法国电影我们的未来是什么意思

① 《我们的未来》电影中他的朋友怎么死的为什么

法国彩色故事片《我们的未来》

2015年出品

编剧: 雷米·贝占松、Jean-François Halin、Vanessa Portal

导演: 雷米·贝占松

主演: Pierre Rochefort、皮奥·马麦、Roxane Mesquida

电影故事：

亚纳是保险公司的老板，他一个人站在屋里，屋很黑，人有些落寞。突然，身后的门开了，灯亮了，他的妻子拿着生日蛋糕，身后是公司里的人，大家一齐唱起了生日快乐歌。亚纳只是微微一笑。当他看到同事们合伙给他买的生日礼物时，有些惊讶，那是一把椅子，是他喜欢的一位设计大师的作品。

亚纳来到公司，秘书打来电话说一位叫托尼的人来找，亚纳躲避不见。下班回到家后，却发现妻子正和托尼喝着酒，聊兴正欢。而当亚纳携妻子看望母亲的时候，妻子和母亲谈到托尼时，母亲也是对托尼的话题也是滔滔不绝。这让亚纳感觉非常不快。

亚纳终于下了决心，来到快餐店。当托尼抬头看到站在面前的亚纳时，激动异常。为了能提前下班，托尼向经理撒了谎。两人回到托尼家，准备给每一位同学打电话，联系他们，希望大家能来参加聚会。既然办聚会，当然需要DJ。于是他们首先找到了当年聚会上的同学DJ，而令二人没有想到的是，Dj的妻子竟然是传说中的轻浮女同学。DJ的儿子要参加毕业舞会，12点过去了，做父亲的也来到舞会现场，现场无趣的音乐激起了DJ的音乐细胞，他撵走了中学生，亲自上阵，动感十足的音乐响起，仿佛又回到了中学时代。“来吧！跳舞吧！”托尼的每一次邀请，亚纳都没有接受。亚纳哪里知道，“每一个不曾起舞的日子都是对生命的辜负”。

② 当美国电影在世界上大行其道时,法国为什么要抑制美国电影

当美国电影在世界上大行其道时,法国为什么要抑制美国电影

这个题目可以写论文了。要从历史、经济、文化、政治等各方面分析。
从表面看的话，那就是艺术电影和商业电影的对立关系。
法国是电影的发源地。从电影上升到艺术高度开始（一开始电影是无法和歌剧油画一样被当成艺术的），法国电影一直坚持走艺术路线。
其实好莱坞也不乏艺术大师，大卫格里菲斯就是其中的代表人物，他的《一个国家的诞生》和《党同伐异》是世界电影的里程碑。但是从上个世纪中开始，电影的商业价值逐渐凸显，好莱坞成为各大财团眼中的摇钱树。对于美国这样一个没有太多历史的国家来说，艺术显然没有金钱更吸引人。在各大财团的入侵下，好莱坞逐渐成为了电影的商业中心，好莱坞的艺术家们失去了话语权。
与此同时，法国电影一直没有规模化的走上商业路线，这和法国的历史以及欧洲历史文化有关。在艺术方面，法国是高傲的，他们有理由高傲，因为他们有深厚的艺术文化底蕴。这方面就不好说了，再说就要讲文艺复兴了。总之，法国的 艺术家们并不认可商业电影。
那么我们做个阶段总结：
法国有丰厚的历史和文化底蕴。
美国是移民国家。
执掌好莱坞话语权的是财团，他们认为电影是商品。
执掌戛纳的是艺术家，他们认为电影是艺术品。
这就是矛盾了。
那么，在现今的世界环境下，美国是经济中心，掌握世界话语权，而掌握美国的是财胡升团。我们可以预见到，在很长很长很长的未来，好莱坞依旧会是世界商业电影中心，以流水线的方式生产一部部的电影商品，控制整个世界的主流价值观。这是除了美国以外的任何人都不想看到的事情。都想抵制，但是都无法抵制。在商业浪潮中，艺术电影是很难生存的。文艺片只有在欧洲有市场。
我们再拿中国和中国电影做个类比。我们国家和我们的电影和法国电影的处境是如此相似。我们有悠久的历史，深厚的文化底蕴。但是我们在国际文化界的声音很小。因为在艺术上，我们不是主流，注意，不是我们没有艺术，是因为我们不是主流。而在商业上，我们也不是主流。不是我们没钱，是不被认可。我们不是没有电影，但是我们的电影，无论是商业电影还是艺术电影，都不是主流。
再回到法国电影和美国电影。 好莱坞已经走上了良性发展路线，商业电影被主流价值观所接受，又不断影响着主流价值观。主流价值观认可奥斯卡，不知道戛纳。而法国电影正在艰难生存，做商业片做不过好莱坞，做艺术片很难赚钱，很难持续发展。在这样的情况下，法国电影想要继续生存，抵制好莱坞也就不足为奇了。
其实我觉得，在当今环境下，走商业化路线更靠谱一些。毕竟电影拍出来是给人看的。一部电影，或者说一件艺术品，其内涵再深，没人看也就没有任何价值，你拍了一部能净化灵魂的电影也得有人看得懂才行啊。应该是在迎合主流价值观的前提下，再考虑艺术性。这样拍出来电影，有人看，赚到钱，才能持续发展，才能影响主流价值观啊。 其实张艺谋就在走这条路，不过我觉得走得不好。《红高粱》中有一种力量，《活着》有一种无奈，《秋菊打官司》有一种执著，《十面埋伏》就只看到颜色和画面了。
絮絮叨叨说了这么多，我都觉得乱了，不知道我说明白了没有。不过无论如何，这也是我一家之言，是我个人对电影的理解。建议您还是查下法国电影史，法国历史（从文艺复兴看就足够了），再看下世界电影史，注意一下公认的几裤弯老十部里程碑式的电影出现的时间，在结合下历史背景，当有所得。

美国电影在世界电影中的地位

老大。。。要不然各国导演为什么去美国拼奥斯卡奖。。。 连拿个奥斯卡外语片奖的导演都兴奋的睡不着。。 唉。。。 美国不管从电影的制作，投资，发行，出版都专业的。是各个国家都比不了的。美国 *** 把电影当成一项产业在做。哪个国家能比的了？无论哪一方面都是第一。 中国电影动不动这个不给放，那个不给拍的。

美国电影文化在世界上是怎样传播的

长期以来，美国十分重视通过电影向其他国家的人民传播其生活方式、通俗文化、价值观念甚至思维方式。美国电影生产总量只占世界生产总量的6%—7%，却占据了世界总放映时间的一半以上，成为美国对外宣传其价值观和文化理念最重要的工具之一。
个人主义是美国价值观中的核心组成部分，它重视个人成就、崇拜个人奋斗，讲究个人价值最大程度的实现。美国电影是灌输个人主义的主要工闹知具，从《蜘蛛侠》、《超人》再到《2012》，“救世主们”一次次让美国扮演拯救世界的角色，英雄来到地球是“为了美国式的真理和正义”，让观众在不知不觉中认同美国具有拯救并主导世界强权地位的天然能力。《当幸福来敲门》是一部反映个人自由主义与美国梦的经典励志片，该片叙说了20世纪80年代平凡小人物在美国成长为股票投资家的奋斗故事，影片主人公执著于自己的梦想，为实现目标不放弃任何机会，体现了美国人相信并崇拜个人奋斗，追求自由平等，依靠自身力量实现自我价值的价值观。影片意在告诉观众，每个生活在美国的人只要足够勤奋，都可能取得事业成功。电影建构出的理想化社会图景激发了人们对“美国梦”式成功的渴望，也起到了宣传美国的作用。

美国凭借好莱坞强大的媒体宣传力量不断向世界倾泻所谓的“美国文化” 美国中产阶级的价值观，情感观，民族国家观等等潜移默化的传入包括中国在内的广大国家。 美国式的民主无处不在 美国实行两党制，民主共和两党轮流执政。换界选举时总免不了互相漫骂揭短，以展现所谓的民主与自由。这种貌似民主的观念已经深入到美国的文化之中（如《总统接招》）。它的矛盾之处就在于，完全是垄断阶级的政权却要摆着民主的招牌：无论是谁当权，都是代表控制美国经济的几个财团罢了。电影中出现的游行示威，民主辩论其根本上毫无作用。这种披着民主外衣的制度迷惑了不少中国人。 美国中产阶级的富贵炫耀。 俗话说魔鬼的诱惑总是最难挡的。电影中的美国很大程度上都是独立别墅，私家汽车，锦衣玉食。就连一个穷困失业的人事都有看似舒服的标准间以栖身，一辆老爷车可开。社会学家分析，就是耗尽地球上的所有资源，中国也普遍达不到美国中产阶级的生活水平。这就造成了中国人盲目的幻想与乐观。 电影中的美国大兵。 他们虽然出口成脏，漫骂总统，但关键时刻无不英勇果敢，悍不畏死。电影中尽管表明美国以维和之名，行侵略之实的观点。但实际上还是为美国的霸权歌功颂德。像《黑鹰坠落》《士兵宣言》。电影从来不说，美国人如何残杀当地平民，如何将人家的国宝据为己有。都只表示自己的战士如何勇敢，如何将敌人消灭或者如何在被敌人消灭时的英勇。给我们的印象是美国虽然有错，但当地的人民，政权错误却更大（如《深入敌后》），我们美国人是真心诚意的来帮助你们的等等。 美国文化是多元的，它本来就是一个由世界各国人士组成的新国家。没有多少历史的沉淀，短短二百多年，美国的经济是发达的，但文化却稀少的可怜。本土文化大部分来源于欧洲。却妄想建立自己的文化体系。表面上说要博览众长，集思广益。实际却在宣扬精英白人主义，美国人崇尚个人英雄主义，仔细看美国的娱乐大片，不难发现，绝大部分都是英俊潇洒的小白脸（如《超人》《蜘蛛侠》《黑客帝国》中的救世主尼奥）。这种种族偏见是久已有之，根深蒂固的。美国的所谓民族主义其本质也是建立在白人至上的基础之上。种族歧视的劣根与文化的缺失联络紧密。

为什么美国电影风靡世界？

与其说美国文化在努力全球化,还不如讲全球文化在被动美国化!
观众在寻求感官 *** 和理想的寄托,现代人爱听爱情故事,惊悚故事,科幻故事,电影人们讲个故事.而大家都觉得,每年最吸引人的似乎大多数是美国人讲的故事!!
我们听的看的,成功的大片相对较多.
而在一个相对开放的环境中迸发的创作 *** ,以及支撑金字塔塔尖的众多电影从业人员,才是美国电影的法宝.

我国电影在世界上获奖的影片

霸王别姬，阳光灿烂的日子 一个都不能少 黄土地
红高粱 十七岁的单车 洗澡 青红 暖 断臂山
卧虎藏龙，春光乍泻 孔雀 鬼子来了 小武

美国电影中的反派为什么要统治世界

通常反派的理想不是统治世界就是毁灭世界，理想太小了容易实现，理想太大了实现不了，可能统治世界这个理想刚刚好吧，反派也是要人生目标的啊。

中国电影在世界上的分量？

地位不高,现在的烂片都获奖了你想想啊```张大导演都说拉`中国电影悲哀啊

美国电影与法国电影新潮流

美国电影与法国电影新潮流
下雪天，是冬天赐予大地的一道美景，那片片雪花，随风飞舞

世界上最黄的美国电影是什么

美国西欧猛片

③ 请问有人知道《回到未来》这部电影为什么叫回到“未来”吗

因为这里面的那个博士造了一个时光机，可以在过去和未来穿梭。《回到未来》三部曲就是围绕着这个时光机展开的，有时是到过去的某个时间，有时又到主人公长大后的年代去。

④ 你心目中最好看的法国科幻片是哪部为什么

要说法国最好看的科幻片，个人会把票投给《第五元素》。

因为《第五元素》是我在孩提时代看到的第一部科幻片，当时里面形形色色的外星人让我叹为观止，也为小小的我打开了新世界的大门。虽然《星球大战》早就构建起了更为庞大的宇宙世界观，但《第五元素》给我留下的冲击没有任何一部科幻电影能够比拟。

《第五元素》的演员阵容非常强大，有出演过《十二猴子》和《虎胆龙威》系列的布鲁斯·威利斯，有出演过《生化危机》系列的米拉·乔沃维奇，有刚刚凭借《至暗时刻》加冕奥斯卡影帝的英国国宝级演员加里·奥德曼。

米拉·乔沃维奇的演技虽然褒贬不一，曾经还被提名金酸梅奖最佳女主角。但她的颜值、气质俱佳，属于男女通杀的类型。

吕克贝松的新片《星际特工：千星之城》实际上脱胎于《第五元素》，里面能找到好多《第五元素》的影子。只是宇宙文明的设定更加广阔，视效更加炸裂，剧情更加商业化，但与《第五元素》相比，少了些深度，自然也就成不了经典之作。

大刘在他的小说中写过，人类生存的终极目标是探索宇宙的秘密，就像《朝闻道》中为了聆听真理而选择毁灭自己的科学家们。对我们普通人，或者影迷来说，能透过电影导演的镜头，去探索广阔的宇宙，是一件很美妙的事情。

⑤ 谁能详细介绍一下回到未来这部影片，最好还有剧情简介

回到未来三部曲back to the future troligy

一部曲：

小时候读书不好，因此老师把我和班长安排同桌，力图扭转我对学业毫无兴趣的态势，班长一表人材、聪明伶俐，最厉害的是待人接物水准已进入成人的境界，每每让我由衷地佩服。上课时，班长经常会提醒我老师正在朝我这里瞄，以让我从魂飞窗外的状态中立刻回来。当然，班长也并非永远一本正经。

一次语文课上，班长压抑不住内心的兴奋，意外地主动和我偷说废话：我昨天晚上看了一本《上影画报》。我“哦”了一下，继续认真听老师讲课。他接着说：上面介绍了一个片子，叫《回到未来》。我跟着“哦”。他问：你不觉得奇怪吗？我答：奇怪什么？他说：这个片名啊？这是个病句啊，未来怎么可以回到？我答：哦？他说：这个电影太好玩了。说一个男孩子坐上时光机器，回到了父母亲谈恋爱的年代，帮助他的父亲追求母亲。

他说的时候眼睛发亮，充满了一个少年对未来幻想的纯真神情，这是他较少的真情流露的时刻，因此我记得如此清晰，以至于坐的位置、问的时间以及他的表情，全都了然。他第二天把杂志带给我看，我从那上面第一次看到了《回到未来》的剧照和简介。

中国图书进出口公司在还没有搬离延安路的时候，是影迷和乐迷的天堂。因为那里有原版进口CD、卡带、黑胶唱片可买，大楼外还有造福数代乐迷的翻版和原版打口卡带集团式的叫卖。二楼的进口图书部，虽然在一个日文图书的区域挂了块等同于“华人不得入内”的牌子，但其他区域还是可以自由走动的，其中就有一些香港的电影杂志。

通过其中的某本电影杂志，我认识了来自香港的一位同样热爱周星驰的朋友，那大概是1992年左右，周星驰甚至都还未被大部分的中国人所熟悉，影评人对他的评价也不高。除了周星驰之外，我们也聊到一些好莱坞电影，我偶然说了自己喜欢《回到未来》系列，他就把香港电视台播的《回到未来第三集》录下来寄给了我。在录像带交易的世代，有一部这样的猛片是很吃香的，通过《回到未来第三集》削来的更多录像带，留给了我相当多有趣的经历。

二部曲：

《回到未来三部曲》是八十年代最值得怀念的系列片之一，第一集将科幻片和青春片结合在一起，创造出了丰富的笑料和让人脑筋急转弯的剧情，是当年的最卖座电影。第二集再接再厉，不仅将1985和1955两个时空重新组合，而且加入了未来时空，但三者水乳交融，丝毫不乱，片尾更留下巨大悬念，同样卖座鼎盛。第三集基本以西部片的架构出现，玩转类型片，幽默感比比皆是。片尾的飞车戏更成为经典，给《玩具总动员》等片反复临摹。三部曲造就了大明星迈克尔.福克斯，更造就了罗伯特.泽米基斯(《阿甘正传》)这位商业片大导演，而其天衣无缝的剧本，更成为电影学院的剧作教材。

《回到未来》三部曲最初观看的是内参录像和从电视台录来的录像带，到了VCD时代，曾在YC的某家店买过套装的(这家店现在还活着，不过已改卖DVD)，进入DVD时代之后，曾把手头几乎所有的VCD都处理掉了，但这套碟却留了下来，可能是因为偏爱。2002年，《回到未来三部曲》DVD终于发行，可惜环球公司发行的这个版本出现的最大问题是画面失调，最下方的画面给切掉很多，国外影迷与LD对照之后贴了很多对比图，造成极大轰动，逼得环球公司承诺要出新版。九区当时出的有JQ的三D9直灌版，这个来自二区的版本虽然画面比例是错的(与三区共版)，但拥有一区所没有的dts音轨，却在花絮上比一区版少了很多内容。三年之后的上月，R9推出了一个全新的版本，堪称此片的DVD时代终极版。

三部曲：

R9此版独一无二之处首先在于它的封面设计，放弃了传统的九区还原概念，转而走概念化的路子。外包装根据影片的情节，设计成了一个特殊的车牌样式。这个极富想象力的包装，完全可以和其他区的一些特殊包装媲美。

当然，它也带来一些问题，最大的毛病在于车牌包装比较薄，卡口设计不是很理想，甚至出现了一个小错误，造成其中一方的两张碟在打开包装时很容易脱落，虽然此后发布的手工修改方案，但收效一般。而对于爱护碟片的朋友来说，可能愿意把四张碟拿出，装在PP盒里保存。碟内也没有提供精度可供打印的原版封套图片文件，多少是个小小遗憾。

除了包装超强之外，碟内的配置也算最强。因为它结合了各区的精华。此碟对我而言的最大惊喜，在于它收录的国语配音，来自当年的内参版配音，熟悉上海配音界的朋友，可以在其中听到现在一些著名话剧演员、主持人在20年前的声音演出。

全套碟的配置是D9×3＋D5。全碟基本上以一区版的内容主要蓝本，画面是环球少量重发的准确比例的画面，结合了二区的dts音轨和翻译准确的正片中文字幕和花絮中文字幕，同时，将一区和二区各有千秋的

花絮都一网打尽，并带国语配音和OST，致使容量超量，多出的内容，全放在了D5碟内。

R9另外一个惊人之举是把将三部曲内的主菜单、子菜单、文字介绍等内容全部汉化，即观众进入到任何一个选项都不会有语言上和理解上的障碍。有人因此迫不及待地把它列入2005年度最佳DVD之一，绝非虚言。下面是JQ版和R9版的对比，借助这一对比，大家可以明显看出R9这套碟在制作上的犀利。

⑥ 法国电影

善良的卢卡斯！一部优秀的电影

看一部好电影就像吃一口好茶，余韵袅袅，总有点什么让你不断回味。《L'homme que j'aime》给我留下的是马丁那支口哨——《Bandiera rossa》。片子结束了，口哨声犹在耳边盘旋，轻快自由却又带着点努力忘记悲伤的悲伤。这个片子并没让我觉得有多同志，反而不停地想起那句话：“我爱你，但我不是GAY。”

《L'homme que j'aime》中大概就是马丁追着有点不耐烦的卢卡斯问他是否经常这样低头走路，然后坦率得有点发傻地说自己是GAY，还一副无比单纯无比CJ的表情问他是不是，才发现这个原本很容易就被写成悲剧的悲剧并不会走煽情索泪的韩国电影套路，果然，看到马丁给“表演跳水”后的卢卡斯身边扔小鱼时几乎笑喷。

就是这样一个男人，不得不让从小丧母活得有些迷茫有些孤独有些拎不清自己的卢卡斯一点一滴地被他吸引蛊惑。卢卡斯不是GAY，他会在同性恋酒吧里不自在地找弹球机玩，他只是爱马丁，并在马丁想拒绝给他伤害的时候一步步向他走近过来。他对他说：“我爱你，就像我从未爱过一样。”这句话的催泪效果远远大过任何声嘶力竭海誓山盟，是你为我刷新了对爱情的印象，是你为我心灵词典中的爱情下出标准的定义，我不是GAY，我的这种爱只依你而存在，这已经不再是同性异性的问题，这是一种特定的爱情方式，无关乎性别。

整部片子马丁都在用他出其不意的孩童行为轻松着卢卡斯和妈妈，也轻松着我们的心，以至于在他临死的时候我居然还会因他的可爱举动而微笑出来，可心里那种沉重和惋惜是无法回避的。眼泪在最悲伤的瞬间反而缺席，当然马丁本来也不想把他一个人的死变成所有他所爱之人的悲剧。谢谢卢卡斯，他完全按照马丁的心愿选择了自己今后的生活，他穿上带着马丁古龙水气味的横条上衣，骑上了马丁那台破旧的黑色自行车，轻快地吹起了马丁最喜欢的口哨……

“那天，你将明了。”
“那天， 我们也将明了。”
“你是生命。”
“你是虚无。”
“死神将会来临, 取走你的双眼。”
那时，卢卡斯背对马丁安静地蜷着，两人轻轻吟出这首诗。

死神终于取走了马丁的双眼，但卢卡斯却把他活进了他的心里，这种怀念不是用眼泪和香烛来进行，而是一种气场的笼罩，只要他的气场围绕在他周围，死神永远取不走他对他的怀念。

有人问卢卡斯今后会跟男人还是女人在一起，我坚定地认为是女人。再罗嗦一次，因为卢卡斯不是GAY，他只是爱上了马丁，而马丁恰好是个男人，如此而已。

⑦ 电影达人请进。。。

称斯蒂芬.斯皮尔伯格(Steven Spielberg)为“电影奇才”一点也不为过，这位以史诗片《辛德勒名单》而荣获奥斯卡金像奖的大导演，他的知名度却以《大白鲨》、《E.T.》、《侏罗纪公园》等著名的商业娱乐片为更多的电影迷们所知
代表作：《大白鲨》、《ET外星人》、《侏罗纪公园》、《辛德勒名单》、《失落的世界》、《拯救大兵瑞恩》
所获奖项 ：1998年，《拯救大兵雷恩》获美国奥斯卡金像奖最佳导演奖；1995年，美国电影学会颁发终身成就奖；1993年，《辛德勒名单》获美国奥斯 卡金像奖最佳导演奖；1986年，获美国影艺学院颁发欧文塔尔波格成就奖

从个人特点来讲

詹姆斯卡梅隆个性就有点格格不入了，但是能力并不能被这一点缺点所掩盖。
他喜欢富有创意的剧本、完美的特技、鲜活的人物以及在他后面的电影中频频出现的女性英雄。
《星球大战》就不用多说了
在他的多数电影里面似乎喜欢有一个壮汉，从史泰龙到施瓦辛格。
他淋漓尽致的做出自己理解的表现
还有《泰坦尼克号》这部电影在电影史上可谓是毁誉参半，既有大肆吹捧者，也有极力贬低者，但却忠实地保持了詹姆斯·卡梅隆电影的一贯风格，情节扣人心弦，特技出神入化。

在每一篇详尽描述詹姆斯·卡梅隆生平的文章里，几乎都要不可避免地使用“恶名昭著”这个词——没错，他在拍摄地是个苟求、专横的“暴君”；在家庭中是个不会体贴并且见异思迁的丈夫；在好莱坞同行看来，卡梅隆是一个偏执狂和烧钱的机器。然而在很多普通影迷眼里，这些指责完全无关紧要，它们不是鸡蛋里挑骨头就是出于嫉妒的恶意攻击，世界上只有一个詹姆斯·卡梅隆，那就是大英雄詹姆斯·卡梅隆、大天才詹姆斯·卡梅隆、无以伦比，无所不能的大导演詹姆斯·卡梅隆。
无疑，詹姆斯·卡梅隆是二十世界最引人注目的导演之一，他曾经两度创造电影投资的最高纪录，拍摄过一部世界上有史以来最卖座的影片，平了一部影片获得奥斯卡奖数目的纪录，并且每一部影片都为以后的电影树立了技术的标杆。在说起詹姆斯·卡梅隆的时候，人们不免要提到另一位杰出的商业片导演斯蒂文·斯皮尔伯格，能跟这位二十世纪的电影巨人相提并论，本身就说明了卡梅隆在人们心目中的崇高地位。在下面关于卡梅隆生平和作品的叙述中，笔者也不免要将他和斯皮尔伯格进行一些饶有趣味的比较。

生于洛杉矶，小时候最喜欢玩模型火车，还有一个喜爱的游戏就是自己筑一个小火山，最后再把它摧毁来玩一个火山喷发。长大当了导演，他终于可以让儿时的梦在银幕上变成现实了。作为一个年轻的导演，迈克尔·贝是拍MTV和广告起家的，他的电影作品并不太多，所以他不会放弃每一部可以让他过炸瘾的机会。以动作片当家的好莱坞，向来不缺独当一面的动作片大导演，远到早些年拍《终结者》、《泰坦尼克》的詹姆斯·卡梅隆；近到以《指环王》系列打响的新西兰导演彼得·杰克逊，以及来自香港的“外援”吴宇森，都是些叱咤风云、呼风唤雨的大腕级动作片导演。而说到支撑起美国电影票房半壁江山的动作片，著名的动作片导演迈克尔·贝则是不可不提的人物。
1995年的《绝地战警》全美票房6500万,低成本高票房,为迈克尔贝打响了第一炮
1996年的《勇闯夺命岛》全球票房3.4亿,这是迈克尔贝事业的第一个颠峰.
1998年的《世界末日》全球票房5.5亿,这是迈克尔贝最成功一部电影,甚至在全球票房上赢了斯皮尔伯格执导的拯救大兵瑞恩将近一个亿.
2001年的《珍珠港》全球票房:4.5亿,该片只能不能完全算是失败,只能算是中规中距
2003年的《绝地战警2》全球票房:2.5亿,该片延续了第一部的成功,迈克尔贝在该片中处理动作场面也有过人之处,但该片的投资也远远高于第一部,这样的票房收入,也让杰瑞布洛克海默和迈克尔贝的合作走到了尽头
2005年的《逃出克隆岛》投资1.3亿,全美票房仅为3000万,江郎才尽的迈克尔贝已经在彻底失控,这是他加盟梦工厂的第一部影片,却以票房和评论的双败收场.
2006年的《变形金刚真人版》这部梦工厂2006年的重头戏,原定由史蒂文.斯皮尔伯格担任制片,迈克尔但任导演的,但《逃出克隆岛》的失败,不得不让梦工厂重新考虑这样的投资是否值得.(2006)

说起法国导演吕克·贝松，知道的人不能算少，即便是不知道贝松的名字，恐怕也不会没有看过他导演的影片《杀手莱昂》和《第五元素》。但是当我准备写下这篇文章的时候，在国内几乎找不到关于他的任何背景材料。这种尴尬的局面还发生在他自己的国家法国：尽管贝松的声望在国际影坛如日中天，在推崇艺术电影著称的法国，吕克·贝松却始终是个毁誉参半的孤独的探索者，他甚至被说成是向好莱坞电影投降的反面典型。为此，苦闷的贝松常常要飘浮过海去好莱坞寻觅知音。

蓝天碧海丁的少年梦

吕克·贝松1959年3月18日生于巴黎，幼年的理想是做一名潜水运动员和航海家。但是17岁时的一次潜水事故打破了他的童年梦想。贝松很快调整了自己人生的目标。决心做一名电影制片人，于是19岁那年来到美国洛杉矶，学习了3个月的电影制作课程。并开始拍摄一些试验短片。1983年，贝松的电影处女作《最后的战斗》问世，这部多次获奖的黑白、宽银幕的无声科幻片，据说是23岁的他用3法郎六苏拍成的。吕克·贝松似乎向世人证明了，在法国即使没有受过专业的电影教育，找不到投资，依旧可以拍出与众不同的电影。也正因如此，贝松曾经一度被奉为法国年轻导演的开路先锋，不管他乐意不乐意这一称呼。 《地铁》和《碧海蓝天》为吕克·贝松在国内和国际赢得了声誉。虽然当年的法国凯撒奖有点吝啬地仅仅将“最佳录音”和“最佳音乐”奖授予《碧海蓝天》．但是贝松却公开表示这部影片是其导演生涯中最为得意的作品。毕竟，这部作品倾注了贝松少年时的激情和梦想，贝松终于可以用他的摄影机捕捉他童年时代所看到的海洋的光影和生命。影片中的潜水员杰克最后葬身大海，更确切的说，那是他真正的生存，杰克莫不就是贝松理想中的化身？

80年代的法国有所谓BBC年轻导演之说，即专指Beinex、 Besson、 Carax（贝内克斯、贝松、卡拉克斯）这三位新锐导演尽管有很多相同与不同，但其最大的共同点却是对蓝色莫名其妙的偏爱。从贝内克斯1980年拍的《女歌星》开始，蓝色就充满了银慕，卡拉卡斯则拍了《卑贱的血统》；而贝松的《碧海蓝天》更是从片名到内容都蓝色的调子。贝松苦心孤诣营造的对大海的向往和浪漫情怀自然是无人能比，其精彩的水下摄影恐怕令《钢琴课》和《泰但尼克号》的导演也受益匪浅。

法兰西孤独的探索者

《尼基塔》与《杀手莱昂》是吕克·贝松由艺术影片向商业影片的成功过渡。《尼墓塔》讲述了一个暴力团女成员是如何被改造为国家职业特工杀手的过程，其特工杀手的身份和她内心深处爱情和人性的萌动构成了这部影片的独到之处，而《杀手莱昂》讲述 了一个渴望从善的杀手和一个渴望复仇从恶的女孩之间的故事。这部带有艺术气质的法国商业片至今仍是世界各国的电影学子们精精乐道的范例，其中的许多细节诸如莱昂身边的那株绿色的植物和“记住永远不要杀妇女和孩子”等精彩对白令人难忘。单凭那株绿色的植物，就不是好莱坞的编剧所能想到的。《杀手莱昂》夺得了当年凯撒奖最佳影片奖，贝松则荣获最佳导演奖。自90年代以来，法国艺术电影的繁荣将法国商业电影推到了一种尴尬的境地，在法国以外的地方，拍艺术电影是雳要很大的勇气的，因为你要面临着严峻的生存问题，在法国则不同，如果一个电影艺术家要去拍迎合大众口味的商业电影，似乎而要更大的勇气。吕克·贝松就是这样一位“不合时宜”的导演。

80年代中期，贝松拍摄了《地铁》，《蕾海蓝天》等艺术电影之后，被法国评论界称为前途无限的年轻导演； 90年代贝松在拍摄了《杀手莱昂》、《第五元素》之后，却受到了法国电影理论界的轻视。《第五元素》1997年在全球创下了2亿7千万美元的收益，名列当年世界电影的第三名，不管评论界如何评论这部电影，它向我们展示了一个法国导演眼中的未来世界，在电脑高科技与时空交错的叙事中，带给我们一丝不同于好莱坞大片的历史和人文内涵。

吕克·贝松是当代法国电影影坛最受瞩目而有争议最大的导演。尽管《第五元素》在商业上的成功使得法国最大的电影公司高蒙公司的营业额翻了一翻，但是贝松在国内却常常被说成是向好莱坞电影投降的反面典型。为此，苦闷的贝松常常要飘浮过海去好莱坞寻觅知音。影片《第五元素》集科幻、惊险和打斗于一身，是欧洲有史以来第一部成本高达近一亿美元的英语对白影片，显示了法国电影人复兴本国和欧洲电影业的决心和勇气，影片莱获1997年戛纳国际电影节技术大奖，真故事内容本是吕克·贝松在16岁时就开始构思，当时卢卡斯的《星球大战》刚刚问世，显然贝松的想象和构思与之相比还很不成熟。

事隔20年之后，贝松依旧念念不忘少年时代的构想，经过20年的筹划．该剧本具备了贝松前五部故事片的基本要素。虽然有评论认为《第五元素》似乎更像是一部法国未来主义的滑稽笑剧，认为不过是视觉效果做得好，但是1997年在第50届夏纳电影节开幕式上作为开幕影片放映的时候，这部表现人类未来23世纪的科幻片还是引起了轰动。影片中，布鲁斯·威利斯扮演的主人公驾驶着他的那辆抗地球引力的黄色出租汽车飞越纽约城市上空的镜头，与卢卡斯的星际字宙飞船相比毫不逊色。当年那个看着《星球大战》长大的贝松，20年后终于和卢卡斯站到了一起。

走向世界的吕克·贝松

早在《碧海蓝天》中，吕克·贝松就显示出他对大制作和宏大场面的迷恋与追求。从《第五元素》和《圣女贞德》开始，贝松日渐游离他过去所从属的那种电影形态，将目光瞄准了国际市场，不仅在类型方式上玩尽花招，还在制作成本上不断升级，这也许就是贝松在本国遭到非议的主要原因。而此时的好莱坞也开始在世界各国招兵买马，其首选就是吴宇森和吕克·贝松。贝松法国式的浪漫风情以及吴宇森东方味的英雄情结倍受好莱坞的青睬与模仿。贝松最终用《第五元素》和《圣女贞德》证明了娱乐大片不是好莱坞的专利，法国人不仅能制造低成本、小制作的艺术电影，还能生产在全球盈利的商业巨片，一个法国人可以在美国的地盘上“与他们相抗衡。今天的贝松似乎成了成功的榜样，我们可以毫不犹豫地将他看作和斯皮尔伯格同一类型的商业片大导演，但是殊不知贝松能够走到今天。付出了极大的代价。

作为第一部高成本的欧洲影片，《第五元素》1997年夏天在影院公映的时候，开始票房并不令人乐观，看惯了艺术影片的法国观众和受到好莱坞商业大片熏陶的美国观众并不抱有太多的兴趣。影评人的反映也是贬大子褒，影片最为致命之处还在于它高达1亿美元的巨额成本。但是奇迹出现了，《第五元素》居然克服了它的先天不足和不祥预兆，在不到一个月的时间里在几个主要西方国家广泛放映，影片是大赚了一笔，但是评论界对贝松和这部影片的依旧低调处理。

吕克·贝松并不因为这些评价动摇自己的追求和信念，他要拍一部法国人和美国人都叫好的影片。他的《圣女贞德》选取了历史和现实，民族和国际的恰当交融，拍完之后好评人潮。圣女贞德是法国人心目中的女神，她以自己的生命成就了一曲不朽的传说。有关圣女贞德的，视作品不计其数，可是只有三部影片值得在电影史上留下一笔，他们分别是：德莱叶导演的为电影默片时代划上精彩句号的《圣女贞德受难记》；布莱松导演的极度忠实于宗教情节和原审判材料的《圣女贞德受难》：吕克·贝松耗时三年拍摄的史诗性巨片《圣女贞德》。

布莱松的《圣女贞德受骓》仅仅截取了贞德受审和走向火刑架的一段史实，表现了女主人公的宗教信念和历史的真实瞬间。而吕克，贝松的《圣女贞德》则展示了波澜壮阔的英法百年战争和贞德作为一个少女和法兰西战士的浪漫情怀。和布莱松一样，吕克，贝松也是注国影坛一位孤独的探索者，也许这是这两位不同时代的法国导演的唯一相同之处。也许正是这唯一的相同，才使得他们同样偏爱贞德这个历史人物，只不过他们诠释历史人物的方式有所不同。在吕克·贝松的导演手记里我们看到贝松对贞德的评价：、贞德是我们的先祖，在她的信念和纯真之间捕捉到的东西，又在她的时代失去，正像我们在自己的时代所失去的一样，”贝松在这部影片中表达了自己对于这段历史的独到思考：“难道人类的思想必得沿着如此曲折的道路，才能发现隐藏在邪恶背后的善良吗？”

吕克·贝松这位影坛孤独的探索者，即使是在他的商业巨片中，我们也可以感受到他对历史和生命的终极认识，触摸到他作为一名法兰西战士的心路历程。无论是《碧海蓝天》中的杰克，是《杀手莱昂》中的杀手，还是《圣女贞德》中贞德，我们都会感到：这就是吕克·贝松。

吴宇森1946年9月22日出生于广州，1951年随父母移居香港，由于父亲患病不能工作，由母亲负担养家的重担，生活十分清苦。中学刚毕业时父亲就去世了，全赖母亲在工地抬石子负担家计，他也只能打消了去台湾学建筑或是美术的升学梦。此时吴宇森就读于一家教会学校，精读了许多神学、历史、哲学、美术著作。吴宇森中学时代经常从课堂上溜出来跑到电影院去看电影，他最喜欢的是好莱坞的黑帮片，西部片以及黄金时期的歌舞片。这些电影的共同点是画面都充满了动感。吴宇森最崇拜的导演是法国暴力导演皮埃尔·迈尔维勒，此人的作品在暴力中透着浓郁的人情味。但对吴宇森影响最大的人却是拍过《野人帮》的山姆·派金帕，可以说，吴宇森电影中对慢镜的运用以及让角色在圣歌中进行搏命激战的处理方式都是山姆电影语言的发扬光大。
1971年，吴宇森到邵氏影业公司跟随当时最著名的动作片导演张彻拍片。张彻的作品在当时的电影市场中横行无阻，吴宇森从中也学到了许多专业技巧，用吴宇森的话说，“把张彻电影中的刀换成枪，那么就会很象我的《英雄本色》了。”在张彻身边两年后，吴宇森开始了自己的第一部作品——《过客》。此片的武术指导就是今日香港影坛的大哥成龙，当时两人都是影坛小辈，所以《过客》也没有产生什么反响。之后他到嘉禾担任导演长达十年（1973-1983）。在这十年间他拍了许多完全讨好市场的喜剧，1973年他导演了《铁汉柔情》，之后他又拍了不少的低成本的电影，如《女子跆拳群英会》(1976)、《帝女花》(1976)、《少林门》 (1976)等，后他又执导了《发钱寒》(1977)、《大煞星与小妹头》(1978)、《哈�夜归人》(1978)、豪侠(1979)、《滑稽时代》(1980)、八彩林亚珍(1982)等喜剧电影。这段时期被他自己称作“喜剧的十年”。
1983年他从嘉禾到新艺城后，事业沉入谷底，被外放到台湾沉潜了将近三年。然而他也因祸得福在台湾交了许多好朋友，也见识到台湾演艺圈中迥异于香港的浓郁的人情味。在1985年《笑匠》票房惨败后他只身回到香港，加入了徐克的“电影工作室”。在70年代末，他曾受聘于中国电影工作室做制片助理和剧本检查员。在这期间美国的新生代导演萨姆．佩金法和斯坦利．库伯力克给了他很多灵感，他们作品中的暴力对他产生了深远的影响。在八十年代中期，吴宇森的电影生涯停滞不前。1986年在徐克的帮助下，成功执导了《英雄本色》，该片奠定了吴宇森的暴力美学的电影风格，以至后来的《英雄本色2》(1987)和《喋血双雄》(1989)都沿袭了这一风格。
《英雄本色》不仅是吴宇森的人生转折点，也是香港电影的一座丰碑。在创作此片时，吴宇森豪气必现，多年来在影坛积郁已久的失意与报复尽透每一个画面，其精细的分流与流畅如歌的剪接在今天看来仍无可挑剔。这部大场面、高质量的作品震撼了所有观众和影人。这部片子还为香港电影发现了一大批人才，比如徐克、程晓东、潘恒生、张国荣以及当年同样失意影坛，被称做“票房毒药”的周润发。吴宇森是进行了一次赌博，然而他赢了，一群失意、蛰伏的男人征服了命运，相互迸发出了无比耀眼的光芒！
1989年的《喋血双雄》也许是吴宇森生平最重要的代表作，至今，吴宇森还没有哪部作品超越此片所创造出的意境：无法用任何东西来衡量的友情，惺惺相惜的江湖兄弟和各自不可动摇的做人原则。吴宇森用极为自信的手法让暴力世界中弥漫出无法言语的浪漫，华丽而控制自如的镜头、精练的对白以及舞蹈般的枪战动作令人为之倾倒。片尾在教堂里的生死决战，可以代表暴力美学的精髓：烛光中映出的圣母像，背景中掠过的白鸽，一对最不应成为朋友的生死之交，共同执行着自己心目中的正义。正象吴宇森所说：“这是我最想用镜头来表达出的东西，哲学式的电影，骑士般的主角，也表达了我心中的理想。”
《喋血双雄》后，吴宇森因意见不合脱离了徐克的“电影工作室”，自组公司拍摄了《喋血街头》、《纵横四海》、《辣手神探》等动作片。
1993年环球电影公司投资请吴宇森执导尚格云顿主演的《终极标靶》。虽然《终极标靶》推出后洛杉矶时报把吴宇森做为头版人物，影片拷贝卖了1600个，但这是一部变了味的吴宇森电影。影片中虽然也有圣歌中飞舞的白鸽，但却少了那份一贯的诗意，它更象一部尚格云顿的动作片。事实上，吴宇森电影中的武打戏在香港导演中连中等都算不上，所以当影片面世后为了适应尚格云顿的影迷，环球公司又派一名“资深动作片剪接专家”对影片进行了重新剪接。因此我们今天所看到的《终极标靶》并不是真正的吴宇森电影。
1996年，他接手20世纪福克斯公司的《断箭》。《断箭》最吸引人的就是饰演奸角的约翰·特拉沃尔塔模仿周润发的每一个动作，从玩世不恭的笑容到吸烟姿势，都极具神韵。同时，吴宇森设计的动作戏和各种细节令人应接不暇。本片是吴宇森第一次按照美国电影的套路大展拳脚，此时他已真正把握了好莱坞动作片的命脉。
1997年的《变脸》是吴宇森电影事业的另一个高峰。吴宇森在片中找到了东西方世界共同崇尚的那种“人道精神”和“家庭观念”，并着重刻画了女性角色的刚强和温柔，这一点百分之百地受到了女性观众的认可，许多从不看动作片的女观众亦着迷于这部电影。与以往处理人物的风格一样，该片的主人公亦处于正邪之间。片中约翰·特拉沃尔塔与尼古拉斯·凯奇，本来一个代表善、一个代表恶，但经过交换面孔后他们基本上成了同一个人的两种性格。而最有意味的情节是有时候有些事情坏人会比好人处理得更好，譬如后来凯奇换了特拉沃尔塔的脸之后，给了他太太真正的浪漫，还教会他女儿怎样保护自己。吴宇森在片中充分发挥了凯奇和特拉沃尔塔的表演天才，他让观众在看到两大演技巨星的眼神变化时感受到他们心理的转变。吴宇森对两大巨星的驾驭显示了大师级的风范，凯奇和特拉沃尔塔事后对此都五体投地，他们认为吴宇森给他们设计的戏实现了他们扮酷的梦想。而这显然不是恭维。投资高达一亿美元的《变脸》被美国影评人们认为是“最具吴宇森风格”的作品，并一举夺得七月份美国电影票房冠军，同 时也为吴宇森带来了全美华裔艺术基金会颁发的最高荣誉“金环奖”。
他通常被称为“暴力美学大师”，实际上他的电影在暴力这层外衣下，着重的是描写人物之间的情谊，以及人与时代关系，对现实社会的一种迷茫，但是最好还是积极的，他善于借物抒情，寓情于物，像在他电影里经常出现的“白鸽”，”教堂”都是美好的象征。

⑧ 法国电影 爱 讲了些什么

《爱》是是一部探讨爱情的电影，由法国导演迈克尔・哈内克导演，影片讲述两位硫退休的音乐老师，年过八旬的他们相伴多年却仍然相爱。直到妻子遭遇一场疾病，两个人的爱情也开始面临最大的考验。

《爱》因为其冷峻、真实的表达，而获得了媒体不错的评论。《好莱坞报道者》称影片是爱情挽歌：“演员完美的表演使得影片看起来并没有那么令人难过，但是迈克尔•哈内克还是用真实的老去、疾病和死亡对爱情做了终极的考量和检测。和他的上一部金棕榈电影《白丝带》一样，这部电影也充满了道德和良知的选择与拷问。”
影片具有非常典型的哈内克风格。虽然是一部爱情电影，但是这部影片一点也不浪漫，反而让人不忍卒视。简单来说，这部两小时的电影，拍摄的就是一个女人的死亡过程。
这是哈内克近25年来最为私人化的影片，通过一对夫妻的患难共处，展示了爱情的煎熬。演员的表演，故事的主题相得益彰，彰显了天人交战的主题。即使影片没有在戛纳获奖，他也肯定会让那些有着生活阅历的文艺片影迷满意。[2]