⑴ 谁能给我一篇1500字左右的电影音乐赏析的文章！急急急！！！！
首先我觉得《罗马假日》是一部经典的爱情文艺电影.
在影片的后部在例行公事般的记者招待会上，一个声音远远地从人群后传了过来：“我想请问公主殿下，对于其他友邦国家之间未来关系的展望？”一直心潮起伏不能平静的安雅公主，眼光轻轻掠过那个一直默默注视着她的、而她昨晚才刚刚爱上的、但早已命中注定今生无缘的男人，一语双关地缓缓说道：“我对外交展望相当有信心，就如同……我和朋友之间的友谊一样。”说完，她的眼神又轻轻回落到乔.白莱德那魁伟、她昨晚曾深情依靠的身上，不再多说一句话，而那表情又分明若有所待。这时，此前一直一言不发的乔，这一次终于坚定地迎了上去，微笑着同样一语双关地插话道：“我可以代表我的新闻社说一句话，我们相信公主的判断是不会错的。”安雅终于听到了她最希望听到的回答，她情不自禁地欣慰地笑了，“我很高兴地听见你这么说……”一语未了，四目相对，默默无言，一切尽在不言之中……然而（为什么这个世界上会有这么多的“然而”呢！）正在这时，又一个声音很不适时地远远传来，打断了他们默默无语的深情对视：“公主殿下，请问你所访问过的城市，印象最深的是哪一个？”安雅抬头缓缓扫视了一下全场，然后再一次深深地注视了乔一眼，“每个城市都令人难忘，要想选择哪一个城市，实在是太难了……”说着，只见她轻轻地舒了一口气，但很快语气坚定地回答道：“罗马！无疑是罗马！！”是的，罗马！无疑是罗马！！没有人可以理解此时的罗马意味着什么,除了男主人公. 最后一个镜头男主人公站在庞大的皇宫里,周围的人都散场了,公主也已离开,他只是站着安静地端详着,终于转身,留给我们的只是一个寥落而寂寞的背影,一段愉快的爱情假日就这样落幕了.
其实他们早就知道这只是一段短暂不会有结果的爱情.在舞会上逃脱后,当乔搂着浑身湿透、瑟瑟发抖的安妮坐在河岸边时，乔的眼神是那样真诚而温柔。四目对视，乔和安妮都从对方眼中看到了炽热的爱火。乔情不自禁的抱住安妮，那样深情而坚定地吻了下去。那一刻，我的眼角有些湿润。我明白，乔的感情终于战胜了理智，他已经无法控制的爱上了公主，深陷爱情的沼泽无法自拔。影片中两人相拥热吻时，我不能看到他们的表情，然而我却清楚地感受到了他们内心的矛盾。一个是高高在上、尊贵典雅的公主，一个是平凡的记者，他们此生注定无法在一起。然而，此刻他们暂时忘却了一切烦嚣和世俗的纷扰，沉沦在这浪漫而忧伤的梦里不愿醒来。当安妮睁开双眼，乔望着她，眼角涌出的，是一股莫名而惶惑的忧伤。两人明白，这段爱情，是没有告别的结局。
《罗马假日》除了是一部爱情文艺经典电影外，它更象是一部罗马观光导览电影，并因为这部电影的上映和成功，让我们很好的感受了一回罗马的观光景点。片中公主因逃出皇室误打误撞遇到葛雷哥莱毕克演的美国记者，两人游历罗马的过程，也是他们开始恋爱的过程。两人在“真理之口”的俏皮对话，公主把手伸进真理之口被记者乔吓到的经典画面令我记忆犹深,记者乔伸手进真理之口突然大叫一声假装被真理之口咬住了,吓了公主一跳赶快帮乔去拉手出来,原来这只是乔开的一个玩笑,这时他们就像是一对恋人让人感觉到情人间的浪漫.在“许愿池”许愿的经过，骑着伟士牌饶过罗马的大街小巷......
公主买花,还像平时接受献花时礼节性地表示谢谢，并不知道要付钱；最后因为没钱老板还送了她一枝花,这一段让人看了又觉得有点搞笑。公主去理发,理发师侧头问“剪了？”、“都剪了？”，他精心设计并打造公主的发型，完全像一个艺术家，相约晚上去船上跳舞；这些情节都很生动，也提示出了罗马人的生活的一个方面。
而公主剪完头发，在西班牙广场的阶梯上吃着冰淇淋的一幕，也深深牵引着我的心。虽然这些都是一些很平常的小事,但这些事发生在一个的高高在上、尊贵典雅公主身上却又会给人一种不同的感觉,也让我们了解到一个高高在上、尊贵典雅的公主对做一些平常的小事的向往。
更深一层：最后的最后，公主还是回到了她的宫殿，即使那是她的囚笼她也无法放弃；而记者乔，也转过身，一步一步、慢慢地、走出公主的生命，回归自己的生活。
无论未来会如何，各人的生活还是得按照既定的轨道过下去……
不记得谁曾说过：刹那就是永恒。想来，这便已经足够了。
电影和小说里都充斥了太多的巧合和矛盾，二个人的故事或许就把一百个人的分量给用掉了……或许，公主安最初遇到的不是记者乔，而是诸如理发师某某、司机某某某……他们也会相爱吧，如果那些被遇到的人也如同乔一样（善良？正直？）的话？然而，即使是电影，剧中人的“人生”也是不可逆转的，从他们邂逅的那一刻、从乔决定把安带上车、捡回家的时候……就决定了他们的故事已经拉开帷幕了。
但无论怎么说，在我看来，这还是一个非常好的故事的。拥有过童话般的美好，最终也回归到现实。即使虚构的色彩很强烈、发生的几率很渺茫……但比起其他那些天马行空不知所谓只会洒狗血的东西，实在还是好得太多太多太多了！
⑵ 急需...音乐鉴赏（动画片花木兰）
我 谈 花 木 兰
——从影片《花木兰》谈中西方文化差异
作者：周倩
本学期初，在同学们的大力推荐下，我班成立了"阳光文学社"，班中大多数同学都是该社团的会员。在每两周一次的活动中，我们学习了一些名家名篇，欣赏了许多优秀的文学作品，当然也不乏一些极富创意的影视作品，《花木兰》便是其中的一部。
花木兰，在中国传统观念中是一个替父从军的女英雄，自古以来，流传至今。我们从"唧唧复唧唧，木兰当户织，不闻机杼声，唯闻女叹息"中了解了这位女扮男装的传奇人物。1998年美国迪斯尼公司花时四年拍摄了动画片《花木兰》，将花木兰这一形象展示给了世界人民。但是由于东西方文化的差异，导致影片在制作过程中赋予了许多新的理念。我们文学社就《花木兰》这一影片对中西方文化差异进行了探讨。
通过反复地观看影片，同学们分别从人物形象、艺术的表现手法、思想内容甚至于服饰、饮食、教育等方面阐明了自己的观念。看了迪斯尼公司拍摄的花木兰，仿佛她更生动形象地展现在我们的眼前，她不仅勇敢，而且相当有个性。她敢于与父亲表露自己真实的想法，这在当时的封建社会，几乎是完全不可能的；她也想为花家光宗耀祖，但由于她的不够淑女而使媒婆大发雷霆。她敢爱敢恨，面对高大英俊的教官她也有女儿家的情感流露，并且舍身相救，而面对单于的蛮横，她与他斗志斗勇，显示了她作为有血有肉人的性格多面性。尤其是片中运用了大量的艺术夸张手法将一个又一个生动的画面展现给观众。细心的同学们从火箭炮、烟花等高科技的运用看出了西方人的幽默。最为夸张的是人物的形象塑造，片中的人物或胖或瘦，或高或矮，胖的能将四人一马一手抱起，矮的只有普通人的四分之一高。
浪漫的艺术表现手法，使影片的戏剧性大增，加上优美的主题音乐，使一个个画面如此生动又精彩。课上老师又将事先录制的几个电影片断再现给同学们，将探讨的氛围又上一个台阶。
影片只是一个载体，通过对影片的鉴赏，同学们了解到由于不同的文化底蕴，所以导致中西方文化存在着一定的差异。但是我们要允许这种差异，由此教会学生从多角度地欣赏艺术与文学作品。
我谈花木兰
周 倩
教学目标：
1、通过对影片《花木兰》进行影评，从中了解东西方文化的差异。
2、让学生学会多元化的思考方式，对任何一种文化具有包容性。
两分钟预备铃：背《木兰辞》
教学过程：
一、启发谈话：
同学们，自打文学社开创以来，我们学习了不少优秀的文学作品，其中也不乏许多流传至今的古诗词。刚才你们背诵的这首，便是其中的一首。《木兰辞》说的就是古时候一个替父从军的女英雄--花木兰。1988年，美国迪斯尼公司将花木兰拍摄成动画片，将这样一个中国传奇式的女子推广给世人。前一段时间，我们利用班会课时间一起观看了这部影片。今天我们就这部影片来谈谈东西方文化的差异。
二、回顾电影，找出中西方文化的差异
1、什么叫"差异"？
2、"中西方文化的差异"是什么意思？
3、你觉得影片中哪些地方能体现出中西方文化的差异？
（人物造型、教育观、浪漫主义的艺术表现手法、高科技手段的运用、塑造人物、饮食、服饰等）
三、回放精彩片断，进行细节详评
1、『播放木兰替父从军前的思想斗争的片断』
从刚才的片断中你是否能进一步说明东西方文化确实存在着一定的差异？
（音乐的烘托、人物复杂的内心思想活动）
2、『播放花木兰最终战胜单于的片断』
在这一段中哪些地方体现出中西放文化的差异？
（高科技的运用，浪漫的夸张手法、人物的造型）
四、总结
同学们，今天这节课通过对《花木兰》的影评，你们每个人或多或少都学到了些东西。我们的社会是个多元化的社会，各个国家、民族都有其自身的文化底蕴，我们既要对传统的文化给予肯定，又要能包容那些富有个性的文化。作品来源于生活，当我们在欣赏一些文学作品时也要学着用批判或赏识的眼光来看待。学会包容，你将学到更多！
⑶ 2D动画电影《狮子王》影评，从文化，视听，风格手法方面分析。1000—1500字
影评：《狮子王》- 爱与责任 《狮子王》（The Lion King）是由Disney出品的，在1994年上映的动画电影，也是公认的经典电影。我很喜欢这部电影。第一次看这部影片(英文原版)的时候是在初中，当时被感动得流泪。即使现在回顾重温，仍不免被其感动。 关于剧情，当时看这部影片时我就觉得跟《哈姆雷特》如出一辙，后来查资料才发现确实是以《哈姆雷特》为故事蓝本。不过不能因此否定这部影片的原创性。 这是个关于爱与责任以及成长的故事。 影片中没有人物角色，全部角色均为动物。但编剧们赋予了片中的每个动物十分真实的人性化塑造，这也是该片能打动人的地方。 Simba幼年时的无忧无虑，顽皮，爱冒险，整天和好友Nala嬉戏打闹，何尝不是像所有孩子一样呢。无忧无虑的幼年虽然美好，但孩子终归还是要长大的。当Simba与Nala在大象坟场(Elephant Grave)险些丧命于土狼们(Hyenas)之爪下，被其父狮王Mufasa搭救后，Mufasa意识到是时候教育Simba成长了:”I’ve got to teach my son a lesson.” Mufasa对Simba说了什么？他严厉地说:”Simba, I am very disappointed in you! You could have been killed. And what’s worse , you put Nala in danger!” Mufasa不只是责备Simba自己去冒险，更重要的是他将好朋友Nala置于危险之地。如果你自己一个人不顾性命那是你自己的事，但你牵连了别人，这就是责任的问题了。 Mufasa在意识到Simba认识到错误后，又展露出关爱的一面，与Simba嬉戏。在Mufasa身上展现的难道不是理想父亲的形象吗？既有慈父的一面，又能在孩子犯错时加以严厉的教导。我想这也是很多人最喜欢这部影片中Mufasa这个角色的原因。当Mufasa死在野牛蹄下时，当Simba呼喊:”Help! Sombody, anybody! Help…”，绝望的徘徊，并无助地偎进死去的爸爸的怀中时，很多人都看得哭了，真是让人心碎的场景。 Simba带着害死父亲的内疚离开了荣耀国(Pride Land)，郁郁不欢，似乎失去了活下去的动力。当Timon和Pumbaa问他干了什么时，Simba说:”I don’t wanna talk about it.”没有任何人能帮助他了,”Not unless you can change the past.” 当一个人陷入绝境后，他也会失去生活的动力甚至会想到自杀吧。这时候Timon和Pumbaa教会了Simba乐天逃避的哲学”Hakula Matata”, “When the world turns its back on you, you turn your back to the world!” Simba学会了这种逃避生活的哲学，希望能忘记过去痛苦的回忆。很多人不也一样吗，在绝境中试着麻痹自己。 但这种躲避能持续多久？过去的重重阴影还是会不时地从细缝里钻出来，啃噬你的心。仰视满天繁星，Simba想到了父亲曾经的教诲。”Someone once told me that they’re great kings of the past, watching over us.” Great kings of the past, 这不由地激起Simba心中之痛。他本应成为他们的一员，成为和父亲一样伟大的国王，当此时他却在干什么？欺骗自己，躲避现实。 Simba开始慢慢觉醒，他应该承担起自己生来应该的责任来。与Nala的意外重逢，听到了现在的荣耀国在Scar统治下的恶况；狒狒长老Rafiki的指引:”The past can hurt, but as I see it, you can either run from it or learn from it.”还有Mufasa的幽灵出现:”Simba, you have forgotten me. You have forgetton who you are and so have forgotten me.””Remember who you are. You are my son and the one true king.”这一切让Simba觉醒并开始承担起自己的责任。 Simba决定只身一人回到荣耀国, “to challenge his uncle to take his place as King.”为什么与朋友不告而别呢？想起Mufasa在大象坟场事件后对Simba的教育你就会明白了，他不想”put his friends in danger again”。 最终结局没什么好说的，善最终战胜了恶。做为以孩子为主要观众的动画电影，这样的结局安排很适当。不过，《狮子王》这部电影从主题或是教育意义上来说绝非是儿童电影，成人看这部影片也会受益良多。孩子在家长的陪伴下看这部电影是更好的选择。 《狮子王》这部影片在音乐上也十分出色，Disney请了世界顶级音乐制作人Elton John和著名的配乐大师Hans Zimmer为其量身配乐，“将广阔的非洲音域同迪斯尼动画因素完美地结合在了一起，终于创造出这不朽的动画奇迹”。该片获得了1995年第六十七届奥斯卡奖最佳原创电影音乐和最佳原创歌曲奖。音乐一向是Disney动画中的亮点，在这部影片中更得到突出的表现，无论是角色们唱的歌曲还是烘托氛围的交响乐都用得恰到好处。 《狮子王》无论在票房还是口碑上都获得了巨大的成功。在很多的经典影片推荐目录上都能找到它的身影
⑷ 动画电影赏析角度
2002年，第52届柏林国际电影节金熊奖、第21届香港电影金像奖最佳亚洲电影奖这两个耀眼的奖项全部颁给了一部动画长片，出自日本动画导演宫崎骏之手的《千与千寻》，2005年，宫崎骏本人也被授予了威尼斯电影节终身成就奖。动画片作为一种特殊的电影类型，伴随着其低龄定位的固定印象常常被置于电影学术视角之外。10年前，宫崎骏以其作品动画长片《幽灵公主》打破动画界为儿童观众制作电视动画短片的时代，红遍亚洲电影院线；10年后，《千与千寻》以动画这一类型片形式史无前例地在柏林电影节上获得最高奖项；这足以留给我们许多思考：显然动画片作为电影的特殊类型之一，看似单薄的画面、出自画笔或电脑软件的人物也能超出我们想象地成功承载导演试图传达的思想、成功传递人类特有的感情，动画电影在票房与艺术上都取得了一定成就，并逐渐走出浅薄单纯的刻板印象，在审美与艺术价值上得到了承认。
一、具有分析意义的动画电影及其美日两大风格
根据动画电影的表现风格与文化影响，人们普遍认为全球动画电影中执牛耳的美国与日本动画电影是两种具有明显不同风格的流派。动画电影的生成机制依赖于人在脑海中的想象与笔在白纸上的描绘，由于背离了传统电影的真实本性，历来以幼稚、简单等刻板印象在各种电影学术视角的边缘徘徊，这种印象的形成与沃尔特·迪斯尼及他的迪斯尼王国通过系列改编自世界童话的动画电影在全球大众通俗文化中产生的重要影响紧密相关。从1923年迪斯尼的第一部有真人参与的动画电影《爱丽丝在卡通王国》开始，诸如《美女与野兽》、《狮子王》等经典动画影片屡屡在全球取得票房成就，在皮克斯、梦工厂等动画工作室出现之前，奥斯卡最佳卡通片奖项长期为迪斯尼所独占。以迪斯尼为代表的美国好莱坞动画生产线历来以儿童为主要观众群，考虑到美国复杂的电影分级制度，动画影片往往回避时事主题与性主题等成年人才能理解的内容，以改编、创编经典童话故事为主，并且始终贯穿着好莱坞对电影技术的崇拜。如最新卖座电影《功夫熊猫》中，其导演与叙事力量已经完全为CG动画造型所带来的震撼所取代，制作商也坦言其生产路线就是制造“针对儿童的梦幻”，其终极目的是让家长掏钱购票，领着孩子走入电影院享受一次娱乐。
与美国动画电影具有的“儿童化”、“超级英雄”、“3D”等风格关键词相比，日本动画电影就有着更宽泛的路线。从上世纪50年代起就开始在日本社会普及的动画产业如今拥有非常广泛的观众覆盖面，如2007年日本本土电影票房排行中动画电影就占据半壁江山，这些票房冠楚大多是具有各种不同目标观众与风格的本土动画电影，特别是知名连载电视动画的剧场版：如以儿童为观看对象的《宠物小精灵》、《哆啦A梦》；还有讲述清纯恋爱内容的《秒速5厘米》等以少女为观看对象；以及热血格斗主题的《海贼王》、侦探类《名侦探柯南》等以青少年为观看对象；其次才是《美食总动员》这部皮克斯作品[1]。日本作为全球动漫大国，其总人口中视阅动漫的比率高达87%，居全球之冠，动漫产业成为其第三大产业[1]；从上世纪70年代开始，日本动画电影就开始了“输出”之旅，而日本动画电影在全球范围内赢得广泛关注与赞誉多要归功于目前日本国内公认的动画界三大权威：宫崎骏、押井守和大友克洋。这“三大权威”所制作的动画电影以构思复杂、思想深邃、主题哲意为共同特征，在世界范围内拥有大批拥趸，其中大部分是成年人。宫崎骏自《风之谷》后便在亚洲享有盛誉，2002年更是凭借《千与千寻》一举赢得全世界瞩目，其作品就此迈入全球关注的时代。押井守则是以根据日本科幻漫画教父士郎正宗的漫画原著改编制作的《攻壳机动队》电视动画片与动画电影成名，在全球范围尤其是美国产生了强烈反响，2004年制作的《攻壳机动队》第二部剧场版《Innocent》在戛纳电影节上展播，2008年以《空中杀手》与宫崎骏一齐角逐威尼斯电影节。而大友克洋早在1988年就以由自身创作的连载漫画《阿基拉》改编的同名动画电影惊艳于西方世界，这部承前启后的作品甚至深刻影响了整个西方的科幻电影思想[2]，2004年他制作的《蒸汽男孩》也在当年威尼斯电影节上展映，并成功在国际市场发行。虽然三人的作品风格各异，但目前从影片国际发行数量、所获国际奖项这些标准来看公认宫崎骏是最有影响力与代表性的。
从电影分析的角度来说，电影作为一个独立自主的艺术作品，它可以衍生一个在叙事结构上以及视觉、音响上建立意义，并对观众产生特殊效应的文本[3]。虽然传统电影分析的视角并未将动画电影置于其中，电影艺术的论述著作中也常常仅将动画作为一种影片类型寥寥简介，但是以宫崎骏及其系列作品为代表的日本动画电影具有显著的美学特征与导演风格痕迹，具有与商业电影对应的票房成果；在影片主题构思、创作水准、艺术效果、视听音像、目标人群上都具有了超越迪斯尼经典改编童话动画电影的高度；其进入国际市场的高品质作品以深沉的内容哲思与独特的画面风格获得了观众与影评人的认可。如此2002年《千与千寻》才获得了除柏林电影节大奖与香港金像奖以外，当年第75届奥斯卡金像奖最佳长篇动画电影奖、纽约电影批评家协会最佳动画片奖、波士顿电影批评家协会特别奖、第30届Annie Awards长篇动画片电影奖、导演奖、脚本奖、音乐奖、第9届好莱坞电影节最佳动画片奖、纽约电影批评家协会最佳动画片奖、日本电影大奖导演奖动画片电影奖等几乎所有动画电影评选的奖项[4]。这样一部动画电影能超越国界得到艺术与市场同时好评，为动画电影这一常常被电影学术界忽略的类型具有放入电影思想与文化视域进行解析的价值做出了旁证。
二、日本动漫产业语境下的宫崎骏电影赏析
日本动漫产业市场除了数量繁杂众多的印刷出版物，还包括动画电影、动画电视片和动画音像（录像带、DVD）与周边产品。在这个巨大的市场内产品内容无所不包，目前全日本有400多家动漫制作公司，科幻、灵异、侦探、恋爱、格斗、人际关系、伦理批判、个人奋斗等各种题材与内容的动画产品每天在这些公司中生产出来，其中也不乏暴力、血腥、尚武、颓废、色情、肉体刺激等充满负面内容的动画作品。在这样一个庞大芜杂的环境内，靠观众以自身脆弱的感知与判断在消费中来辨别动画产品的良莠实在过于勉强，但也正是因为这样，宫崎骏、押井守和大友克洋这“三大权威”所代表的这部分深刻、人性化、富有哲思并激励感悟的动画电影作品才得以以标杆的位置竖起日本动画电影的发展旗帜。“动画电影作品”与立足于短期收益的“动画电影商品”是不同的，并不是说提倡只观看欣赏权威导演的作品，但是对于日本动画电影的消费与赏析，必须首先选择在内容与思想上有品质与品位，其次是能传递出一定的导演通过世界观、价值观设定所欲表达的创作与人生理念的电影。
对于本文欲讨论的日本动画电影主要代表人物宫崎骏，其作品无论是美学视域还是导演的作者角色都具有十分鲜明的特色，尤其是成立个人主创的吉卜力动画工作室后，其个人风格在所有作品中一贯延续，并且在这背后还能看到日本民族文化性格的轮廓。
1、“吉卜力”的作者印章
“电影作者论”的命名者、倡导者、实践者是法国电影新浪潮的主将“三剑客”之一的弗朗索瓦·特吕弗；电影作者角色的倡导与实践意义始终限定在三个层面之上：通过编导合一赋予导演在影片视听构成与总体风格的掌控权利；将文学研究中的作家作品论研究方式实践进入电影评价，以导演作品的视角考察其电影；以导演作为划分并指称电影作品的方式，取代此前的主演明星或大制片厂的标示来勾勒电影现象与电影作品[5]。“电影作者论”与其说是一种理论，不如说是一种态度，导演在坚持艺术理想与平衡大众口味之间取舍，持续培育自身的风格。
原作与编剧、编剧与导演在电影作品内容的理解上产生矛盾与冲突是十分常见的，制作人与投资方提出修改意见也常有发生，编导的冲突与磨合在动画领域中主要表现在原作与脚本间、制片人与导演间。宫崎骏的吉卜力动画工作室创立之初推出的动画电影《魔女宅急便》就是根据小说家角野荣子的原作改编，因为影片加入魔女奇奇失去魔力的情节，曾被原作者认为有违展现魔女奇妙生活的作品精神而遭到强烈反对[2]，虽然最后双方做出了改编的妥协，但无疑原作者的意图是导演意图的干扰因素之一。或许是出于这一原因，宫崎骏创办的吉卜力工作室至今只制作了《魔女宅急便》与2004年《哈尔的移动城堡》两部由原著小说改编的电影，其余作品的原作、脚本、导演、人物设定、分镜全由宫崎骏一人完成，配乐设计也是由合作数十年的老搭档久石让完成。吉卜力工作室的合作制片人德间康快、高田熏等人则是以有名的从不干预导演的任何制作工作而与宫崎骏保持了长时间的合作关系。可以说在宫崎骏吉卜力工作室的作品中，真正实践了“导演作者”的自觉意识。宫崎骏作品的主要题材与重复主题也是十分明显的，以《风之谷》闻名于世的关注自然，批判战争与破坏的“环保教父”头衔在其后的《幽灵公主》、《天空之城》中得到反复印证；每部影片中必然出现的“飞行”场景；每部影片必然出现风格细腻的水彩写实风格自然景观；绝大多数影片主角都是特定年龄段的青少年；绝大部分镜头由细致的手绘画面制作…这些主题与表现上的特点已经形成导演本人的独特烙印，成为宫崎骏的个人风格标志。
可以说，即使没有任何真人明星演员，宫崎骏及其吉卜力动画工作室通过系列动画影片已经建构了一个完整的“宫崎骏世界”，打上了本人鲜明的艺术烙印，在很长的一个时期“吉卜力出品”甚至成为票房的保证，每部影片都是当年日本国内票房冠楚。即便是常被人忽视的动画形态，只要打破“给儿童看”这个藩篱，导演也能实践自己的艺术意图，甚至由于人物、背景、色彩等画面设定上的自由性还能更方便的以一以贯之的方式实践导演个人的主题与风格追求。
2、写意的美学追求
写意本是与“工笔”相对的中国画技法，强调以简练的笔墨写出物象的形神，从而表达作者的意境。简言之，写意是以看似简单的笔触体现出描绘对象的精髓。宫崎骏的动画电影画面线条都十分简单，无论是人物还是背景近景等，都是以手绘原图为基础制作出来的2D画面，画面立体感全部依赖色彩表现，主色调突出，色彩柔和丰富。但所有的宫崎骏电影都以流畅的视觉观感与明亮的色彩成功传达出影片的情绪，令观看者脑海中久久留下那简单却纯净的意境。以任何美术研习者都能具备的技巧绘画制作的电影如何给人们产生观看的愉悦？这就是写意的境界。
动画艺术本身是综合性的，它包括造型、动作、语言、绘画和声音等表现手段。这些手段又以不同的方式在动画形象上集中表现，构成了独特的审美价值[6]。宫崎骏的写意手法就在于动画形象的整体意境描绘上。苏珊·朗格在《艺术问题》中提出，一部绘画作品打动观众的方式在于以画布、色彩等物质事物达到一种平衡的形状，从而组成一个蕴含着画面要素的能动关系、充满着张力与驰力的空间，即所谓的艺术作品的“幻象”[7]。借鉴这种分析画作的观点来分析宫崎骏电影中的画面，即是以色调、角色造型、表情细节、背景设计等合力营造出整体的独特“画风”空间。比如《龙猫》中的大龙猫，以简单的灰色调与毛边椭圆造型，配上尖耳朵大嘴巴与富有变化的眼睛和胡子，并添上与巨大身材不相称的小爪子与尾巴这些细节，寥寥几笔背后是深厚的画风积累，成功塑造出具有毛茸茸质感又富有童趣的造型；龙猫出现的场景设计在临近森林的农田中或者是树上，以浅绿这种生动活泼的色调为主要背景，既有细腻得连经络都画出来的树叶，又有以简单化高光与明亮色彩背景化交代的农田，再加入几束阳光投射的光线细节描绘，便将画面衬托的生机勃勃。宫崎骏式“幻象”的营造在于对画面倾注的充沛情感，以写意的手法描绘角色，但是又利用画面的每个细节同时向观众传递关于角色的情绪，因而成功营造出独特的浪漫主义意境。
宫崎骏本人比较排斥电脑技术，他坚持在其制作的动画电影中不使用任何电脑技术，看似简单实则深厚的写意意蕴才是他真正打动观众的美学理念。
3、民族文化的轮廓
同样是“毛茸茸的巨大生物”，可以将龙猫这一角色与迪斯尼2001年制作的影片《怪兽公司》中的主角毛怪做个对比；皮克斯在设计表现“毛怪”这一主角时所采取的是全球最先进的3D技术，毛怪身上的绒毛多达300万根以上，为了详细表现出每根绒毛，并且在动作上同时表现出重力感与灵巧度，皮克斯花了近两年的时间专门开发了一种用于建模设计的电脑软件[8]。制作方花了巨大的代价试图表现一只“可以乱真”的怪兽，影片中以毛怪的动作为表现重点，解救小女孩阿布的情节安排紧凑令人印象深刻，但其角色性格与心理的刻画反而略显牵强。而轮廓化二维化的龙猫虽然没有一句台词，却以乡间森林中憨胖可爱的精灵形象留在了每个孩子的心中，“龙猫”一词与“巨大柔软憨胖精灵”建立起了意指链，影片播出后龙猫形象的毛绒玩具在整个亚洲大受欢迎，至今仍在生产。也许这两位主角甚至这两部动画电影的审美差异折射出的也是东西方之间的审美差异，以汉文化圈为代表的东方文化中历来贯穿“天人合一”的理念，从观看画面时的视觉习惯到把握概念时的认知习惯，东方文化都倾向于从“整体”上着手，具有追求整体和谐的习惯；尤其是宫崎骏的美学理念向来在于以柔美舒缓的笔触营造整体意境，以欲言又止的含蓄与意境美触摸观众的心灵。而发轫自欧洲的西方文化则以“人物对立”的理念来统摄其世界观，视觉习惯上关注主要部分，概念把握上关心结论，西方观众尤其是美国观众也更习惯接受主角在画面中心不断地行动、打斗。
艺术无时无处不与主体、社会及其文化等深刻地联系在一起，它总是某种社会文化类型的模型。文化在赋予一个民族以表达方式时，也赋予了该民族观察这些艺术的眼光。在宫崎骏的所有作品中都深深浸润着日本社会文化的审美特性与个性轮廓。
（1）日本社会与平民主角
在《菊与刀—日本文化的诸模式》中，本尼迪克特认为日本是一个强调团体与一致，以“耻感”为道德标准的社会，各自拥有固定的角色与责任、倾向合群低调的人群就像同质的汪洋。低调与寡言的日本人面临着职业与家庭的角色责任，背负着社会既定的压力。“中庸”作为儒家思想的核心要素之一被完整移植到了日本社会，并在此之上置入“国家神道”的信仰核心，个人主义在这个社会是不被提倡的。在这种提倡团队精神与社会规则的社会精神下，我们在以宫崎骏为代表的日本动画电影中看不到天赋异禀的美国式超级英雄，片中的主角都是凡人，普通的中小学生少女少年，连魔女都是穿着灰袍自食其力（《魔女宅急便》），即便有位见义勇为的飞行员也是一头猪（《红猪》）；严格来说他们根本不算英雄，他们只是通过战胜生活与心灵的挫折重新找到自信，帮助了身边的人也帮助了自己。
也正是因为如此导演在每部影片中并不仅是讲一个故事，而是将故事中每个角色的性格、心理细细铺陈开来，让观众目睹着身边的平凡人与普通孩子如何在成长的荆棘路中发生变化，找到自己的方向。“平民主角”源于社会文化性格对个人英雄的摒弃，给观众带来的是心灵的贴近与更多的自我感触。毫无疑问在观感撼动性冲击与心理抚慰式感触间，宫崎骏所选择的是后者。
（2）自然神灵与和而不同
日本社会的主要特点是多种宗教并存[9]，与此对应的便是多神的观念。多神观念的源头是日本原始宗教神道教，神道教认为万物有灵，崇拜自然界诸神，日本各地可见的神道神社就多出于山岳信仰而修建。敬畏山岳、河流、森林等自然神灵虽然看起来与现代社会的开发背道而驰，但多神与自然神灵的观念伴随着人类学传承而渗入了日本的民族文化。《龙猫》的创作就直接源于宫崎骏本人幼年听过的传说；而《千与千寻》的原片名为《千与千寻的神隐》，“神隐”就是日本文化中用来表示孩子突然不见或失踪的说法，意为被神灵藏起来了；在宫崎骏的作品中，自然神灵的存在理所当然。
在对自然神灵的崇拜中目睹的是摧残自然的现状，被称为“环保教父”的宫崎骏常常在影片中展现人类对信仰的漠视与大自然沉默的报复，也许不只是对于环境恶化现状的危机感使然，导演更想从自然神灵与现代社会和谐存在的理想图景中召唤那逝去的尊敬自然的崇敬之心。不论是《幽灵公主》中人类与森林生灵血淋淋的战争，还是《千与千寻》中各路神灵悠然自得的异世界，“和而不同”是导演在其所有作品中设定的一以贯之的世界观，在这种世界中徜徉的观众也能回味起日本民族敬畏自然的时代。
（3）含蓄深远的淡雅之美
“含蓄”可以说是概括以儒文化为代表的东方文化美术、文学理念的关键词之一。表现在影片的审美领域，即是“其中深意，欲说又止”的叙事方式，以及传承自“物哀”情结的婉转淡雅气氛的营造。
宫崎骏动画电影常常在120分钟以上的时间里陈述一个完整的世界观架构，并安排一段极其复杂的剧情，在人物关系与背景架构交代清楚后，影片便围绕一个核心情节展开，但高潮的铺陈舒缓，主题立意深远，导演有意无意不交代彻底的一些细节为观众留下了无尽的回味与想象空间。如《幽灵公主》中著名的结尾台词“一起，活下去”，又如《千与千寻》中带着些许怅然的千寻离开异世界的脚步，再如《天空之城》中载着生机缓缓升空的大树之城等等，没有“从此幸福快乐”的结论让人安下心来，这种欲说还休的叙事方式以及一些刻意的细节悬念交代，类似于绘画中的“留白”技法，于空白处留出想象的空间，迈入这处空白的观众以自己的方式参与导演的世界，这与好莱坞动画电影的直白单调相比是一种别样的体验。
“物哀”则是由《源氏物语》在日本社会所开启的一种审美意识，淡淡的哀伤，婉转的情意自公元1世纪以来就随着一代又一代的诗人、散文家、物语作者流传了下来[3]，就连日本的国花樱花也是充满着繁茂枝头转瞬即逝的哀婉与悲伤，而日本作家川端康成也是以小说《古都》、《雪国》中物哀、风雅、幽玄这一独特美感与日本文化的内在精神而获得了诺贝尔文学奖。可以说浸润在日本文化中的艺术家无不受到“物哀”情结的影响，宫崎骏的作品当然也不例外，即便具有充满异域文化的场景设计，影片的情节内容等仍是十足的东方味。如《天空之城》中孤独的机器人伴随着大树上的都市飞向太空，《幽灵公主》中为了各自生存注定要斗争下去的双方，《红猪》中宁愿变猪、常常留给吉娜期望与等待的波鲁克等等情节的安排，充满着无奈与感伤。而体现在人物关系上，导演则常常描绘一种少年少女间的朦胧倾慕或向往之情，人物细腻的表情、目光移动与面红向观众诉说着心中情愫，婉转淡雅，甚至根本不曾言说过的情感以无声胜有声的方式有力感染观众，以意蕴取胜。
三、结语
作为人类想象的产生物，动画电影这一类型与传统电影源起同步，目前不少优秀动画电影都能以深刻的思想与意蕴在艺术与市场上取得巨大成功，同时不少动画电影导演还能以独特的作者意识使动画这一形式在更大范围内产生影响，因此我们有必要从客观的立场与审美角度出发，在与传统电影平等的视角下对动画电影给予应有的关注与解析。有趣的是，随着全球电影广泛使用进而依赖CG技术，流行商业电影的画面开始有了追求“以假乱真”境界的倾向，也许押井守曾预言过的“所有电影都将成为动画”的时代真的并不遥远
⑸ 电影音乐赏析那些经典电影中的音乐赏析
1、《beautyandthebeast》电影《美女与野兽》影视原声
《美女与野兽》是一个创作于18世纪的古老法国童话，原作者是Gabrielle-SuzanneBarbotdeVilleneuve。故事讲述了一个被施了咒语的王子变成了一个面目可怕的野兽，后来有一个美丽的女孩爱上了野兽，从而解除了魔法。这个故事早在1946年就曾被法国导演拍成过电影，1991年的迪士尼动画版本则更让它更加家喻户晓。
据悉，比尔·康顿（BillCondon）为迪士尼导演的这部《美女与野兽》还将从1994首演的迪士尼同名百老汇音乐剧中取材。后者根据动画片改编，剧中由艾伦·曼肯（AlanMenken）和蒂姆·赖斯（TimRice）创作的多首歌曲，都是动画片里所没有的。
2、《TheTwoTowers》为电影《指环王》影视歌曲
霍华德肖《HowardShore》为托尔金的《指环传奇》中获得巨大成功的第一部电影章节所作的音乐为他赢得了奥斯卡（Oscar）最佳原创配乐奖，这给了他一个惊喜，因为这部音乐有着雄心勃勃的规模和坚定的黑暗意味，这些因素轻易地模糊了典型电影幻想音乐和完成的音乐会作品之间的界限。
它的续集采用了同样的，通常是瓦格纳式的戏剧手法，按照电影的故事情节，进入了更加阴郁和不祥的黑暗角落。前一部由霍比特人启发而成的牧歌在这里被丰富的民族结构所取代，这些结构扩展了中土世界和人类世界的音乐范围；挪威小提琴哈丹格尔代表了罗汉和北非的瑞塔，为摩尔多主题增添了色彩；而圆木鼓、迪卢巴、木木琴和西姆巴隆则增添了迷人的纹理。在那里。乐谱中隐约出现的管弦乐云朵因肖尔出色的合唱作品而变得明亮起来，这部作品将古老的礼仪影响与伊莎贝尔·贝拉克达利安、独立流行歌手希拉·钱德拉、本·德尔·马斯特罗和伊丽莎白·弗雷泽的各种独奏曲相融合。”戈伦的歌曲《作曲家与抒情诗人弗兰沃尔什的最后合作》是埃米利亚娜·托里尼的后现代主义焦虑中的比约基，有助于突出故事的现代寓意。
3、《BreakingDawn》是《暮光之城：破晓》的影视原声
加州乐团Castaneda主唱VegaSchenk最新企划的普普风电气双人组TheBoomCircuits，其繁星闪烁般的电子乐音碎片，搭配有如DeathCabForCutie主唱BenGibbard的嗓音，给人惊喜的错觉。好像从清澈的吉他picking漫舞渐入至层层堆砌出的合成器浓雾中，然后又在沉沦迷走之后步出薄暮、迎接外头洒下的暖阳光束。
⑹ 动画片《大闹天宫》的音乐赏析
《大闹天宫》更把民族风格的完成推向极至，它完美地表达了中国的传统艺术风格。《大闹天宫》的民族风格是一种浓重、华美的格凋，就像中国民间的喜庆乐曲一样，给人以欢快、活跃、热烈的情绪。动作依据来自于中国戏曲之国粹——京剧，全套京腔京韵的音乐和鼓点更使《大闹天宫》锦上添花。音乐效果特别采用民乐加以锣鼓打击乐相配合，产生浓郁民族风味，达到前所未有的最高成就。宏伟的场面、奇特的形象、绚丽的色彩等等，都给观众一种强烈的形式美感，这种形式美主要表现为造型的装饰美。正如设计者张光字所说：“不要做吸墨水纸，光吸而不化，学而不用，成无用矣。”在表演风格上，《大闹天宫》主要运用程式化的风格，强调夸张性和规范性。影片不仅在人物动作表演上吸取了京剧的程式动作，人物对白既不完全像京剧的道白，也不像话剧的对白，在对白上带有韵味，有时将尾音拉长，表现了动画片的?特点。同时在音乐上采取具有民族色彩的乐调，运用了戏曲的锣鼓打击乐来加强音乐的效果，使锣鼓点同人物动作和镜头的衔接、转换相得益彰，又使人物动作具有较强的节奏感，有起有伏，浑然成体，民族风味十分浓郁。影片从中国古代铜器漆器等出土文物、汉代画像石、六朝造像、敦煌壁画、庙堂艺术、民间年画、民间皮影、玩具以至于印度绘画等方面的相关艺术形式中汲取了丰富养料，创造了具有特定历史和地域风貌、又具有鲜明民族特征和个性特点的人物形象。创造出一种既民族、又新颖的艺术风格和造型法则。本片在国内外反响强烈，著名影评家凯恩·拉斯金评论：“这部影片可以和《圣经》中的神话故事以及希腊的民间传说媲美。它们同样是充满了无穷的独创性，迷人的事件、英雄式的行为和卓越的妙趣。影片通过杰出的美术设计，而成为一部拥有强烈感染力的作品。影片的导演万籁鸣在现代动画电影史中的地位，通过该片应该得到国际性的承认。
⑺ 赏析一部自己喜欢的电影,从音乐的角度写一篇影评。
喜欢勇敢的心
男主角的勇敢
⑻ 音乐电影放牛班的春天赏析
《放牛班的春天》是一部著名的音乐电影，你有看过《放牛班的春天》这部电影吗？下面就让我给大家介绍一下音乐电影《放牛班的春天》赏析的相关内容吧!
音乐电影《放牛班的春天》的赏析
“池塘之底”是一所专为“再 教育 ”问题少年们而设置的寄宿学校的名字。一如其名，学校拥有阴森古陈的建筑、笨重重叠的大门，灰色斑驳的教室以及幽暗闭塞的氛围。
夏丏尊格言：”教育没有了情爱，就成了无水的池，任你四方形也罢，圆形也罢，总逃不了一个虚空“。处于池塘之底，那就意味着幽晦如地狱，没有阳光温暖心灵;意味着井底之蛙，笼中之鸟，没有湛蓝的天空任意飞翔;意味着冰冷如冬，污秽丛杂，亦没有真情实爱的润泽。
在这里，观众看到教育的“理念”：“行动—反应”原则，如果有孩子触犯了纪律，全校师生立即集合，肇事者将受到严厉的惩罚。设若三秒内找不到肇事者，所有人都要关六小时的禁闭，轮流进行，取消所有娱乐活动，禁止任何外来探访，直到肇事者自首或被揭发为止;在这里，有着严格的客人探访条例，只可以在规定时间段亲子见面，其余时间都处于鞭子与辱骂的凌威之下;在这里，缺乏公义、尊重、爱心。
拉齐校长，自私贪婪、刻薄威严而又刚愎自用。曾经是鼓号手的他，也有过梦想与激情，可是面临教育的异化，逐渐将自我的心灵扭曲变形。为了向同业委员会争取经费，为了晋升和荣誉勋章，他可以不择手段，任意掠取马修的艰辛努力。为了逃避自己的责任，他可以把蒙丹送进监狱，可以宣告合唱团解散，可以解雇马修。在他眼里，唯有绝对的权威，才能控制消极行为的发生，抑或惩罚消极行为。他不再关注学生的灵魂生长，不再倾听教师的善意建议，只在寻求通达的路径，只在解决经费的来源。面对学生的种种变化，他无法认识到音乐的育人功效，认为音乐带来的纪律改变只是凑巧。
学校的教师个个行为乖戾，面目可憎，令人匪夷所思。他们忘记了说笑，也就失去了生活的情趣与品位。在他们眼里，看什么都觉得是坏事，这几乎成了职业习惯，或者说思维定势。每天如临大敌，与学生没有任何情感的交流。
正因为如此，学生敌视教师，与教师形成敌对壁垒。在马修刚出现的时候，大家讽刺辱骂他“秃子”、“光弹头”;因为哈让没收了穆东的香烟，而被剪刀所捅人;被视为无药可救的孤独的灵魂纵身跳楼自杀;随时准备阴谋袭击教师;蓄意报复教师的批评惩罚;课堂创作漫画羞辱校长;远离家长，叛逆心理极其严重……
马修，一个落魄的艺术行侠，一个仓皇的生活男人，一个另类的学监教师。在所有领域经历了系列挫折后，他终于跌入人生的最低谷。音乐创作的梦想，爱情诗意的浪漫，年少意气的轻狂都被卷入生命的池塘之底。
在阴雨霏霏的冬末，马修将孤独的身影写进另一方“池塘之底”。悲哉，同是天涯沦落人!马修看到在校门翘首南望、苦等周六的战争孤儿佩比诺;看到跪地洗刷、冷漠敌意的被罚者。
音乐电影《放牛班的春天》的剧情简介
世界著名指挥家皮埃尔·莫昂克重回法国故地出席母亲的葬礼，他的旧友佩皮诺送给他一本陈旧的 日记 ，看着这本当年音乐启蒙老师克莱门特·马修遗下的日记，皮埃尔慢慢细味着老师当年的心境，一幕幕童年的回忆也浮出自己记忆的深潭。
克莱门特是一个才华横溢的音乐家，不过在1949年的法国乡村，他没有发展自己才华的机会，最终成为了一间男子寄宿学校的助理教师，名为“池塘底教养院”。这所学校有一个外号叫"池塘之底"，因为这里的学生大部分都是一些顽皮的 儿童 。到任后克莱门特发现学校的校长以残暴高压的手段管治这班问题少年，体罚在这里司空见惯，性格沉静的克莱门特尝试用自己的 方法 改善这种状况，闲时他会创作一些合唱曲，而令他惊奇的是这所寄宿学校竟然没有音乐课，他决定用音乐的方法来打开学生们封闭的心灵。
马修开始教学生们如何 唱歌 ，但事情进展得并不顺利，一个最大的麻烦制造者就是皮埃尔·莫昂克，皮埃尔拥有天使的面孔和歌喉却有着令人头疼的调皮的性格，谆谆善诱的克莱门特把皮埃尔的音乐天赋发掘出来，同时他也与皮埃尔的母亲产生了一段微妙感情，但却是一厢情愿。最后因为失火事件被校长解雇，临走前带走了佩皮诺(Pépinot alte)。这是一部十分感人的电影，引人深思。
音乐电影《放牛班的春天》的穿帮镜头
1.在影片快要结束的时候，当拉辛和他的家人离去，他走进汽车的时候，可以在车窗玻璃上看到工作人员的倒影。
2.在影片快要结束的时候，马修乘坐的公车第一次离开时汽车尾部有白底黑字圆牌“限速85km/h”，但带着佩皮诺第二次离开时，圆牌消失了。
3.扮演成年皮埃尔的演员雅克·贝汉有一双棕眼睛，但扮演少时皮埃尔的演员Jean Baptiste Maunier有一双蓝绿色眼睛。
4.在电影开头，佩皮诺拿出相片(也就是那张大合影)，大合影上中间的佩皮诺拿的牌子是在他的膝盖前面但是在电影00.58.07中，牌子却到了他的大腿上
⑼ 千与千寻影片从音乐方面赏析
《幽灵公主》制作公映后，宫崎骏原本以此部作品完成后即宣告封笔。但1999年底，宫崎骏却意外复出，主导制作了动漫巨作《千与千寻》。音乐仍旧由久石让创作。在《千与千寻》里，自然的矛盾与人类的迷失，成为被反复诉诸的议题。主人公千寻在城市与城市之间的辗转里，见证着身边的一幕幕失落的影像。他与他们，都在不断攀爬的人生旅途中被世界所遗忘，丢掉了记忆，丢掉了名字，忘记了回家的道路。
以单纯的眼光看，影片是关于千寻在成长过程中的一系列神奇经验。但事实上，它却是一则关于整个人类的精神寓言。人类在苦苦追寻生存出路的时候，却都无不意外地迷失在歧途，开始在精神流失的过程里丧失希望。要寻找回真正的自我，做最后的救赎，只能寄希望于千寻那样纯洁而无邪的童心。纷争，欺骗，贪婪，懒惰，利用，自私，虚伪……成人世界里的一切丑陋的侧面，都在孩子那洁净的心灵面前黯然失色。
久石让在《千与千寻》的音乐创作中，淡却了早前的轻佻，反而是渐渐压缓了节奏，以最简单的音符、最繁复多变的弦乐篇章去诠释小女孩千寻的情感世界。钢琴，往往是以独白的形式独立于交响空间里，给人以一种取自于复杂世界里最孤独的心灵感(听歌)受。虽是细腻的抒情，但琴键之音却已没有了宫氏动画中的童趣色彩，反而是哀气十足。如其中的一章one summer day，曲调上原本是追随着《天空之城》做点题式的独白，但却在一派古典气息里被编配得老气横秋，让人在冥想中逐渐催生了年华老去的失落意境。
影片中的音乐与《幽灵公主》相仿，越发具有成人味道，想来久石让的音乐创作似乎也象千寻一样，经历了不同阶段的成长，逐渐开始变得老气横秋。很多人对此不太习惯，都在怀念那个纯真而跳跃的《龙猫》时代，都在怀念那个时候的久石让。但是，我们没有发觉，我们自己的心灵也已经不再单纯，也不再信奉梦想，也随着那淡淡的少年回忆的影像在短短的瞬间变得衰老。《千与千寻》的音乐与画面，其实就象是一个完整的人生一样，辗转来去，一点一点地寻回我们曾经失落的东西。久石让的音乐仍旧是充满关怀的，永远都是，就象是你心脏被刺痛的那一刹那，突然抚慰过来的一只手掌。很温暖，很人性。
相比于《幽灵公主》，《千与千寻》的音乐元素更为丰富，表现手法也更为老练，显示了久石让扎实精致的一贯风格，再次展现了久石让以简单琴音捕捉复杂情感的独到功力，优雅而美丽的琴音里不时随着剧情坠入调皮、可爱、奇趣、踌躇、犹疑、不安、感伤的思路，并随时与掌握惊险奇异冒险历程的管弦乐交互融合。与前作更为不同的是，《千与千寻》对古典音乐的追随显得特别鲜明了一些，很多章节已经成为音乐舞台上被反复改编演绎的新宠。而本片最为流行的，则是传统日本民谣风格的主题歌《与你同在》，这是木村弓所创作并自己亲自演唱的，而不是久石让的手笔，难怪其曲风与影片的大多配乐风格有着那么明显的出入。
木村弓早年一直在美国留学，学习的专业可不是演唱，而是钢琴课程。回国后，由于脊椎意外受伤，使她遭遇了人生最沉重的打击。可是她却没有放弃自己，也没有对人生失望，而是依靠歌声重新站了起来。现在总在各个公益演出与伤残理事会的活动中出现的她，有着与千寻一样美好而单纯的品质。难怪她的声音会被宫崎骏所青睐，《千与千寻》的命题不就是人生跌倒之后重新找回自我的艰辛历程吗？
不过熟悉古典音乐的朋友，应该不会对《与你同在》的曲调陌生。歌曲的和声部分，明显是取自于帕赫贝尔的《卡农》，除了拍子上有点变化之外，基本属同宗。在《千与千寻》所出品的电影原声中，特别收录了这个主题歌，而且后来还特别制作了交响音乐版。人们都说，这个曲子虽然与久石让无关，却有着与久石让一样的情怀，当然，也有着帕赫贝尔那不可磨灭的古典身影。
⑽ 求花木兰2动画片 音乐赏析
琵琶协奏曲《花木兰》顾冠仁曲，汤良兴琵琶独奏协奏，上海民族乐团指挥。乐曲讲述了“花木兰替父从军”的历史故事热情歌颂了这位巾帼英雄的勇敢坚强和爱国主义情操。顾冠仁据北朝民歌《木兰辞》而作，于1980年“上海之春”音乐会上首演。此作品在全国第三届音乐作品（民族器乐）评奖中获三等奖。这部单乐章协奏曲采用了奏鸣曲式结构：呈示部“木兰爱家乡”的主部主题来自五四时期广泛流传的爱国歌曲《木兰辞》（白宗魏曲），质朴委婉，富于民歌风味。琵琶施以推、拉、吟、揉等技法，使之更为柔美，表现了木兰温柔的少女性格。副部主题是活泼的小快板，由琵琶与乐队不断呼应发展着，表现了木兰练武时的飒爽英姿。主部主题再现时，乐队全奏，琵琶在高音区用摇指重复呼应，出现了呈示部的高潮，抒发了木兰对家乡的热爱。展开部“奋勇上战场”包括三个段落：“入侵”段以乐队强烈的不协和和弦开始，低音管乐器吹出凶暴残忍的侵略者主题，然后琵琶以散板奏出一连串先宽后紧的音型，刻划木兰闻敌入侵的不安心情。接着乐队全奏出高亢明亮的大调旋律表现了木兰决心女扮男装替父从军的坚强意志。“出征”段在急促的马蹄声中展开，琵琶以“凤点头”的技法，描绘出战马奔腾、由远渐近的出征场面。“拼杀”段是全曲的高潮，琵琶用传统武曲中并弦等技巧，并通过与乐队的快速竞奏和频繁的转调，展现出木兰浴血沙场的壮阔画面。再现部“凯旋回家园”，一开始就鼓角齐鸣，描绘乡亲父老欢迎木兰凯旋归来的热烈场景。然后琵琶奏出变化了的主部主题，细腻地刻划了木兰重整女装时的喜悦心情。尾声中又出现了“出征”的音调，表达了花木兰随时准备重跨战马的坚强决心。这部协奏曲在如何运用和发展民族乐器的传统表现手法并使它与西洋音乐形式及作曲技法相结合等方面作了有益的尝试。