爱情电影拍摄手法

Ⅰ 关于电影《山楂树之恋》的拍摄手法

1.希望弱化手段，走朴素的路线看起来没有太多的炫技，走朴实的路线，张艺谋跟摄影师讲不要加入太多机位的运动，拍成上世纪70年代那种实实在在的感觉。2.这个电影始终是拍人的 大量的笔墨放在人身上，想表达细腻的独特细节3.《山楂树之恋》的拍摄，用很内敛的手法，有很多娓娓道来的细节，有一些很长的镜头其实是偶然得来的4.影片摆脱了张导以往大红大绿的浓墨重彩，换上了青山绿水的清新恬淡色调，突破了张导的一贯风格。但情节跳跃、用字幕来做起承转合，推动情节发展是美中不足。5.摄技巧显得有点初级。一般来讲，电影拍摄的手法主要有推、拉、摇、移、升、降、跟、甩等八大技巧，镜头组合有特、近、中、远等四种组合，但整个影片无论是拍摄手法和镜头组合的亮点之处都乏陈可数。比如，在影片即将结束时静秋在老三病床前哭泣那个场景，整个拍摄场景都是一个仰拍的正面镜头，没有任何的镜头切换，显得太呆板。
但是最后我想说 故事是完整的，可惜略微平淡的叙事手法和简单的拍摄方法，让这部电影看上去显得乏味。 我只能给打70分 如果真的要说拍摄的话我建议楼主研究一下电影 教父 。阿甘正传。刺激1995能让你学到更多

Ⅱ 电影 乱世佳人 的 拍摄手法 艺术手法 最好多余 500字 原创 不要从网上

这部电影实在是太伟大了，我一直把它视为影史上最为经典的作品。面对这样的一座丰碑，我们无法苛求它再完美一些，只能仰望和慨叹它的存在及价值。记得我第一次看这部电影是在2003年，上初三的我就是从那时开始迷上了看电影。而此后我一而再再而三的重复观看该片，却始终能够吸引住我并从中得到新的感悟。

忠于原著
《飘》是女作家玛格丽特·米切尔一生中唯一的一部小说，却成就了文学史上难以逾越里程碑。原著以美国南北战争为背景，通过斯嘉丽与威特勒之间坎坷曲折的爱情展现出了一幅波澜壮阔的历史画卷。女主人公斯嘉丽身上就有玛格丽特·米切尔的影子，她将自己所经历的感情故事融合在小说中的人物中，用一生的时间来浇灌这样一部作品，因此如此精雕细刻的小说不成经典都难。
影片将原著小说彻底的视觉化，还原出了南北战争时期的南方景象。在电影片头中我们就可以看到棉花种植园、劳作的黑人、夕阳下的晚归这些美国南部所特有的景观。斯嘉丽的家泰拉就是一个典型的南部庄园，那种安静祥和的乡土气息非常令人向往。在表现战争场面时导演丝毫没有放下史诗气节，北方军入侵南方时，落荒而逃的难民和奔马的尘土飞扬交织在一起，如此混乱的场景陪衬出了男女主人公的爱情。片中那个著名的“伤兵广场”场景最给观众以视觉和心灵强烈震撼。

“飘着找爱”
我国曾将这本《飘》引进之后将男女主角的名字改为“郝斯嘉和白瑞德”，很有中国特色。他们的爱情故事不仅感动了国人，也深深感染了全世界的读者。
斯嘉丽经历了三次失败的婚姻。她为了赌气嫁给了查尔斯，为了赚钱嫁给了弗兰克，她其实并不爱他们，为此还得罪了原本应该成为新娘的她的两个妹妹。她心里始终都爱着梅兰妮的丈夫阿什利。对于18岁的初恋，斯嘉丽显然是十分青涩的，她勇于对阿什利表白，并为此不惜在阿什利面前贬低梅兰妮。正如威特勒所说，阿什利其实是在心力不能忠于他的妻子，可是在行动上却又表现出很忠实于妻子。对这样一个两头不沾边的人来说，斯嘉丽的执著是徒劳的，她只有用“他爱的人是我”来安慰自己。直到梅兰妮去世她才明白自己最终在阿什利身上什么也没有得到。
威特勒船长英俊潇洒又玩世不恭，他的风流是最吸引女人的地方。当这样一个男人站在斯嘉丽面前的时候，显然不会马上吸引住她。事实上他们是慢慢的产生爱意的。战争爆发时威特勒帮助斯嘉丽回到泰拉（虽然半路他就去参军了），而在斯嘉丽穷困潦倒的时候他却又不给她资助。仔细分析威特勒的举动，会让人觉得他对斯嘉丽的爱情似乎总是飘忽不定，有点欲擒故纵的意味，可是爱情里往往需要这样的计谋才能得到想要的心，尤其向斯嘉丽这种不知道自己究竟想要什么的人。
他们婚后的生活很不幸福。斯嘉丽还是忘不了阿什利，依旧期待自己可以取代梅兰妮在他心中的位置。威特勒对此不是视而不见的，但是为了他们的孩子，威特勒只好迁就着她。他是那么的爱他们的女儿，用妈咪的话说就是“从来没有见过这么爱孩子的男人，”所以当女儿骑马跌倒致死时，威特勒的世界瞬间哄塌，奠定他们夫妻情感的最后一块基石就此瓦解。祸不单行，梅兰妮由于过度劳累，在不久之后也去世了。威特勒说“世界上最善良的人走了。”可是在孩子的葬礼上，斯嘉丽竟然抱住阿什利表白，以为没有了梅兰妮，自己就真的可以投入阿什利的怀抱了。结果却是，她既没有得到阿什利的拥抱，也失去了她的爱人威特勒。离婚成为威特勒给斯嘉丽最后的礼物。甚至对斯嘉丽的哀求，他只留了一句：“说实话，那不管我的事。”威特勒的绝情给斯嘉丽致命的打击，她这才翻然醒悟，自己是爱威特勒的，只是以前她都没有察觉。美好的事物总是在失去之后才愈发显出它的珍贵。奢求得不到的，从而忽略原本更应该珍惜的，这是何等糊涂啊！
至少斯嘉丽还有拥有泰拉——那片生她养她的土地。回家成了她心中唯一的信念。多年前父亲语重心长的话语又浮现在儿畔，她终于明白什么才是最重要的。土地，跟爱情相比，只有它是永恒的。“明天毕竟是新的一天！”这句话激励着斯嘉丽重新振作起来，迎接新生。多少人也为这句话而热血沸腾。

如此完美
可以说世界上最完美的电影当《乱世佳人》莫属，因为它在各个方面都是那么优秀。这在1939年那个年代尤为难得。
当时的影坛还是黑白片统治的时代，可是米高梅公司却舍得花重金拍摄了这部彩色片，使得我们在银幕上第一次感受到彩色的南北战争的壮阔画面。可以说如果没有颜色，片中斯嘉丽出场时所穿的数十套各种款式的服装就显示不出惊艳的感觉，效果必将大打折扣。整部影片的史诗气质在很大程度上也得益于彩色技术的运用。
可以说这部3个半小时的电影在长度上是考验观众的耐力的，然而观众在观看该片的时候却一点也不会感到无聊、压抑甚至昏睡。剧情的层层推进，主人公的命运起伏以及那些养眼的画面都无时无刻不抓住观众的注意力。即使是从电影中任何一处截出一段，看起来都是无懈可击的。
在电影中你会听到一段十分熟悉的旋律：泰拉的主题音乐。马克思斯坦纳创作的恢弘的交响音乐贯穿影片始终，在斯嘉丽无助迷茫的时候悄悄的从屏幕背后传来，增添了许多感染力。至今为止，这部电影的电影原声依旧是电影爱好者的收藏品之一。
费雯丽的美在这部电影中被展现的淋漓尽致。她犹如一只小鹿，一举一动都吸引着男人的目光。从她稚气的脸庞上可以看到喜悦、期待、愤怒、无辜以及坚强的表情，那些让你不得不爱的表情。费雯丽原本不是扮演斯嘉丽的最初人选，但是事实证明只有她扮演的斯嘉丽才会有许多灵气。最终费雯丽凭借这个角色问鼎当年奥斯卡影后的桂冠。威特勒的风流潇洒恰好于克拉克盖博的气质特别吻合，虽然他原本不愿出演这个角色，可是还是成就了他最令观众难忘的形象。当年他拥有一大批影迷，他的婚姻、演技和他大耳朵一样倍受观众瞩目。当他与斯嘉丽接吻时，所有的女性观众都恨不得自己变成斯嘉丽。这就是伟大演员的魅力。即便是扮演配角的奥利维娅·德哈维兰、海蒂·麦克丹尼尔斯，都是那样无可替代，他们的表演自然、真挚，那种感情的流露必然容易引起观者的共鸣。

还有什么好说的呢？奥斯卡的N项大奖，以及当时无可匹敌的票房纪录都证明了《乱世佳人》的伟大。如果你还没有看过这部电影，那么这会是你的一大损失。爱情电影之冠交给它，名至实归。

Ⅲ 电影拍摄手法

1、麦格芬手法是一种电影的表现形式，它表示某人或物并不存在，但它却是故事发展的重要线索，是希区柯克最常用的一种电影表现手法。比如《房客》中的复仇者、《蝴蝶梦》中的丽贝卡、《迷魂记》中的玛德琳。有时又利用虚化的事件，比如《后窗》中的推销员谋杀案。

2、蒙太奇（法语：Montage）是音译的外来语，原为建筑学术语，意为构成、装配。经常用于三种艺术领域，可解释为有意涵的时空人为地拼贴剪辑手法。最早被延伸到电影艺术中，后来逐渐在视觉艺术等衍生领域被广为运用，包括室内设计和艺术涂料领域。

3、长镜头是一种拍摄手法，它相对于蒙太奇拍摄方法。 这里的“长镜头”，指的不是实体镜头外观的长短或是焦距，也不是摄影镜头距离拍摄物的远近，而是拍摄之开机点与关机点的时间距，也就是影片的片段的长短。

长镜头并没有绝对的标准，是相对而言较长的单一镜头。通常用来表达导演的特定构想和审美情趣，例如文场戏的演员内心描写、武打场面的真功夫等。

(3)爱情电影拍摄手法扩展阅读：

立体电影拍摄技术特指用两台摄影机同时以一定间距和夹角来记录影像的方式。

立体特效可采用正投、背投，平面、环幕，主动、被动等多种实现方式。

目前大多数立体电影制作还停留在电脑三维的虚拟绘制状态，实拍因为两台摄影机云台的同步对焦，同步变焦，同步角度调整需要几个人同时同步作业，非常难以协调，这也是观众最终在电影荧幕上看立体效果时间长会导致双眼疲劳和难受的原因．此问题目前已有得到有效解决，甚至在后期剪辑时也可以校正。

Ⅳ 电影的拍摄手法有哪些

摄影、摄像机的运动（拍摄方式）
推：即推拍、推镜头，指被摄体不动，由拍摄机器作向前的运动拍摄，取景范围由大变小，分快推、慢推、猛推，与变焦距推拍存在本质的区别。
拉：被摄体不动，由拍摄机器作向后的拉摄运动，取景范围由小变大，也可分为慢拉、快拉、猛拉。
摇：指摄影、摄像机位置不动，机身依托于三角架上的底盘作上下、左右、旋转等运动，使观众如同站在原地环顾、打量周围的人或事物。
移：又称移动拍摄。从广义说，运动拍摄的各种方式都为移动拍摄。但在通常的意义上，移动拍摄专指把摄影、摄像机安放在运载工具上，沿水平面在移动中拍摄对象。移拍与摇拍结合可以形成摇移拍摄方式。
跟：指跟踪拍摄。跟移是一种，还有跟摇、跟推、跟拉、跟升、跟降等，即将跟摄与拉、摇、移、升、降等20多种拍摄方法结合在一起，同时进行。总之，跟拍的手法灵活多样，它使观众的眼睛始终盯牢在被跟摄人体、物体上。
升：上升摄影、摄像。
降：下降摄影、摄像。
俯：俯拍，常用于宏观地展现环境、场合的整体面貌。
仰：仰拍，常带有高大、庄严的意味。
甩：甩镜头，也即扫摇镜头，指从一个被摄体甩向另一个被摄体，表现急剧的变化，作为场景变换的手段时不露剪辑的痕迹。
悬：悬空拍摄，有时还包括空中拍摄。它有广阔的表现力。
空：亦称空镜头、景物镜头，指没有剧中角色（不管是人还是相关动物）的纯景物镜头。
切：转换镜头的统称。任何一个镜头的剪接，都是一次“切”。
综：指综合拍摄，又称综合镜头。它是将推、拉、摇、移、跟、升、降、俯、仰、旋、甩、悬、空等拍摄方法中的几种结合在一个镜头里进行拍摄。
短：指短镜头。电影一般指30秒（每秒24格）、约合胶片15米以下的镜头；电视30秒（每秒25帧）、约合750帧以下的连续画面。
长：指长镜头。影视都可以界定在30秒以上的连续画面。
对于长、短镜头的区分，世界上尚无公认的“尺度”，上述标准系一般而言。世界上有希区柯克《绳索》中耗时10分钟、长到一本（指一个铁盒装的拷贝）的长镜头，也有短到只有两格、描绘火光炮影的战争片短镜头。
反打：指摄影机、摄像机在拍摄二人场景时的异向拍摄。例如拍摄男女二人对坐交谈，先从一边拍男，再从另一边拍女（近景、特写、半身均可），最后交叉剪辑构成一个完整的片段。
变焦拍摄：摄影、摄像机不动，通过镜头焦距的变化，使远方的人或物清晰可见，或使近景从清晰到虚化。
主观拍摄：又称主观镜头，即表现剧中人的主观视线、视觉的镜头，常有可视化的心理描写的作用。

Ⅳ 电影有哪些拍摄手法

蒙太奇

法文（montagemontage [mCn5tB:V, 5mCntidV]n.蒙太奇, 文学音乐或美术的组合体的音译)，原为建筑学术语，意为构成、装配。电影创作的主要叙述手段和表现手段之一。电影将一系列在不同地点，从不同距离和角度，以不同方法拍摄的镜头排列组合起来，叙述情节，刻画人物。但当不同的镜头组接在一起时，往往又会产生各个镜头单独存在时所不具有的含义。例如卓别林把工人群众进厂门的镜头，与被驱赶的羊群的镜头组接在一起；普多夫金把春天冰河融化的镜头，与工人示威游行的镜头组接在一起，就使原来的镜头表现出新的含义。爱森斯坦认为，将对列镜头组接在一起时，其效果“不是两数之和，而是两数之积”。凭借蒙太奇的作用，电影享有时空的极大自由，甚至可以构成与实际生活中的时间空间并不一致的电影时间和电影空间。蒙太奇可以产生演员动作和摄影机动作之外的第三种动作，从而影响影片的节奏。早在电影问世不久，美国导演，特别是格里菲斯，就注意到了电影蒙太奇的作用。后来的苏联导演库里肖夫、爱森斯坦和普多夫金等相继探讨并总结了蒙太奇的规律与理论，他们的有关著作对电影创作产生了深远的影响。蒙太奇原指影像与影像之间的关系而言，有声影片和彩色影片出现之后，在影像与声音（人声、音响、音乐），声音与声音，彩色与彩色，光影与光影之间，蒙太奇的运用又有了更加广阔的天地。蒙太奇的名目众多，迄今尚无明确的文法规范和分类，但电影界一般倾向分为叙事的、抒情的和理性的（包括象征的、对比的和隐喻的）三类。第二次世界大战后，法国电影理论家巴赞（Andr Bazin， 1918－1958）对蒙太奇的作用提出异议，认为蒙太奇是把导演的观点强加于观众，限制了影片的多义性，主张运用景深镜头和场面调度连续拍摄的长镜头摄制影片，认为这样才能保持剧情空间的完整性和真正的时间流程。但是蒙太奇的作用是无法否定的，电影艺术家们始终兼用蒙太奇和长镜头的方法从事电影创作。也有人认为长镜头实际上是利用摄影机动作和演员的调度，改变镜头的范围和内容，并称之为“内部蒙太奇”。

蒙太奇，是电影构成形式和构成方法的总称。

蒙太奇——是法语montage的译音，原是法语建筑学上的一个术语，意为构成和装配。后被借用过来，引申用在电影上就是剪辑和组合，表示镜头的组接。

简要地说，蒙太奇就是根据影片所要表达的内容，和观众的心理顺序，将一部影片分别拍摄成许多镜头，然后再按照原定的构思组接起来。一言以蔽之：蒙太奇就是把分切的镜头组接起来的手段。

由此可知，蒙太奇就是将摄影机拍摄下来的镜头，按照生活逻辑，推理顺序、作者的观点倾向及其美学原则联结起来的手段。首先，它是使用摄影机的手段，然后是使用剪刀的手段。

当然。电影的蒙太奇，主要是通过导演、摄影师和剪辑师的再创造来实现的。电影的编剧为未来的电影设计蓝图，电影的导演在这个蓝图的基础上运用蒙太奇进行再创造，最后由摄影师运用影片的造型表现力具体体现出来。

在电影的制作中，导演按照剧本或影片的主题思想，分别拍成许多镜头，然后再按原定的创作构思，把这些不同的镜头有机地、艺术地组织、剪辑在一起，使之产生连贯、对比、联想、衬托悬念等联系以及快慢不同的节奏，从而有选择地组成一部反映一定的社会生活和思想感情、为广大观众所理解和喜爱的影片，这些构成形式与构成手段，就叫蒙太奇。

综上所述，可见电影的基本元素是镜头，而连接镜头的主要方式、手段是蒙太奇，而且可以说，蒙太奇是电影艺术的独特的表现手段。

既然一部影片的最小单位是镜头，那么，这电影的基本元素——镜头，究竟是什么呢？它和蒙太奇又有什么关系呢7我们知道，镜头就是从不同的角度、以不同的焦距、用不同的时间一次拍摄下来，并经过不同处理的一段胶片。实际上，从镜头的摄制开始，就已经征使用蒙太奇手法了。

就以镜头来说，从不同的角度拍摄，自然有着不同的艺术效果。如正拍、仰柏、俯拍、侧拍、逆光、滤光等，其效果显然不同。就以本同焦距拍摄的镜头来说，效果也不一样。比如远景、全景、中景、近景、特写、大特写等，其效果就不一样。再者，经过不同的处理以后的镜头，也会产生不同的艺术效果。加之，由于空格、缩格、升格等手法的运用，还带来种种不同的特定的艺术效果。再说，由于拍摄时所用的时问不同，又产生了长镜头和短镜头，镜头的长短也会造成不同的效果的。

同时，在连接镜头场面和段落时，根据不同的变化幅度、不同的节奏和不同的情绪需要，可以选择使用不同的联接力法，例如谈、化、划、切、圈、掐、推、拉等。总而言之，拍摄什么样的镜头，将什么样的镜头排列在一起。用什么样的方法连接排列在一起的镜头，影片摄制者解决这一系列问题的方法和手段，就是蒙大奇。如果说画面和音响是电影导演与观众交流的“语汇”，那么，把画面、音响构成镜头和用镜头的组接来构成影片的规律所运用的蒙太奇手段，那就是导演的“语法”了。

对于一个电影导演来说，掌握了这些基本原理并不等于精通了“语法”，蒙太奇在每一部影片中的特定内容和美学追求中往往呈现着千姿百态的面貌。

蒙太奇对于观众来说，是从分到分。对于导演来说，蒙太奇则先是由合到分，再分切，然后又由分到合，即组合。分切的最小单位是镜头，因此导演应写出分镜头剧本。作为观众，应当怎样从蒙太奇的角度来鉴赏导演的艺术呢？说到底，蒙太奇是导演用来讲故事的一种方法；听的人总希望故事讲得顺扬、生动，富有感染力又能调动起观众的联想，引起观众的兴趣，这些要求完全适用于蒙太奇。观众不仅仅满足于弄清剧情校概。或一般地领悟到影片的思想意念，而是要求清晰而流畅地感知影片叙述流程的每一个环节和细部，—部影片的蒙太奇首先应让观众看懂。

现在，一部当代的故事影片，一般要由五百至一千个左右的镜头组成。每一个镜头的景别、角度、长度，运动形式，以及画面与音响组合的方式，都包含着蒙太奇的因素。可以说，从镜头开始就已经在使用蒙太奇了。与此同时，在对镜头的角度、焦距、长短的处理中，就已经包含着摄制者的意志、情绪、褒贬、匠心了。

在镜头间的排列、组合和联接中，摄制者的主观意图就体现得更加清楚。因为每一个镜头部不是孤立存在的，它对形态必然和与它相连的上下镜头发生关系，而不同的关系就产生出连贯、跳跃、加强、减弱，排比、反衬等不同的艺术效果。另一方团，镜头的组接不仅起着生动叙述镜头内容的作用，而且会产生各个孤立的镜头本身未必能表达的新含义来。格里菲斯在电影史上第一次把蒙太奇用于表现的尝试，就是将一个因在荒岛上的男人的镜头和一个等待在家中的妻子的面部特写组接在一起的实验，经过如此“组接”，观众感到了“等待”和“离愁”，产生了一种新的、特殊的想象。o又加，把一组短镜头诽列在一起，用快切的方法来连接，其艺术效果，同一组的镜头排列在一起，用“淡”或“化”的方法来连接，就大不一样了。

再如，把以下A、B、C三个镜头，以不同的次序连接起来，就会出现不同的内容与意义。

A，一个人在笑； B、一把手枪直指着；C、同一的人脸上露出惊惧的样子。

这三个特写镜头，结观众什么样的印象呢？

如果用A—B—C次序连接，会使观众感到那个入是个懦夫、胆小鬼。现在，镜头不变，我们只要把上述的镜头的顺序改变一下，则会得出与此相反的结论。

C、一个人的脸上露出惊惧的样子，B、一把手枪直指着；A、同一的人在笑。

这样用C—B—A的次序连接，则这个人的脸上露出了惊惧的样子，是因为有一把手枪指着他。可是，当他考虑了一下，觉得没有什么了不起，于是，他笑了——在死神面前笑了。因此，他结观众的印象是一个勇敢的人。

如此这样，改变一个场面中镜头的次序，而不用改变每个镜头本身，就完全改变了一个场面的意义，得出与之截然相反的结论，收到完全不同的效果。

这种连贯起来的组织相排列，就是运用电影艺术独特的蒙太奇手段，也就是我们所讲的影片的结构问题。从上面的例子，我们可以看出这种排列和组合的结构的重要性，它是把材料组织在一起表达影片的思想的重要手段。同时。由于排列组合的不同，也就产生了正、反，深、钱，强、弱等不同的艺术效果。

苏联电影大师爱森斯坦认为，A镜头加B镜头，不是A和B两个镜头的简单综合，而会成为C镜头的崭新内容和概念。他明确地指出：“两个蒙太奇镜头的对列不是二数之和，而更象二数之积——这一事实，以前是正确的，今天看来仍然是正确的。它之所以更象二数之积而不是二数之和，就在于对排列的结果在质上（如果愿意用数学术语，那就是在”次元“上）水远有别于各个单独的组成因素。我们再回到上述的例子。妇人——这是一个画面，妇人身上的丧服——这也是一个画面；这两个画面都是可以用实物表现出来的。而由这两个画面的对列所产生的‘寡妇’，则已经不是用实物所能表现出来的东西了，而是一种新的表象，新的概念，新的形象。”

由此可见，运用蒙太奇手法可以使镜头的衔接产生新的意义，这就大大地丰富了电影艺术的表现力，从而增强了电影艺术的感染力。关于这个向题，我们还可以从物理学上的一个现象得到极大的启发：众所周知，炭和金刚石这两种物质。就其分子组成来讲是的相同的。但一个出奇的松脆，一个则无比的坚硬，为什么附科学家研究的结果证明：是因为分子排列（品格结构）不同而造成的。这就是说，同样的材料，由于排列不同，可能产生如此截然相反的结果，这实在发人深思了。

匈牙利电影理论家贝拉。巴拉兹也同样指出：“上—个镜头一经连接，原来潜在于各个镜头里的异常丰富的含义使象电火花似地发射出来。”可见这种“电火花”似的含义是单个镜头所“潜在”的为人们所未察觉的，非要在“组接”之后，才能让入们产生一种新的、特殊的想象。我们所讲的蒙太奇，首先是指的这种镜头与镜头的组接关系，也包括时间和空间、音响和画面、画面和色彩等相互间的组合关系。以及由这些组接关系所产生的意义与作用等。

总之，“蒙太奇就是影片的连接法，整部片子有结构，每一章、每一大段、每一小段也要有结构，在电影上，把这种连接的方法叫做蒙太奇。实际上，也就是将一个个的镜头组成一个段，再把一个个的小段组成一大段，再把一个个的大段组织成为一部电影，这中间并没有什么神秘，也没有什么诀窍，合乎理性和感性的逻辑，合乎生活和视觉的逻辑，看上去‘顺当’、‘合理’、有节奏感、舒服，这就是高明的蒙太奇，反之，就是不高明的蒙太奇了。”再没有如此深入浅出、通俗易懂地对蒙太奇的说明与阐述了。

蒙太奇大的方面可以分为表现蒙太奇和叙事蒙太奇,其中又有心理蒙太奇,抒情蒙太奇,平行蒙太奇,交叉蒙太奇,重复蒙太奇等等。

蒙太奇学派出现在二十世纪二十年代中期的苏联，以爱森斯坦、库里肖夫、普多夫金为代表，他们力求探索新的电影表现手段来表现新时代的革命电影艺术，而他们的探索主要集中在对蒙太奇的实验与研究上，创立了电影蒙太奇的系统理论，并将理论的探索用于艺术实践，创作了《战舰波将金号》《母亲》《土地》等蒙太奇艺术的典范之作，构成了著名的蒙太奇学派。

爱森斯坦是蒙太奇理论大师，1922年，他在《左翼艺术战线》杂志上发表了《杂耍蒙太奇》，这是第一篇关于蒙太奇理论的纲领性宣言。在爱森斯坦看来，蒙太奇不仅是电影的一种技术手段，更是一种思维方式和哲学理念。他指出：两个并列的蒙太奇镜头，不是“二数之和”，而是“二数之积”。《战舰波将金号》是爱森斯坦1925年拍摄的，是蒙太奇理论的艺术结晶，片中著名的“敖得萨阶梯”被认为是蒙太奇运用的经典范例。

总之，蒙太奇是一种电影视频技术。

Ⅵ 日本爱情电影《情书》重映定档，这部电影为何吸引众多的情侣

这部电影时隔26年之后，重新在中国内陆上映。从目前粉丝的回馈态度来看，很多人对当年的这部电影仍是念念不忘，而且还能说出电影剧中里面的经典台词。由此可见当年这部电影上映之后，给很多粉丝以及年轻人留下了深刻印象，其中印象最深的还是很多情侣。因为这部电影讲述的是一部爱情故事，所以给当时热恋中的情侣留下了深刻印象，也奠定了他们日后的爱情价值观，所以这部电影影响是深远的。

最后电影演员精彩的演技。因为这部电影请到的都是实力演员，而且在国内拥有大批量的粉丝基础。所以选择他们当初这部电影的主演，本来就是一种很好的对外宣传工作。因此演员用精彩的演技征服了观众，达到了很好的电影宣传作用。

总结：时隔26年之后《情书》重映定档，我认为这部电视剧依然还能唤醒我们对爱情的记忆。虽然电影已经距离我们很久远了，但是这部电影其宝贵的精神内容和文化沉淀是永远不会过时的，它会一直影响我们对爱情的价值判断。

Ⅶ 电影的这种拍摄手法或者说剪辑手法是什么

蒙太奇是指画面的拼接超出了时间和空间的接线，比如，电影在制作工程中，经常不是按照顺序排的。另外，同一个场景同一个片段也可能需要多次取景或者摄影，在后期制作工程中，剪辑师将这些分散的片段通过一定逻辑（比如故事发展的顺序，倒叙，时空穿插等等）剪辑拼合起来，完成一个完整的股市。

关于剪辑手法，我也很难给您说清楚，我是在校学生，也做过一些宣传用的小短片，又或者是回忆录类似的， 总的来说说，觉得剪这类东西，音乐节奏很总要，画面节奏很重要，另外在剪辑与拍摄过程，要注意多角度的他陪，因为一成不变的画面很容易疲劳，左后就是用一些特殊手法，慢放，快放，或是各种插入，让画面随着音乐到达高潮。

Ⅷ 电影分享——《怦然心动》斯人若彩虹，遇上方知有

       

        爱情是人类永恒的精神话题，从最早的诗歌总集《诗经》，人们就开始写爱情。 在爱情里，人们可以抛去自私，展现出人性中美好而柔软的地方。我们可以在爱人身上看到自己的影子，在追逐爱的过程中也追寻着理想中的自己。 爱情注定是生命力不平凡的一抹色彩，它给冰冷的现实添上一抹温情，没有爱情的文学和艺术往往是不完整的，是生硬的。

        我们一生可能会和有限的人谈恋爱，最终和一个人结婚，走过漫长余生。 但是电影里可以有一万种爱情， 你或是想得到或是想不到，你有时震惊有时向往，像《月升王国》那样纯粹简单的，像《这个杀手不太冷》那样充满法式温情的，又或是像《怦然心动》那样后知后觉的美好，像《爱乐之城》那样用爱情成就最好的彼此，浪漫邂逅，自然地走到一，因为分歧、梦想，又自然地分开。一切都“顺其自然”，却在无形中因为彼此变成了更好的人。总之每一种爱情都有它独一无二的样子。 电影里他们教我们如何去爱与被爱，如何去欣赏，又如何从容接受遗憾，面对真正的自己，勇敢地生活。

        我最喜欢的关于爱情的一部电影是《怦然心动》。我觉得它比《月升王国》和《杀手莱昂》 更贴近现实，更昭示人性，它给我们以温暖和感动之外，还有更多价值观的启迪。 导演引入了关于人生、成长、待人待物的思考，令整部影片的格局提高了一个层次。影片突出了“整体大于部分之和”这一思考，从叙事手法上也进行了充分表现。

        “ 有人住高楼，有人在深沟，有人光万丈，有人一身锈，世人万千种，浮云莫去求，斯人若彩虹，遇上方知有。” 《怦然心动》是一部温馨动人的电影，它不像现如今大街小巷爆红的快餐式商业电影，需要静下心来慢慢欣赏。在电影里，女孩朱莉对对面的男孩布莱斯一见钟情，布莱斯却因为家庭的同学的偏见而一再逃避朱莉的爱，甚至不断伤害这个勇敢纯粹而又真诚的女孩儿。直到善良的外公出现，他不断引导和启发布莱斯。外公欣赏朱莉身上那些美好的品质，陪朱莉护理草坪，和朱莉聊天。慢慢地，大家对朱莉的看法也渐渐发生着改观。直到最后，布莱斯也开始勇敢地面对自己的内心，他发现了自己内心对朱莉的爱，不再懦弱，去追随朱莉，在朱莉家门口的草坪上和朱莉一起种下了那棵梧桐树。 让人感叹，如果一个人的心是一片碧绿的芳草地，那么最好的爱情，是否就是在这片芳草地上，亲手为所爱之人补种上那株失落的梧桐树呢？

二、手法分析

        从 叙事手法 上分析，这部电影拍摄手法老练流利，没有掉进俗套的剧情和刻意煽情的传统叙事中。 它全片采用双线叙事结构，配合人物视角的切换，展现出了日常生活的丰富细节，在两个情窦初开的孩子互动关系下，呈现了他们成长过程中呈现出的性格特点与价值观，抓住了独立个体之间交流产生的陌生感，将两个孩子成长过程中相同的事情分别用男孩和女孩的视角进行叙述，使叙述更有张力 。同时在叙事中逐步揭开女孩和男孩的关系变化，对成长进行了一次饶有意味的精彩描绘，也更引发人们的思考。

        从 影片元素 上来看，这部影片也加入了许多让人喜欢的电影元素，复古的镜头，美丽的风景和纯真的少年少女还有那棵独特的梧桐树。 罗伯·莱纳用他的专业和烂漫拍出了一部极像是复古年代的爱情电影。

        从 色彩搭配 上来看，影片基调的运用与《月升王国》有些相似之处，都是以 暖色调 为主，影片的背景多是树木，其中人物的衣服也大多是浅色。整体明亮温暖，画面略带浅黄色，让人感觉舒适又温馨， 具有一定的梦幻主义色彩 ，在超现实主义中传达着导演想要传递给我们的思想感情。

        从 影片线索 上来看，除了两个孩子的成长变化外，这部影片不能被忽略的一个物线是那棵梧桐树。 梧桐树在电影中寓意朱莉对纯洁美丽的大自然的回忆，同时也是朱莉发现的一方属于自己的小天地，是通向朱莉理想的阶梯。 在影片中梧桐树有三处重点场景，第一处是朱莉爱坐在梧桐树最上端看风景，此时的朱莉享受着自然之美，享受着自己的一方净土。第二处是爸爸送给朱莉的画，代表希望朱莉能永远保持对自然的爱和对理想的追求。第三处则是结尾与布莱斯一同种下梧桐树，代表着男孩此刻懂了女孩的心，两个人共同种下对未来的美好期许。梧桐树这一物线贯穿整部影片，使得整部影片更加连贯，中心更加突出。

      《洛杉矶时报》评论《怦然心动》时说， 《怦然心动》就是一部小众的，特别的电影，它将你置于一种温暖的，有趣的，又充满人文关怀的氛围中，直到最后给你一个看上去也并不那么靠谱的美好故事。 在我看来，它并非不靠谱。相反， 《怦然心动》里有贫困，残缺，嫉妒，有人性的弱点，挣扎和对自然的破坏，充满生活的细节和伸手可触的质感。不过，这所有的一切不圆满都随着片尾那棵被砍到的梧桐树的新生也获得了新生。

        朱莉曾经亲眼目睹这世上最明亮美丽的眼神，见证梧桐树上的风景，布莱斯亲身感受过误会与错过，成长的代价。这些美好而丰盈的瞬间，让生命和爱情都令人怦然心动。

        这部电影通过两个孩子不同的家庭背景形成的不同的价值观，引发人们对成长，人生和爱情的思考。 在朱莉身上，我们看到了平凡女孩儿的一直在坚持的梦想，她乐观、浪漫、清醒、独立又勤劳，自尊自爱，在混乱世界中保持理性认知，不断自省，调整与世界相处的方式，她本身就拥有欣赏美和感知生命中的幸福的能力。她冷静清醒地对待爱情，勇敢地爱又不屈服于爱，不因爱失去自己，变得卑微。从布莱斯身上，我们看到了这个男孩子为追逐爱情敢于突破世俗的眼光束缚，改正自己的错误，他认识到自己真正值得自己追求的，是朱莉身上那些美好的品质。两个人共同种下的那棵树，是纯粹的爱，是两个人共同对这份爱的珍惜和期许。 爱情不是转瞬即逝的花，爱情是茁壮成长的树，是两个人共同培育、爱护、合作的那一颗永恒的爱之树 。

        不同的电影从不同的角度为我们描述出各不相同的爱情。但爱总是能激励人，温暖人给生命带来特殊的色彩。 人们也在爱与被爱中学会面对人生的喜与悲，相聚与离开，逐渐变得成熟。在爱别人过程中也学会了爱自己，爱这个世界，学会接受遗憾，坦然离开，但仍然能保持真诚，勇敢，乐观，带着这些美好的品质继续生活，成就更好的自己。

        就像《这个杀手不太冷》里，玛蒂尔达和朱莉有些相像，她有着超乎年龄的冷静，自主和坚定，她把单纯的爱带给了莱昂。 爱是一个杀手的弱点，但爱也给杀手注入了真正有生命的灵魂。 莱昂在生命的最后一刻只会遗憾不能再伴玛蒂尔达左右，可是却决不后悔。因为他守护了自己生命中的光亮：玛蒂尔达。而《月升王国》里，两个孩子“无知无畏”，对世界充满好奇、满怀勇气。他们面对爱情坚定勇敢、从容不迫，与成人的懦弱退缩、迷茫不定形成了鲜明的对比。 影片借由这两个孩子对爱情纯真的追求和坚守警醒那些在琐碎生活中迷失了自我的成人们：你是否已经忘记了如何去爱？你的心中是否还留有一方如“月升王国”般爱的净土，仍珍藏着最单纯的守护和最美好的誓言？ 而《爱乐之城》则教给我们离开的艺术，它告诉我们“顺其自然”的爱情的美好。爱情的意义并非是一定要走到最后， 两个人在共同经历的时光里都实现了成长，就是一件非常珍贵的事情。 相遇是或许落魄，但是都怀有炽热的理想，在走向梦想的过程中互相激励，互相欣赏。当发现不再合适的时候默默分开，经历过相濡以沫，最终还是相忘于江湖。但是，如果没有遇见彼此，你们可能都不会成为如今更优秀的自己，可以摘取梦想的果实，可以收获令人艳羡的人生。如果的生命中有这样的人，也算很是幸运的。

        我觉得人这一生，最重要的事情就是爱。伊登•阿赫兹（Eden Abhez）认为，人生最伟大的事莫过于学会爱与被爱。欣赏爱和接受爱的能力，让我们在爱里看到自己，欣赏对方，也塑造彼此。

        很多人觉得太多谈爱情这个主题俗气，缺乏格局。在我看来恰恰相反， 一个人只有学会爱最亲近的人，才能学会爱更多的人，才能有胸怀去拥抱世界 。当经历爱的时候，我们也应该问问自己，是否还坚守着心中的那份纯洁的净土，坚守着自己的勇敢真诚，能够无私无畏地去面对爱。当爱真正来临的时候，我们能否像朱莉和布莱斯一样，共同培育，爱护永恒的爱之树。在爱里成长也在爱里成熟。

        最后，送给每个人一句祝福， “斯人若彩虹，遇上方知有” 。

Ⅸ 电影中的拍摄手法有哪些

1. 推镜头

推镜头是视频拍摄中常用的手法之一，摄像机镜头与画面逐渐靠近，画面外框逐渐缩小，画面内的景物逐渐放大，使观众的视线从整体看到某一布局，这种推镜头可以引导观众更深刻地感受角色的内心活动，加强情绪气氛的烘托。

2.拉镜头

拉镜头是将摄影机放在移动车上，对着人物或景物向后拉远所摄取的画面。摄影机逐渐远离被摄主体，画面就从一个局部逐渐扩展，使观众视点后移，看到局部和整体之间的联系。

3.摇镜头

摇镜头是拍摄视频中的一种拍摄手法，指的是当摄像机机位不动，借助于三角架上的活动底盘或拍摄者自身做支点，变动摄像机光学镜头轴线的拍摄方法。

4.特写

特写是指在电影中拍摄人像的面部，人体的某一局部，一件物品的某一细部的镜头。最早由美国早期电影导演格里菲斯等人创造、使用。它的出现和运用，丰富和增强了电影艺术独特的表现力，历来是电影美学。

5.移轴

移轴所拍摄的照片效果就像是缩微模型一样，非常特别。移轴镜头的作用，本来主要是用来修正以普通广角镜拍照时所产生出的透视问题，但后来却被广泛利用来创作变化景深聚焦点位置的摄影作品。