标志着法国电影的复兴

Ⅰ 简述法国电影新浪潮运动

一切缘起一则社会新闻：一部“流氓”的跑车撞死了一位摩托车手。特吕弗和小兄弟夏布罗尔以此为蓝本写了个剧本，这时他们共同的朋友戈达尔正在为剧本发愁，发信求助。然后，就有了电影《精疲力尽》：导演戈达尔，编剧特吕弗，艺术指导夏布罗尔。

这群电影顽童合力拉开了法国电影狂飙年代的大幕——日后我们所知的法国新浪潮，始自1956年冬。尽管《四百下》的拍摄和上映是在1958年，《精疲力尽》的公映更要迟一年。

《精疲力尽》的三人组，还有陪特吕弗看了许多电影的里维特，那时他们年轻得不可一世，在电影资料馆里挥霍着寂寞又骚动的青春。

对于这群“电影馆的孩子”来说，电影是避难所和朝圣地，是他们对于生活所有认知的来源。他们供职于《电影手册》，个个野心勃勃，试图用文字搭建起一座万神殿，梦想有朝一日他们也可以带着自己拍摄的胶片进驻这神殿。

在某次回忆时，夏布罗尔说：这里没有浪潮，只有大海。作为过来人的他或许比旁人更明白，昨日的舞台曾何其热闹，纵然他们曾荣为主角，却从来不是全部。

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法国电影新浪潮运动的意义：

法国新浪潮电影运动是继欧洲先锋主义、意大利新现实主义以后的第三次具有世界影响的电影运动，它没有固定的组织、统一的宣言、完整的艺术纲领。

这一运动的本质是一次要求以现代主义精神来彻底改造电影艺术的运动，它的出现将西欧的现代主义电影运动推向了高潮。这一运动有两个部分，一是作者电影，即“新浪潮”；另一是作家电影，即“左岸派”。

稍后至50年代末，新浪潮更明确的表达出另一种电影，更轻灵生动，用新摄影机在大街小巷拍摄，不再在设影棚中拍摄。新浪潮现象很快对全世界产生了影响。从巴西到波兰，自捷克斯洛伐克至美国，都有青年影人效仿新浪潮掀起新电影。

Ⅱ 印象派电影进行了哪些电影技术的创新和探索举例说明。

印象派电影在电影理论上，他们以德吕克的“上镜头性”为主，并提出内涵比“上镜头性”更为复杂的“影像精灵”观点。这一理论几乎作为电影创作的基础。电影创作中，印象派在某些场面中体现出造型用光上受印象派绘画风格影响。

印象派电影出现于20世纪20年代初，可以说是欧洲先锋派运动的先声。这一时期，在法国电影人路易·地吕克周围聚集了一批富有才华和创新精神的导演，他们是阿贝尔·冈斯、谢尔曼·杜拉克、马塞尔·莱皮埃以及让·爱普斯坦等人。

印象派电影是20世纪20年代法国电影创作者路易·德吕克及其友人创立的一个电影学派。这一名词由法国电影史家亨利·朗格卢瓦倡议使用。

法国电影业在美国电影的竞争压力下日趋衰弱，影片年产量直线下降，质量也日见低劣。在这种情况下，德吕克通过他主办的《电影》杂志，幻想用“纯艺术”来复兴法国电影。

创始人简介：

路易·德吕克（1890～1924年），法国电影导演、编剧、评论家，法国印象派电影的创始人和领导人。他把一批导演团结在自己周围，形成艺术观点一致的法国印象派电影。

Ⅲ 电影的起源，以及如何发展

世界电影的产生和发展
（一）十九世纪30年代，电影开始了它的诞生前的技术准备期，也叫做发明期。
早在1829年，比利时著名物理学家约瑟夫普拉多发现：当一个物体在人的眼前消失后，该物体的形象还会在人的视网膜上滞留一段时间，这一发现，被称之为“视象暂留原理”。普拉多根据此原理于1832年发明了“诡盘”。“诡盘”能使被描画在锯齿形的硬纸盘上的画片因运动而活动起来，而且能使视觉上产生的活动画面分解为各种不同的形象。“诡盘”的出现，标志着电影的发明进入到了科学实验阶段。1834年，美国人霍尔纳的“活动视盘”试验成功；1853年，奥地利的冯乌却梯奥斯将军在上述的发明基础上，运用幻灯，放映了原始的动画片。
摄影技术的改进，是电影得以诞生的重要前提，也可以认为摄影技术的发展为电影的发明提供了必备条件。早在1826年，法国的W尼埃普斯成功地拍摄了世界上第一张照片“窗外的景”，曝光时间8小时。而在初期的银板照相出现以后，一张照片缩短至30分钟左右，由于感光材料的不断更新使用，摄影的时间也在不断缩短。1840年拍摄一张照片仅需20分钟，1851年，湿性珂珞酊底版制成后，摄影速度就缩短到了1秒，这时候 “运动照片”的拍摄已经在克劳黛特、杜波斯克等人的实验拍摄中获得成功。1872年至1878年，美国旧金山的摄影师爱德华慕布里奇用24架照相机拍摄飞腾的奔马的分解动作组照，经过长达六年多的无数次拍摄实验终于成功，接着他又在幻灯上放映成功。即在银幕上看到了骏马的奔跑，受此启发，1882年，法国生理学家马莱改进了连续摄影方法，试制成功了“摄影枪”，并在另一位发明家强森制造的 “转动摄影器”的基础上，又创造了“活动底片连续摄影机”，1888年9月，他把利用软盘胶片拍下的活动照片献给了法国科学院。
在1888-1895年期间，法、美、英、德、比利时、瑞典等国都有拍摄影像和放映的试验。1888年，法国人雷诺试制了 “光学影戏机”，用此机拍摄了世界上第一部动画片《一杯可口的啤酒》。1889年，美国发明大王爱迪生在发明了电影留影机后，又经过5年的实验后，发明了电影视镜。他将摄制的胶片影像在纽约公映，轰动了美国。但他的电影视镜每次仅能供一人观赏，一次放几十英尺的胶片，内容是跑马、舞蹈表演等。他的电影视镜是利用胶片的连续转动，造成活动的幻觉，可以说最原始的电影发明应该是属爱迪生的。他的电影视镜传到我国后被称之为 “西洋镜”。
1895年，法国的奥古斯特卢米埃尔和路易卢米埃尔兄弟，在爱迪生的 “电影视镜”和他们自己研制的 “连续摄影机”的基础上，研制成功了“活动电影机”。“活动电影机”有摄影、放映和洗印等三种主要功能。它以每秒16画格的速度拍摄和放映影片，图像清晰稳定。1895年3月22日，他们在巴黎法国科技大会上首放影片《卢米埃尔工厂的大门》获得成功。同年12月28日，他们在巴黎的卡普辛路14号大咖啡馆里，正式向社会公映了他们自己摄制的一批纪实短片，有《火车到站》、《水浇园丁》、《婴儿的午餐》、《工厂的大门》等12部影片。卢米埃尔兄弟是第一个利用银幕进行投射式放映电影的人。史学家们认为，卢米埃尔兄弟所拍摄和放映已经脱离了实验阶段，因此，他们把1895年12月28日世界电影首次公映之日即定为电影诞生之时，卢米埃尔兄弟自然当之无愧地成为 “电影之父”。
（二）1896-1912年，电影从幼年期迅速成为一种艺术
早期的电影，还没有脱离刚刚诞生的痕迹，它以杂耍和魔幻术的姿态，使人们感到新奇。从《火车到站》、《膝行的人》到《水龙出动》、《水龙救火》、《扑灭大火》、《拯救遭难者》等影片，卢米埃尔创造了最早的新闻片、旅游片、纪录片、喜剧片等影片样式。卢米埃尔电影最突出的特点是纪实性，它直接拍摄真实的生活，给人以身临其境之感，成为写实自然主义电影风格的开路先锋，形成了电影的纪实性传统。卢米埃尔的生活纪实短片在持续放映了一年半时间以后，人们的兴趣就在明显的减弱，以至最后再也无人问津了，这不能不说是时代的局限和自然主义的局限造成的。但刚起步的困境，并没有影响电影的大势所趋，另一位法国电影先驱乔治梅里爱应时而出，他使电影从一种纪实性的“活动照相”(亦称运动画面)导向了艺术电影，为电影的发展作出了许多创造性的贡献。
作为机械师，梅里爱制造了一整套机关、机器和舞台道具；作为画家，他制造了无数个布景和服装；作为魔术师，梅里爱运用了丰富的想象力，创造了许多新的特技；作为作家，他不断创造出新的剧本；作为演员，他是他节目中的重要角色；作为导演，他懂得怎样设计和调动一个小剧团。乔治萨杜尔在《世界电影史》中说：“梅里爱天才的特征，在于有系统地将绝大多数戏剧上的方法如剧本、演员、服装、化妆、布景、机关装置以场景的化分等等，应用电影上来。”他在这方面所取得的经验，直到今天还以各种形式保留在电影中。
梅里爱以照相的特技代替了舞台上的机械装置，同样，由于无声电影的需要，梅里爱也特为演员们发明了一种新的演技。这种演技虽和哑剧的演技有所不同，但着重夸张，突出手势，因为它非常注意动作，而对面部表情极不重视。影片《灰姑娘》是梅里爱戏剧电影的代表作，这部取材于欧洲著名童话故事的影片，巧妙地运用了诸种特技手法，把南瓜变成车子；把老鼠变成了马车夫，对于特技摄影的开创性运用，是梅里爱对于电影的又一个贡献。
1902年，梅里爱根据儒勒凡尔纳和HG威尔斯的两部有名科幻小说编导了著名的科学幻片《月球旅行记》。这是他的高峰作，在电影史上产生了深远影响。影片描述了一群身着星相家服装的天文学家到月球上去旅行的奇幻故事。他们来到一座奇怪的机器制造厂，一些漂亮的女海员搬来一个大炮弹状的飞行器，当天文学家坐进去后，他们被反射到了月球。天文学家们从飞行器里出来，欣赏了月球火山口附近平原的奇妙风光；他们还受到了由美女扮演的星神们的欢迎。天黑以后，他们从梦中被冻醒，就钻进了一个大洞窟里，在里面看到了月亮神、巨型蘑菇和各种稀奇古怪的东西。几经危险周折，他们又乘炮弹飞行器飞回地球，经过海底奇异的旅行，在一座雕像的揭幕典礼中结束。梅里爱对电影艺术的贡献，使电影在成为一门独立的影像视听艺术的道路上向前迈进了一大步。
在这一时期，不能不提到的是拍摄了《火车大劫案》的鲍特。鲍特在《火车大劫案》中第一次用14个场景来构成一部电影，而在此之前的梅里爱的影片都是从头到尾一个镜头。《火车大劫案》第一次使用多场景来构成电影(严格说来它还不算真正的电影，因为那时候没有镜头变化)。鲍特的影片里有了特写，电影史上很有名的镜头就是让手枪对着观众，在影片里已经初步尝试，但是，对这种镜头的美学功能，它的作用还根本没有任何有意识的认识，所以这只是一种自发的开始走向电影艺术的一个阶段。
在无声电影阶段，对电影发展做出了巨大贡献的是美国的格里菲斯、卓别林和苏联的爱森斯坦。
1908年，大卫格里菲斯加入了爱迪生公司，一开始时当演员，后来当导演。从1908年到1912年间，他共导演了大约四百部影片。在《孤独的别墅》中，他创造了“平行蒙太奇”，标志着电影已完全摆脱了舞台剧的束缚，电影的时空得到了极大的扩展。
这时期美国出现的布赖顿学派对电影艺术的发展也起到重要的作用。布赖顿学派的代表威廉保罗在《彼卡德里马戏团的摩托车表演》中成功运用了移动摄影。威廉逊还在《中国教会被焚化》首次成功使用了追逐和救援的戏剧式场面，以划分两头的交切手法造成剧情的渐次紧张，给其后的惊险片特别是美国的 “西部片”开了先河。布赖顿学派的另一位代表人物GA史密士在《祖母的放大镜》和《望远镜中的景象》中，同一场景交替使用了最初的真正的蒙太奇形式，特写和远景相结合手法的交替使用对电影语言的开拓与应用作出了贡献。此外，布赖顿学派的柯林斯和哈桥梁尔分别拍摄了《矿工的生活》与《煤矿爆炸惨案》、《囚犯的越狱》等真正描写现实生活的影片。这一时期，被称为世界上第一座电影城的法国万森市，被誉为“世界电影首都”，拥有“百代”“高蒙”两大电影制片公司。1903至 1909年也因而被称为世界电影史的“百代时期”。
1908年，世界上第二座影城——好莱坞也在拍摄《基度山伯爵》时初具雏形。其时，只不过是摄影师汤马斯伯森斯和导演弗兰西斯鲍格斯共同搭建的一个小小的摄影棚，直到1913年才形成规模。
（三）1913-1926年，无声电影走向成熟
梅里爱在完成他第430部影片之后，于1913年退出影坛，最后惨死在街头。一代巨匠在为电影艺术的发展做出巨大的贡献之后，就这样靠别了世界。梅里爱的衰落和好莱坞的兴起，标志着电影已告别了它的幼年时期，而进入了成熟期阶段。
格里菲斯在1915年以艺术家的勇气拍摄出了世界电影史上的经典无声片《一个国家的诞生》，在1916年又拍摄了《党同伐异》。这两部被誉为电影艺术的典基之作，标志着电影成为艺术的起始，是美国电影史上的里程碑，是当时电影水平的最高境界，也是世界电影史上的两部经典之作。
格里菲斯的不朽功绩是突破了梅里爱时期戏剧电影若干陈旧的陋习。作为第一人，在拍片时，他让摄影机移动起来，极大地丰富了电影语言，开创性地使用了“特写”、“圈入”和“切”的手法，又使蒙太奇成为电影艺术的重要组接手段。在梅里爱的特技摄影和英国布赖顿学派对蒙太奇的早期发现的基础上，格里菲斯创造了平行蒙太奇的交替蒙太奇。在《一个国家的诞生》里，他充分运用了他发展的特技和蒙太奇语言，影片集中体现了当时欧美电影艺术探索的成果。这部影片在广阔宏伟的历史场景中，较好地发挥了电影艺术时空的跳跃自如的特性，同时体现了蒙太奇多线对比、交替的作用。全片由一千多个镜头组接而成，不同景别的转换使用，灵活多变的摄影技巧，是格里菲斯在电影史上的大胆创造。在影片中，近景及特写等不同景别的组合运用，和谐、变换，各得其所。如大远景，他用来表现两军对峙交火的战争场面；特写，他用来表现人物的细部动作。在拍摄三K党信马飞驰的场面时，格里菲斯将摄影机安装在卡车上，追逐奔马进行跟拍，取得了紧张、逼真、生动别致的画面效果。一年后的《党同伐异》也是标志格里菲斯毕生成就的影片，冲破了古典戏剧的“三一律”限制，创造了开拓银幕时间、空间的“多元律”。影片将不同时代的事件加以排比和集中，极大地丰富了电影语言，又丰富并发展了平行蒙太奇语言。这部精典巨作，以其疏密相间的节奏，溢彩流光的画面，移动摄影的美感，宏伟开阔的大胆构思，在电影史上占有重要地位，促进了电影艺术的发展。
这一时期，电影成为艺术已有公论；另一方面，这一时期，电影已经成为一种企业，电影到此时才有了真正的艺术作品。美国喜剧电影大师查尔斯卓别林，也是无声电影时期杰出的电影艺术家。1914年，编导了第一部影片《二十分钟的爱情》。接着，《阵雨之间》又问世，在这部影片中，第一次出现了流浪的夏尔洛的形象。1917年的《安乐街》里，夏尔洛形象显示了逼人的光辉。《夏尔洛从军记》一片标志着卓别林表演艺术的成熟。1919年，他自己集资建厂，成了好莱坞第一个真正独立制片的艺术家。20年代，他拍摄了一批以《淘金记》为代表的著名影片。卓别林一生有80部喜剧电影作品，其中《王子寻仙记》、《大独裁者》、《凡尔杜先生》、《摩登时代》和《淘金记》等代表作具有永久魅力。卓别林电影的最大特色是：具有鲜明的现实感和尖锐的讽刺性及雅俗共赏的大众化特色。萨杜尔先生对其作品作了如下评论：“卓别林的影片是唯一能为贫苦阶级和最幼稚的群众所欣赏。同时又能为水准最高的观众和学识渊博的知识分子所欣赏的影片”。
苏联的著名电影大师谢盖爱森斯坦是无声电影时期为蒙太奇理论的建立与发展作出举世瞩目的重要贡献的杰出代表。 1924年，他导演了第一部影片《罢工》，创造性地使用了杂耍蒙太奇，把沙俄军警屠杀工人镜头和屠杀牲畜的镜头组接在一起，使之交替出现，造成了怵目惊心的隐喻。1905年，他导演了世界电影史上最杰出的史诗式的无声片《战舰波将金号》，成功地在影片里表现了俄国1905年革命。该片曾多次在国际电影评选中获奖。影片中著名的敖德萨阶梯的场面、段落，已成为影响几代电影艺术家的经典性范例。1927年，他还导演了《十月》。 爱森斯坦的贡献在于对蒙太奇理论地阐述和艺术实践，使之成为一个完整的美学体系。爱森斯坦的艺术特点在于将格里菲斯创造的平行蒙太奇技巧向前推进了一大步；善于运用特写表现事物的内涵；利用镜头的交切形成蒙太奇节奏，揭示人物的内在情绪；充分发挥了蒙太奇的隐喻功能 ，形成“诗电影”的传统。
（四）1927-1945年，电影作为一种艺术走向成熟
1927年是电影史上具有划时代意义的一年。《爵士歌王》影片的诞生标志着有声电影时代的来临，同时也是电影走向成熟期的标志。声音使电影由单纯的视觉艺术，发展成视听结合的银幕艺术，实现了电影史上的一次革命，极大发展了电影的本性，为电影艺术开拓了新的天地。有声电影从问世到推广，大约用了五、六年的时间，原因有认识上的、经济上的和技术上的。特别是一批有名的电影艺术家，留恋无声电影时期的美学原则，过多挑剔了刚问世的有声电影的一些弱点。但是，随着电影艺术家对声音控制运用能力的增强，以及录音设备、技术条件的改善，有声电影才得以正常的发展。
声音进入电影之后，蒙太奇不仅是画面组合，同时也扩展至声画的对位或对立，因而丰富了蒙太奇的内涵手段。有声电影取代无声电影，是符合电影发展的客观规律的，也是有其客观必然性的，因为有声电影的诞生标志着电影走向艺术真正发达的时期。1933年以后，由于技术的进步，电影制作中同期录音得以改为后期录音，电影摄影又变得灵活而富有生气了。同时，蒙太奇理论和手法都有了较大的发展。苏联电影大师普多夫金在拍摄《逃兵》一片时，就曾用声画对位和对立的配音方法来加强影片效果，使观众耳目一新。
1935年，马摩里安摄制了世界上第一部彩色故事片《浮华世界》。彩色胶片的发明，使得电影艺术又进入了一个新的发展阶段。声音和色彩促使电影更趋近于自然。有的电影创作家，在一部影片中交替使用彩色片和黑白片，因而收到了特殊的艺术效果。
彩色电影的问世，标志着电影从诞生发展达到了完善成熟的发展时期，从此电影艺术进入了新的发展阶段。
（五）1946-1959年，电影艺术进入了重要的发展时期
这一时期，世界电影呈现多头并进的曲折发展时期。美国电影在战后一段时间里，在世界各地受到了冷遇；战后的苏联及其东欧国家形成四足一方，大体沿着社会主义现实主义的传统轨道缓慢发展。艺术创作受教条主义和庸俗社会学的影响，少有突破和进展。这一时期，苏联的一些电影工作者拍摄出了一批有感情冲击力的战争片和有一定形象感染力的人物传记片。如《青年近卫军》、《攻克柏林》、《易北河会师》、《米丘林》、《茹科夫斯基》、《海军上将乌沙科夫》。在斯大林逝世后，苏联电影在"解冻文学"的思潮影响下，开始走出僵化的模式。继1957年卡拉托卓夫《雁南飞》以后，苏联电影便出现了再度大发展的局面。西欧的电影大国，如英、法、德、意，构成当时四足并立的另一极。战争留下的阴影和经济困难的制约，西方电影进入特殊的时期，在困难和对手挑战下，不仅没有委缩，反而刺激了西欧现实主义电影的繁荣发展。在东方，主要是日本、中国、印度的电影出现了长足的新发展，并先后进入了世界大国之列。日本电影在东方起步较早，二战期间日本电影步入歧途，而战后不久便获得新生。尤其在1950年黑泽明的《罗生门》以后，日本电影引起了世界的关注。印度电影在三十年代开始也有了较好的狭窄的发展。进入本时期后，印度电影因受意大利、法国和苏联电影的影响，逐渐从追求豪华的音乐歌舞片而转向现实。1953年，拉基卡普尔导演的《流浪者》和比麦尔洛埃的《两亩地》等影片标志着印度电影的新面貌。在1955年，印度影片产量达285部，仅次于日本成为世界第二位。现在，印度电影每年产量多达700部左右，成为世界电影产量第一大国。
这一时期世界电影史上有着重要影响的是意大利的新现实主义电影。新现实主义电影中心代表人物是意大利《电影》杂志反法西斯影评家巴巴罗桑蒂斯和柴蒂尼等。出身于新闻记者和作家的年青导演是他们的响应者，主要包括：德西卡、罗西里尼、维斯康蒂、利萨尼、莫切里尼等。他们要求建立一种现实主义的、大众的和民族的意大利电影。他们的口号是：“还我普通人”；“把摄影机扛到大街上去”。他们十分重视作品的真实，尽可能使场景和细节具有照相性的逼真诚，基本上利用外景和实景拍摄；不大注重讲究文法，不强调蒙太奇剪辑；主张启用非职业演员，演员在表演中可以即兴对话。其代表作品主要有：《罗马11时》、《偷自行车的人》、《游击队》、《警察与小偷》、《大地在波动》、《橄榄树下无和平》、《米兰的奇迹》等。新现实主义电影的特点是取材大都是意大利的真实生活的纪实性写照。新现实主义电影在五十年代中期衰落，但对推动电影艺术的发展，是起到极其重大的作用的。
（六）1960年至今，世界电影从突破创新中走向多样化发展
继意大利“新现实主义”电影之后，世界电影史上又出现了规模巨大的第三次革新运动。这次电影运动始于法国，自1959年新浪潮兴起，法国电影出现了一条全新的、有效的打破商业电影垄断制片的道路。新浪潮的口号就是不要大明星，打破明星制度，不要花大价钱拍豪华影片，影片要接近生活等等。这股浪潮蔓延到了全世界，许多国家都出现了新浪潮。“新浪潮”电影运动是一个留下较多实绩，在世界电影发展过程中产生深远影响的电影运动。这次电影运动以反传统为旗帜，以非理性为基本特征，是对戏剧化电影更大的一次冲击。这次电影运动以夏布罗导演的《漂亮的塞尔杰》和《表兄弟》公映起始，特吕弗《四百下》，阿仑雷乃《广岛之恋》在戛纳电影节引起轰动为开端。其电影艺术特征是：影片呈现全新风格、意识流和闪回镜头为一些创作人员常运用的表现手段，情节松散，众多生活事件无逻辑地以无技巧手法编辑在一起，表现人物的潜意识活动，缺乏结构上的完整性。
新浪潮后期影片，现实主义完全被抛弃，影片陷入到狂乱、神秘和颓废的泥坑。其非理性、非情节化的倾向愈演愈烈，导致不久就衰落了，但由于声势浩大，且敢于突破创新，所以，在电影史上的影响是巨大的。它既确立和强化了导演的中心地位，又进一步发掘了电影的特性，丰富了电影的语汇，推动了这一时期电影的全球性的大发展，真正形成了电影题材的多样化、电影样式的丰富化和电影思潮与流派的多样个性化。
这一时期全世界的电影事业出现较大的发展。就连拉丁美洲、远东、阿拉伯世界和黑非洲电影都有了可观的发展，而过去巴西、阿根廷、墨西哥在世界电影史已占有一席之地，在这段时期，又有了新的发展，智利、古巴、玻利维亚等国电影也有了新的发展。这一时期，香港电影发展到充斥着整个中南亚电影市场，并影响着整个大陆的局面。所以，本时期世界电影已由过去的四足分立并进变成了全球性大发展。
世界电影发展中有两个名词必须要谈，一是好莱坞，一是奥斯卡。
上文谈到1913年好莱坞电影城初具规模，实际上当1908年摄影师汤马斯伯森斯和导演弗兰西斯鲍格斯来到这儿拍摄《基度山伯爵》时，这里还只是美国西海岸洛杉矶郊外的一个小村，这个小村风光秀丽，景色宜人，之所以被称为好莱坞，意即常青的橡树林。
自1913年建立以来，这里聚集着派拉蒙、米高梅、福斯、环球、华纳等大制片公司，支配着影片的生产以及全世界影片的上映和发行，同时，也吸引着世界各地的导演和演员去那里拍片和表演，成为美国繁华的电影城市。
好莱坞是美国电影出品的主要基地，据有人统计，生产的影片可以分为75种类型，其中我们较熟悉的有侦破片、西部片、歌舞片、喜剧片、惊险片、科幻片、抒情片，这些制片公司在电影方面大量投资，使电影事业在美国成为一种大规模的工业，取得了世界电影的霸主地位。
好莱坞摄制的影片完全是以票房价值收入为指导原则，制片人关心的是如何多赚钱，要求“把光打在有钱的地方”，“把镜头对准观众崇拜的面孔”。因此，好莱坞的影片一般都能在商业上获得巨大成功。这些影片十分讲究戏剧性，编织各种人在各种生活中的各种遭遇，结构紧凑、曲折，人物性格复杂、独特，情节常有误会、巧合；富有传奇、浪漫色彩，具有极大的刺激性和观赏性，能够满足要求娱乐的感官体验和心理需求。
第一部在好莱坞拍摄的电影史根据大仲马的原著改编的无声影片《基督山伯爵》，那是1908年在好莱坞的荒野上搭建的一个简陋的棚子里拍成的。有些人把1913年影城好莱坞的奠基年，这年由派拉蒙公司在好莱坞建立了一个初具规模的摄影棚，并有当时美国东部大导演西帛.地迷尔来此拍摄《通婚着》一片，摄影棚也由此再次扩建，所以人们将这作为好莱坞的诞辰载入史册。
三四十年代是好莱坞的黄金时代，其间推出了不少传世佳作，如《乱世佳人》、《蝴蝶梦》、《魂断蓝桥》以及喜剧大师卓别林的杰作《摩登时代》、《大独裁者》等，这些影片不仅被奉为好莱坞的经典之作，而且也为世界电影史册增添了辉煌的一页；世界观众并由此熟悉了那些在银幕上塑造了一个个性格鲜明的人物形象的明星：卓别林、鲍嘉、盖博、泰勒、劳伦斯、琼.芳登、英格丽.褒曼等。
随着资本主义经济的畸形发展，好莱坞也受过种种危机，通货膨胀，制片成本大幅度提高，以及电视业的竞争，观众审美观的改变，一度使好莱坞走向低谷。有的公司因此亏损，有些公司干脆搞多种经营，变摄影棚为旅游、展览区。直到70年代，制片商们采用了欧洲的制片人制度，才使好莱坞走出低谷。同时，制片商还引进新的科学技术，创造了立体声、宽银幕等电影形式；有的厂家与电视化敌为友，使好莱坞也跻身于电视界，并由此使影视事业走向繁荣。
至于奥斯卡，众所周知，每年的三四月间，太平洋之滨的美国名称洛杉矶音乐中心影星荟萃，他们在这里参加由美国电影艺术与科学学院举办的奥斯卡金像奖的颁奖典礼。这一年一度的颁奖盛典，不仅是美国电影界的一件大事，也是世界影坛上的一件令人瞩目的事情。
在美国，最为著名的电影艺术奖由两种，一是外国记者颁发的金球奖，另一种是奥斯卡金像奖。比较而言，金像奖更为人们所津津乐道，因为它是美国电影界的最高荣誉，一旦独占鳌头，便马上身价百倍，因此，此项大奖的竞争颇为激烈。
为什么金像奖命名为“奥斯卡”呢？这还得从金像的设计说起：金像的造型本由米高梅公司的美工师塞德里克.吉木斯构思而成，后由青年雕塑家乔治.斯坦利于1928年完成塑像的制作。这尊金像的主体是一个男人站在一盘电影胶片上，手中紧握战士的长剑，身长34.5厘米，重3.45公斤，由铜为主的合金铸成。因塑像呈金色，故称之为金像奖。得名奥斯卡是在1931年，颁发金像奖之时，说来也纯属偶然：当年颁奖前夕，评审委员会的成员在一起评论金像，当时的艺术与科学院的图书管理员玛格丽特.赫里奇仔细地端详了金像后，情不自禁地叫到：“呀！他看上去真象我的叔叔奥斯卡。”于是，艺术与科学院的工作人员便称金像为奥斯卡，这个名称也从此闻名全球了。
奥斯卡金像奖诞生至今已有73多年的历史了。我们从中可以看到美国乃至世界电影事业的飞跃发展。奥斯卡金像奖原定为两年评选一次，自1934年起，扩大到每年一次。最初规模不太大，活动只限于电影界内部，且评选消息只在《洛杉矶时报》上发表，直到1953年，评奖的全过程才第一次通过电视媒介向全国实况转播，同时还增设了一项外国影片金像奖，至此，奥斯卡奖评选成为世界瞩目的一件大事。如今，有了卫星作为传送媒介，奥斯卡金像奖的评选更是家喻户晓。1989年3月30日，在好莱坞举行盛况空前的第61届奥斯卡奖揭晓盛典，主持人当场宣布：世界上有91个国家的十亿观众，包括第一次收看实况转播的前苏联观众通过卫星收看这次颁奖仪式。
总之，从第二次大战结束以来，电影在技术上是相当完善了，在艺术表现方面也是已经成熟了。我国的电影理论家邵牧君在《西方电影史概论》一书中提出，电影在其百年的发展历程中，大致可以从四个阶段进行研究：
一是形成期(1895年——1927年)，从爱迪生、卢米埃尔在美国和法国发明电影之日起，经历了从短片到长片，从单镜头到多镜头剪接，从而形成视觉语言的二十多年历史。
二是发展期(1927年——1945年)。在这不到二十年的时间里，电影获得了声音和色彩，具备了电影艺术的一切必要的表现元素。人们对反对无声电影的经验开始了总结，并且在运用音响和色彩方面，在探索电影形象表现潜力方面都展开了认真的研究和实验。
三是成熟期(1945年至今)，电影在第二次世界大战结束后已在技术上达到了完善的地步，此后的技术发展不再对艺术表现有重大的影响。电影从此进入了在艺术上精益求精的阶段，并在同其他艺术的关系上，从过去单纯的摹仿吸收进行到有取有舍的阶段。此外，更值得重视的是，电影这时的不再是单纯的娱乐品，而是具有极大的社会影响的艺术门类了。

Ⅳ 法国电影新浪潮的一大贡献在于什么

法国电影新浪潮的一大贡献在于要求以现代主义精神来彻底改造电影艺术的运动，它的出现将西欧的现代主义电影运动推向了高潮。

1958年，法国新浪潮电影开始兴起，他们深受萨特的存在主义哲学思潮影响，提出“主观的现实主义”口号，反对过去影片中的“僵化状态”，强调拍摄具有导演“个人风格”的影片，又被称为“电影手册派”或“作者电影”。主要是以表现个性为主的非政治性的电影。

(4)标志着法国电影的复兴扩展阅读：

就大环境而言，二战后制度长期僵化，年轻人理想破灭，人民急需一种新文化，一种打破常规的精神领导思想。二十世纪五十年代的经济、政治、美学与社会趋势的发展，促使新思潮出现。

再加之法国国内社会现状不容乐观，社会问题不断，人民精神空虚，在美国称之为“垮掉的一代”，在英国则称之为“愤怒的青年”，在法国则称为“世纪的痛苦”或者“新浪潮”。

法国新浪潮电影通常可以划分为三个流派:巴赞《电影手册》、“新浪潮”电影、“左岸派”电影。其中，“新浪潮”电影提出“作者电影”口号。即“拍电影，重要的不是制作，而是成为电影的制作者”。

Ⅳ 电影达人请进。。。

称斯蒂芬.斯皮尔伯格(Steven Spielberg)为“电影奇才”一点也不为过，这位以史诗片《辛德勒名单》而荣获奥斯卡金像奖的大导演，他的知名度却以《大白鲨》、《E.T.》、《侏罗纪公园》等著名的商业娱乐片为更多的电影迷们所知
代表作：《大白鲨》、《ET外星人》、《侏罗纪公园》、《辛德勒名单》、《失落的世界》、《拯救大兵瑞恩》
所获奖项 ：1998年，《拯救大兵雷恩》获美国奥斯卡金像奖最佳导演奖；1995年，美国电影学会颁发终身成就奖；1993年，《辛德勒名单》获美国奥斯 卡金像奖最佳导演奖；1986年，获美国影艺学院颁发欧文塔尔波格成就奖

从个人特点来讲

詹姆斯卡梅隆个性就有点格格不入了，但是能力并不能被这一点缺点所掩盖。
他喜欢富有创意的剧本、完美的特技、鲜活的人物以及在他后面的电影中频频出现的女性英雄。
《星球大战》就不用多说了
在他的多数电影里面似乎喜欢有一个壮汉，从史泰龙到施瓦辛格。
他淋漓尽致的做出自己理解的表现
还有《泰坦尼克号》这部电影在电影史上可谓是毁誉参半，既有大肆吹捧者，也有极力贬低者，但却忠实地保持了詹姆斯·卡梅隆电影的一贯风格，情节扣人心弦，特技出神入化。

在每一篇详尽描述詹姆斯·卡梅隆生平的文章里，几乎都要不可避免地使用“恶名昭著”这个词——没错，他在拍摄地是个苟求、专横的“暴君”；在家庭中是个不会体贴并且见异思迁的丈夫；在好莱坞同行看来，卡梅隆是一个偏执狂和烧钱的机器。然而在很多普通影迷眼里，这些指责完全无关紧要，它们不是鸡蛋里挑骨头就是出于嫉妒的恶意攻击，世界上只有一个詹姆斯·卡梅隆，那就是大英雄詹姆斯·卡梅隆、大天才詹姆斯·卡梅隆、无以伦比，无所不能的大导演詹姆斯·卡梅隆。
无疑，詹姆斯·卡梅隆是二十世界最引人注目的导演之一，他曾经两度创造电影投资的最高纪录，拍摄过一部世界上有史以来最卖座的影片，平了一部影片获得奥斯卡奖数目的纪录，并且每一部影片都为以后的电影树立了技术的标杆。在说起詹姆斯·卡梅隆的时候，人们不免要提到另一位杰出的商业片导演斯蒂文·斯皮尔伯格，能跟这位二十世纪的电影巨人相提并论，本身就说明了卡梅隆在人们心目中的崇高地位。在下面关于卡梅隆生平和作品的叙述中，笔者也不免要将他和斯皮尔伯格进行一些饶有趣味的比较。

生于洛杉矶，小时候最喜欢玩模型火车，还有一个喜爱的游戏就是自己筑一个小火山，最后再把它摧毁来玩一个火山喷发。长大当了导演，他终于可以让儿时的梦在银幕上变成现实了。作为一个年轻的导演，迈克尔·贝是拍MTV和广告起家的，他的电影作品并不太多，所以他不会放弃每一部可以让他过炸瘾的机会。以动作片当家的好莱坞，向来不缺独当一面的动作片大导演，远到早些年拍《终结者》、《泰坦尼克》的詹姆斯·卡梅隆；近到以《指环王》系列打响的新西兰导演彼得·杰克逊，以及来自香港的“外援”吴宇森，都是些叱咤风云、呼风唤雨的大腕级动作片导演。而说到支撑起美国电影票房半壁江山的动作片，著名的动作片导演迈克尔·贝则是不可不提的人物。
1995年的《绝地战警》全美票房6500万,低成本高票房,为迈克尔贝打响了第一炮
1996年的《勇闯夺命岛》全球票房3.4亿,这是迈克尔贝事业的第一个颠峰.
1998年的《世界末日》全球票房5.5亿,这是迈克尔贝最成功一部电影,甚至在全球票房上赢了斯皮尔伯格执导的拯救大兵瑞恩将近一个亿.
2001年的《珍珠港》全球票房:4.5亿,该片只能不能完全算是失败,只能算是中规中距
2003年的《绝地战警2》全球票房:2.5亿,该片延续了第一部的成功,迈克尔贝在该片中处理动作场面也有过人之处,但该片的投资也远远高于第一部,这样的票房收入,也让杰瑞布洛克海默和迈克尔贝的合作走到了尽头
2005年的《逃出克隆岛》投资1.3亿,全美票房仅为3000万,江郎才尽的迈克尔贝已经在彻底失控,这是他加盟梦工厂的第一部影片,却以票房和评论的双败收场.
2006年的《变形金刚真人版》这部梦工厂2006年的重头戏,原定由史蒂文.斯皮尔伯格担任制片,迈克尔但任导演的,但《逃出克隆岛》的失败,不得不让梦工厂重新考虑这样的投资是否值得.(2006)

说起法国导演吕克·贝松，知道的人不能算少，即便是不知道贝松的名字，恐怕也不会没有看过他导演的影片《杀手莱昂》和《第五元素》。但是当我准备写下这篇文章的时候，在国内几乎找不到关于他的任何背景材料。这种尴尬的局面还发生在他自己的国家法国：尽管贝松的声望在国际影坛如日中天，在推崇艺术电影著称的法国，吕克·贝松却始终是个毁誉参半的孤独的探索者，他甚至被说成是向好莱坞电影投降的反面典型。为此，苦闷的贝松常常要飘浮过海去好莱坞寻觅知音。

蓝天碧海丁的少年梦

吕克·贝松1959年3月18日生于巴黎，幼年的理想是做一名潜水运动员和航海家。但是17岁时的一次潜水事故打破了他的童年梦想。贝松很快调整了自己人生的目标。决心做一名电影制片人，于是19岁那年来到美国洛杉矶，学习了3个月的电影制作课程。并开始拍摄一些试验短片。1983年，贝松的电影处女作《最后的战斗》问世，这部多次获奖的黑白、宽银幕的无声科幻片，据说是23岁的他用3法郎六苏拍成的。吕克·贝松似乎向世人证明了，在法国即使没有受过专业的电影教育，找不到投资，依旧可以拍出与众不同的电影。也正因如此，贝松曾经一度被奉为法国年轻导演的开路先锋，不管他乐意不乐意这一称呼。 《地铁》和《碧海蓝天》为吕克·贝松在国内和国际赢得了声誉。虽然当年的法国凯撒奖有点吝啬地仅仅将“最佳录音”和“最佳音乐”奖授予《碧海蓝天》．但是贝松却公开表示这部影片是其导演生涯中最为得意的作品。毕竟，这部作品倾注了贝松少年时的激情和梦想，贝松终于可以用他的摄影机捕捉他童年时代所看到的海洋的光影和生命。影片中的潜水员杰克最后葬身大海，更确切的说，那是他真正的生存，杰克莫不就是贝松理想中的化身？

80年代的法国有所谓BBC年轻导演之说，即专指Beinex、 Besson、 Carax（贝内克斯、贝松、卡拉克斯）这三位新锐导演尽管有很多相同与不同，但其最大的共同点却是对蓝色莫名其妙的偏爱。从贝内克斯1980年拍的《女歌星》开始，蓝色就充满了银慕，卡拉卡斯则拍了《卑贱的血统》；而贝松的《碧海蓝天》更是从片名到内容都蓝色的调子。贝松苦心孤诣营造的对大海的向往和浪漫情怀自然是无人能比，其精彩的水下摄影恐怕令《钢琴课》和《泰但尼克号》的导演也受益匪浅。

法兰西孤独的探索者

《尼基塔》与《杀手莱昂》是吕克·贝松由艺术影片向商业影片的成功过渡。《尼墓塔》讲述了一个暴力团女成员是如何被改造为国家职业特工杀手的过程，其特工杀手的身份和她内心深处爱情和人性的萌动构成了这部影片的独到之处，而《杀手莱昂》讲述 了一个渴望从善的杀手和一个渴望复仇从恶的女孩之间的故事。这部带有艺术气质的法国商业片至今仍是世界各国的电影学子们精精乐道的范例，其中的许多细节诸如莱昂身边的那株绿色的植物和“记住永远不要杀妇女和孩子”等精彩对白令人难忘。单凭那株绿色的植物，就不是好莱坞的编剧所能想到的。《杀手莱昂》夺得了当年凯撒奖最佳影片奖，贝松则荣获最佳导演奖。自90年代以来，法国艺术电影的繁荣将法国商业电影推到了一种尴尬的境地，在法国以外的地方，拍艺术电影是雳要很大的勇气的，因为你要面临着严峻的生存问题，在法国则不同，如果一个电影艺术家要去拍迎合大众口味的商业电影，似乎而要更大的勇气。吕克·贝松就是这样一位“不合时宜”的导演。

80年代中期，贝松拍摄了《地铁》，《蕾海蓝天》等艺术电影之后，被法国评论界称为前途无限的年轻导演； 90年代贝松在拍摄了《杀手莱昂》、《第五元素》之后，却受到了法国电影理论界的轻视。《第五元素》1997年在全球创下了2亿7千万美元的收益，名列当年世界电影的第三名，不管评论界如何评论这部电影，它向我们展示了一个法国导演眼中的未来世界，在电脑高科技与时空交错的叙事中，带给我们一丝不同于好莱坞大片的历史和人文内涵。

吕克·贝松是当代法国电影影坛最受瞩目而有争议最大的导演。尽管《第五元素》在商业上的成功使得法国最大的电影公司高蒙公司的营业额翻了一翻，但是贝松在国内却常常被说成是向好莱坞电影投降的反面典型。为此，苦闷的贝松常常要飘浮过海去好莱坞寻觅知音。影片《第五元素》集科幻、惊险和打斗于一身，是欧洲有史以来第一部成本高达近一亿美元的英语对白影片，显示了法国电影人复兴本国和欧洲电影业的决心和勇气，影片莱获1997年戛纳国际电影节技术大奖，真故事内容本是吕克·贝松在16岁时就开始构思，当时卢卡斯的《星球大战》刚刚问世，显然贝松的想象和构思与之相比还很不成熟。

事隔20年之后，贝松依旧念念不忘少年时代的构想，经过20年的筹划．该剧本具备了贝松前五部故事片的基本要素。虽然有评论认为《第五元素》似乎更像是一部法国未来主义的滑稽笑剧，认为不过是视觉效果做得好，但是1997年在第50届夏纳电影节开幕式上作为开幕影片放映的时候，这部表现人类未来23世纪的科幻片还是引起了轰动。影片中，布鲁斯·威利斯扮演的主人公驾驶着他的那辆抗地球引力的黄色出租汽车飞越纽约城市上空的镜头，与卢卡斯的星际字宙飞船相比毫不逊色。当年那个看着《星球大战》长大的贝松，20年后终于和卢卡斯站到了一起。

走向世界的吕克·贝松

早在《碧海蓝天》中，吕克·贝松就显示出他对大制作和宏大场面的迷恋与追求。从《第五元素》和《圣女贞德》开始，贝松日渐游离他过去所从属的那种电影形态，将目光瞄准了国际市场，不仅在类型方式上玩尽花招，还在制作成本上不断升级，这也许就是贝松在本国遭到非议的主要原因。而此时的好莱坞也开始在世界各国招兵买马，其首选就是吴宇森和吕克·贝松。贝松法国式的浪漫风情以及吴宇森东方味的英雄情结倍受好莱坞的青睬与模仿。贝松最终用《第五元素》和《圣女贞德》证明了娱乐大片不是好莱坞的专利，法国人不仅能制造低成本、小制作的艺术电影，还能生产在全球盈利的商业巨片，一个法国人可以在美国的地盘上“与他们相抗衡。今天的贝松似乎成了成功的榜样，我们可以毫不犹豫地将他看作和斯皮尔伯格同一类型的商业片大导演，但是殊不知贝松能够走到今天。付出了极大的代价。

作为第一部高成本的欧洲影片，《第五元素》1997年夏天在影院公映的时候，开始票房并不令人乐观，看惯了艺术影片的法国观众和受到好莱坞商业大片熏陶的美国观众并不抱有太多的兴趣。影评人的反映也是贬大子褒，影片最为致命之处还在于它高达1亿美元的巨额成本。但是奇迹出现了，《第五元素》居然克服了它的先天不足和不祥预兆，在不到一个月的时间里在几个主要西方国家广泛放映，影片是大赚了一笔，但是评论界对贝松和这部影片的依旧低调处理。

吕克·贝松并不因为这些评价动摇自己的追求和信念，他要拍一部法国人和美国人都叫好的影片。他的《圣女贞德》选取了历史和现实，民族和国际的恰当交融，拍完之后好评人潮。圣女贞德是法国人心目中的女神，她以自己的生命成就了一曲不朽的传说。有关圣女贞德的，视作品不计其数，可是只有三部影片值得在电影史上留下一笔，他们分别是：德莱叶导演的为电影默片时代划上精彩句号的《圣女贞德受难记》；布莱松导演的极度忠实于宗教情节和原审判材料的《圣女贞德受难》：吕克·贝松耗时三年拍摄的史诗性巨片《圣女贞德》。

布莱松的《圣女贞德受骓》仅仅截取了贞德受审和走向火刑架的一段史实，表现了女主人公的宗教信念和历史的真实瞬间。而吕克，贝松的《圣女贞德》则展示了波澜壮阔的英法百年战争和贞德作为一个少女和法兰西战士的浪漫情怀。和布莱松一样，吕克，贝松也是注国影坛一位孤独的探索者，也许这是这两位不同时代的法国导演的唯一相同之处。也许正是这唯一的相同，才使得他们同样偏爱贞德这个历史人物，只不过他们诠释历史人物的方式有所不同。在吕克·贝松的导演手记里我们看到贝松对贞德的评价：、贞德是我们的先祖，在她的信念和纯真之间捕捉到的东西，又在她的时代失去，正像我们在自己的时代所失去的一样，”贝松在这部影片中表达了自己对于这段历史的独到思考：“难道人类的思想必得沿着如此曲折的道路，才能发现隐藏在邪恶背后的善良吗？”

吕克·贝松这位影坛孤独的探索者，即使是在他的商业巨片中，我们也可以感受到他对历史和生命的终极认识，触摸到他作为一名法兰西战士的心路历程。无论是《碧海蓝天》中的杰克，是《杀手莱昂》中的杀手，还是《圣女贞德》中贞德，我们都会感到：这就是吕克·贝松。

吴宇森1946年9月22日出生于广州，1951年随父母移居香港，由于父亲患病不能工作，由母亲负担养家的重担，生活十分清苦。中学刚毕业时父亲就去世了，全赖母亲在工地抬石子负担家计，他也只能打消了去台湾学建筑或是美术的升学梦。此时吴宇森就读于一家教会学校，精读了许多神学、历史、哲学、美术著作。吴宇森中学时代经常从课堂上溜出来跑到电影院去看电影，他最喜欢的是好莱坞的黑帮片，西部片以及黄金时期的歌舞片。这些电影的共同点是画面都充满了动感。吴宇森最崇拜的导演是法国暴力导演皮埃尔·迈尔维勒，此人的作品在暴力中透着浓郁的人情味。但对吴宇森影响最大的人却是拍过《野人帮》的山姆·派金帕，可以说，吴宇森电影中对慢镜的运用以及让角色在圣歌中进行搏命激战的处理方式都是山姆电影语言的发扬光大。
1971年，吴宇森到邵氏影业公司跟随当时最著名的动作片导演张彻拍片。张彻的作品在当时的电影市场中横行无阻，吴宇森从中也学到了许多专业技巧，用吴宇森的话说，“把张彻电影中的刀换成枪，那么就会很象我的《英雄本色》了。”在张彻身边两年后，吴宇森开始了自己的第一部作品——《过客》。此片的武术指导就是今日香港影坛的大哥成龙，当时两人都是影坛小辈，所以《过客》也没有产生什么反响。之后他到嘉禾担任导演长达十年（1973-1983）。在这十年间他拍了许多完全讨好市场的喜剧，1973年他导演了《铁汉柔情》，之后他又拍了不少的低成本的电影，如《女子跆拳群英会》(1976)、《帝女花》(1976)、《少林门》 (1976)等，后他又执导了《发钱寒》(1977)、《大煞星与小妹头》(1978)、《哈�夜归人》(1978)、豪侠(1979)、《滑稽时代》(1980)、八彩林亚珍(1982)等喜剧电影。这段时期被他自己称作“喜剧的十年”。
1983年他从嘉禾到新艺城后，事业沉入谷底，被外放到台湾沉潜了将近三年。然而他也因祸得福在台湾交了许多好朋友，也见识到台湾演艺圈中迥异于香港的浓郁的人情味。在1985年《笑匠》票房惨败后他只身回到香港，加入了徐克的“电影工作室”。在70年代末，他曾受聘于中国电影工作室做制片助理和剧本检查员。在这期间美国的新生代导演萨姆．佩金法和斯坦利．库伯力克给了他很多灵感，他们作品中的暴力对他产生了深远的影响。在八十年代中期，吴宇森的电影生涯停滞不前。1986年在徐克的帮助下，成功执导了《英雄本色》，该片奠定了吴宇森的暴力美学的电影风格，以至后来的《英雄本色2》(1987)和《喋血双雄》(1989)都沿袭了这一风格。
《英雄本色》不仅是吴宇森的人生转折点，也是香港电影的一座丰碑。在创作此片时，吴宇森豪气必现，多年来在影坛积郁已久的失意与报复尽透每一个画面，其精细的分流与流畅如歌的剪接在今天看来仍无可挑剔。这部大场面、高质量的作品震撼了所有观众和影人。这部片子还为香港电影发现了一大批人才，比如徐克、程晓东、潘恒生、张国荣以及当年同样失意影坛，被称做“票房毒药”的周润发。吴宇森是进行了一次赌博，然而他赢了，一群失意、蛰伏的男人征服了命运，相互迸发出了无比耀眼的光芒！
1989年的《喋血双雄》也许是吴宇森生平最重要的代表作，至今，吴宇森还没有哪部作品超越此片所创造出的意境：无法用任何东西来衡量的友情，惺惺相惜的江湖兄弟和各自不可动摇的做人原则。吴宇森用极为自信的手法让暴力世界中弥漫出无法言语的浪漫，华丽而控制自如的镜头、精练的对白以及舞蹈般的枪战动作令人为之倾倒。片尾在教堂里的生死决战，可以代表暴力美学的精髓：烛光中映出的圣母像，背景中掠过的白鸽，一对最不应成为朋友的生死之交，共同执行着自己心目中的正义。正象吴宇森所说：“这是我最想用镜头来表达出的东西，哲学式的电影，骑士般的主角，也表达了我心中的理想。”
《喋血双雄》后，吴宇森因意见不合脱离了徐克的“电影工作室”，自组公司拍摄了《喋血街头》、《纵横四海》、《辣手神探》等动作片。
1993年环球电影公司投资请吴宇森执导尚格云顿主演的《终极标靶》。虽然《终极标靶》推出后洛杉矶时报把吴宇森做为头版人物，影片拷贝卖了1600个，但这是一部变了味的吴宇森电影。影片中虽然也有圣歌中飞舞的白鸽，但却少了那份一贯的诗意，它更象一部尚格云顿的动作片。事实上，吴宇森电影中的武打戏在香港导演中连中等都算不上，所以当影片面世后为了适应尚格云顿的影迷，环球公司又派一名“资深动作片剪接专家”对影片进行了重新剪接。因此我们今天所看到的《终极标靶》并不是真正的吴宇森电影。
1996年，他接手20世纪福克斯公司的《断箭》。《断箭》最吸引人的就是饰演奸角的约翰·特拉沃尔塔模仿周润发的每一个动作，从玩世不恭的笑容到吸烟姿势，都极具神韵。同时，吴宇森设计的动作戏和各种细节令人应接不暇。本片是吴宇森第一次按照美国电影的套路大展拳脚，此时他已真正把握了好莱坞动作片的命脉。
1997年的《变脸》是吴宇森电影事业的另一个高峰。吴宇森在片中找到了东西方世界共同崇尚的那种“人道精神”和“家庭观念”，并着重刻画了女性角色的刚强和温柔，这一点百分之百地受到了女性观众的认可，许多从不看动作片的女观众亦着迷于这部电影。与以往处理人物的风格一样，该片的主人公亦处于正邪之间。片中约翰·特拉沃尔塔与尼古拉斯·凯奇，本来一个代表善、一个代表恶，但经过交换面孔后他们基本上成了同一个人的两种性格。而最有意味的情节是有时候有些事情坏人会比好人处理得更好，譬如后来凯奇换了特拉沃尔塔的脸之后，给了他太太真正的浪漫，还教会他女儿怎样保护自己。吴宇森在片中充分发挥了凯奇和特拉沃尔塔的表演天才，他让观众在看到两大演技巨星的眼神变化时感受到他们心理的转变。吴宇森对两大巨星的驾驭显示了大师级的风范，凯奇和特拉沃尔塔事后对此都五体投地，他们认为吴宇森给他们设计的戏实现了他们扮酷的梦想。而这显然不是恭维。投资高达一亿美元的《变脸》被美国影评人们认为是“最具吴宇森风格”的作品，并一举夺得七月份美国电影票房冠军，同 时也为吴宇森带来了全美华裔艺术基金会颁发的最高荣誉“金环奖”。
他通常被称为“暴力美学大师”，实际上他的电影在暴力这层外衣下，着重的是描写人物之间的情谊，以及人与时代关系，对现实社会的一种迷茫，但是最好还是积极的，他善于借物抒情，寓情于物，像在他电影里经常出现的“白鸽”，”教堂”都是美好的象征。

Ⅵ 世界电影发展的重要事件都有什么

1895年，巴黎，卢米埃尔兄弟第一次向众人公映电影，标志着电影诞生
1903年，法国，梅里爱拍摄《月球旅行记》，表明电影创造梦幻的巨大魔力
1913年，美国，埃德温·鲍特拍摄《火车大劫案》，表明电影剪辑叙事的力量
1915年，美国，格里菲斯拍摄《一个国家的诞生》，标志着好莱坞经典剪辑技巧的确立
20世纪20年代，欧洲，先锋派电影如火如荼，发展出了包括德国表现主义在内的一系列电影风格
20世纪20年代，苏联，以爱森斯坦为代表的电影人发展出了一整套蒙太奇理论，并拍摄了《战舰波将金号》《母亲》等影片
1929年，美国，《爵士歌王》上映，有声片诞生
1935年，美国，《浮生若梦》上映，真正意义的彩色片诞生
20世纪30、40年代，好莱坞黄金时代，好莱坞电影开始统治全世界
30年代，法国，雷诺阿等电影人开创了诗意现实主义风格
40年代后半叶，意大利，新现实主义风靡一时
50年代中期，美国，派拉蒙并购案宣判，美国电影业的垄断经营被打破，独立制片兴起
50年代后期，法国，新浪潮开始，作者电影开始流行
60年代后期，美国，新好莱坞电影风靡一时
1975年，美国，《大白鲨》上映，开始了大片时代
1991年，美国，《终结者2》上映，电脑特技在电影中得到全面应用
1999年，美国，《星球大战前传1》上映，胶片开始被数码取代

Ⅶ 法国电影发展史

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所以要是大家想看电影,还是去电影院吧,那里的效果还更好。 ?? 当然去了电影院还是要小心,好莱坞的八大影业之一...年,香奈尔公司推出了“香奈尔5号”香水,获得了世界性的成功,被视为法国香水发展史上的里程碑。香水依据其所含香精...
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基于德国神话“尼白龙根之歌”和北欧“沃尔松格传说”改编的电影,德国2004年投资最大的神话史诗巨片,德国版的“指环王”。 巴黎街头文化20年 法国关于涂鸦艺术的记录片,这是一部记录1983—2003间法国涂鸦艺术发展史的记录电影,电影客观的...
那里有众多的世界闻名的大学、学院、图书馆以及博物院、展览馆、剧场、剧院及1985年5月落成的“晶球”全景电影院等...在法国丝绸工业发展史上最重要的人物肯定是织机式匠出身的里昂人贾卡,他是纹板提花织机的积极改革创新者,于1977年...
甚至专门研究了法国香水发展史,乃至各大香水公司的知名香水品牌。 恰好白兰香也对香水极感兴趣,一来二去两人就用英语...韩嫣暴怒中的动作,在秦笛看来,不过是电影中的慢镜头,简直可以和龟爬相提并论,不过这并不妨碍他用一种戏谑的心态来...
在我所熟悉的电影人之中,大凡经历过贫困与煎熬的艺术家,才凭借着他们无比的热诚与才华创造了影坛不朽的奇迹。 韩国...1789年的法国资产阶级革命,开辟了欧洲资本主义发展史上一个新时代。具有全欧影响的文学运动——浪漫主义运动正是法国大...
法国人很注重艺术,扯点闲话当时在巴黎旅游参观HOTEL DE VILLE的时候免费欣赏了法国电影的发展史,因为不能拍照所以没有照片和大家分享 这个就是HOTEL DE VILLE 总觉得法国的建筑气势很壮观连一个HOTEL都可以造的如此庞大,想想那时这样的HOTEL...
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也就是法国的1897型75里面口径速射炮,法国人最引以为豪的一个骗局!辰天记得法国的这种速射炮算得上火炮发展史上的...免费电影小说漂亮MM来啊 插入书签 上一篇 下一篇 首页 => 历史 => 请叫我威廉三世 繁体 0.33659...
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Ⅷ 电影从什么时候开始有的

1895年12月28日，法国人卢米埃尔兄弟在巴黎的“大咖啡馆”第一次用自己发明的放映摄影兼用机放映了《火车到站》影片，标志电影的正式诞生。这部电影好像就几分钟时间。

Ⅸ 让·雷诺阿的人物评价

让·雷诺阿作为20世纪杰出的电影大师，半个多世纪以来，名字屡屡出现在许多国家的电影机构评选的电影史上十大杰出导演的名单中。而评选杰出大师的依据是杰出作品，雷诺阿的杰作当为《游戏规则》和《大幻灭》。其中《游戏规则》更是多次入选电影有史以来的十大杰作之列，以英国《画面与音响》杂志的评选结果最具权威性。该杂志自1952年起每隔10年组织一次评选活动，邀请世界上最著名的影评家和电影导演投票评选电影有史以来的十大杰作，50年来《游戏规则》一直没有落榜。
作为雷诺阿生平创作的最完美的影片，《游戏规则》雷诺阿说这是一个关于识破骗局、认识真相的故事。它虽然是一部古老的故事，但是所流露出的沉重的悲剧意识，是对人、对社会的一种失望的情绪。
雷诺阿通过复杂的人物关系、追逐片式的喜剧情节和看似荒诞的艺术手法，富有嘲讽意味地揭示了战前法国资产阶级乃至整个社会的生活态度：生活如同“游戏”，说谎和尔虞我诈是这种游戏的不可违拗的“规则”；同时，来自不同社会阶层的争风吃醋的男男女女的群象表明，情欲是人类的共性，而在风流场上的追逐和搏斗中不同社会阶层的人是不得相互混同的，此外影片还运用隐喻手法，预示了“奇怪战争”的悲惨结局，最后则把这群百无聊赖的男女的东逃西窜作为恢复正常的社会秩序的手段。由此我们不难看出，当时欧洲社会复杂的阶级斗争和以法西斯主义为代表的资产阶级反动势力的猖獗，这些使雷诺阿由痛苦、愤怒而沦为悲哀。《游戏规则》是他这种宿命、无望情绪达到极点时发出的绝望的呼喊。
雷诺阿曾说：“非常奇怪，我的影片要等到25年之后才能被人理解。”想到《游戏规则》当初的不幸遭遇和后来的诸多荣誉，事实的确如此。此片完成于二战爆发前夕，上映不久便被禁止。电影审查机构认为它“伤风败俗”，军事检查机关认为它“涣散士气”，很多观众认为它是对他们的“人身侮辱”。这样的结果与雷诺阿的初衷背道而驰：“我原想把这部影片拍得讨人喜欢，但却惹恼了大多数观众，我为之惊奇不已。”雷诺阿把观众的敌意归咎于自己的“直率”，这部影片表面描写的是和蔼可亲的人，实际表现的是正在解体的社会，观众在影片中看到了自己，而“自杀的人是不喜欢让人看见的。”拍摄《游戏规则》的人自己没有遵守“游戏规则”，结局自然可想而知。雷诺阿这样描述自己当时的心情：“《游戏规则》问世时遭到的失败太让我丧气了，以至于我决定，要么不再拍电影，要么离开法国。”
雷诺阿的另一部代表作是《大幻灭》，据其编剧查尔·斯巴克的解释，影片主要是表现“战争是愚蠢和丑陋的。战争破坏了人的生活，人不是为互相残杀而生存的，只有职业军官喜欢身着军装”。因此，热爱和平的雷诺阿在影片中表达的反战倾向是非常明显的，而且他还告戒人们：“不论胜利与失败，任何民族都难以幸免战争造成的堕落。战争在几个月内就足以摧毁缓慢发展的文明用几个世纪才得以建立起来的东西。”
雷诺阿通过纪录片式的朴素风格和真实准确的细节，以及生动的性格刻划和丰富的视觉形象，既表现了战争期间不同国籍的军人们对和平时期保持友爱感情的向往，又反映了他们在国家、种族、宗教、社会、阶级等界限之间的复杂关系。有时阶级关系超越国家界限，有时种族关系超越社会阶层，有时友爱之情超过一切，有时爱国主义占据上风。比如，当了俘虏的法国侯爵德瓦尔迪厄与德国贵族冯·罗芬斯坦之间的阶级关系，远远超过他与平民出身的马雷夏尔的同胞关系；马雷夏尔对言语隔阂的德国农妇的好感，大大超过他与犹太资本家罗森塔尔的友情。
当然，也有人认为雷诺阿身为一个左翼电影工作者，在本片中对法国贵族传统和军事等级日落西山表示哀叹令很多人困惑甚至愤怒，而法国著名电影理论家安德烈·巴赞却说：“对大多数法国人所经历的时代的回忆之所以引起我们的激动，是由于我们在这些囚徒的痛苦和希望之中发现了某些东西，在今天原子弹毁灭的磨难、恐怖和恐惧面前，那些东西对我们来说反倒像是失去的天堂。”也许让·雷诺阿富于前瞻性的诗意现实表现也正于此吧。 法国诗意现实主义代表人物让·雷诺阿，1894年9月15日出生在法国巴黎（1979年2月12日逝世），出生在大画家奥古斯特·雷诺阿的家中。奥古斯特·雷诺阿是法国早期印象派绘画运动的先驱者，这使童年时期的让·雷诺阿受到了良好的艺术熏陶，对于其日后在电影色彩、构图方面的优势都打下了坚实的基础。
然而让·雷诺阿并没有子承父业，在学业尚未完成的情况之下便毅然踏上了军旅之路。一战期间，他以准尉的军衔奔赴前线作战，数月后因右腿负伤回到巴黎养伤，开始迷上了卓别林的电影。也就是在此期间，他开始对电影产生兴趣。雷诺阿在这次战役中落下了瘸腿的终身残疾，伤养好后他又返回军队学习飞机驾驶，做了短时期的侦察兵。他退伍后为了完成父亲的遗愿来到法国南部的卡纽和郊外的玛洛特从事陶器制作。一次偶然的机会，因受到电影《爱的火花》的感染，他决心投身于电影事业。起初，他只是为别人写作了一部电影剧本，接着才在1924年获得了拍摄《水上姑娘》的机会。影片以爱情为主线，讲述一位姑娘在做水手的父亲死去后遭遇了许多不幸，最后得到一位地主少爷的救护和爱情的故事。让·雷诺阿运用了印象派电影手法，所表现的如姑娘做梦时的场景，深获好评。自此，他开始了自己真正的电影生涯。
1926年，雷诺阿拍摄了根据左拉小说改编的《娜娜》，这是一部耗资巨大、长达120分钟的影片，虽然没有取得应得的经济效益，但在当时引起了巨大反响。影片将文学上的自然主义与绘画上的印象主义有机结合在了一起，用优美的笔法展现了妓女娜娜悲惨放荡的一生。这部影片是雷诺阿默片时期的代表作品。此后，他拍摄了一系列默片：《查尔斯顿》（1926年）、《玛尔基塔》（1927年）、《卖火柴的小女孩》（1928年）、《懒兵》（1928年）、《城中比武》（1929年）、《穷乡僻壤》（1929年）。这些影片已经显示出雷诺阿在题材和风格方面的某些特点，如探讨物质生活的意义、将现实主义与梦幻般的想象相结合。为最终形成“雷诺阿风格”的先驱作品。
从三十年代开始，雷诺阿进入了自己多产而又风光的全盛期，在此期间，他不仅形成了雷诺阿式的电影风格，而且拍摄出了享誉一生并被后辈着力推崇的影片《大幻灭》和《游戏规则》，确立了在世界影坛的重要地位。就像世界电影有了历史性的飞跃一样（进入有声期），雷诺阿也开始逐渐找到适合自己的叙事方式。后来所拍摄的《汤尼》是一部极端写实主义影片，片中几乎没有内景，也没有用大明星，纯粹依据真实事件拍成，被评论家们认为是与维斯康蒂的《对头冤家》（1942年）一样没有时代局限的杰作。他描写了从意大利和西班牙来到法国南部的打工者们的爱情和经历，最后因颓丧、妒嫉而导致的一场悲剧。一般评论家认为《汤尼》是电影史上的新写实主义电影的先驱。
雷诺阿的写实主义手法虽然得到好评，但他慢工出细活儿的拍片速度却常让一般电影老板不满意。找他拍电影的，多是看重他擅长拍摄社会题材并欣赏他写实风格的制片人。1935年，让·雷诺阿拍了《朗基先生的犯罪》，影片描述一家印刷厂面临破产，老板逃跑了，工人们却团结起来组织了一个合作社继续进行生产，终于扭转局面取得胜利。这是一部表现工人要求权力的影片。另一部根据名著《下层社会》改编的影片《社会底层》，则刻画了一群社会落伍者的众生相。这些影片都显示着他广博和深远的认识，并且永远能忠实反映人间世态、表现人的本质。雷诺阿自幼喜爱艺术，具有高深的艺术修养。这使他一从影就很快跻身于名导演之列。他与法国影坛老将让·维果以及雷内·克莱尔、约克·费戴尔、马赛尔·卡尔内等人共同奋斗，谱写了法国二战前电影史上的不朽篇章。
《汤尼》和《朗吉先生的罪行》被称为是“法国电影的转折”，“标志着法国电影的复兴”。影片所表现出来的政治倾向具有鲜明的左派思想，影片接受了苏联的现实主义精神，被认为是战后意大利新现实主义电影的先声。
雷诺阿在此期间拍摄的最重要的两部作品《大幻灭》（1937年）和《游戏规则》（1939年），成功运用了景深镜头和长镜头的叙事手法，为电影语言的发展做出了杰出的贡献。《大幻灭》荣获威尼斯电影节最佳艺术电影奖。雷诺阿喜欢用长焦距镜头来拍摄，使近景和远景同样清晰，他对这种摄影方法的实践和系统发展，对奥逊·维尔斯日后拍摄《公民凯恩》产生了重要影响。
1939年，雷诺阿紧接着完成了诗意现实主义的扛鼎之作《游戏规则》。
这是一个关于上流社会道德腐败的陈旧故事。和《大幻灭》不一样，《大幻灭》洋溢着自信向上，而这部影片则是一股昏暗不堪的调调。但是令人意外的是，《游戏规则》在时隔25年之后才受到世人重视，就好像人们获得了重生，因为此片在当时受到禁止放映的条令，来自各方的压力使雷诺阿不得不离开了自己挚爱的国土。
总体来说，雷诺阿这个时期的作品在艺术上达到了很高水平，使他成为战前法国诗意现实主义流派的代表人物。
从1940年到1950年，雷诺阿在好莱坞期间共拍摄了6部影片：《大泽之水》（1941年）、《吾土吾民》（1943年）、《向法国致敬》（1944年）、《南方人》（1945年）、《女仆日记》（1946年）和《海滨浴场的女人》（1946年）。1950年拍摄的《大河》是雷诺阿途经印度回国途中所拍摄的，也是他第一部彩色片。他回国后的18年间仅拍过5部影片，其中《法兰西康康舞》（1954年）较为著名。这些影片虽然在色彩运用上非常成功，也不乏完美的镜头，但都没能超越他在1930年在法国拍摄的优秀作品。终其一生，他拍摄了默片、有声片（包括黑白和彩色）共计40余部，后期雷诺阿的艺术活动转向舞台剧和电视，同时撰写有关电影的论著，导演舞台剧，创作小说和电影剧本，写作有关自己和父亲的回忆录。
雷诺阿继承和发扬了冯·斯特劳亨所信奉的拍摄电影的原则和传统，形成诗意写实主义风格，成为法国电影史上的丰碑。他虽然没有子承父业，但是秉承了父亲为艺术如痴如醉的风范，他为电影艺术耗费了毕生的精力，他致力于实验新电影文法的精神永远活在同样挚爱电影的人们心中。 历史上父子齐名的文学家、艺术家不乏其例，如大仲马与小仲马，大施特劳斯与小施特劳斯以及中国的曹氏父子、苏氏父子等，而法国著名印象派画家奥古斯特·雷诺阿与其子让·雷诺阿也是同样举世闻名的。所不同的是，他们的艺术门类不同，一位是画家，一位是优秀的电影导演。但是这丝毫没有影响他们在法国艺术界的地位，而让·雷诺阿最初的艺术灵感其中很大一部分也来自他的父亲。奥古斯特·雷诺阿是法国画家，最初与印象画派运动联系密切。他的早期作品是典型的记录真实生活的印象派作品，充满了夺目的光彩。然而到了（18世纪）80年代中期，他从印象派运动中分裂出来，转向人像画及肖像画，特别是妇女肖像画中去发挥自己更加严谨和正规的绘画技法。
在所有印象派画家中，雷诺阿也许是最受欢迎的一位，因为他所画的都是漂亮的儿童，花朵，美丽的景色，特别是可爱的女人。这些都会立刻把人吸引住。雷诺阿把从他们那里所得到的赏心悦目的感觉直接地表达在画布上。他曾说过：“为什么艺术不能是美的呢？世界上丑恶的事已经够多的了”。他还是女性形象的崇拜者，他说：“只有当我感觉能够触摸到画中的人时，我才算完成了人体肖像画”。
1874年雷诺阿以《包厢》一画参加首次印象派画展，这标志着雷诺阿风格的成熟。但是自由的艺术创造给家庭经济带来危机，所以他总想找到一种既能满足绘画爱好者趣味，又能不失自己的艺术良心的方式。随着《游艇上的午餐》成功，生活境遇得到了改善。于是决定走出法国去东方寻找新的创作题材和灵感。他去了阿尔及利亚又取道英国，1881年又赴意大利游历艺术名胜佛罗伦萨、威尼斯和罗马等地，当他在罗马看了拉斐尔的画时感叹道：“真是妙极了，我早该看到它们，这些画显示了真正的艺术技巧和智慧。”这时他的艺术追求倒退到古典主义学院派，他说：“在油画方面我更喜欢安格尔。”这是他艺术道路上的一次危机。但就在这危机时代，他的印象主义精神仍始终保存在他的风景画中。
雷诺阿艺术的主体旋律———毕生所竭诚表现的是女性肉体的魅力。他所描绘的女性着意在外表美而忽略其性格深度，但就其自然魅力而言是高贵雅致的。他兼收了罗可可和巴洛克两者的娇媚和雄健之风，天衣无缝地融为一体，创造了独有的雷诺阿风格。阳光、空气、大自然、女人、鲜花和儿童。这就是雷诺阿一生用丰富华美的色彩所弹奏的主题。