挽救电影院

A. 《八佰》票房火爆，华谊兄弟实施“霸王条款”，激怒中小影院老板，咋回事

华谊为中小影院设置了放映《八佰》的门槛，票房在200万以下的影院，需按上年实际票房的3.5%核定保底金额，并在8月19日前将该笔保底费用预交给发行方指定账户，才可放映《八佰》。保底票房即使达不到，这个钱也要交，超出的部分再另算。也就是交所谓的押金。

2020年8月21日，管虎执导、群星参演的电影《八佰》终于正式上映了。《八佰》从8月14日开始点映，中间停了3天，从8月17日到8月20日又开始点映，一共点映了5天。

《八佰》这五天的点映总成绩粗报2.34亿，打破《西游记女儿国》1.79亿（点映1天，场次11.12万）的点映票房，创造中国电影市场点映票房最高纪录。点映期间，观影人次近600万，场次14.1万场，场均人次42.5人。

为什么华谊兄弟要这么做呢？其实还是因为缺钱！全国年票房200万以下的影院超过4000家，如果有一半影院上缴此笔保底金额，华谊兄弟可直接获得过亿现金。今年，多次有消息传出：华谊兄弟即将破产，虽然华谊兄弟不至于破产，但确实过得很艰难。《八佰》票房或将突破30亿元，但是按照正常流程，影院收到片款以后，在次月会跟所属的院线进行结算，然后把一部分分账款打到院线账户，院线再去跟片方进行结算，这个时间一般需要3-6个月。华谊兄弟等不了那么久，所以才出此下策，却激怒了中小影院的老板。

B. 为什么爆米花能成为电影院的标配

每当走进电影院，总有一股熟悉的味道让人迷失——那就是爆米花的香味。
尽管你已经吃饱了，尽管你只是想来看一场电影......最后，还是控制不了自己走到影厅隔壁的小吃亭，对老板来一句：一份大桶的爆米花！
那种浓郁香甜的奶油味让你的身体背叛你的大脑，同时，你还学会自我安慰：没关系，这货的原料是玉米，胖不到哪里去。
实上，爆米花不只给你带来了卡路里和脂肪，它还给电影院带来了不亚于电影售票的收入。
爆米花的崛起史
感觉全世界的电影院，不论大小，里面必定会有一块卖爆米花的规划地。
为什么一定是卖爆米花？这也许跟爆米花曾经是电影院的“救命恩人”有关吧。
可能是阴差阳错，可能是时运所致，反正爆米花曾经一个不小心就挽救了电影业。
爆米花的问世
19世纪上半叶，北美捕鲸人去智利时，发现了当地流行一种有趣的吃法：将玉米置于高温下，让谷物受到内部强压，淀粉原料的核心向外碰到坚硬谷壳爆炸。这就是爆米花。他们觉得这种小东西很可爱，就带回了新英格兰。不久，爆米花在北美流行起来。
1848年，爆米花成为家喻户晓的小零食，还被美国字典收录。
1885年，一个叫查理斯·奎斯特的街头小贩制造出了世界上第一台蒸汽爆米花机，加剧了爆米花的流行程度。
爆米花问世后，受到了很多人的喜爱。不过，最开始爆米花是在马戏团、集市上贩卖，早期的电影院禁止出现爆米花。
那个默片当道的时代，放映厅都把自己当作大剧院：格调要高雅，铺着华丽的地毯，看电影是有品味的事情，怎么能放这种市井食物进来？更重要的是，那种安静的大厅里，谁的屁股挪一下位都能被听到，如果谁敢吃爆米花，绝对会被鄙视到回家。
不过，这种情况慢慢有了改观。1927年，有声电影的出现让电影院迎来了更多的观众（不识字的人和小孩都往电影院跑），这些观众更加看重观影时的小零食（而不是富丽堂皇的大厅），而且，有声电影让吃爆米花的声音也不会明显了。虽然影院老板不喜欢，可还是有观众偷偷带爆米花进场。
然而，爆米花的崛起是在经济大萧条时代。当时，影院经营都遭遇到重重困难，有的甚至都倒闭了，老板们心急如焚。这时有人一看旁边的小贩，生意怎么还那么好？于是转念一想：反正这些人注定要吃爆米花，那我自己干嘛不卖？
于是，就有影厅管理人开始在电影院里贩卖爆米花。这一卖，不仅保证了电影院的生存成本，还大赚了一笔！从此，爆米花奠定了自己在电影界的地位。
爆米花拯救影院
R.J.麦凯纳——一位运营着很多影院的管理者开始在电影院的大厅里贩卖爆米花，到了1938年，他通过爆米花赚取了超过20万美金的利润。
还有一些院线大老板现在旗下较小的影院里贩卖爆米花，而高端电影院仍然不贩卖任何零食，为保持环境的整洁。结果那些卖爆米花的影院都财源滚滚，而高端影院却赤字不断。
爆米花的生意经
爆米花的盈利真有那么厉害吗？确实是相当厉害，据说当时爆米花的收入能占到电影院利润的58%以上。甚至，电影界都有句名言：
找一个爆米花摊位，
围着它盖一座电影院吧。
直到今天，爆米花依然电影院的“灵魂伴侣”，它似乎已经成为一种跨越民族、语言、信仰的观影食物。甚至，可能对于有些人来说，没有爆米花的观影都不是完整的观影了。
爆米花的两种卖相
目前，市场中常见的爆米花有两种卖相：蝴蝶形和蘑菇形。而电影院里的爆米花一般是蝴蝶形的，因为它们爆得更大颗，看起来非常诱人，最重要的是占空间！而蘑菇状的爆米花比较多的是制作成糖果和零食，这样的外形不容易碎，也方便携带与运输。
而且，很多影院老板已然把它当作影院标配之一，因为它的吸金能力简直就能荣登电影小吃排行榜的榜首。
万达院线曾经公布过一个让不少观众都震惊的数据：2013年，该院线爆米花品项相关收入高达3.9亿元，占卖品总收入72%、总收入的9.5%。
从上面这一数据，我们可以轻松得出这样的结论：院线的卖品已成为万达影院的重要收入及利润指标，尤其是爆米花。
为什么爆米花的利润能如此吓人？这多亏了它低廉的制做成本。据了解，大多数影院卖品方面的毛利率是85%左右，而一桶卖到二三十元的爆米花，成本也仅需3元左右。同时，爆米花食物的季节性不明显（不像雪糕），制作也简单（薯片、薯条类的零食还需要油炸）。
此外，爆米花还能带动可乐销量的上涨。当观众吃爆米花的时候，很容易产生口渴的感觉，所以一般人会顺带买上可乐，而一些影院会把这两样东西放在一起作为“套餐出售”。
不得不说，流传了一百多年还能一直深受大家喜爱的爆米花，真的是一样有“深度”的零食。估计只要玉米在，爆米花就能稳坐电影零食界的扛霸子之位。

C. 高分急求几部好看电影.最好知道在那下载..!

一球成名 1 2部

D. 为什么现在香港几乎没什么电影了，也不出明星了

经济基础决定上层建筑。以前香港电影是很赚钱的，现在赚不了钱了。

香港自《无间道》后再没有优质的作品，原因是其主要市场为台湾，日韩，东南亚市场及大陆地区。香港几百万人的市场是养不起电影工业的。随着美国大片的入侵，原来的市场基本被占领。再加上大陆经济的腾飞，香港电影人才纷纷北上，导致香港电影的没落。另外，大陆电影水平的提高也是不可忽视的因素。

现香港没有邵式，嘉禾等制作中心，等于没有电影制片厂，有点跟大陆一样，过去多少个老制片厂己不复存在演员老的老死的死，还好留下不少经典杰作，香港也一样，那些拍片秀女们尽都老，有的这些年就去世了，剩下部分人到大陆来拍片，如今影业不景气，让一些个人拍片给顶了，拍好片难得，尽拍一些垃圾没人看的片，熬费物资白当洖工夫，拍片不行导演差劲，演员不行，找些小品，相声演员，小品不说拍片，从中挣钱，丈着有名望拍些没人看片。

因为没落了。

别把什么政审，制度拿来说。1980~1995年香港电影辉煌的时候就没这些吗？

第一，香港电影死于抄袭与恶意竞争。

第二，香港电影死于全球化。

第三，香港电影死于人才凋零。

辉煌时期，香港负担着特殊地位，形成链接内地与西方的窗口，所以自1970年代开始，香港电影开始展露头角，比如李小龙为代表的功夫片。

80年代初，洪金宝开创的灵幻功夫片：

林正英的僵尸道长：

乃至陈晓东的倩女幽魂：

吴宇森的英雄本色：

同时，香港黑 社会 大量渗透电影圈，绑架演员，压缩控制片酬，洗钱等行为极其泛滥，严重威胁到演员和制片人利益，1992年1月15日，香港电影演员导演等等300多人公开游行，抗议黑 社会 暴行。

陈欣健李修贤是组织者：

以前，香港电影有大量黑 社会 资金，现在黑 社会 资金来源断绝，台湾所谓十大片商进入，玩起了片花制度。

什么叫片花？

台湾片商是想赚钱，只看电影中大牌明星多不多，以前香港明星片酬适当，一个大明星配几个普通二线三线，片酬加起来不过三四百万，导演还能构筑剧情。

此后，明星片酬暴涨，无论一线二线，导演只能用更多钱找更多明星，现在片酬都超过两千万，负面影响就是，电影实际拍摄投资急剧减少，剧本粗糙重复，等于只卖大明星的脸。

香港电影的国际开拓者邹文怀：

同时，电影火爆，更多的电影院出现。

1980年代，香港电影院大约50家。到了最多时达到6家院线150家，本来就狭窄的香港电影市场，出现恶性竞争。

潘迪生：

以前，院线少，上映质量能保证，粗制滥造的电影只能卖录像带，走东南亚与台湾市场收回成本。现在电影院多了，大量原本排不上的粗劣电影在恶性竞争下也能公开上映，观众大呼上当，后果就是电影口碑下跌。电影收益减少，只能继续缩减投资，增加软广告，质量越发降低。

此时，具备代表性的两大好莱坞电影进入香港，所以这就有后来说的，香港电影败于1993（侏罗纪），亡于1997（泰坦尼克号）的说法。

台湾片商退出，东南亚经济危机重创亚洲市场，谁都在谨慎投资电影。而香港本地两个电视台根本无法养活原来9万电影从业人员，只能分流，少部分留守，部分去台湾和大陆，一部分转行。

香港电影自1992年的巅峰极速衰亡。

没有好莱坞的大笔投资与数字化，也没有本地市场支持甚至从业人员都失去了。

因为香港的电影大部分都是打砸抢和黑 社会 ，内陆受香港电影的影响多少年来出现了多少黑 社会 。影视媒体的影响，左右了 社会 的发展方向。香港的喜剧片还是非常好看的，至今内陆电影无法超越。

改开前，香港是大陆的窗口。这么多年过去了，一个小小的香港，不可能不被大陆湮没。

原因很简单，像一些向、刘、成、周、洪等等明星大佬完全控制了香港 娱乐 圈，这些人自己演不动了，还不想失去影响力，所以根本不想捧新人，所以几十年下去了，香港 娱乐 圈还是这些老面孔，那能外出什么好作品

香港文化衰落了。
中国以前因为文革的原因，老百姓的文化生活很单调，对香港武侠片强烈需要，带来视觉和心理上的刺激。现在呢，老百姓对文化需求出现多元化，武侠片打砸片份量轻了。欧美日韩片占有相当大市场。从文化上看，香港已经不是窗口，只剩下金融和转口贸易。
以前香港成衣也很历害的，现在也不行了。
最可悲的是香港创新力严重不足，而且出现内斗和内耗。从经济上看，几大家族垄断地产和商业，大部分平民面对高房价无可奈何。阶层已经固化，利益格局已经成熟，港人优越感曰渐衰微。
没有产业支持，巨星就没有土壤。

电影结尾处字幕：“随着这座城市暗光沉睡之时，我们有否已淡忘了光辉的过去？不知今夕何夕……”

香港作为亚洲的金融中心，近些年经济飞速发展带来的后遗症正在这座城市愈演愈烈，城市压力过大导致 社会 问题增加。

在彭浩翔的电影中展示了当代香港的一则恐怖寓言：如果你要生存在这个疯狂的楼市，你就必须变得更加疯狂。

人都是被 社会 现实逼疯的，主角郑丽嫦的连环凶杀是有形的杀戮，而楼市的飙升和业主的哄抬则是种无形的杀戮。

怪咖彭浩翔用B级片的套路来发泄了广大房奴们的愤怒，但思想上却折射出楼价暴涨大潮中个体的彷徨与无能为力。

《维多利亚一号》：一个疯狂的城市，要想生存，就须变得比它更疯狂

这座城市正在老去，

这个地方的规则和秩序正在被丢弃，

这个时代的 历史 正在消亡，如同记忆中的香港电影一样……

编辑于 2016-10-11 · 著作权归作者所有

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评论

SydneyCarton

先说结论：

作为一个特殊文化意义上的“香港电影”这个概念，已经死掉了，基本是对 历史 的追溯与概括，基本谈不上再有较大的更新。这个概念截止期没有明确界线。在我看来，9-7只能算ICU，而且更多显现出来的是“果”而非“因”，《无间道》系列倒是可以看成“香港电影”这一概念的最终挽歌。关于这一点，我在（如何评价《无间道》三部曲？） 下有具体阐述。

这个概念死掉，不是说它不再做电影了，或者说在电影界地位不重要了。这么多年的积淀摆着，而且背后还有依旧庞大的 娱乐 业，香港仍然是一处电影重镇。而香港的电影人依旧会在华语电影中占有一席之地，像杜琪峰为首的银河、许鞍华、林超贤等导演依然保持着旺盛的创作力，并且也不时推出佳作。但这些都无法挽救香港电影这个概念的死亡。为什么？听我慢慢道来。

旧时中国的电影首都应该是上海，但得益于大陆变局，正如纳粹肆虐使欧洲艺术家逃往北美，不少电影人也前往香港。来的除了人才，更有资本，这些使得香港部分继承了旧上海电影工业的衣钵。而香港虽然是在港英政府治下，但在相当长的阶段里，相对的自由度都比海峡两岸的政权更为宽松。这些都促使香港电影产业兴起。

后来我们就看到了邵氏的做大。别看邵氏家大业大，旗下也是明星无数，其实邵氏拍片比较省钱，跟现在这种烧钱拍片根本不能比。首先那些明星演员、导演都是邵氏员工，靠工资过活的，管你人前多么风光，邵跑跑不多给你一个子儿你一点办法没有。你牛逼你可以走啊，但出了邵氏也不好混，又有乖乖回来的，比如整天吐槽老板抠门的李翰祥。而且邵氏是行业垂直垄断型企业，片场影院一把抓，有片场，拍片场地布景等花费可以省不少，有影院，全产业联动，都是我的。再加上彼时观众对视觉工艺要求还不是特别高，所以邵氏那些成本很低现在看起来“粗制滥造”的片子，一样有市场。就算票房相对低一点有啥关系，成本这么低，回本压力小多了。而且香港片彼时在东南亚市场还颇为吃香，有本埠做基底，外埠再卖一卖，日子还是比较好过的。

那么为什么香港片会在东南亚一带有市场？流行文化比较接近是一个方面。这还是要回到前面说的香港的相对自由度，再加上高度的商业性，使得香港人拍片时既没有海峡两岸的郑智负担，又会主动而有的放矢地针对市民阶层的口味开掘 娱乐 。以邵氏片为例，你们以后后来王晶、周星驰的无厘头没下限，呵呵，看看邵氏武侠片，才知道什么叫脑洞大开、节操洗地。这种以模糊而游动的道德标准为底线，在界限内肆无忌惮的“勇敢”，是其他各方万万不及的。这种口味取向也为后面埋下了伏笔。

或许很多港片影迷提港片会以邵氏为正宗，但我是在八九十年代港片中长大的，所以八九十年代的港片在我眼里可能地位会更高。为什么？这里要提到的就是香港电影新浪潮了。邵氏虽然雄霸多年，但毕竟还是高度功利的商业指向，大片场经营更是把指标卡得死死的，所以，虽不能说邵氏对香港电影的拍摄语言革新没贡献，但是相较它的江湖地位，相对而言，贡献有限。而香港电影新浪潮则可以看成是一批少壮派影人带来的香港电影语言的狂飙突进。谭家明、许鞍华、徐克等电影作者以突破性的姿态在电影形式和内容上大举开拓。这次狂飙突进不仅是艺术上的，更是将一些当时看来前卫的手法与内容推而广之，使得香港电影更加肆无忌惮。前面说到邵氏片虽然玩得狠，但邵氏的三观其实仍是保守和传统的，电影拍摄方法还是相对守旧的，而经过新浪潮的冲击，香港电影拍摄上玩得更high，内容上也越来越挑战传统底线。（顺便说一句，徐克的《蝶变》我觉得一般，但《第一类型危险》是真的好，手法到精神上的刺激，high爆了）我是先看的八九十年代港片，再看的老邵氏，最后补了一些新浪潮的课，新浪潮在中间带来的美学变化很明显，这也带动了观众观赏口味的变化。而随着新浪潮而来的不止是电影形式与内容之变，更是市场竞争的加剧。邵氏作为一个老片场，多少在这场狂飙突进里有些守成了。本来邹文怀、何冠昌分出来的嘉禾就几乎可以分庭抗礼，80年代后一干其他公司兴起，邵氏却仍坚持着片场产品。作品质量和新颖程度和这些新贵比，明显有所不及。

而在这场激烈竞争中，大量中小公司涌现出来，融资、拍片方式更加灵活，内容上更无拘束。香港电影在亚太市场真正达到高峰。到这时，“香港电影”这个动态概念才慢慢定型，我把它归纳一下，大致有几个特征：

第一，肯定不用讲，香港片商投资，或以香港制作班底为主。

第二，以香港市民文化口味为主，融合有英国的欧美式中产阶级文化、广东地方文化、香港本地民间文化，并对4-9前上海市民文化也有一定程度的继承，呈现出来的是杂糅状态。

第三，以商业利益的追逐为终极目标，为达到此目标，底线可以无限放低。

这里的“放低”是中性含义，一方面是趣味上可以无限低俗，像有一阶段邵氏片无论必要与否每片必有裸镜，如果这还不算难以接受，我们也可以拿好莱坞做个对比，同样是狂热追逐商业利益，在美国的清教传统之下，《人肉叉烧包》、《乌鼠机密档案》中直接表现对儿童的虐杀是无论如何都不会在主流影片中出现的。但香港电影对此的容忍度比较高。

而在另一方面，这个“放低”可以理解为，为了赢得最大 娱乐 效果，香港电影可以怪招频出，无名山村里的吃人魔王可以cosplay林肯，流氓地痞的生身父亲也可以是Chairman Miao……这些固然会引起争议，但也使得香港电影呈现出无与伦比的创作活力。后来常说的“无厘头”就是这种风格的部分总结。

第四，尽皆狂欢，如果不是喜剧，至少也会有喜剧因素。这一阶段香港电影哪怕是很悲情的故事，像89年版的《人海孤鸿》，94年的《暴雨骄阳》都是不乏 社会 反思和道德劝诫的苦情片，即便如此，片中仍不乏“查乳癌查舌癌”、“奶罩倒穿”等笑料。所有场次，只要编导想要，只需一秒钟，统统变喜剧。这一点对我影响蛮大的。

第五，这是波德维尔提到过的，原话不记得了，大意是：即便香港电影呈现出高度量产的状态，这些影片平均来看，并非完全的烂作，细看每一部要么在技法上要么在内容上都会有些想法，但总体制作会因为赶时间而显得粗糙。所以港片往往呈现的是有佳句少妙章的状态。

这话既可以理解为急功近利，也可以从积极的意义上理解：香港电影的主要班底，少有学院科班出身的，大部分是仅受过速成培训，甚至速成培训都未经历直接在片场拜师学艺摸爬滚打练出来的。这样出身的班底，虽然很少能提出什么理论，但手活儿极熟练，个别混得不错的，脑子都很灵活，能想出一些匪夷所思的招数。所以虽然速度快，但东西都还挺有个样子，甚至里面不乏亮点。

这五点大致就是我对“香港电影”在艺术呈现上的定义，它的成因可以从前面我提到的大的脉络看出。

那么，香港电影是怎么衰落的？为什么会衰落？

有人粗制滥造太多，有人说黑帮控制，有人说97回归，有人说大经济环境不佳……都有道理。

归结一下，时代变了。

其实我们回过头看看它成功的过程可以看出来，香港电影能成功是一个诸多原因促成的产物。

幸运地站在海峡两岸之外，既没有太大郑智压力和负担，又吸收了人才和资金。

本土文化、郑智氛围都很宽松，而且对商业有着强烈的追逐意识。

但一切到了90年代中后期，事儿都变了。

1、影片的普遍制片成本提升，单靠本埠市场支撑不住，而大陆市场尚未成形，更谈不上开放。

2、粗制滥造太多导致影片淤积，资金回笼成问题，本土经济不景气，台湾片商也在撤资，缺乏金主。

3、周边重要电影市场，比如韩国，自身的电影产业发展迅猛，而且还设了国产片保护。

4、自身电影人才瞅准机会早早抽身，但造星断档，青黄不接，周润发、成龙、李连杰（这个算出口转内销吧）纷纷投身好莱坞，，带来的空缺很能被填补。

5、上面这些原因造成的拍片量下降又直接导致原有片场师徒传承制实际破产——师父自己都吃不饱呢，所以带来的是人才的全方位断档。别的不说，香港原来世界最强的电影岗位——武术指导，你有见到多少新面孔吗？

香港电影人不能混吃等死啊，大家都想办法救市啊，这才有了《无间道》的应运而生。但大家看这个系列可以看出来，片子是非常不错，但原来意义上的“香港电影”在这个系列中基本荡然无存了。而且它这一个系列成功了，但并没有因此拯救香港电影，只是带来的是随后一小段时间的跟风——题材、拍摄形式上统统跟风。中间虽然也不乏一些能看的作品，但没有一部能达到《无间道》的成功，而在这个过程中，香港电影自身的特质基本丧失了。

香港电影人怎么办呢？他们的目光瞄向了北方，中国大陆，这个正逐渐开放并兴起的新市场。90年代合拍片还只是部分试水，到了这时候香港电影人已经是成批涌入大陆了。有一个段子，一个朋友去见文隽，刚好一个香港编剧找文。编剧问他：文生，导演协会已经开了普通话培训班，什么时候编剧协会也开一个？文隽有点尴尬，把那编剧敷衍几句打发走了。跟90年代香港人来大陆排片不同，时代不一样了，大陆人不再是那个又土又穷的表姐，土或许还是土，但穷——至少对于金主们来说，是一点都不穷了。

大量香港电影人在大陆获得了工作机会。我在这里要强调一下，这不是说大陆是香港电影人的救世主，其实就是个工作机会。大陆毕竟熟谙商业电影拍摄法的人才还不够多，这时候很需要拥有大量经验的香港人参与。而即使让香港人来操盘，也不是没有代价的，你要在大陆拍片，并且要在大陆公映，你就得面对严苛的大陆%^&(大家都懂的）。更何况香港人的口味跟大陆观众又有相当的区别，本来就不是最佳创作状态，又在高度限制下开工，这样状态下出来的作品，你觉得还能叫“香港电影”么？

更何况大陆电影人也在慢慢自己成长，渐渐的，投资方发现，与其让香港人来拍，不如试试大陆自己的导演，他们可能更了解大陆人的口味。从影片艺术水平上来讲，不好说是耶非耶，但从商业成绩来看，香港人的“优势”也在逐渐消弭。哪怕是一些比较成功已经成名的大导演，像陈可辛，从《如果·爱》开始，一直拍到《中国合伙人》才算第一次真正在商业和口碑上赢得了大陆的认可。陈可辛这种文化接受力很强且血统多元一早就倡导“亚洲电影”概念的作者尚且如此，你觉得其他人会更好多少么？

虽然大陆电影产业问题非常之多，但有资本的力量，并且也确实有一些有见识有能力的企业与制作人在推动，“香港电影”这个概念逐渐消亡了，而标志着大陆、香港、台湾乃至东南亚华人作者更大程度上融合的“华语电影”概念在这几年逐渐形成。香港仍然是一块电影重镇，仍然有杜琪峰、许鞍华等作者，并且也不时会有个别新人涌现，但这些成就已经是大“华语电影”的成就了。无论从地域人才的参与，还是电影内容的接近，呈现出来的分别是电影作者的分别，而非大地域文化概念上的分别了。

消亡说起来令人伤感，但只要还有大批热爱电影的人仍然在保持创作，仍不时推出好作品，你管它到底是“香港电影”还是“华语电影”呢？

本文纯粹“印象派”，本人也非香港电影研究者，只是个港片影迷，想到哪儿写到哪儿，挂一漏万，权当抛砖引玉。见笑，见笑~

喜欢香港老一带的艺人，他们敬业自律，不像内地的一些人有点名自以为是，牛哄哄，还有的唱一两首歌就觉得自己是大师

E. 电影院会淘汰吗

肯定不会，你看看欧美的情况，中国只是盗版盛行，不过大趋势，肯定会重新崛起的，只是时间问题

F. 05-08你觉得最经典的电影，介绍一哈。

黄金罗盘
片名：The Golden Compass

译名：黑暗物质：黄金罗盘/黑暗物质三部曲之金罗盘

导演：克里斯·韦茨Chris Weitz

主演：妮可·基德曼Nicole Kidman

类型：动作/奇幻/惊悚/剧情/冒险

片长：113分钟

和大多数魔幻题材作品一样，本片跳出了现实世界的架构，用天马行空的想象力搭建了一个全新的魔幻世界
观。这样做的好处当然是让影片看上去更合逻辑，因为整个大背景都给你换了，还能怕出什么纰漏？这无异于一种集裁判和选手于一身的流氓参赛模式。另外这样做也更能引人入胜。对于大体系的题材来说新兴的魔力世界观更是同题材多边产品(游戏、漫画等)的开发基础。不过麻烦的是对于观众来说要想畅通无阻的欣赏影片都得有点预备知识。所以在具体介绍剧情之前笔者还是先简单提几句整个影片的魔幻世界观。

魔幻片的世界观总的说来就是——“一切皆有可能”，这样的介绍似乎颇为找打，但其实万变不离其宗，概括了，就这一句。具体说来，当然每部影片都有它各自的不同。而本片的独特之处主要有两点：

一、与现实世界平行的魔幻空间。这点和《哈利·波特》颇为相象，都是以现实的世界为基础进行进一步的虚构。不同的是现实世界在《哈利·波特》中通过火车站与魔法世界连接着，而本片中现实的元素只是在地理、地名及人情风物上有所体现。

二、灵魂宿主。这是本片尤为重要的一个概念。在《黑暗物质》的世界体系中，每个人的灵魂和躯体是分开的——灵魂具体现形为一种小动物陪伴在人的身边。每个人因其性格、心志、秉性的不同而拥有着不同的宿主动物。对于小孩子来说，宿主动物也许会随着成长而不断改变，当他们逐渐成年，宿主动物也就会随之慢慢定型。

了解了故事背景，下面就进入剧情。

劳拉是个居住在乔丹大学的小女生，和一群高深的学者居住在一起并没有抹杀她好奇和活泼的天性。劳拉每天不停穿梭于大街小巷，和各色人物谈天说地。不过命中注定她并不是一个平凡的市井女孩，与生俱来的使命旅程终于在她一次偶然偷听后开启了。资深学者所说的存在于Artic平原的奇妙黑暗物质引起了劳拉极大的兴趣，她决定一探究竟，于是冒险的征程就此开始……

G. 万达电影计划2022年发展轻资产影院50家，是否能拯救万达现在的困境

5月25日，万达电影董事、副总裁、董事会秘书王会武在万达电影2021年度网上业绩说明会上表示，2022年万达电影计划自建影院40-50家，自建影院数量较去年有所减少，发展轻资产影院50-70家，通过轻重并举的发展策略提高市场份额，没想到，万达企业也有这样的局面，真的是疫情害死人啊，我们讨论一下万达现在的困境要如何才是环节呢？

H. 影视展览发展现状

众所周知，在众多的艺术门类中，像音乐、舞蹈、绘画、雕塑、建筑、戏剧等，都是在蒙昧时代或者文明时代的初期已经出现。然后，在经过一段漫长的岁月长河里，人类便再也没有出现新的艺术形式或种类。

直到20世纪上半叶，电影，这门新的艺术形式才步入人们的视野，从1895—1907的早期电影开始，以鲁米埃尔兄弟和梅里爱为代表的初期导演开始了一系列的电影制作，他们技术上推求标准化，艺术上讲求构图技巧等，都是在电影形成期所做的重要贡献，但是当时的科技都具有局限性，所以使得电影过于真实，拍摄角度固定，域别无变化，而且时间很短。中国在这一时期，也就是1905年出现了属于自己的第一部电影《定军山》。

一、世界电影产业的发展

1、1908—1926年，电影产业进入了发展期，出现了经典好莱坞电影，德国表现主义电影，法国印象主义和超现实主义电影，还有前苏联蒙太奇学派电影等，其中大家一定认识卓别林吧，身为喜剧大师的卓别林可以说是好莱坞无声电影经典中的经典，记得小时候在电视上我还有看过他的《淘金记》、《大独裁者》、《摩登时代》等等，黑白的画面风格中就是因为有了他动情的演绎才有荧幕外众多观众的笑声，还有冷面笑星基顿等，电影介绍海报也出现了彩色形式。中国在1923—1927年间也开始了对于电影的探索时期20世纪20年代，受第一次世界大战的影响，中国的民族工业得到了一次难得的发展机遇，在整体上处于上升态势。作为一种娱乐产业，电影也直接或间接地受到了这一态势的影响。因此，当《孤儿救祖记》一炮走红，在经济效益和社销携会收益都取得骄人成绩之时，商人的投资热情开始转向电影，从而掀起了中国电影发展的热潮。据不完全统计，1923--1925年间，全国各地共开设175家电影公司，其中上海有141家。当然，这其中有很多公司仅仅空挂一个招牌，实际上无悄斗慎所作为：有的缺乏办公司的实力，以借用或拼凑器材及人才的方式进行拍摄。如专事拍戏装片的大中国影片公司（1925）和专拍滑稽片的开心公司（1925）等。

2、1927—1945年，电影事业开始真正意义上的成熟，启敬这一阶段好莱坞经典电影出现了有声的电影，这是一个影视业上的重大突破。而且电影出现了多种类型：儿童片，科幻片，恐怖片，西部片，歌舞片，犯罪片，喜剧片，战争片，爱情片，伦理片，惊险片，灾难片等。中国电影第一个产业时期是1922年—1937年。在世界电影诞生的第二年，1896年电影现身于上海开始，中国本土的电影业便从商业放映起步了。在经过蹒跚学步的萌芽期之后，到上世纪20年代，已经开始向私营化的产业发展，当时社会的资本环境与行业内的准备日渐成熟，民族工商业获得了空前的机遇得以迅猛发展，个人/社会资本，更准确地说是“游资”的逐渐充盈，使得很多资本家们投资的目标开始瞄准电影这一新兴行业。在这个行业里，人才和技术上的储备正在丰满，张石川、郑正秋、罗明佑、黎民伟和后来的邵氏兄弟等一批电影人都是从摇篮期走过来的先驱者，他们各自不同程度地涉猎了电影行当中创作、制片甚至发行、放映几个方面，所积攒下来的经验使之成为上世纪二三十年代的电影中坚。在技术上，初期设备使用和摄制过程都要依靠外国技术人员，但有了像罗永祥、董克毅、吴蔚云等最早的一批技术人才的加盟，这一局面很快就被打破。具备了上述条件，以1922年明星公司成立为标志，电影公司迅速增长，到1924—1926年达到了高峰，据统计中国共开设有175家电影公司，仅上海一地就有141家。

3、1942—1951年，世界电影进入了新发展期，如意大利新现实主义电影，它追求生活真实，要求表现意大利人民饱经战争的痛苦和生活中的苦难，谴责社会中的不公正。特征是：记录性，实景拍摄，长镜头的运用，非职业演员的运用，结构形式简单直观，地方方言的运用。代表作就有：《擦皮鞋》，《罗马11时》。1959—1964年，法国出现了“新浪潮”运动，1962—1984年又出现了新德国电影运动。总而言之，欧洲现代主义电影的特点就是：1、反对传统情结，体现人本主义；2、强调表现作者“自我”，体现唯我主义；3、强调表现内心，体现非理性主义。

但是1937年后，上海电影业因时局波动而变化，以“明星”消亡、“联华”解体、“天一”南迁为标志，老影业逐步消亡。中国电影史上的一个黄金岁月和产业蓬勃时期在抗战炮火声中戛然而止。以前苏联为模式，到1956年基本完成了“独立、完整的制片生产基地”为主要目标的体制建设任务。1949年2月，经过短期的筹备，在建国前夕的4月上旬，电影管理局在北平成立，隶属中共中央宣传部领导，袁牧之任局长。电影局成立后的第一个任务就是建立国家电影制片厂。

这个时期先后建立的东北电影制片厂、北平电影制片厂、上海电影制片厂三大国营电影企业在历史转折之际，为新中国电影事业走出了第一步。在新中国电影事业的规划中，发行、放映同样位置显著，实现国有化的一体制既是最初方案，又是最终目标。因而，各地影片经理公司的建立随着解放战争的节节胜利由关外推进到中原，在时间表上，与国营制片厂的创建可以说做到了两翼并进。据统计，旧中国有678家电影院，半数以上集中在上海、天津、北平、广州、武汉、沈阳等大城市，中、小城市数量很少。

二、中国电影的发展

1954年6月至9月，电影局及所属各制片厂的领导干部共9人组成赴苏访问团，经过长达3个月的考察，回国后向中共中央上报了《电影工作者赴苏访问团工作报告》。1955年中央批准了该《报告》，各电影厂(部门)便相继开始了大规模体制建设和调整，以前苏联为模式，到1956年基本完成了“独立、完整的制片生产基地”为主要目标的体制建设任务。1959年共完成82部故事片，产量下降而艺术质量上升，优秀和比较优秀的影片达到近30部，占全年总数的1/3强，这一年在新中国电影的发展历史上被称之为“难忘的一九五九年”。新中国电影的17年历程有多种划分的方法，就电影事业的发展而言，可分为两大重要时期：从1949年开国到1957年国民经济第一个五年计划结束，为起步、初创、建设的阶段；1957年以后，经过1959年的“十年献礼”高潮，到1965年“文化部整风”及1966年的“文革”，为稳定、发展、转变的阶段。中国电影在经历了这17年的打造后，已经拥有了一份庞大的产业，家底坚实而雄厚。

中国电影第三次产业时期在时间和形式上与前两次有所不同。“文革”后百废待兴，新时期的改革开放不久挽救了濒于崩溃的电影经济，也使中国电影迎来又一次复兴。但几十年来形成的产业痼疾困扰着电影的发展，电视及多种娱乐方式的冲击更使电影业的经营每况愈下，改革势在必行。随着中国性改革的不断深化，电影业开始重新审视市场的作用和力量。上世纪90年代的一连串的“突破”如同多米诺骨牌效应，促成了体制的变迁，这一切都是在推动市场化进程的力量下进行的。因此，这一次产业期的到来较前两次而言，在意识上体现出了更多自觉。

三、世界电影产业的新格局

进入80年代以来，我们看到，日本的索尼买下了美国的哥伦比亚电影公司、哥伦比亚电影电视公司和韩国的三星公司（一个大型的独立制作公司）。日本的Matsushita收购了美国的MCA.

再看，多媒体领域的世界大亨澳大利亚的默多克，是怎样拥有一个最为多样化的国际性传媒帝国的：1994年他所拥有的新闻集团收购了美国的20世纪福克斯，同时还掌握了福克斯电影制片厂、福克斯网、英国天空广播（欧洲主要的直接卫星广播之一）、电视指南和哈普柯林斯出版社的大部分所有权。此外，他还拥有能转播几个卫星电视频道、BBC、MTV、电影以及针对亚洲和中东大部分地区观众的两个中文频道的星电视（StarTV）。其新闻帝国包括《伦敦时报》、《阳光报》和《世界新闻》。另外，他还正将他的卫星频道从英国空中广播、星电视（Star TV）和福克斯扩张到欧洲、拉丁美洲和亚洲。

再看，2005年6月，美国胶片和图像处理巨头伊斯门·柯达公司与欧洲数字投影机供应商巴寇（Barco）公司又达成战略联盟，向世界各地的数字影院运营商提供数字影院系统，声称将为客户提供简单化的打包出售，全球化的服务网络和统一升级服务，以便使两家在未来新的数字革命中求得共同发展。

等等这些都让我们看到，随着全球化浪潮的推进，国际间跨国影视集团兼并、重组、整合、扩张的趋势日益加剧，不仅好莱坞的所有权被全球化所逐步取代，而且当今国际影视传媒业也越来越全球化的发展趋向。

“现在我们往往以这样的方式来生产电影，采用法国导演、法国制片，好莱坞明星配置、好莱坞技术方法进行合作，在法国或意大利等国拍摄，法国融资。《第五元素》、《圣女贞德》等都是合作拍的，取得了很好的票房。”

四、总结

总之，在全球化进程中，各国在探索保护和发展本民族电影产业，拓展国际市场的行动策略中，不仅有各自不同的具体保护措施，还更多地采取了合作拍片、优势互补、协同作战的双赢共享发展策略。

“世界潮流浩浩荡荡，顺之则昌，逆之则亡。”（孙中山语）我们如何在全球化进程中找到自己的位置，既保持个性，又借鉴他国长处，把中国的发展纳入世界轨道，在与世界整体进程的互动与交流中，做出自己应有的贡献，才是应思考的首要课题

I. 《独行月球》票房破5亿，电影市场要就此复苏了吗

《独行月球》票房破5亿，成绩非常客观，电影市场沉寂了很长一段时间，通过一部又一部电影的票房提高，电影市场也在慢慢复苏。但是独行月球能够有这么高的票房，主要还是因为沈腾和马丽的组合，再加上开心麻花这个招牌，让更多的人愿意去电影院支持，所以独行月球的成功只能算是个例，电影市场要想复苏还是需要多方的努力。不过当下电影市场确实处在一个比较不利的阶段，而且电影题材也是越来越狭窄，要想挽救整个电影市场，不仅是需要大量影片的共同努力，同时也需要有更加新鲜的编剧与题材出现，才能够拯救国内电影市场，重新回到巅峰。