㈠ 求助一篇《特里斯坦与伊索尔德》歌剧的观后感万分感谢!字数不限,3000左右即可~~
中西合璧“爱之死”
《特里斯坦与伊索尔德》登陆中国
“跟着我的手势走就应该没有问题。”
——德国指挥如是说
本月3日,在北京保利剧院,上演了音乐会形式的瓦格纳歌剧《特里斯坦与伊索尔德》。从下午3时30分,一直演到晚上10时,算上幕间休息,共六个半小时,创了国内演出歌剧的最长纪录。
演瓦格纳歌剧,是最近几年北京文化市场上的时髦。2005年秋天,纽伦堡歌剧院在保利分4天上演了《尼伯龙根的指环》,这是该剧在日本之外的亚洲地区首次演出。这次的《特里斯坦与伊索尔德》也是一样,此前在亚洲只在日本上演过。事实上,瓦格纳歌剧因其篇幅巨大、演出难度极高,任何一部现在都是“中国首演”。与前年《尼伯龙根的指环》不同的是,这次的乐队、合唱队,用的都是清一色的中国人——中国爱乐乐团、合唱团。只有指挥和几位主演是外国人。这是非常重大的一个进步,姑且不论水平怎么样,至少这次解决了“我来了”、“我能演”这样的问题。
所谓音乐会歌剧,就是乐队不在乐池里,而是像开音乐会一样,全部搬到舞台上。而歌唱演员不扮戏,只穿一般演出服,在前台演唱。这种形式可以省去庞大的舞台美术设计,降低了演出成本,同时还有利于听众把注意力集中在“听”的方面,可以更好地听音乐、听歌唱。
3日在北京的演出,一是考虑到北京的交通问题,散场时间不能太晚,二是考虑到演奏员的体能问题,中间的休息时间要长一些,所以不得不分为上下两个半场。上半场从下午3时30分开始,演三个多小时,然后休息两个小时,下半场再从晚上8时开演,大约至10时结束。纯粹的音乐时间也有五个小时之久。这无疑对乐队、演员、指挥都是个严峻考验。
从前年看现场《尼伯龙根的指环》开始,观众们就意识到,演瓦格纳歌剧,对演员来说最重要的首先是体能问题。没有体能的保证,你有再好的音乐修养和声乐技巧,都无从发挥。所以,世界著名的瓦格纳歌剧歌唱家,大都来自北欧和德国、英国,那里的歌唱演员体格健壮,平均体重都在100公斤以上,而且语言障碍小。
这次扮演女主角伊索尔德的,是4月份刚在意大利都灵演完同一个角色的女高音布里埃尔•玛丽娅•荣格。“伊索尔德”在长达五个小时的剧中几乎要从头唱到尾,而且,音乐会形式比舞台剧形式更累,因为舞台剧形式中,演员可做各种形体动作,站立、走动、坐下、跪下,甚至躺着、趴着的动作都有,能活动活动筋骨,但音乐会形式就只能直挺挺地站着。为此,这位女高音特意提前买了一双“很舒适的”平跟鞋,估计即使这样,两只脚也得肿了。男高音弗朗克•范•阿肯是个新手,头一次在公开场合演唱特里斯坦这个角色。这对他更是个严峻考验。
实际上最紧张的是管弦乐队。中国爱乐乐团还从来没有演出过这么大型的作品,不仅是篇幅长,而且声部繁多,像一部严丝合缝的巨大机器。担任此次指挥任务的,是德国指挥家克劳斯•韦瑟,他是中国爱乐的老朋友了,以前曾经多次指挥该团举行音乐会。最初,他对中国爱乐乐团能否演奏好这部高难度的歌剧表示过怀疑,但从5月21日开始排练到演出前,他感觉乐团的技术没问题,但对作品的理解还很不够。毕竟两国的文化差异巨大,乐团演奏员绝大多数并不理解古斯堪的纳维亚的精神特质,对瓦格纳的音乐比较陌生。既然谈不到“出彩”,那么就干脆退而求其次,先保证正确。“跟着我的手势走就应该没有问题”——德国指挥如是说。
主演的知名度都不高,乐团又是第一次演瓦格纳,因此,这次演出的最大价值,就在于能够顺顺当当地把它演下来,这是一个了不起的开端。
处处可见莎氏悲剧的影子。
《特里斯坦与伊索尔德》的故事,来源于欧洲中世纪传奇,但瓦格纳结合自己的感受,对它进行了大幅度的改动,所以他创作的歌剧剧本,完全是一个原创性的东西。剧本分为三幕,第一幕很像莎士比亚《奥赛罗》的绝妙开场——倒叙手法用得精熟,丝毫感觉不出是为了倒叙而倒叙:
开场便是在从爱尔兰到康瓦尔国的船上,而且快到目的地了。这是康瓦尔国的骑士特里斯坦替自己的国王马克去爱尔兰迎亲的船,迎娶的是爱尔兰骄傲的公主伊索尔德。同行的还有特里斯坦的男仆——忠心耿耿的库汶纳尔和伊索尔德的侍女——机灵而有主见的布兰甘妮。伊索尔德对这桩婚姻是至死也不愿意的,原因是康瓦尔国和爱尔兰以前曾经交战,在战斗中,特里斯坦杀死了对方的一位勇士,而这个人正是伊索尔德的未婚夫。特里斯坦本身也受了伤,昏倒在海滩边,被伊索尔德发现。伊索尔德还发现,这个人的剑上有一个缺口,而自己被杀死的未婚夫的头上也有一小块钢片,正好与这个缺口相吻合。于是伊索尔德拿刀准备杀死特里斯坦为未婚夫报仇,但没有想到苏醒过来的特里斯坦却用一种毫无畏惧的、反而是充满温情的目光看着自己,于是她没有忍心下手,反而用自家祖传的秘方治好了特里斯坦的伤。这些背景,都是借伊索尔德之口,在歌词中唱出来的。
现在,交战两国已经和好,马克王准备迎娶伊索尔德,特里斯坦在护送的路上一直刻意在回避与伊索尔德直接见面,甚至伊索尔德亲自下令他来问安,也找了种种借口不来。这更加重了伊索尔德的悲伤,她决定服毒自杀,顺便捎带上那个高傲的骑士特里斯坦。侍女布兰甘妮是个红娘式的人物,她偷偷将自杀用的毒酒换成了爱情春药酒,在即将到达康瓦尔国的时候,两个人喝了这药酒,自然就堕入了情网。
第二幕是在马克王的宫中,这一对偷情的男女在互诉衷肠。他们没有想到的是,特里斯坦的好友——马克王的朝臣梅洛特,一直在暗中监视他们,并且适时地向马克王告发。马克王捉奸成功,当众谴责了特里斯坦,梅洛特为表忠心,冷不防给了特里斯坦一剑,使其身受重伤。随后,特里斯坦被自己的仆人库汶纳尔护送回故乡养伤。
第三幕的地点移至特里斯坦的故乡卡莱尔。伊索尔德冒死来这里看望他。终于见到恋人的特里斯坦,激动异常,死在恋人的怀抱中。马克王乘船赶来,库汶纳尔以为是来兴师问罪的,于是杀死了梅洛特,随后自尽。马克王其实是来下旨成全特里斯坦与伊索尔德的,但一切为时已晚。伊索尔德最后唱着最著名的长篇宣叙调“爱之死”,倒地与特里斯坦长眠在一起。
从剧情发展和戏剧结构上,可以明显看出,这出戏受莎士比亚悲剧的影响非常大,处处可见《罗密欧与朱丽叶》和《奥赛罗》的影子。瓦格纳自己也并不讳言。事实上,瓦格纳的戏剧风格还有更悠远的历史源头,那就是古希腊埃斯库罗斯和索福克勒斯的诗体悲剧。瓦格纳个人的爱情故事也在这里有象征性的体现:瓦格纳逃亡瑞士期间,与出版商维森东克一家关系甚好,维森东克夫人玛蒂尔德,漂亮而且有很高的艺术修养,瓦格纳将其视为自己最大的知音,两人陷入一场刻骨铭心的婚外恋。而且难能可贵的是,维森东克先生以一种宽宏大量的姿态对待这件事,终于使维森东克夫人回心转意。瓦格纳在这件事上实际上是一个光荣的失败者。失败或失恋往往比胜利更能给艺术家带来灵感,于是瓦格纳把这种灵感变成了不朽的歌剧《特里斯坦与伊索尔德》,显然,他自己就是特里斯坦,维森东克夫人是伊索尔德,维森东克先生是马克王。
瓦格纳的一生,优点和缺点一样多,就如同他的崇拜者和反对者一样多。他最大的两个缺点,一是喜欢借钱不还,二是喜欢撬别人的老婆,而且往往是对自己有恩的好朋友的老婆。维森东克夫人是这样,他后来的老婆柯西玛更是这样。柯西玛是李斯特的私生女,原是指挥家汉斯•冯•彪罗的太太,彪罗是瓦格纳的“铁粉”,也是他的音乐的极卖力气的推广者。
瓦格纳歌剧入门难,但一旦入了门,就让人欲罢不能。
《特里斯坦与伊索尔德》在整个西方音乐史上是一座里程碑。这是因为,一方面它牢固确立了“连续式歌剧”的艺术形式,另一方面,它大量地使用了半音,把调性变成了音乐海洋中的一个个孤岛,从而在音乐语言上为20世纪的无调性音乐开启了第一扇大门。从此以后,整个西方的歌剧就变了样子,晚于瓦格纳的作曲家在创作歌剧时都无一例外地受到他的影响,甚至包括最纯正的意大利歌剧作曲家威尔第和普契尼。
瓦格纳歌剧中,除了《纽伦堡的名歌手》以外,全都充满了矛盾、不安,灵魂的超度,伟大的女性以自我牺牲,来实现对男性、进而是整个世界的救赎等等。他在音乐中寻求新的表现手法,来达到表现其哲理思想的目的。瓦格纳歌剧中,为了突出戏剧性,而牺牲了歌唱性,全剧都是由主导动机的呈示与展开构成,既无一定的传统曲式结构,更没有整段的歌唱性旋律。在和声方面,高度的半音化、不协和弦大量使用。因此,瓦格纳歌剧乍一听上去,都“不好听”,但是,只要你多听、听熟悉,就会越来越发现其中的奥妙,因为这样做可以让歌剧中的音乐形成对人物性格和戏剧哲理的多角度、多层次的立体表现。瓦格纳歌剧入门难,但一旦入了门,就让人欲罢不能。
这方面最出名的例子,就是希特勒。他是瓦格纳的超级大粉丝。当他还是一个穷学生的时候,经常买站票去听瓦格纳歌剧,一站就是五六个小时。据说希特勒最爱听的歌剧就是《特里斯坦与伊索尔德》,前后听过30多遍现场。这一点从他最后与爱娃的双双自杀,可见一斑。
在中国改革开放以前,瓦格纳歌剧一直是受批判的。后来也因为演出条件所限,直到进入21世纪,才在上海演了一次《漂泊的荷兰人》,又过了几年,才有《尼伯龙根的指环》和这次的《特里斯坦与伊索尔德》先后上演。从观众爆满、街谈巷议的状况来估计,今后几年之内,《汤豪瑟》、《罗恩格林》、《纽伦堡的名歌手》和《帕西法尔》等,也必将陆续演出。让我们拭目以待。
㈡ 吴志泉的个人经历
6月10日,公益电影《半音》终在在北京举行首映,当日,公益电影《半音》在北京中华世纪坛举行首映仪式。导演陈晓曦、总制片舒鸣、主演姚安濂、花昆以及故事原形人物李传杰共同出席,现场传杰的父亲被感动落泪,电影在6月13日全网上线。《半音》根据脑瘫音乐人李传杰的真实故事改编,讲述了脑瘫患者“传奇”用脚谱写音乐的传奇故事,以及与父亲之间感人至深的亲情。吴志泉表示:将牵头发起助残基金,而《半音》付费点播获得的所有收益都将捐给助残基金,并由国家正规基金管理部门管理监管,希望能救助更多的脑瘫患者。
㈢ 电影<<和声>>音乐赏析感谢了,大概2000字
从17世纪起,由于主调音乐的逐步发展,和声的作用愈趋重要。它在音乐中所起的作用大致有3个方面:
①声部的 组合作用。在统一的和声基础上,各声部相互组合成为协调的整体。
②乐曲的结构作用。通过和声进行、收束式、调性布局等在构成曲式方面起重要作用。
③内容的表现作用。通过和声的色彩、织体以及配合其他因素,塑造音乐形象、表现音乐内容。和声的处理是音乐创作的重要写作技巧,也是对位、配器、曲式等其他作曲技法的基础。有时,曲调也由和声衍生。
和声是多声部音乐的音高组织形态,是音乐的基本表现手段之一。就作曲理论的一般观念而论,和声是与对位(即通常所说的“复调”)相对应的技术范畴。在十九世纪以前一百多年的音乐实践中,和声一直被看成是对位的基础。 和声有结构功能和色彩功能两种基本属性:
结构功能是指和声对音乐形式构成方面的意义。这主要表现在:
(1)音高纵向结合的组织作用;
(2)确立或瓦解调性、调式的作用;
(3)发展或终止某一结构的作用。
色彩功能即和声的音响作用。在音乐中,和声凭借这种功能,或独立地或同其他因素协同地参与音乐表现。
两种功能的对立统一,是和声内部矛盾的集中表现,它决定着和声风格的历史演变以至每一和声现象的面貌特征。
特色
在调性音乐中,和声同时具有功能性与色彩性的意义。和声的功能,是指各和弦在调性内所具有的稳定或不
和声乐谱
稳定的作用、它们的运动与倾向特性、彼此之间的逻辑联系等。和声的功能与调性密切相关,离开了调性或取消了调性,和声也就失去了它的功能意义。和声的色彩,是指各种和弦结构、和声位置、织体写法与和声进行等所具有的音响效果。和声的色彩是和声表现作用的主要因素,无论在调性音乐或非调性音乐中,它都具有重要意义。
发展
和声的历史发展西洋音乐中和声的形成与发展,至今已有千余年历史,现分6个阶段概述如下:
10~16世纪,欧洲复调音乐从早期的奥加农发展至复调写作的完善阶段当复调音乐的各声部
和声
相互间以协和音程为主作对位结合时,即形成和声音程、和弦与和声进行。当时以各类七声中古调式为基础,故后人称15、16世纪复调音乐中的和声为中古调式和声或教会调式和声。其特点为:①建立在6种不同结音(即主音)的调式基础上(第7种洛克里亚调式极少应用)。各调式音阶的音程关系不同,每一种调式都有其特征音程,相互区别。②以协和音程为基础,和弦结构只有大、小三和弦原位、第一转位与减三和弦第一转位。其他不协和音程均须按规定的方法解决。③各级三和弦都可相互连接。在和弦的连接中,根音之间的各种音程关系(除增四度外)均常用。在音乐进行过程中,并不要求以主和弦为中心,但在乐曲结束处应以主和弦收束。约从14世纪开始应用变音,亦称“伪音”,规定六度反向级进到八度时须为大六度,三度反向级进到同度时须为小三度,因此需应用变音,形成类似导音进入主音的声部进行。另外,为了避免减五度与增四度,亦需用变音。这为各类调式逐渐演变集中为大、小调体系创造了条件。
由于在各个乐句结束处不同的停顿音上构成类似Ⅳ—I、Ⅴ—I或Ⅳ—Ⅴ—I的和声进行,形成了以后转调的萌芽。
17世纪,早期巴罗克时代随着单旋律乐曲的形成和歌剧的产生,采取为单声部歌唱加和弦式伴奏的方法。开始应用数字低音以指示伴奏部分的和声,由键盘乐器演奏者即兴弹奏,以纵的音程结合为基础,使和声的作用加强,并形成以平均节奏持续流动的低音线条。器乐中和弦式织体的发展,对逐步形成主调音乐有重要意义。由于戏剧性内容表现的需要,开始重视发挥和声──特别是不协和弦的表现作用(如C.蒙泰韦尔迪、J.佩里等在歌剧中用七和弦来表现哀叹和不幸等内容)。属七和弦的应用,成为确立大小调调性的重要条件。至17世纪后期,虽然还存在着中古调式的影响,但大、小调体系已得到确立。大、小调成为旋律与和声的调式思维的基础;它们之间的调式色彩对比成为音乐中的重要表现因素。 18世纪上半叶,后期巴罗克时代在这一时期中,器乐写作得到更大的发展,建立在大、小调和声体系基础上的自由复调音乐是主要的织体形式。继续应用数字低音作为键盘乐器和声部分的写谱方法。和声作为构成曲式的要素,对于这一时期的乐曲结构,包括赋格曲、古二部曲式、早期奏鸣曲式等,均有重要作用,形成了调性布局的规律:大调乐曲先转至属大调,以后再转向其他近关系调;小调乐曲先转至属小调或平行大调,以后再转向其他近关系调。在转调布局中注意到调性的功能与色彩的对比。小调乐曲结束的主和弦常用大三和弦,称辟卡迪三度,这种方法自16世纪后半叶得到普遍应用起,一直延续到18世纪中叶。同主音大小调的变化是这一时期使用的一种音乐对比方法。平均律键盘乐器的应用,使乐曲所用的调和转调的范围得到扩大,J.S.巴赫的《平均律钢琴曲集》是这类乐曲的典范作品,对后世音乐艺术的发展有极其重要的作用。这一时期的和声材料除各级自然和弦外,变音和弦如副属和弦、减七和弦与那不勒斯六和弦等应用较多。器乐中各种和声织体,如和弦式、分解音型式等的应用,使主调音乐风格获得进一步发展,逐步向18世纪后半叶的主调音乐体制过渡。在这一时期内,不少作家重视以不同的和声材料来表现不同的音乐内容,发挥和声的表现作用。如在巴赫作品中,以单纯的和声表现欢快、赞颂、希望、和平等内容。以半音化和声与不协和弦表现幻想性、戏剧性与苦难、忧伤、哀悼等内容。巴赫在《马太受难曲》中用低音的半音上行、变音和弦与不协和弦等手法,描绘了“大地震动,岩石崩裂,死者从墓中升起……”的情景。 这一时期的和声虽以大、小调体系为基础,但中古调式在一部分以众赞歌为基础的声乐、器乐曲中仍有应用。
和声
18世纪后半叶,古典乐派时期主调音乐成为主要的体制。当时所追求的思想内容与结构形式上的单纯明晰的特点,也表现在和声手法的简朴方面。大、小调体系成为和声的基础,中古调式消失其影响。和声的调性意义更为明确集中,强调主、下属与属七3个主要和弦。数字低音在创作中已不再应用,低音也摆脱了流动性线条的束缚。由于结构的方整性,并且没有复调音乐中那种错综复杂的声部与节奏,使和声的节奏规律化与节拍化,以对称、平衡的和声进行为主体。离调、移调模进、减七和弦、增六和弦、同主音大、小调对置等均普遍应用。开始应用和声大调式,应用降Ⅵ级大三和弦的阻碍收束,随着半音化和弦外音的应用,装饰性的半音进行也得到发展,成为一种富于色彩的手法。
在主调音乐的曲式中,特别在大型曲式,如奏鸣曲式中,和声的结构作用得到充分发挥,成为主调音乐结构的要素之一。
19世纪,浪漫主义时期19世纪初,和声手法基本上与上世纪后期相同。此后,由于题材和内容范围的扩大,音乐作品中情感的表达、心理的刻划、风景的描绘和情节的表现等需要,促使作曲家不断发展新的和声语汇,丰富和声的表现力。这主要表现在两方面:一方面是发展变音体系和声以及其他复杂的和声手法,如大量应用半音化的声部进行、远关系离调与转调、游移与模糊的调性、连续的属功能组和弦、各类远关系的变音和弦、高度叠置和弦(九和弦、十一和弦、十三和弦等)、主和弦的隐蔽、收束的避免、同主音大、小调的混合以及强拍上的半音和弦外音等,从而将大、小调体系和声推向极限,趋于解体的边缘。和声的功能性逐渐削弱和模糊,色彩性得到突出和强调。R.瓦格纳后期乐剧中的和声可为这方面的代表。另一方面由于民族乐派的兴起与古代宗教题材的采用,恢复并扩充了自然音体系和声。例如由于民间音乐的影响,扩大了作品中调式的范围,除自然大、小调式外,还有其他中古调式和特殊调式,如F.F.肖邦作品中的弗里吉亚调式与吕底亚调式,F.李斯特作品中的吉卜赛调式,俄罗斯作曲家作品中的各类自然调式等。在和声的处理方面,下属组和弦得到强调,有时某个段落仅由下属组和弦与主和弦构成。大调副三和弦也得到重视,它们增加柔和的色彩,并使和声具有中古调式的风格特点。变格进行、阻碍进行以及三度根音关系的和声进行等也
和声
较普遍,这在李斯特、瓦格纳、俄罗斯作曲家与E.格里格等人的作品中常可遇到。在和弦构成方面有加六度音的主和弦与属和弦、自然音范围的高度叠置和弦等。在和声的收束式方面,也出现了新的处理方式,如在结束处使用转位的主和弦;以Ⅲ级代替Ⅴ级的正格收束;Ⅵ级或Ⅱ级代替Ⅳ级的变格收束等。有时最后结束不在主和弦上。这一时期中,还有一些富于创造性而成为近代和声先驱的特殊手法,如:五声音阶和声(如在А.П.鲍罗丁的作品中);五度叠置和弦(如在李斯特的作品中);复合和声(如在瓦格纳的作品中);
全音阶和声(如在Н.А.里姆斯基-科萨科夫的作品中)等。
20世纪在19世纪后期大、小调体系和声发展至极限的基础上,不少作曲家探索新的创作手法,或回复至古老的音乐风格,其结果都打破了过去200年来传统和声的规范。20世纪的和声手法,总的可概括为:和声思维的复杂化,和弦结构的多样化,和声进行的自由化与调性观念的扩大化。首先是将传统和声材料在使用方法上加以突破,创造新的和声效果,例如应用三度叠置和弦的平行进行;四六和弦与不协和弦的独立应用;无功能联系的远关系和弦的紧接;连续大二度、小三度或大三度的和声进行与复合和弦等。
在打破大、小调式的长期影响方面,广泛采用了各类中古调式、五声调式、某些民族的特殊调式、泛音音阶(同时包含增四度、小七度的大调式)、全音音阶、十二音音阶以及各类其他特殊的调式与音阶。这些新的调式音阶为和声的处理提供了不同于大、小调式的基础。
在和弦结构方面力求打破传统的三度叠置原则,并追求以往被认为是不协和的、粗糙的和声效果。例如建立在半音阶基础上的高层三度叠置和弦、采用四度叠置的方法、二度密集的音群、各种附加音与任何可能的结合,使和声纵的音响尖锐化、紧张化与复杂化。
另外,还有完全以自然音体系的各音作各种自由组合的和声处理方法, 称“泛自然音体系”。
19世纪后期的音乐作品中,大小调式的区别已趋于消失,更由于半音化和声的发展,调性范围的扩大与不断迅速地转换,带来了调性与和声功能意义的削弱与模糊。20世纪,在这基础上更进一步突破传统的观念,产生下列新的调性处理方式:①泛调性,这种处理仍然保持调性的作用,但打破了传统调性的界限,不以三和弦、自然音阶为基础,也无功能性的和声进行,而通过一些新的方法来表现或暗示调性中心(主音或主和弦)的意义。有时,由于调中心不断变换,缺乏较固定、明确的调性感觉。②多调性,两个以上不同的调性同时结合,即构成双调性或多调性,这是20世纪初开始流行的一种新的调性处理方法。每一个调性层次大都为自然音体系的传统调性,但当不同的调性叠置结合时,即产生了不协和的、矛盾的、有时甚至是很尖锐的和声效果。③无调性,在半音阶的基础上,强调每个音都有同等的意义,避免和否定中心音的控制。这种处理排除了调性,调号也失去其意义而不再应用。取消了和弦结合的原则、根音的作用与和弦之间的内在联系。乐曲的结构不再依靠和声收束式来加以区分。
中国音乐作品中的和声表现手法在中国专业音乐创作中,和声的应用约从20世纪初开始,最初采用欧洲大、小调和声方法。由于旋律多为五声调式,因此,和声如何适应旋律的风格,就成为中国作曲家在实践中不断探索的课题。初时的和声大都是在大、小调和声的基础上加强副三和弦的作用以及应用附加六度音的大三和弦等方法,并注意声部(特别是两外声部)的五声化进行。20年代赵元任在其创作歌曲的伴奏中,就注意试验中国化的和声.
30年代中,由于民族传统音乐与民间音乐的影响,音乐的民族风格问题得到进一步的重视,对和声也有了更多的探索和试验,如借鉴欧洲民族乐派以至印象派(如德彪西)的某些和声方法,自然调式和声的应用增多,在三和弦的基础上采用附加音或代替音的方法。在有些作品中,打破了大、小调的和声规范,采用五声化和声结构(如老志诚的《牧童之乐》的引子部分等)或复调化处理(如贺绿汀的《牧童短笛》等)。
40年代中,音乐创作较前一时期有进一步的发展,以民歌或以民歌风的旋律为素材的作品逐渐增多。和声上重视应用调式和声方法,并尝试一些适合于五声音调的和弦结构,如四、五度和弦、替代音和弦等。开始吸取和应用某些近现代的和声方法,印象派作家的和声引起较多作曲者的注意和借鉴。P.欣德米特的作曲理论也开始介绍到中国,谭小麟在他的创作中将这种理论、技巧与民族风格相结合,创造了新的和声处理方法.
当时也有应用无调性创作手法与中国民歌相结合的尝试,但并不普遍。中华人民共和国成立后,音乐创作获得很大发展,和声的民族风格问题引起更大的重视。但由于强调功能性和声理论,因此在和声处理方面,主要属于三度结构与功能性的调式和声方法,与此同时,在保持调性、调式的基础上,也有许多探索与尝试,如五声化和声结构、复杂的和声结合,复合和声、四度和声、调式交替变音和声与平行进行等等。不少作曲者又继续探索近现代和声手法与民族风格相结合的处理方法,有不少可喜的成果。总之,从中国音乐创作的实践观察,三度结构的和声、五声纵合化和声与近现代复杂的和声都可以与五声性的民族音调相结合,在发展音乐创作的民族风格方面发挥其作用。
㈣ 《我的影子在奔跑》首映,近几年有哪些关爱弱势群体的温暖感人的电影
近几年关爱弱势群体的温暖感人的电影有《熔炉》,《七号房的礼物》,《半音》。
《半音》是跟据脑瘫患者的真实故事所创作,讲述一位叫“传奇”的脑瘫儿童的成长故事,不堪的命运并没有让他对生活失去信心、对梦想失去动力。他积极乐观的人生态度带给人无限感动,最终实现了他的梦想,站上自己梦想的舞台。
影片通过父子间感人至深的情感,来传递正能量,启示人们关注身边的弱势群体。影片中饰演“传奇”的小演员,为了刻画出一个活生生的“赵传奇”,跟脑瘫患者在一起相处了很长时间,熟悉他的生活方式。正是这段宝贵的经历,让他有了表演的灵感,去还原最真实的“赵传奇”。
弱势群体需要我们更多地关爱,只要我们人人献出一点点爱,世界就会变成美好的人间。