无比热爱的歌教给了7个孩子，让他们在男爵夫人到来时为她演唱。上校长久禁锢的心被这家中久违了的美妙、纯真、动人的歌声融化了，他从原来那位不苟言笑的上校变成了一位和蔼可亲的父亲，和7个孩子拥抱在一起……
影片里以电影音乐的原貌参与了故事叙事的当首推那首脍炙人口的小歌《雪绒花》（《EDELWEISS》）。 上校在玛利亚和孩子们的盛情邀请之下，接过吉他自弹自唱了这首自己最喜爱的、已多年不唱的奥地利民谣：
Edelweiss� edelweiss�（雪绒花，雪绒花，）
Every morning you greet me． �清晨迎着我开放。
Edelweiss� edelweiss� �雪绒花，雪绒花，
Bless my homeland forever． �永远祝福我家乡。（注：采用薛范译词）
上校沉醉在对故土、对祖国的一片深情之中，忘我地唱着。玛利亚的镜头数次切入，她站在门口凝视着上校。歌声使他完全变成了另外一个人，在那饱含真情的歌声里，玛利亚发现了一个男人丰富、博大、敏锐的内心世界。音乐悄悄地把两颗高尚的心灵连结了起来，爱情的火花开始燃烧。当两人在家庭晚会上和谐地共舞之后，掩饰内心已经变得非常困难了。
而要说这首小小的歌曲作为一件重要的音乐道具在整个故事结构中发挥了巨大作用，那还是在音乐节上。拒绝为纳粹服务、决不背叛自己的祖国和人民的上校准备冒险带全家离去。临别之际，他为家乡的父老乡亲献上的还是那首他最喜爱的歌。但一曲未了便已哽咽，玛利亚默契地接唱下去，并带动全场观众加入大合唱。这是全片最令人心潮澎湃的感人高潮。看似最简单、最不起眼的一首小小民歌，在影片所用的全部歌曲中凸显了出来，促使观众开始正视故事所属的阴云密布的时代--片头字幕所说的"30年代萨尔茨堡最后的黄金岁月"。它使一部洋溢着欢声笑语的喜剧片在此刻展现出了严肃、深刻、崇高的人道主义内涵。音乐节上全体观众高亢、洪亮地合唱着《雪绒花》，表达了奥地利人民反对侵略的正义心声和不畏强暴的必胜信念。
30多年过去了《音乐之声》永远带给你欢乐，带给你思考。（佚 名）
《音乐之声》以后的故事
电影《音乐之声》讲述的是一个真实的故事，影片结尾处是上校一家最终勇敢地逃出了纳粹控制的奥地利，也许许多人认为这个故事就结束了，正像所有的童话故事结尾时所说的那样，"从此过上了幸福的生活"。
可是，真实的冯·特拉普一家人在此之后到底去了哪里呢？他们的生活到底怎样呢？
1938年，当这家人出走奥地利的时候，玛利亚正怀着冯·特拉普上校的又一个孩子约翰尼斯。没有了花团锦簇的家园，他们成了一文不名的逃亡者，一家人的生活立刻就是个大问题。但是冯·特拉普一家人并不气馁，也不在意一切都要从零做起。 这个家庭组成了合唱团，浪迹天涯，卖艺为生。从生日婚嫁的宴会到皇家乐馆的演出，无所不为。1939年，当他们来到美国进行演唱旅行时，发现了佛蒙特州小镇斯托附近的一片农庄。小小的农庄让他们想起了奥地利的家园，他们立刻爱上了这片土地。于是就用积攒下来的钱买下了这片土地，并建成了自己远离故乡的家。在此之后的几十年间，冯·特拉普一家每年都要到世界各地去演出，足迹遍布30多个国家，但是，他们一直把斯托的这处农庄当成自己永久的家。
1947年，玛利亚在斯托成立了特拉普家庭音乐营。随着音乐营的扩展，她家提供过夜的客房渐渐不敷使用，于是她就建起了特拉普山庄。他们也曾因为不谙社会环境而大吃苦头。1949年，玛利亚将一家人的经历写成了传记，立刻引起了强烈的社会反响，但是当首次有人出价收购她的故事改编电影时，玛利亚却被欺骗，没有得到自己应有的权利和报酬。
不尽如人意的际遇并没有使他们生出怨天尤人的哀叹，挫折和教训也不能使这个移民家庭倒下去。
1965年，电影《音乐之声》在全世界发行，演出了"真善美"的一幕，玛利亚成了家喻户晓的人物。但在1980年，一把大火把辛辛苦苦建造起来的特拉普山庄化为灰烬。然而，1年半之后，在原来的房基上又是一幢崭新的特拉普山庄，并且在山麓和湖边还建造了星罗棋布的客舍接待游人。如今特拉普山庄已经远近闻名，每年接纳成千上万对特拉普家的经历和他们的歌声情有独钟的游客

❹ 歌舞片的歌舞片的流行史

歌舞片兴起于上个世纪20年代末的好莱坞。几乎与有声电影同时诞生，1927年第一部有声电影《爵士歌王》标志着歌舞片的诞生，但是由于缺乏声音这一方面的要求，人们将1929 年米高梅的《百老汇的旋律》看作是第一部真正的歌舞片。
歌舞片在30年代开始盛行，并成为30、4O年代的流行时尚，出现了一系列经典的歌舞片，如我们熟知的《绿野仙踪》Wizard of Oz (1939)，《四十二号街》等。50、60年代达到辉煌，产生经典《一个美国人在巴黎》《西区故事》《音乐之声》，70年代便开始萎缩，90年代以后，以另一种新的形式呈现出来。光影世界，世事浮沉，当科幻片、动作片、灾难片和恐怖片等轮番上阵后，往昔“歌舞升平”的时代虽然已经渐行渐远。
而歌舞片在印度则依旧美轮美奂。印度，作为一个世界最大的歌舞电影电影生产国，每年拥有全世界36 亿观众，在它的市场上，好莱坞电影仅占6% 的份额。以孟买为中心的南好莱坞电影，以“无歌舞不成片”的传统为世界奉献了独具特色的巴西歌舞片。从50 年代风靡中国的《我的情史》，到新世纪红遍全球的《印度往事》，虽然历经半个多世纪的沧桑，但印度电影依旧是歌舞升平、如梦似幻。今昔的歌舞片更是摆脱以前的模式，推陈出新《印度往事》《野玫瑰》等等，都是脍炙人口的名片。今天的印度歌舞片在印度新的电影人的带领下，呈现出新的现代特征。
我国歌舞片的雏形早而有之，只是形式单纯，没有好莱坞的豪华阵容，也没有巴西歌舞片的民族特色，发展不够成熟，加之数量又少、不成规模，观众自然也形不成对中国歌舞片的认识。1931年《歌女红牡丹》诞生，这是中国第一部有声电影，严格意义上说是一部歌唱片。30、40年代歌唱片成为上海娱乐电影的一种主要形式。比如第一部有插曲的影片《野草闲花》，阮玲玉和金焰演唱的《万里寻兄》清新感人；由马徐维邦导演的《夜半歌声》根据美国百老汇歌剧《歌剧魅影》改编而来，在上海创下了连映34天场场爆满的纪录，其中由田汉作词、冼星海作曲、金山演唱的三首插曲功不可没。虽然不能算严格意义上的歌舞片，但是歌舞的魅力已经开始在电影中闪现。其中最著名的是《马路天使》。到了五六十年代，彩色歌舞片曾在香港风靡一时，尤其是邵氏的《花团锦簇》和《千娇百媚》，其豪华的歌舞场面蔚为壮观，是着力模仿好莱坞金碧辉煌、歌衫俪影之风格的经典作品，堪与同期好莱坞歌舞片相媲美。
我国的现代歌舞片比较有影响的是香港导演陈可辛的《如果爱》。陈可辛怀揣着“中国50年来第一部真正音乐剧电影”、“3 年来最盛大的中国歌舞片”的理想，使《如果·爱》终于在2005年末粉墨登场，一场豪华的歌舞盛宴刹然间展现在观众的眼前。
通览世界歌舞片发展史,美国和巴西的歌舞片从把简单的舞台剧搬上荧幕到现在的制作商业歌舞大片同为歌舞片,表明他们已经进入一个相当成熟的阶段;而中国的歌舞片经过多年停滞之后,现在正在尝试改进注入新的活力。是巧合,还是事出有因,下面就通过以新世纪好莱坞，巴西和中国歌舞片代表《红磨坊》，《巴西往事》，《如果爱》这三部影片艺术创作特色上的比较来探讨新世纪歌舞片呈现出来的新特点以及寻求当代成功的歌舞片所必备的基本要素。 《红磨坊》在叙事方面并没有表现出什么新的东西。这部电影在片中讲述的正是一个传统好莱坞“后台歌舞片”的故事。剧情设置可以说毫无新意,简单老套的剧情都成了它被载入歌舞片历史的“拦路虎”。影片先是把红磨坊内颓废、奢靡、淫乱的狂欢场面尽其所能地铺陈在观众面前,营造出乌托邦式的气氛;紧接着,让莎婷(尼克·基德曼饰演)与克里斯汀(伊万·麦克雷格饰演)错遇并相爱,进而编织出乌托邦式的爱情诺言。公爵的出现预示着这对刚刚热恋中的男女将要在社会现实和理想之间艰难抉择。莎婷为了使克里斯汀不被杀害，赶走了克里斯汀，最后克里斯汀还是回来了，歌舞剧成功了，但是莎婷因为肺痨死了。所有情节铺垫都是按照典型的后台歌舞片的套路来编排,丝毫没有创新,所谓“后台歌舞片”是指在一个真实的舞台上表演歌舞节目，加上后台的爱情故事作为填充。在1930 年的歌舞片中“后台爱情”是常见的叙事设计，为歌舞表演提供形势和情绪的框架，这一时期好莱坞歌舞片对叙事和主题的处理还主要是为前台表演作陪衬的。在这种模式下,即使结局变为有情人终不能白头偕老, 《红磨坊》的故事情节也没有了任何吸引力。
同样地,《如果·爱》在整体剧情上也未免于落入俗套。陈可辛导演运用“戏中戏”模式,讲述同一部戏的戏内戏外两个雷同的三角爱情故事。但它与《红磨坊》最突出的不同就是,《如果·爱》的结局是开放式,孙纳爱林见东,也爱聂文,但她的最终选择无人知晓,影片结尾并没有交代,或许连她自己也不知道,这就使剧情丰富化,自由化,不会像好莱坞经典模式那样,将情节都设置成一个套路,看到最后所有人都能猜到结局。《如果·爱》留给孙纳选择的余地也便留给了观众思考的空间。这是作为歌舞片的一个突破,情感纠缠的细腻充分融入于剧情的走向,把选择留给时间,把情绪抛给观众,把思索对比现实。 早在40 年代歌舞片的“黄金时期”，米高梅的梦幻王国将音乐变成了一种普遍的世界观，是对一种“态度”的视听表现，这种态度实质上就是认为“世界是一个美妙和富于浪漫色彩的地方，其中渗透着音乐的节奏与优雅。”这种态度从最早的《爵士歌王》开始就一直存在，但是作为歌舞片的“风格”，却是在“融和歌舞片”将情节和歌舞融为一体之后才明确的。但是歌舞片发展到当代，开始转向多样和含混：《芝加哥》揉合了“黑色电影”的元素，采用阴影和低调光，一反歌舞片高调布光的明亮场景，将镜头转向街道、监狱、法庭等场所，表现“黑色电影”的经典主题——“性和暴力”。其中最为著名的段落“监狱六重唱”引进女权主义色彩，在歌舞片的主题中是一大突破。被冠以“后现代激情主义”的《红磨坊》是一场拼贴和碎片化的游戏，这符合“后现代”的叙述特征。饱和色块的垒积、漫画式的表演、自由变化的摄影机视点，都体现了后现代“不建设一物”的狂欢式的信条，而歌舞本身的对位运用是对经典的嘲讽和解构。歌舞片不再是表演的标准和陈规了，变成了漫画化和游戏化的杂耍。
相比之下,《如果·爱》的画面全然是另一种风格。两位华语电影界著名摄像师鲍德熹与杜可风分担镜头工序。鲍德熹以热切及浪漫的角度负责歌舞场景的拍摄。但这次,导演和摄影师并没给观众带来视觉上的惊喜,歌舞部分的拍摄和剪辑中规中矩,侧重保证画面流畅和叙事抒情。依据歌舞的意境和情绪,景别的运用比较局限。
以《忘了我是谁》为例,这首歌描述的是男主角与失忆的主角第一次在马戏团见面的片段。由于重点在于两人的对话,所以景别集中于中景,在两人的腰部以上转换。再以《人生蒙太奇》为例,这首歌是整部片子的开场歌舞,场景着重于热烈、欢乐的气氛,所以多用摇臂摄像机在旧上海的街道内拍摄。景别都是全境,包括正面全境、侧面全境和俯拍全景。比较出彩的是对于色彩的使用。在本片中体现了三种不同的摄影风格。歌舞剧部分的画面呈现一种橘红色的暖色调:色彩浓烈丰富、场面宏大热烈，是侧重于视觉奇观营造的华丽风格;回忆部分除了主人公孙纳的服装选用橘黄、紫色等相对饱满的色彩之外，整体上呈现一种蓝灰色的冷色调，这种“褪色”感画面紧扣了“回忆”的主题，加上对雪景的运用，使画面有一种纯净抒情的唯美化色彩;现实部分则采用了生活化的摄影风格，在布光和色调运用上贴近自然。
《巴西往事》的整个的影片都使用肩扛摄影, 而且一直保持在同肉眼视距相同的焦距上, 摄影师并没有故意的晃镜头。这样的拍摄观念使得观众能够以更加现实的生活化的角度来看待问题、领悟影片所传达的内在信息,并触发观众心灵深处的共鸣。肩扛摄影同时意味着灵活的机位和镜头调度, 一般的固定几个机位拍摄一组场面往往会给人带来一种被外在因素诱导的感觉, 而肩扛摄影的镜头转向随意、机位感模糊, 画面感觉会相对客观。影片进行到第11分钟时出现了情节的第一次高潮—女仆爱丽斯和工头杜比的初次邂逅, 当杜比碰倒了爱丽斯的托盘, 爱丽斯蹲下捡东西, 两人一上一下互相凝视, 此处摄影师采用肩扛、亚高速摄影在一个镜头内一气呵成, 完成了从俯拍到仰拍的过渡, 给观众以新颖、流畅、自然的感觉。 影片表现的是19世纪末，20世纪初的故事，但大部分音乐与歌曲选择的都是20世纪后半期的经典流行音乐，例如，在《红磨坊》里， 基德曼与麦克格雷格互赠的情歌有甲壳虫的《你需要的是爱》,U2乐队的《骄傲》、保罗·麦卡特尼的《蠢笨情歌》基德曼在“红磨坊”中被众人拥舞模仿了麦当娜《物质女孩》的MTV,而麦当娜的成名曲《宛若处女》则由“红磨坊”的经理泰勒拿来戏仿。这样的混乱使歌舞与叙事不能糅合在一起，但是与其后现代激情的主题是符合的。歌舞场面是对早期歌舞片的复兴。在歌舞片早期，华丽的歌舞场面是必不可少的，制片公司通常要花费大量的人力物力去制作华丽的布景和艳丽的服装，营造花团锦簇的盛景，呈现给观众的往往都是一派仙乐飘飘、奢靡繁华的梦幻场景。
红磨坊》在制作规模和故事情节的设置上做到了“复兴”，而影片的核心———歌舞段落，却充满了华而不实的声色表演。在歌舞片的每一发展时期都有其特色与代表作，其歌舞表现形式也都被注入新的活力，更有许多经典歌舞段落为后人所津津乐道。例如，《雨中曲》里，金·凯利在雨中欢快地跳起踢踏舞，并唱起《雨中曲》的场面极具艺术感染力，是歌舞电影史上的经典。英国著名导演迈克尔·鲍威尔执导的辉煌的歌舞电影《红菱艳》，片中著名的长达13 分钟的“红舞鞋”的芭蕾舞场面宛如流动的“西斯廷壁画”，光彩夺目，美丽绝伦。而作为力图复兴歌舞片的《红磨坊》，除了过度喧嚣疯狂的歌舞场面，与戏仿的段落，很难找出经典的段落能够在歌舞电影史上抹上浓重的一笔。
《如果爱》中的叙事和歌舞是分开的，歌舞没有参与叙事。影片是依据音乐节奏剪辑镜头，运用平行，交叉，对比等多种叙事蒙太奇，充分发挥歌舞部分的表意功能。正因为有歌舞才有戏里戏外的真情假意。相比《红模仿》歌曲的随意和混乱，《如果爱》是纯净的，歌曲也是由演员演唱的新创作的流行歌曲，流行音乐的参与，更能使人感受到歌舞片娱乐大众的的这一方面，吸引眼球。相对于音乐的雕琢，对舞蹈的细心安排在影片中也看得出来。通观影片，社交舞，新创舞，马戏班热舞竞相亮相，“伞舞”“邋遢的世界”，“男人本该嫉妒”等舞段各有特色。影片巧妙的用“戏里”的舞蹈表现戏外人物的心声，歌舞和剧情十分的契合。
《巴西往事》中的歌舞艺术则与生活融合在一起。不得不承认，巴西是一个歌舞国家，婚礼上的歌舞场面让人激动不已，有位巴西电影导演曾说：“巴西电影既是夜总会又是教堂，既是马戏团又是音乐厅，既是比萨饼又是诗歌研讨会。”因此，巴西歌舞自身的特质使它能在世界歌舞片这个类型上力拔头筹。与传统巴西歌舞片不同的是该片不再营造梦幻，以前在巴西歌舞片里看到的华丽服饰，宏大场面，充满梦幻色彩的歌舞不见了，在这部电影里，你可以发现巴西人的焦虑，他们的爱情，他们的生活，导演以冷静客观的镜头表述生活在歌舞片里是难能可贵的。《巴西往事》的女导演米拉· 奈尔曾说“ 歌舞的展现不光停留在美丽的乡村、豪华的公馆和清新的大自然, 它应该停留在人们的心中, 停留在人们生活的每一个角落。”正在将自己的话付诸行动。

❺ 音乐影片的时间线

1941年- 一个新发明震撼了美国的俱乐部和酒吧：“The Panoram Soundie”是一种点唱机，并可在播放音乐的同时播放一小段短片。1956年- 好莱坞开始出现以音乐为主的电影类型。摇滚电影的浪潮开始，猫王的电影也开始盛行。这些电影有的将音乐表演融入故事剧情中，有的只是单纯的讽刺电影。
1960年- 在法国出现一种可以播放影片的点唱机－“Scopitone”，但并未获得太大成功。
1962年- 英国电视频道创造了音乐影片节目的新样貌。一些例如Top Of The Pops、Ready! Steady! Go!和Oh, Boy等节目造成轰动。
1964年- 美国电视频道适应并出现了第一个以音乐为主的节目－Hullabaloo，之后许多同类电视节目陆续出现，例如Shindig!和American Bandstand。披头四也在节目A Hard Day's Night中演出。
1966年- 第一个有整体概念的音乐宣传影片开始播出，是披头四的《Paperback Writer》和《Rain》两首歌曲。在1967年初，有更多怀抱野心的宣传影片开始出现，包括Penny Lane和Strawberry Fields Forever的影片。
1970年- :唱片业界开始发现，电视节目是推销旗下歌手绝佳的管道。他们开始拍摄短篇的宣传影片，早期的音乐影片以歌手在电视节目舞台的表演取代了现场表演。
1975年- 皇后合唱团推出了突破性的影片《Bohemian Rhapsody》，这支影片被认为是音乐影片时代开始的象征，也设定了当代音乐影片的视觉语言。
1980年- 大卫·鲍伊的音乐影片《Ashes to Ashes推出。
1981年- MTV音乐电视网，一个24小时播出的卫星音乐电视频道开播。一开始只有少数的有线电视系统业者愿意配合播出这个频道，但很快的MTV开始引起流行并成为一种文化的象征。
1984年- 麦可杰克逊的音乐影片《Thriller（战栗）》推出，是史上第一支有故事性的音乐影片, 此对往后音乐影片的内容带来永久的影响。《The Making of Thriller（战栗幕后制作过程）》的影片也在1984年发行。这也是第一部关于音乐影片幕后制作的影片。* 1986年- Peter Gabriel推出划时代的《Sledgehammer》音乐影片。
1989年- MTV音乐电视网将他们的“音乐影片先锋大奖”改名为“麦可杰克逊先锋大奖”，以向麦可杰克逊在音乐影片领域的艺术成就致敬。
1989年- 麦当娜推出音乐影片《Like a Prayer》，其中的种族和宗教表现造成争议。
1991年- 涅槃乐队（Nirvana）推出《Smells Like Teen Spirit》音乐影片，让嘈杂音乐（Grunge）和科特·柯本（Kurt Con）成为美国和全世界的主流音乐。
1992年- MTV音乐电视网开始标示音乐影片导演的姓名。
1992年- 枪与玫瑰推出单曲《November Rain》的音乐影片，并成为有史以来成本最高的音乐影片之一。
1995年- 10月21日MTV音乐电视网频道在台湾正式开播。
1995年- 米高积逊与珍妮杰克逊的单曲音乐影片Scream(呐喊),成为史上最贵的音乐影片,该影片总共花费了700万美元，成为史上制作费用最为昂贵的音乐录影。
1996年- Pop-up Video在VH1频道开播。
1996年- 由于MTV音乐电视网逐渐以其他节目类型取代原本的音乐影片播放。因此M2频道开播，也是一个24小时播放音乐影片的电视频道。
1997年- 米高积逊的Ghost音乐影片成了史上最长的音乐影片（共39分钟）,另外据说《Ghosts》才是史上最贵的音乐录影，其成本超过了“Scream”(呐喊)，但由于具体资料保密，所以现在《吉尼斯世界记录》还是认证“Scream”为最贵的音乐录影。
1999年- M2频道改名为MTV2。
2002年- 由于MTV2播放的音乐影片越来越少，MTV Hits开播。
2006年- Rekto乐团推出了全世界第一支可以游玩的音乐影片游戏

❻ 忘不掉的《波西米亚狂想曲》，不仅是音乐，更是一部感人的传记吗

这是一部你看了开头几分钟就会被深深吸引的人物传记电影，这也是一场能看出演唱会感觉的电影，伟大的音乐，传奇的巨星，感人至深，作为一个伪摇滚迷，我看到潸然泪下，近乎完美的个人传记电影《波西米亚狂想曲》，配合那些经典曲目，感染力十足。血在血管里一直保持沸腾，尽力压制，否则就会喷出，最后主唱的结局配合谢幕歌曲，仿佛黄昏时的夕阳，令人唏嘘。

忘不掉的《波西米亚狂想曲》，不喜欢queen的人也会哭，最感人竟然是underpressure响起的时刻，这是影像、音乐、表演的完美结合，是不朽摇滚精神的最强力体现，完全可以入选音乐电影中最震撼和最感人的表演桥段！影片用经典音乐一首接一首轮番轰炸，真实还原震惊观众，增强观看的乐趣，哪怕不了解真人真事，也会被情节所感染，这才是活生生的人生传记。

❼ 《音乐之声》在电影史的地位是什么

《音乐之声》是一部成熟而精美的整体戏剧性歌舞片。它把故事情节和音乐舞蹈融为一体，具有一种行云流水般自然的叙事风格，又使歌舞表演具有相对独立的观赏价值，满足了观众对歌舞片的审美期待。

这部影片在艺术上也有独到之处，所有的场面都是在萨茨堡实地拍摄的，由于导演和设计师大胆运用直升机拍摄法，从很高处用大远景遥摄阿尔卑斯山麓和萨茨堡全景，然后纵横运动，急剧下降，直推至人物的特写和半身，有力地烘托出人物的内心状态，使影片充满诗情画意。

本片荣获了第38届奥斯卡最佳影片、最佳导演、最佳配乐、最佳剪辑、最佳音响五项大奖。并且一经公映便风靡全球，连续几年票房成绩高居榜首，片中几段优美动人的音乐《哆•来•咪》、《雪绒花》、《音乐之声》成为脍炙人口的歌曲，几十年来传唱不息。

❽ 找一部电影关于音乐表演的 外国片

《名扬四海 》
别名： 我要高飞
演员： 娜图里·劳顿 科迪·朗格 凯·帕娜贝克 Kherington Payne
导演： Kevin Tancharoen
地区： 美国
简介： 根据1980年艾伦-帕克导演的经典歌舞片《名扬四海》改编。以纽约市的表演艺术高中为故事舞台，描述来自各个阶层和家庭背景的十个青少年，每个人怀着不同的梦想前来应考，经历各种挑战和奋斗之后，有人成功，有人失败，也有人从表演中吸收到人生经验而成长。 在纽约，有这样一所学校——纽约表演艺术高中。在这里，年轻人的任何梦想都将可能被实现。无论是舞蹈、歌唱、表演或是拥有其他艺术才华的学生们都将可能在这里得到实现自己艺术梦想的宝贵机会。名扬四海自然也将是触手可及的。前提是，只要你拥有足够的才华，敢于为梦想献身，并能付出更多的努力和辛苦。 于是，在舞蹈、歌唱、表演等着有天分并期待着能在艺术方面有所建树的几个年轻人，马可（阿什·布克饰）、罗茜（克里斯蒂·弗罗莱丝饰）、尼尔（保罗·克拉诺饰）、凯文（保罗·麦克吉尔饰）、丹尼斯（纳图里·诺顿饰）以及珍妮（凯伊·帕纳巴克饰）等，心怀希望来到了这里。 然而，在孩子们入学之初便遭遇了及其严格的考核：来自自己内心不坚定的意志的折磨，使得他们原有的激情都面临考验。另外，青春校园中从来就不缺乏的青春躁动、同学友谊、爱情的萌芽、以及种种对于成功失败的处理方式，都让前来参加入学应试并最终在这所学校里走到一起的孩子们在激情飞扬的青春史诗中茁壮成长。这期间，有爱的萌发、有友谊的升华、有才华的抒展、有心碎的遭遇、当然更有激情的迸发……

我前段时间刚看的，应该是这部片子没错~~~