代駕血迷好萊塢電影節

A. 三槍拍案驚奇全集在線觀看

http://jaeikyvevi.blog.163.com/blog/static/13854612020101410480653/《英雄》之後，很多導演一窩蜂地拍武俠大片，張偉平表示出了擔憂，「這樣不光會把觀眾的胃給吃倒了，把這個市場也毀了！」事實是，中國的武俠大片在好萊塢基本無人問津。張偉平認為，如今拍電影「大」的思路已經過時了！張偉平透露，《三槍》還沒做完，美國版權就已經賣掉了。「人家好萊塢的高手給這片取的英文名字，叫《一個簡單的面條的故事》（參加第60屆柏林電影節時，改為《女人、槍和面館》），他們告訴我，作為北京奧運會導演，他拍的電影，一定不能再讓人想到『大』了」。
港台大腕，又貴又沒用！
在張偉平看來，內地演員演技一點不比港台演員差，片酬也更合理。他透露，《三槍》的演員片酬跟製作成本的比例分別是20%和80%，「以前商業片是多少？那些明星就要拿走60%，製作只有40%」。 從《英雄》到《十面埋伏》到《滿城盡帶黃金甲》，內地、香港、台灣的一線大腕，張偉平幾乎都用過。真正對好萊塢的票房有影響力的，只有李連傑。《英雄》在美國宣傳時，海報上只有李連傑一個人。張偉平悄悄問《英雄》的美國發行商，這個片子，用了一堆大腕，海報上為什麼只剩李連傑？對方告訴張偉平，「張先生，您認為的那些國際大腕，我們美國人不認識他們」。
[編輯本段]拍攝花絮
一場戲是毛毛和程野的對手戲，毛毛要趴到灶台前，撅起屁股，被程野狠狠地踢。踢了很多腳，總是感覺不對，只好一遍遍重來。毛毛忍不住央求：你能不能換個地方踢，你總往一處踢，都被你踢爛了。 劇組的伙食很豐盛，但為了減肥，孫紅雷轉來轉去，只挑了一份冬瓜。拍攝間隙，別人都休息時，孫紅雷也在片場來回跑步減肥。 閆妮有段戲是一邊大喊大叫，一邊要用頭撞破一張畫，把頭伸到畫框的另一側。別看紙是軟的，但真要撞破它，頭部也要受到不小的沖擊。閆妮一次次被繩子吊住脖子「破畫而出」，那鬼臉做得像是因為頭疼而導致的面部扭曲。 倪大紅頭部受的傷更重。他是要被小沈陽一推之下，腦袋重重磕到桌沿。一次次的碰撞，讓他都有點精神恍惚了。拍完這鏡頭的第二天，他還在說：昨天晚上睡覺說胡話了。

B. 看《暮光之城》有什麼啟發

《暮光之城》——青春的璀璨，人性的美好想像力豐富，有社會責任感的作家們歷來關心人類生存所面臨的基本問題，除了物質與精神之外，他們也最擅長於走進人的內心世界，通過他們揭露矛盾、復雜、多面的人性本質。 擺在美國新秀魔幻小說家斯蒂芬妮·梅爾面前的問題卻是：在「暮光之城」系列小說中如何栩栩如生地再現天使般善良的吸血鬼愛德華在玻璃般易碎的高中女生貝拉麵前所表現出的慾望與克制，以此重塑吸血鬼身上與生俱來的人性。 梅爾賦予了愛德華全部的人性特徵，所不同的是，他沒有心跳和脈搏，也沒有呼吸，更沒有體溫，長著一張天使般永遠不會衰老的臉龐，還有著海神波塞冬般的偉岸身材。熟悉吸血鬼故事的讀者馬上就會聯想到兩部非同凡響的好萊塢大片——由愛爾蘭作家布拉姆?斯托克的小說改編的《驚情四百年》和由安妮·賴斯原著改編的《吸血迷情》。在這兩部電影中，吸血鬼身處這樣的尷尬境地：既不是神，也不是鬼，更不是人，他們受到上帝的詛咒，既不能像人一樣光明正大地生活，又不能正常地衰老、死亡；使他們的命運更加悲慘的是，他們必須依靠吸血為生，因此又世代遭到人類的唾棄、憎恨，永世不得超生，只能孤獨地游盪在黑暗世界之中，永無終點。 愛德華一方面厭惡自己的嗜血本性，另一方面又無法超脫，在掙扎彷徨之後，他選擇卡萊爾的食譜靠吸食動物血液為生，他們希望在千萬種不可能中創造某種可能，只要堅持不懈，或許奇跡就會發生。令人意外的是，肉體永生不滅、沒有靈魂的吸血鬼，期望靈魂永恆？這種靈與肉的矛盾，在吸血鬼身上難道不更具張力、更加反諷嗎？卡萊爾與愛德華及其家族的努力讓人為之動容，他們實際上已經超越了吸血鬼的本能，實現了一種精神上的升華；如果說他們沒有靈魂，人類中又有多少人擁有他們那種明知不可為而為之的高貴品質呢？

C. 有哪些警匪片值得推薦的

每一個人身上都有英雄情結，而警匪片自然滿足了大家這一英雄情結。此外，警匪電影中的各種燒腦謎題，也能令觀眾們感到趣味十足，自然更加愛看了。中國也拍過許多經典的警匪電影，最著名的當然是《無間道》了。那麼，近年來國產電影中又有哪些好看的警匪電影呢？

大家還有哪些好看的警匪片呢？

D. 閱後即焚 要說明什麼看了，沒看懂啊

個人認為想說明政府機構的官僚作風，以及人們對生命和愛情的漠視

E. 電影老炮兒中的悶三是做什麼的好像很能打，手下還有一幫社會青年，他是做什麼的

悶三兒之前是軍隊大院的，也曾是橫霸一方、京城聞名的狠角色，影片最後六爺身上的綠色軍大衣就是悶三兒給他的。現在悶三兒也是混社會的，但是那種傳統的古典混子。一般社會大哥，帶一群小弟很正常的。

曾經風光四九城的老炮六爺（馮小剛飾），難以適應社會巨變，蟄伏於胡同深處，過著溜鳥、管閑事、發牢騷的無聊日子。

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評價

劇中老六似是一個老舍或王朔筆下的人物出現於現世，他依然停留在20世紀70年代，盡管世界已然大變。他的講規矩、重義氣、有老禮兒，他當年在胡同和北京那一份響當當的江湖地位等等，都已經隨時代變遷遠去了。

這個主題其實是好萊塢或香港電影里常見的，江湖大哥早就金盆洗手，在面臨對自己親情的挑戰時，又一次走進江湖面對自己的命運，這不是什麼新鮮的故事，只是放在了北京的胡同里有了更多的滄桑感。

北京胡同曾經是一個最有傳統積淀的社會，皇城根的大氣、見多識廣的機智等等都凝結在這里，形成一套獨到的都市文化。而新中國首都的生活文化又有自己的一套特色。這些構成了20世紀70年代北京的特色，經過30多年變遷，已經有了根本改變。

但老六還是用當年的方式待人處事，當然也有一肚子的不合時宜。這些人的價值觀未必合乎社會最主流的價值，但卻是延續著某種民間的傳統，讓人感受到一股強烈的氣場在。但這些傳統到了今天的「小鮮肉」們早就變了滋味。這部電影也用了一批當紅的小鮮肉明星，要贊頌老一代還得借用「小鮮肉」的新江湖地位，有點諷刺意味。

都是江湖，但馮小剛和管虎所懷戀的是當年的江湖。他們覺得那個江湖有較高的標准，有較強的血性。老炮兒得意地拿出兩千塊來賠那豪車的劃傷，卻引來年輕人的訕笑。連王朔這個精神上的大哥都飄然不知所蹤，足見時代的變化之大。當然這兩個江湖其實在人性上也是通著的。一代代人都會覺得自己最好的時代也是所有人最好的時代。但這部片子所感慨的是那一切已經徹底地遠了，那一代叱吒江湖的人物已經衰老。

當然這兩個江湖其實在人性上也是通著的。一代代人都會覺得自己最好的時代也是所有人最好的時代。但這部片子所感慨的是那一切已經徹底地遠了，那一代叱吒江湖的人物已經衰老。

在中國電影的大變局之中，這同樣也是馮小剛和管虎的感慨。曾經最合時宜的今天要以不合時宜來合時宜，這是多麼艱難的事情，這也是這個故事的感慨所在。

這個故事的好處是在幽暗中對人性表現出一抹溫情，對誰都沒漫畫化。財迷的兄弟最後也站出來，小飛也有自己的人性一面，連那個討要路費的女學生也最終寄來了錢。這些都讓這個故事有老江湖的寬容和人性的智慧，他們最終對人性沒有失望。這和一些生搬硬套的意識形態化解釋不搭調，但這部片子用這溫情給了讓大眾感動的東西。

F. 06年吳京酒駕，雙手被拷住怒喊：「我就開了五米！」，當時發生了啥

吳京現在的硬漢形象已經深入人心，尤其吳京在《戰狼2》中的表現更是贏得了觀眾認可。《戰狼》，這是中國首部現代軍事題材的3D動作戰爭電影。

以前中國從來沒有類似的視頻，所以這部片子一出來就很吸引人。成名是必然的。吳京能到現在這個地步，依靠的全是自己精湛的演技，以及吳京對演戲的熱愛。

吳京在《狼牙》中飾演的阿布，一個冷酷的殺手，尤其是一人對打上百人，那炫酷的對打讓人看的極具光賞性。《殺破狼》，吳京殺出了一片天，他最大限度地把他的孩子氣，轉化成了一種天真的、夢魘般的殘忍，並用殘酷的死亡，洗刷掉了人們對這一角色的厭惡。

吳京看了一眼，覺得一直擋著人家路也不太好，想了想還是上了車，剛把車停下，一個交警就過來讓他吹酒精測試儀。吳京頭都大了，苦笑著說：「警察同志，我確實是喝了酒，喝了三杯紅酒，我就是挪一下車，我司機都叫了，真的，馬上就到。」

交警一看酒精測試儀，確實超標了，立刻請吳京下車，吳京心裡還憤憤不平，後來采訪中吳京還主動承認錯誤道：「當時心裡還是有情緒，就覺得五米，才五米，就把我從車上提溜下來，讓我跟他們走。」

然後寫了1500字的檢討，扣了12分，罰了八百塊錢，拿了張獎狀。」原來在在罰他做社區志願者的時候吳京因為良好表現還拿了一張獎狀。

G. 《巴斯特·斯克魯格斯的歌謠》中六個故事貫穿一致的主控思想是什麼

《巴斯特·斯特魯格斯的歌謠》

科恩兄弟從來都喜歡探討死亡，在他們的故事裡，死亡來的突然、荒誕、甚至輕松，暴力的毫無徵兆，是結束，也是開始，每個人都是蒼茫大地上微不足道的一瞬。

因為，你的故事，我的故事，都將化作風的低語，飛走的塵土，飄落的雨滴，滋養了時空和大地。

邪惡的黑色故事，在科恩兄弟這里竟然開出了最奇妙的花朵。

這樣有態度有夢想的獨立影人是當下電影界可遇不可求的良才，《歌謠》是一部很精彩、很科恩的作品。

杉姐不再多說，去看就對了！

H. 請問美國當代獨立電影的特點請詳細，謝謝

獨立電影來源於英文「independed film」，又被稱為獨立製片電影，它是與好萊塢主流電影相對應的一個概念。眾所周知，電影發展成一個成熟的產業基本上是在好萊塢完成的，在大製片廠制度、明星制、類型片模式等逐漸成型以後，好萊塢的電影工業也基本上成熟了；好萊塢成為世界電影工業的中心，其在美國本土的地位更是說一不二，已然成為電影工業的代名詞。但是電影的特性決不僅僅只能用商業來衡量，從電影誕生的那一天開始，其作為藝術形式和思想表達工具的一種，就不斷的被人們探索著、實踐著。當然，從整個電影發展史的角度來看，好萊塢電影工業對電影在全世界的推廣起到了至關重要的作用，但矯枉難免過正，電影工業的過度發達，必然會損害到電影藝術的發展，因此，有一批藝術家們開始不考慮商業利益，僅以個人意志為標竿，自籌資金開始了電影創作，這種創作就被冠以了「獨立電影」的名頭。

獨立電影發端於上個世紀60年代的美國，最初僅僅是對好萊塢製片體制的一種反叛。但隨著電影事業的發展，現在的獨立電影，已經不能僅僅從製片體制上來區分了。在當今，獨立電影更加類似於「作者電影」，在形式上、精神內核上都呈現出某種內在的特性，是不是被製片商納入電影工業體系，倒並不重要了。也就是說，所謂「獨立電影」，更多的應該是從其藝術、思想特性上來考察，至於製片體制，則僅僅是個參考指標罷了。如果一部電影從一開始，就能保證按照藝術家的自由意志來進行創作，而製片商僅僅作為投資人的角色出現，並不幹預影片的具體內容，那不管該片在片頭加上米高梅的獅子還是派拉蒙的雪山峰，都不會影響其作為獨立電影的身份了。

獨立電影發展到今天，已經是一個被廣泛接受的概念了。事實上，世界各國都有所謂「獨立電影」的稱呼，從廣義上來說，只要是游離於該國主流（商業/官方）電影體系之外的電影創作，都可以被歸入到獨立電影的范疇里去。這也就造成了獨立電影在質量上的參差不齊，根據創作者的個人水準，它既有可能是上乘的藝術精品，也有可能是粗製濫造的垃圾。但相對而言，獨立電影最為發達、取得成就最高的地區恰恰是商業電影最發達的美國，所以，以美國獨立電影為例，能夠讓我們對獨立電影有一個相對全面和較為深入的認識。當然，單純從概念出發，紀錄片、動畫片都可以被算在獨立電影之列，但在實踐中，獨立電影一般只是指劇情片，在這里，我們也是從劇情片的意義上來指稱「獨立電影」的。

多元的靈魂

美國是一個多元的社會，在這里，各種各樣的文化、思想和價值觀念都能找到自己的一席之地，這也是美國獨立電影之所以層出不窮的一個重要原因。當然，主流的「權威」聲音還是存在的，但對熱衷於獨立電影創作的藝術家們來說，那些聲音只是「Bull Shit」罷了，他們所要做的，是發出他們自己的聲音。對獨立電影來說，重要的不是你說了什麼，而是你說了。

這種開放、多元的文化形態也直接造成了美國獨立電影的開放和多元。基本上，美國獨立電影的題材是沒有任何限制的。政治、暴力、情色、科幻、犯罪，甚至莫名其妙的夢幻，都可以成為獨立電影的題材。因此，我們很難用某一種具體的類型來涵蓋獨立電影——那些類型片的劃分方法通常只對好萊塢商業片有效。

獨立電影的多元特徵甚至能從它們的創作者身上得到印證，如果你仔細考察一下，你就會發現獨立電影導演們往往出身於不同的種族、階層、地域，他們各自有最擅長的題材領域，這些領域交織在一起，就構築成了美國獨立電影的復雜景觀。比如約翰·卡薩維蒂，這位「美國獨立電影之父」，就是出身於希臘移民的家庭，希臘人對家庭觀念、家族關系的重視，也自然而然的影響到了卡薩維蒂的創作，所以，在他的作品中，我們能很清晰的看到他對美國家庭細致入微的觀察和拷問，貫穿卡薩維蒂作品的，就是這種深入人物內心的對家庭以及由家庭所帶來的各種關系的反思；大名鼎鼎的伍迪·艾倫則是出身於紐約布魯克林區的猶太知識分子家庭，這樣的家庭環境使得伍迪·艾倫的作品由衷的散發出一種知識分子的氣息，因此，我們可以看到，他總是在批判，從《安妮·霍爾》到《梅蓮達與梅蓮達》，伍迪·艾倫的知識分子責任感一點也沒有消退的跡象；同樣是出身紐約，同樣是大腕級導演的斯派克·李則站在了另一個截然不同的角度，由於膚色的原因，種族問題成了斯派克·李電影中揮之不去的主題線索，平民家庭的出身又讓斯派克·李的電影街頭味十足，二者相疊加，所構制出的斯派克·李的電影風貌與伍迪·艾倫自然是大相徑庭，同是紐約城，但在兩位藝術家的眼裡，卻有著截然不同的景象；吉姆·賈木許的父親是匈牙利人，母親是伊朗人，這樣的血統使得賈木許的電影就多了幾分「異客」色彩，很明顯的一點就是賈木許的作品中所蘊含的非基督教的思考方式，顯然，作品中的這種特點與他的家庭出身——特別是他的那位伊朗母親不無關聯；大衛·林奇動盪的童年生活和他在費城貧民區生活的經歷，則讓他的作品總是黑暗色彩十足，而且充滿了對腐敗、暴力的恐懼感，這與其他導演的風格又是迥然相異的，有所謂「林奇主義」之稱。

即使是同樣一個題材類型，在不同的獨立導演那裡也往往有不同的視角和觀點。以性愛為例，在伍迪·艾倫的《性愛寶典》那裡，無厘頭的鬧劇解構了傳統的性愛模式，插科打諢的玩笑取代了原本嚴肅的討論，為了把這場鬧劇進行到底，伍迪·艾倫甚至親自扮演了一個喋喋不休的精子（天哪，也只有這傢伙能想得出來）；而在索德伯格那裡，性愛又成為指代當代人精神危機的一個符號，所以在《性，謊言，錄像帶》里，性愛都是扭曲變形的，只會讓人們焦慮不安，而絕不會有伍迪·艾倫般的輕松搞笑；到了格雷格·阿拉奇的《三人同床》那裡，性愛則成為了年輕人標榜自我、張揚個性的有效途徑，它既不沉重、也不搞笑，甚至連既有的模式也沒有，幾乎走向了一種「性愛虛無主義」；而在理查德·科恩的獨立電影短片中，所有的性愛又都是變態、畸形的自我表達手段，是徹徹底底的淪喪和頹廢……總之，獨立電影的導演們，各有各的風格，各有各的主題，這種多元化的面貌混雜在一起，也就成了獨立電影的整體景觀。

當然，雖然多元，但相對的中心還是有的。從地域上看，美國獨立電影的中心是在紐約，這或許有些諷刺意味：紐約是全美乃至全世界的經濟中心，是商業化氛圍最濃厚的地方，怎麼會孕育出反商業的獨立電影？主要原因莫非如下幾點：一來從文化上看，好萊塢屬於西海岸的太平洋文化圈，紐約則屬於東海岸的大西洋文化圈，兩地在文化屬性上的迥異，為獨立電影在紐約的興盛，奠定了文化上的基礎；二來從經濟上看，紐約雖然經濟發達，但電影產業的中心卻是在好萊塢，紐約不能也不可能再樹立起一個商業電影的體系，這也就為獨立電影預留了生存空間；此外，紐約作為一個龐大的都市，其文化消費也是多元、多層次的，單一的好萊塢商業電影無法滿足芸芸「紐約客」的眾多口味，獨立電影的出現，也恰好填補了這個空白。不過，隨著近幾年獨立電影的發展，紐約的中心地位已經開始動搖，相信在今後的幾年中，美國獨立電影應當呈現出一種無中心的散亂發展態勢。

黑色幽默

美國獨立電影里的黑色幽默，更多的是一種心酸的幽默，用來作為那些邊緣的、社會底層的小人物的精神寄託。這種幽默所造成的情感效果，要麼是對他們自身的憐憫，要麼就是對那些虛偽的「大人物」的嘲諷。後者的主要代表就是伍迪·艾倫，這位知識分子氣十足的獨立電影導演，以誇張、嬉鬧的喜劇見長，而且大都是對傳統和權威的顛覆，特別是他的早期作品，如《香蕉》、《性愛寶典》和《傻瓜大鬧科學城》，就是對好萊塢的政治片、情色片和科幻片等經典類型片的嘲弄和戲仿。但這些嘲弄、戲仿絕不是無價值的、廉價的笑料，而總是發人深思，並讓人在笑過之後，頗感幾分心酸。在伍迪·艾倫中後期的作品中，這種黑色幽默獲得了長足的發展，不再僅僅是針對好萊塢，而是對整個社會和人性本身進行調侃、諷刺了。例如在《星塵往事》、《人人都說我愛你》和《子彈橫飛百老匯》里，人性、愛情、暴力、幸福等深層次的概念取代了好萊塢，變成了伍迪·艾倫的靶子。盡管聽起來有些玄乎，但伍迪·艾倫天才的喜劇本領總能抖出意想不到的包袱來，讓觀眾們捧腹。即使是那部被認為是向伯格曼致敬的最晦澀的《星塵往事》，還是清楚的能看到伍迪·艾倫的自嘲，他在這部影片中大肆模仿歐洲藝術電影大師們的技法，以致於被評論界語帶嘲諷的稱為是伍迪·艾倫的「9又1/2」，但伍迪·艾倫不僅接受了這樣的評價，還心安理得的把它當作自己最出色的作品。當然，對好萊塢的嘲諷是伍迪·艾倫永誌不忘的主題，最具有代表性的就是《開羅的紫玫瑰》了，這部影片好萊塢電影工業製造夢幻進行了辛辣嘲諷和對抗。影片中真實世界和電影世界形成巨大的反差，也是片中各種噱頭笑料的來源，這無疑是在把現實生活和電影中誇張、粉飾了的生活做著對比，從而對電影工業提出兇猛的反詰。影片選擇的大蕭條時期的歷史背景，也是伍迪·艾倫用來刻意強調銀幕內外反差的重要條件。這是伍迪最重要的作品之一，它對電影本身的思考已經使它具有經年不朽的獨特魅力。

而更直接的，對小人物自身的嘲諷，則是大多數獨立電影導演的常用技巧。如科恩兄弟就是個中翹楚，從他們踏入影壇的《血迷宮》開始，這種溫柔、謙遜而又略顯怪異的黑色幽默，便成了科恩兄弟作品的標記。尤其是《血迷宮》一片，它是獨立電影史上一部具有里程碑意義的影片，這部影片的內容和形式上的基本特徵，影響了以後很多的美國影片，尤其是90年以後出現的大量獨立電影作品，幾乎在十年後成為一種潮流。不過《血迷宮》還只是科恩兄弟的初試啼聲，數年後的《巴頓·芬克》才使得科恩兄弟真正的蜚聲國際，同時，在這部作品中哥倆的黑色幽默也走向成熟。與伍迪·艾倫一樣，在《巴頓·芬克》中，也充滿了科恩兄弟對好萊塢的嘲諷，也許這是《血迷宮》成名之後兄弟倆切身感受的體現。對於那些好萊塢大亨們來說，《巴頓·芬克》中的電影公司老闆就是他們的典型代表，金錢至上的態度使他可以跪下去吻一個編劇的腳，也可以把一個不符合要求的職員一腳踢開，毫無人情味可言，當然，所謂電影藝術更不在他的考慮范圍之內。在這之後，科恩兄弟的《赫德薩克代理人》、《法爾戈》和《謀殺綠腳趾》，都承襲了《巴頓·芬克》中的黑色幽默風格，藉由這種黑色幽默，科恩兄弟不僅延伸了他們在電影中對金錢、藝術的思考，更使他們在商業上獲得了意想不到的成功。而2000年的《老兄，你在哪裡》則成為繼《巴頓·芬克》之後，科恩兄弟創作歷程的又一個里程碑，這部描述三個笨賊越獄的電影，竟然是改編自史詩《奧德賽》。在這個故事中，科恩兄弟對美國歷史和政治進行了隱喻式的探討，追尋著美國民主政治、宗教以及民眾心態在上個世紀30年代的歷史性變遷，在這一點上，影片可以被稱為一部史詩而當之無愧。例如在這部影片的結尾，科恩兄弟的黑色幽默讓影片本該具有的悲劇色彩最終有了一個喜劇的結局：天降洪水救出了即將被處死的三個笨賊。看來，科恩兄弟在這里調侃的不僅是好萊塢的老闆，而是《聖經》的老闆了。

同樣的例子還有昆汀·塔倫蒂諾。這位迷戀中國功夫的美國電影奇才，也是以黑色幽默的風格而著稱的。從他的成名作《水庫狗》開始，這種以黑幫、犯罪、暴力等為主要對象的嘲弄和諷刺，就已然成為昆汀特有的標記；而在《低俗小說》里，所有的黑幫成員都被描繪成齷齪、愚蠢、缺乏正常思維能力之徒，他們在弱者面前往往虛張聲勢，而遇到比他們更強的角色，就手忙腳亂不知所措，甚至甘願接受人格、肉體的侮辱來擺脫窘境，十足一幫跳樑小丑，讓人忍俊不禁；在昆汀的近作《殺死比爾》里，這種「黑色暴力美學」更是發展到了極致，女主角揮舞著武士刀，與日本黑幫火並，殺個人比踩只螞蟻還簡單，這種場景，恐怕也是昆汀對好萊塢濫用中國功夫的嘲諷吧！

這種黑色幽默在吉姆·賈木許的作品中也是司空見慣。例如他那部《鬼狗殺手》，影片的主角是一個以日本武士的方式做殺手的美國黑人，但賈木許找了個大胖子來演繹這個角色，看這個幾百斤的黑哥們在銀幕上大耍武士刀，展轉騰挪，本身就是一找樂的事，但這還不算，賈木許還讓殺手用「飛鴿傳書」的方式跟他師傅聯系，加上Hip-Hop音樂的襯托，更是讓人捧腹。除了《鬼狗殺手》之外，《天堂陌影》、《神秘列車》、《你看見了死亡的顏色么》，乃至最近的《破碎花》，如果細細品味，你就會發現其中隱含著不少的黑色幽默的橋段。雖然賈木許的影片素來以冷峻、異樣和對美國文化的疏離而著稱，但其中的黑色幽默成分，卻是地地道道的美國貨。

美國獨立電影中最典型的黑色幽默片的代表，還得數凱文·史密斯的《店員》。這部只花了2萬7千美元的獨立製作，足以讓1994年乃至整個90年代的好萊塢喜劇電影汗顏。故事很簡單，主角是兩位普通的店員，他們的生活中並沒有發生什麼驚天動地的大事，但導演匠心獨運，讓二位主角經歷了一連串看似啼笑皆非但又都在情理之中的糗事：開店沒有生意；關店去打高爾夫球，卻洋相百出；去參加葬禮，甚至打翻了棺材……影片的故事都是發生在一天之內的，雖沒有直接的聯系，但卻演繹得絲絲入扣，導演編故事、講故事的能力實在是讓人佩服。故事稀鬆平常，卻飽含著深刻的哲理，在這樣一連串的小故事中，人與人之間的交往被不斷的反思著，最後向我們揭示了一個看似簡單卻常常被忽略的道理：善待你身邊的親人和朋友，時刻不要忘記。《店員》的成功很大程度上還要歸功於那些精彩的對白，凱文·史密斯天馬行空，不忌葷腥，牢牢抓住了年輕人的口味。

此外，在獨立電影中，往往會有一個或幾個出彩的喜劇角色，來貫穿全片的黑色幽默。如《木蘭花》中的湯姆·克魯斯，《我愛哈克比》中的達斯汀·霍夫曼，《為所應為》中的塞繆爾·傑克遜，等等。他們這些角色的設置，給原本嚴肅的影片增添了幾許輕松色彩，看似無足輕重，其實承前啟後、結構全篇，在表演上也有較大的空間，所以，欣賞這類角色，看著他們的扮演者大飆演技，實在也是一件過癮之事。

自由·反叛·暴力

對獨立電影來說，自由，應當是其最核心的特性所在了。這里的自由，不僅是指擺脫了商業羈絆的自由，更是指表達自我心靈的自由。從這個意義上來說，所謂「獨立電影」，其實也就是「自由電影」。當然，自由也就意味著沖破束縛，而沖破束縛，又意味著對既有的反叛。如此說來，獨立電影所特有的獨特精神內涵，也就是這種「自由的反叛」了。

所以我們會發現，在許多獨立電影里，主人公們都是不為現有社會體系相容的，他們往往憤世嫉俗、放縱不羈，以此來作為反抗的方式。以大衛·林奇的《我心狂野》為例，片中的主人公就是這樣一對男女，他們為了沖破世俗的陰謀和阻力而在一起，不惜採用種種聳人聽聞的方式。在這部影片中林奇運用超現實的血腥暴力場面和色情幻想，展示出現代人焦慮郁悶的精神狀態，充滿了弗洛伊德式的心理分析，詭異色彩濃重，但也不時流露出一種浪漫激情，是一種極其另類的愛的執著。《我心狂野》也是一部典型的公路片、搖滾片，主人公最常見的狀態就是開著車在高速公路上疾馳，以一副叛逆搖滾歌手的面目出現在世人面前。爾後的《迷失的高速公路》則基本上可以看作是《我心狂野》的延續，影片的風格、特徵、影像手法甚至主演（尼古拉斯·凱奇）都沒有更換。只是這一次，《我心狂野》中那些抽象、概念化的世俗壓力被具象成了一盤盤揭人隱私的錄像帶，這是一部實驗性、夢魘般的影片，描述了人物黑暗、詭異、混亂的心理，是林奇影片中最怪異、最不明就裡的影片。值得注意的是，除了主人公的反叛不羈以外，這種直達人物內心深處的赤裸裸的揭示，其實也是獨立電影反叛的一種形式，藝術家藉由這種形式來釋放人物的心靈，實際上就是對好萊塢虛假的「造夢工廠」的反叛，這樣的情形在獨立電影中是普遍存在的，只是在大衛·林奇這里，更明顯、更極端一些罷了。

不過跟奧利弗·斯通比起來，大衛·林奇就顯得溫柔多了。至少那部《天生殺人狂》的狂暴乖戾在《我心狂野》和《迷失的高速公路》里是絕對找不到的，《天生殺人狂》可能是整個90年代美國獨立電影中最暴力的一部作品了。在這部影片中，奧利弗·斯通砸碎了一切條條框框，甚至毫不顧及觀眾的觀影感受，把暴力對感官的刺激發揮到了極致。這不僅僅是對好萊塢的反諷，更是對美國社會、美國文化陰暗面的徹底反擊。然而，這種反擊是絕望的，相對於社會來說，個體的力量總是顯得那麼渺小，主人公只能通過大開殺戒甚至濫殺無辜來表達他們的憤怒和反抗。當然，對於暴力斯通也不是無條件的絕對美化，當男主角殺死一位慈祥的印第安老人後，影片對他的態度明顯轉向了貶抑，這與監獄暴動那場戲里對男主角英雄般的刻畫形成了鮮明的對比。

《天生殺人狂》的這種純粹、不加修飾的、赤裸裸的暴力與昆汀·塔倫蒂諾的黑幫片有著異曲同工之妙，在昆汀為數不多的幾部作品裡，暴力同樣成為貫穿影片的有力線索。特別是《殺死比爾》一片，在敘事上昆汀並沒有下多大功夫，但對暴力本身卻詳加描繪，甚至讓其呈現出某種詩意的色彩。這種極端的暴力美學在感觀上要比《天生殺人狂》讓人舒服得多，但在表意效果上卻並無二致。

值得一提的還有《槍擊安迪·沃霍爾》一片，這部由女導演瑪麗·哈倫在1996年拍攝的獨立電影是根據真實事件改編而成，基本採用了白描的手法，對事件做了簡單而真實的復述，冷靜的為我們呈現了一個女權主義者的悲劇一生。對於安迪·沃霍爾這位在通俗藝術史上舉足輕重的人物，影片沒有太多的正面描繪，而是把視線集中在刺殺他的維米莉身上，而且著重表現這次刺殺的內在動機，把維米莉這個女性主義先驅人物推到前台。維米莉並不是多麼自覺的女性主義先驅，她的反抗更多的是來自於她的個人經歷，也正是因為這種情緒性反抗是來自深層次的沖動，才使得它沖擊力更強也更猛烈。維米莉身為一個大學生，在街頭乞討、賣淫，本身就是對體制的反叛。從這個意義上講，《槍擊安迪·沃霍爾》中的暴力並不是維米莉施加給安迪·沃霍爾的暴力，而是美國社會施加給維米莉的暴力。《槍擊安迪·沃霍爾》作為女權主義電影的代表，表達了美國現代女性對男權社會的控訴和反抗，意味著女性意識在上個世紀末的重新崛起。從這個意義上來說，《槍擊安迪·沃霍爾》即使是在獨立電影中也算得上是反叛之作，因為該片所反抗和控訴的男權意識，不僅僅在好萊塢主流電影中，在獨立電影中，也是普遍存在的。《槍擊安迪·沃霍爾》的成功也啟迪了後來者，此後不久，《男孩不哭》、《女魔頭》、《百萬美元寶貝》等女權主義電影相繼登上了大銀幕並都取得了巨大的成功。

當然，並不是只有暴力才能作為反叛的手段。有時候，溫情脈脈也是一把無聲的手槍。例如《水牛城』66》一片，在這部由文森特·加洛自編自導自演自彈自唱的獨立電影中，幾乎沒有任何暴力鏡頭的出現，全片只是在低調哀傷的氣氛中，輔以淡淡的鋼琴、感傷的另類民謠和晃晃悠悠的踢踏舞配樂，給我們娓娓講述了一個落魄孩子回家的故事。但就在這種看似溫情脈脈的氛圍中，美國家庭人際關系的冷漠與疏離撲面而來。最令人印象深刻的是主人公和父母、女友同在一個桌上吃飯的戲，鏡頭故意生硬地只給餐桌上的四分之一的人，鏡頭里獨自的誇誇其談然後換人，然後下一個人誇誇其談，缺乏交流沒有感情的家庭尷尬在這里表現得淋漓盡致。在這種簡單的鏡頭剪切中，觀眾可以強烈感受到一種「冷暴力」的存在，正所謂「此時無聲勝有聲」，雖然沒有任何強烈的肢體語言，但在這種木訥和無言中，主人公其實已經發表了他的反叛宣言。

與《水牛城』66》相仿，斯派克·李的《為所應為》也更多的採用了「冷暴力」的表現手法。這是一部關於種族問題的電影，從影片一開始，白人族群與黑人族群之間的尖銳對立就被清晰無疑的展現出來。但與其它街頭電影不同的是，斯派克·李並沒有讓這種對立很快轉化為強烈的肢體沖突，而是含而不露，將暴力化為一堆影像的碎片，並盡量拉長事件的瞬間，從而形成一股強大的戲劇張力，讓觀眾在觀影過程中不自覺的投入到事件之中。在斯派克·李的這部《為所應為》中，暴力的反叛呈現出一條清晰的發展曲線，溫水煮青蛙式的層層推進，最終達到一個不大不小的高潮，既沒有《水牛城』66》那樣溫情，也沒有《天生殺人狂》那樣暴力，可以說，斯派克·李的創作是獨樹一幟的，在他的手裡，暴力被拿捏得恰到好處，反叛和自由才是他作品中的主題，暴力決不會喧賓奪主。
思想的痛苦

決不是故弄玄虛愣充大尾巴狼，之所以使用「思想的痛苦」這樣酸溜溜的詞藻，實在是因為找不到比這更恰當的表達方式了。猶太人說：「人類一思考，上帝就發笑」，但總還是有那麼一群人，固守著思想的蘆葦地。具體到美國電影來說，沒有所謂「藝術電影」、「詩電影」的群體，電影的思想、藝術功能，主要是由獨立電影來承擔的。當然，我並不是說主流電影沒有思想、藝術功能，只是相對於大多數商業片純粹的感官刺激來說，獨立電影在這方面的氣質，要濃厚得多了。

此外，與歐洲和世界其它地方的藝術電影不同的是，美國獨立電影植根於當代西方的文化土壤，習慣於直接反映當下人的生存問題。不管影片採用何種題材、何種類型，這種對人性的深層次探索和對當下生存的焦慮，在美國獨立電影中是普遍存在的。

以約翰·塞爾斯的《孤星》為例。該片採用了警匪片的題材，而且結合了懸疑、西部、恐怖等商業片常用的因素，乍一開始，還真讓人以為這是一部稀鬆平常的商業片而已，但隨著影片的進行，獨立電影的氣質也就逐漸顯現出來。對故事抽絲剝繭般的敘述，帶給觀眾一個又一個的謎團，而隨著謎團相繼的解開，事實的真相也逐漸浮出水面。就在這一過程中，影片對美國當代社會中政治的作用及其對普通民眾的影響進行了深入的反思，可以說，《孤星》披著警匪片的外衣，實質上卻是一部嚴肅的政治片。

同樣，斯派克·李的《山姆的夏天》也是一部犯罪題材的獨立電影。在這部影片中，故事同樣是由兇殺案引起，並由兇殺案作為情節助推器層層推進，影片的主人公捲入到這場由兇殺案所引起的風波中，但重點卻不在兇殺案本身，而是圍繞著兇殺案，對人與人之間的關系，展開了深入的探討。隨著情節的進展，兇殺案最終只是作為一個背景被徹底虛化了。斯派克·李想要給我們講述的，決不是一個犯罪推理故事，而是在面臨危機時，親情、友情、背叛、忠貞交織在一起的倫理問題。在《山姆的夏天》中，這種痛苦的思考是可以明顯感受得到的，事實上，斯派克·李自己也沒有答案，他只是給我們指出了若干可能性，究竟該怎麼辦，恐怕還是留待觀眾自己思考。

《山姆的夏天》與格斯·范·桑特的《大象》有著異曲同工之妙，在《大象》里，格斯·范·桑特也是用冷峻的鏡頭語言來交待故事，雖然全片以校園槍擊事件為主題，但直接描寫這一事件的場景並不多，跟斯派克·李一樣，格斯·范·桑特也是引領觀眾自己去思考，他所做的，只不過是盡可能真實的還原事件的原本場景而已。

值得一提的還有麥克·菲吉斯的《遠離拉斯維加斯》，這部充盈著濃濃感傷色彩的獨立電影，從一開始就把觀眾帶入到了導演設置的思考情景中。在你觀看《遠離拉斯維加斯》時，絕不會體會到好萊塢「夢工廠」般的虛假刺激，而是真真切切的痛苦。菲吉斯給我們安排了一個妓女和酒鬼的愛情故事，但在影片中，不管是妓女還是酒鬼都沒有絲毫人性的缺失，相反，我們所感受到的，卻是整個社會對兩位主人公的壓制和束縛，在這里，妓女和酒鬼其實都只是身份的隱喻，導演真正想說的，是對當下人們生存困境的焦慮。

保羅·托馬斯·安德森的《木蘭花》比《遠離拉斯維加斯》走得更遠。在《木蘭花》里，導演給我們呈現了一個惶恐、焦慮、頹廢的當代人群像，在長達三個多小時的篇幅里，安德森運用插敘的手法巧妙地將一天24小時內平行發展的9個事件連綴起來，以父母與孩子、憤怒與寬恕、電視里的虛幻世界與真實生活、期盼與迷失、機會與錯失等為切入點，真實的展現了人們的迷惘和抗爭。《木蘭花》的這種帶有濃厚的現代氣息表達手法，與好萊塢商業電影可謂是涇渭分明。

更為典型的現代派則要屬索德伯格的《卡夫卡》了，這部以著名作家卡夫卡為主角的影片其實跟卡夫卡本人並無任何關系，索德伯格重新編織了一個政治驚險片的故事，卡夫卡只不過是他所借用的表意符號而已。整部片子緊湊而節奏清晰，為我們清晰的展現了一個迷離、狂亂的妄想狂的內心世界。能夠把卡夫卡的故事改編到如此地步，索德伯格的編導功力確實令人嘆服。

講到這里，有一部電影不得不提。那就是吉姆·賈木許的《你看見死亡的顏色了嗎？》與其它獨立電影不同，該片的時代背景設置在19世紀末的美國，講述了一個無辜青年的逃往歷程，在逃亡的過程中，情節越來越超現實，人物的內心也越來越匪夷所思，該片使用了西部片慣用的場景與氣氛，精緻的黑白影像完美再現了西部的原始和蒼涼，也純化了影片在精神層面上的思考。當主人公在結局時躺在小舟中安然接受死亡的時候，影片便具有了一種啟示錄般的救贖情懷。《你看見死

I. 美人心計里的王娡是誰演的

王麗坤，演員，內蒙古人。2004年被徐克導演選中出演電視劇《七劍下天山》而出道，代表作有《五號特工組》、《血色迷霧》、《理發師》、《美人心計》、《青盲》等。
姓名：王麗坤 身高：167cm 體重：46kg 血型：AB型 民族：滿族 星座：白羊座 生日：1985年3月22日 年齡：26歲 籍貫：內蒙古 赤峰 翁牛特旗 學歷：北京舞蹈學院 民間舞(本科) 特長：舞蹈、表演、騎馬 喜歡的音樂類型:爵士、流行 喜歡的演員：奧黛麗·赫本、張曼玉 喜歡的顏色：黑、藍、白 喜歡的花：茉莉、百合 喜歡的季節：夏天

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電視劇作品（主演）
2004年： 《七劍下天山》 飾 七劍下天山劇照(20張)劉郁芳 原著：梁羽生 監制：徐克張鑫炎 導演：霍耀良 合作演員：趙文卓 王學兵 蔡少芬 李小冉 喬振宇 梁家仁 2005年： 《金耳環》（原名《河流如血》） 飾 陸保珍 原著/編劇：海岩 導演：汪俊 合作演員：黃明 李倩 王媛可 張儷 2006年：《愛就愛了》 飾 張天玉 導演：何洛 合作演員：李宗翰保劍鋒 血色迷霧劇照(20張)楊蕊 《五號特工組》 飾 高寒 編劇/總導演：潘軍 導演：趙青、虎子 合作演員：淳於珊珊 於震 劉琳 施京明 原華 2007年： 《家》 飾 琴 （配音：邱秋） 原著：巴金 導演：汪俊 合作演員：黃磊 陸毅 鄭國霖 黃奕 李小冉 薛佳凝 《血色迷霧》 飾 鄭曉聰 導演：柳雲龍 合作演員：柳雲龍 譚凱 王華英 周海媚 2008年： 《無間有愛》（原名《花舞飛雪》）飾 小雪 （配音：季冠霖） 導演：劉一志 合作演員：賀軍翔 趙子琪 鄧家佳 靳東等 《當鋪》 飾瑞芸香 製片人：孟凡耀 導演：李小平 合作演員：丁海峰 姜峰 李欣凌 倪大紅 李小萌 2009年： 《加油優雅》（原名《傻女最牛》）飾 康優雅《無間有愛》飾小雪(20張)導演：朱度源 合作演員：王雷 王駿毅 孫浩 《美人心計》 飾 屏花 、慎兒、王娡 （配音：張靜、金雁、張凱） 編劇：於正 導演：吳錦源 梁欣全 合作演員：林心如 楊冪 陳鍵鋒 胡杏兒 羅晉 等 《理發師》 飾 宋嘉儀 原著/編劇：凡一平 導演：潘文傑 合作演員：李晨 塗松岩 王繪春 2010年： 《告密者》（原名《沉默的人》/《沉默的證人》） 飾 鴿子（戴秀雅） 原著：張寶瑞 導演：劉進 合作演員：柳雲龍 張嘉譯 劉孜 孟廣美 呂夏 張溪芸 《迷案-1937》（原名《上海迷案-1937》） 飾 李夢露、李夢珠《五號特工組1、2》飾高寒(20張) 編劇/導演：柳國慶 合作演員：保劍鋒 《青盲之越獄》 飾 王玲雨 原著：張海帆 導演：楊文軍 合作演員：於和偉 沙溢 蘇岩 劉向京 吳秀波 《盛女的黃金時代》（原名《剩女的黃金時代》）飾 梁爽 導演：藍志偉 合作演員：陳鍵鋒 王傳一 鄭希怡 王丹妮 陸昱霖 2011年： 《五號特工組2》飾 高寒 導演：趙青 合作演員：於震 淳於珊珊 劉琳 施京明 《婚巢》飾 陽雪 導演：林黎勝 合作演員：李乃文 黃明 郭曉小
電視劇作品（客串）
2009年：《賢妻良母》飾 羅娜 《加油，優雅！》飾康優雅(20張)合作演員：白珊 李倩 2010年：《美人天下》飾 百合 合作演員：明道 呂佳容
電視電影作品
2005年：《龍門驛站》之奇緣 飾 珠兒 導演：潘文傑、何洛 合作演員：張智霖 文頌嫻 王陽 桑偉淋 趙柯 《美人心計》飾慎兒、王娡(20張)電影作品
2008年：《八十一格》 飾 胡燕婷 導演：張瑜 合作演員：阿穆隆 王睿 張瑜
編輯本段出席活動
2010第三屆雅安動物與自然電影節 20100429旅遊衛視《美麗俏佳人》 王麗坤
20100502遼寧衛視《到底是誰》 20100516湖南衛視《越淘越開心》 20110130北京《最佳現場》 20110403安徽衛視《美人心計》首播大典 20110423遼寧衛視《明星轉起來》 20110429安徽衛視《非常靜距離》
編輯本段人物簡介
「宅女」王麗坤的幸福
她在天真少年時，懵懂的開始學習舞蹈；又在燦爛青春時，懵懂的被挑中當演員。而今，她的生活因角《家》飾琴(15張)色而生動，心靈因演藝而延伸，原以為她也會跟著豐富多彩起來，但是她卻說，我喜歡簡單的生活，「宅」在家中，永遠是我的最愛。
《七劍》俠女橫空出世
在《血色迷霧》里，有一場戲，令觀眾們難以忘懷。在那場戲里，王麗坤飾演的鄭曉聰和柳雲龍飾演的探長共舞一曲，難度頗高的舞蹈動作，優美而深情，過目難忘。事實上，舞蹈對於王麗坤而言，從來就不是問題，畢業於北京舞蹈學院民間舞專業的她，最擅長的就是熱烈而淳樸的蒙古舞蹈。而她之所以與影視結緣，也是拜舞蹈所賜。 可能是成長於內蒙古的原因，草原上凌厲的北風，帶給了王麗坤一些不一樣的氣質。這種清新而又帶著柔韌的感覺，讓拍攝過方世玉系列和《女人不壞》等電影的香港導演徐克於回眸之間，一眼相中了她。 當時，徐克導演正在運作電視劇《七劍下天山》項目，劇中要求一個剛中帶柔，眼神堅毅的女演員，徐克導演物色了許久，都找不到心目中的女俠客形象，考慮到劇中武打戲比較多，對演員的肢體動作有要求，徐克導演來到了北京舞蹈學院挑選演員，學校推薦了幾個女孩，但徐克導演並沒有看到特別滿意的，就在挑選結束，徐克導演走出學校的過程中，他無意中路過排練室，而此時，就像是冥冥中註定一樣，王麗坤正在排練室里跳著民族舞，一個甩肩，一個回眸，王麗坤眼神里透露出來的倔強和生氣令徐克導演眼前一亮，就是這個女孩！ 這個故事聽起來太不真實，就像好萊塢電影里的灰姑娘奇遇一般，但是幸運就是如此降臨到了王麗坤身上。當時還是大三學生的她，對自己的未來並沒有太多的期許和規劃，而徐克導演的邀約，就這樣讓她從舞蹈到影視，一步跨越。《金耳環》飾陸保珍(20張)拍攝《七劍下天山》之前，王麗坤從來沒有任何錶演經驗，按常理來說，新人在鏡頭面前應該有很多的緊張和不適，但五個半月的拍攝時間，王麗坤回憶起來，卻覺得似乎對拍戲的過程沒有太多記憶。讓她能夠回憶起來的，反而是新疆大漠之中的美景美食。一切對她來說都太新鮮，她好像一點都沒有覺得自己在工作，很享受在新疆的生活。而拍戲結束後，王麗坤充滿感激，但她感激的並不是可能的成名機會，而是五個半月里在新疆各地的游歷。至於演戲部分，王麗坤笑著坦承自己當時並不懂表演是什麼，只知道按照導演要求的做動作，如果不是徐克導演的指導，她可能到現在也不知道演員工作的性質。但王麗坤從來都是個乖乖的學生，五個半月漫長的拍攝期，對於資深演員來說，都是挑戰，更何況一個新人。 可以說，電視劇《七劍下天山》的拍攝，就像是一次涅盤，而王麗坤歷經考驗，涅盤之後，變成為展翅而飛的鳳凰。
表演，從這里起步
在《七劍下天山》中，王麗坤的表演並不令人滿意，甚至有很多觀眾也提出質疑，畢竟她是從未有過表《盛女的黃金時代》飾梁爽(20張)演訓練和經驗的演員，稚嫩在所難免，而《七劍》拍攝結束後，王麗坤對於是不是要繼續走演藝之路，並不是十分確定，但也許是因為她的天分早已被明眼人發現，從《七劍下天山》開始，還未來得及考慮自己未來的王麗坤，就被一再的片約和工作拽進了影視圈。 對於王麗坤而言，她的事業發展最大的困難，在於表演功力這個瓶頸，雖然氣質過人，天賦和運氣也一再垂青，但她深深知道，最大和最根本的魅力，在於演技。因此，在接拍海岩劇《金耳環》的時候，她考慮再三，放棄了表演難度較低的一個角色，而選擇出演命運坎坷，性格層次豐富的女人陸保珍。其實，做這個決定的時候，王麗坤自己也猶豫了很久，但是就像跳舞時，每次身體上的疼痛，有可能帶來的是更加優美的動作，王麗坤決定演好這個有難度的人物，哪怕再累，再苦，也要努力磨練自己的演技。 而王麗坤也做好了被觀眾罵的准備，因為她知道，演完陸保珍，她不再是那個可以被觀眾寬容的新人，而是一個真正的職業演員。 其實，海岩對王麗坤並沒有太多印象，從試戲到最後確認她為「陸保珍」，這其中經歷了幾番周折，因為他希望找到一個看上去溫柔多情的女孩，而王麗坤似乎有點太活潑，可是試戲的時候，王麗坤每次都全情投入，完全不怕損傷自己的形象，苦到雙眼發腫，而這眼淚，也是真真切切地哭出來的。王麗坤終於「哭」來了陸保珍這個角色。從一個16歲的女學生演到6歲孩子的媽媽，跨度數年的戲，人物的年齡變大，王麗坤的演技也隨之成熟。 陸保珍這個角色，給王麗坤帶來了成功，但成名後的王麗坤，似乎生活並沒有太多變化。她除了演戲外，基本沒有什麼新聞。而除了接本子，鑽研演技，最大的愛好也不過是宅在家裡，看書看電影。「我可以一個星期都不出門，就窩在家裡，什麼也不做，拍戲在外面跑來跑去的生活，我反而不習慣。」王麗坤不好意思的說道。她也坦承，也許是因為從小在外學習舞蹈，很少回家，所以特別懷念家的感覺，而最喜歡的娛樂活動，竟然就是在家裡睡覺。聽到這番話，簡直不敢相信她是活躍在影視圈的年輕演員，聽上去，反而像是個退休老太太的生活。
《血色迷霧》舞出精彩
在外人看來，王麗坤的業餘生活也許沉悶無聊，但是她的事業卻越來越精彩。不知為何，出色的製作班底一再向她伸出橄欖枝，而前段時間熱播的電視劇《血色迷霧》，更是讓更多的觀眾記住了這個個子高挑、《當鋪》飾瑞芸香(20張)身形優美、足蹬馬靴的時髦小姐鄭曉聰。談起腳上這雙馬靴，王麗坤可是一肚子苦水。雖然穿馬靴看上去帥氣十足，但是因為《血色迷霧》是在夏天拍攝的，這密不透風的厚重馬靴，簡直成了王麗坤的噩夢。 當時，人物的服裝部分，是導演兼主演柳雲龍親自設計的。她給王麗坤設計了馬靴，給自己設計了一身帥氣的皮衣和長筒靴。沒想到，到了拍戲的時候，其他演員可以脫下厚外套透風，而王麗坤和柳雲龍只能套在厚重的皮衣皮靴裡面，汗流不止。他們成了片場最難受的人。柳雲龍甚至後怕地說：「我差點給自己設計一身皮衣，幸虧沒穿上皮褲。」拍完一天的戲，王麗坤腳底的靴子總是要重上一些，裡面全是汗水。戲拍完了，王麗坤堅持要求導演把皮靴送給她，當作「受難」的紀念品。 《血色迷霧》的拍攝過程也有不少樂趣，導演柳雲龍看上去是個嚴肅的人，但最喜歡在背後玩小動作的，也是他。有一個場景，是在米棧里拍攝，道具准備了很多黃豆和大米，所有人都拿著黃豆偷襲別人，沒多久，王麗坤就覺得自己被砸了，放眼望去，大家都不承認是自己乾的，特別是導演，裝的非常無辜，一本正經地干著自己的活，似乎跟這場紛爭毫無關系。沒想到，其實拿黃豆砸人砸的最起勁的，就是導演自己，只是他掩飾的特別深。回憶起拍攝時的樂事，王麗坤依舊滿臉笑容。 《血色迷霧》里，有一張劇照流傳甚廣，那是柳雲龍飾演的文康和鄭曉聰翩翩起舞的場景。這個劇照拍攝時，電視劇已經接近拍攝尾聲。演員之間有默契，也有不舍，王麗坤覺得那個時候，自己的心態似乎特別復雜，所以在跳舞的時候，不自覺的流露出憂郁的感覺，反而給這場戲增加了不少色彩。 王麗坤說，自己並沒有太多太遠大的夢想，如果可以，和家人呆在一起，就是最幸福的事情。對於這樣一位標準的「宅女」而言，也許表演只是額外的幸福。
王麗坤，態濃意遠淑且真
一向認為上海地鐵上靚人如雲，然而，這一個傍晚，從松江回到市中心的一路，人潮依然涌動，卻發現目光再無落點。要麼是太過平淡的臉孔千人一面湮滅於市井，要麼雖悉心裝扮而畢竟刻意不符於環境，於是，也只有承認，在對比中，平凡和卓異更加判然。這種心理感受，皆因整個下午都在車墩影視基地探班，《告密者》飾鴿子(20張)看一部年代戲的拍攝，插空采訪了女主角；劇目為《上海迷案-1937》，人物是王麗坤。 上海7月的黃梅天著實能緩解暑氣，遠離城市煩囂的車墩甚至清涼舒適，然而一進入拍攝場景中，就沒法不立刻明了什麼叫熱火朝天，狹小的空間聚集了太多的人和物，作壁上觀的也不一會兒工夫就汗流浹背，作品都是在這樣的環境中誕生的，大演員也都是從這種場景中成長起來的吧。我剛坐下，麗坤就走過來打招呼，又找工作人員去拿飲料，精神抖擻的，一點不像從連續的夜場拍攝的煎熬中出來的人。 她在拍一場舞會觀人的戲，穿件粉色小禮服，扎著同色的發帶，加上整個拍攝現場被帳幔遮蔽得密不透風，讓人不免產生了時光倒轉的錯覺。 麗坤的名字很容易讓人想起另一位美麗的姑娘——她一生只演過《阿詩瑪》和《五朵金花》兩部電影，然而卻在中國億萬觀眾心中留下不可磨滅的印象——雲南彝族女孩楊麗坤，上世紀五六十年代中國影壇的美神。
對話王麗坤：投入，其美自現
Q&A A：我的名字是爺爺起的，可能是巧合，楊麗坤是學舞蹈的，我也是，這也是一個巧合。 Q：為何你會走上文藝之路，是受家庭熏陶嗎？ A：沒有，我11歲開始學舞蹈之前，對舞蹈一無所知。 Q：有意思的是近年來赤峰出了幾位演藝新生代明星，你清新大方又自如的表演風格是否得自家鄉風土的滋養？ A：我是滿族人，爺爺到內蒙支邊，後來搬家到翁牛特旗。我的童年沒有城市孩子的玩具和小食品，但我從小就生活在山清水秀的牧區，和大自然接觸得很多，經常干下河上山摘果子的事。 Q：所以你看上去一點不柔弱。 A：朋友都說我是外表比較柔弱內心比較強悍的人，所以他們經常叫我坤哥，我還挺喜歡的。 Q：你的相貌更像誰？ A：我媽媽，不過沒有她年輕時漂亮，她現在在老家，過自己喜歡的生活，只是偶爾會到北京來照顧我。 Q：和不少演藝明星一樣，你也畢業於北京舞蹈學院，在一些綜藝節目中也有即席表演的民族舞，最近的電視劇《美人心計》中所扮演的慎兒以及其他幾位主角也都有長袖舒捲的舞蹈章節，風吹仙袂飄飄舉的感覺讓人一見而傾心，和我們分享一下舞蹈對於人的氣質美態塑造有何作用，又如何欣賞舞蹈呢？ A：我認為什麼事情只要投入了，就能發現她的美，很早以前我看節奏很慢的朝鮮舞、日本舞，幾乎要睡著了，但隨著學習的深入，就會跟著演員的神態、氣息投入進去。人多少學點舞蹈對身體和情志都有幫助，一旦學習了就會明白，這是一種不須言說的美好的身體語言。 Q：今年你有兩部戲很受矚目，《美人心計》和《告密者》，看點分別在哪裡？ A：前一部會聚了很多美女，一定讓大家覺得養眼，這是一出鉤心斗角的後宮戲；《告密者》是懸疑劇，我一拿到劇本就放不下了，從早到晚看個不停，因為我從小喜歡偵探小說，這劇本寫得很好。 Q：這兩部戲前者真正是美人雲集，你表演的特點在哪裡？後者是你和柳雲龍的二度合作，有哪些新的東西呈現給觀眾？《愛就愛了》飾張天玉(20張)A：《美人心計》中我第一次嘗試演反派，反派一般在戲中都會起到很重要的作用，正是因為有正反方的爭斗，戲劇沖突才得以產生。我不排斥演反派，有好的角色、立體的人物，我很願意嘗試。我在電視劇《血色迷霧》中首次和柳雲龍合作，我扮演的鄭曉聰一直仰慕他演的文康，但他對我保持距離，直到最後文康終於想要一個圓滿結局了，可又被曉聰破壞了，是一段悲情。《告密者》中，我們飾演一對夫妻，互敬互愛，合作默契，在這部戲中，他也變成了一個相當居家的男人。拍攝間隙我們還聊過，如果還能合作下一部戲，他要來追我，要不我苦愛他，心裡不平衡啊。 Q：去年《血色迷霧》熱播，柳雲龍導演對你不吝贊美之辭，說這將是個有大作為的女演員。你認為導演因何能有這樣的評價？自己做演員的最高目標又是什麼？ A：之前我們並不相識，所以我很感謝他，因為他一直覺得我合適，劇組開機了我才去，如果沒有他的堅持，可能我也演不了這個角色。有很多人覺得他很挑剔，我覺得我們合作得挺合拍。我從來沒有定過特別長遠的目標，能碰到我喜歡拍的戲就很滿足了。 Q：《東風雨》你看過嗎？ A：看過，印證了柳導確實是個有奇特想法的人，比如在仙樂門夜總會里，水上芭蕾突然出來了，以前拍戲都沒出現過，大多都是用康康舞之類來表現罷了。 Q：和拍《血色迷霧》一樣，今年又是在暑熱時節拍攝年代戲，而且演一對孿生姐妹，是對這樣的劇本情有獨鍾嗎？A：這個戲的製片方可能覺得我比較適合這個角色吧。確實年代戲已經接了很多部，希望以後能多拍一些當代題材。 Q：其實感覺你本人的氣質很現代，如何把握眾多民國角色，演出她們的區別來呢？ A：要去參考資料，看生活在那個年代的明星，看以前的海報和電影，這部戲還有戲中戲，那就必須向阮玲玉、胡蝶這些演員學習，盡量體會她們身上那種現代人鮮見的表演特色和女性魅力；另外服裝造型也有幫助。 Q：古典戲和年代戲，拍攝時都會比較辛苦，比如夏行冬令的《血色迷霧》，帥酷的鄭曉聰的馬靴里每天都能倒出汗水，但是你呈現給觀眾的人物形象卻和江南小鎮梧桐的山水一樣明凈清爽，如何能保持著這樣的形象和狀態？ A：要克服，要讓自己調整心態，每天都想高興的事。不光是年代戲，之前拍的《加油優雅》也一樣，是喜劇，我的戲很多，休息的時間少，但每天到現場，我看上去都特別有活力，如果不這樣，就沒有辦法拍下去了。只有多保養自己，預防感冒，保證狀態。 Q：如果可以選擇，希望出演哪個歷史或近代現代人物？ A：還真沒具體想過，每個歷史人物都有吸引人的地方，如林徽因的優雅純美，武則天的霸氣、男性化和掌控力，如果有機會希望嘗試不同的人物。 Q：最喜歡的電影和演員？《青盲》 飾王玲雨(20張)A：最近喜歡的是奧黛麗·塔圖，《天使愛美麗》和《夏奈爾》完全是兩種感覺，她在銀幕上的表演讓人很舒服，她身上很乾凈，靈動，尤其眼睛，演戲的時候特別自如，不做作。 Q：以上是我的問題，還有兩個是我在網路貼吧里徵集問題的一部分。網友問，麗坤今後找另一半的標準是什麼？ A：第一是能給我安全感，我是一個有不安全感的人，我很難依附別人，對父母都是，從畢業之後一直很獨立，可能是沒有安全感才更加獨立吧。還有一個標准就是人要孝順。 Q：你不是表演系科班出來的，表演經驗大多從實踐中來，同前輩導演、演員合作對你有什麼影響？ A：每個合作者都能讓我學到東西，兩個人都投入的話，表演的靈感就會互相激發而共同獲得、遞進，就會有些意想不到的東西迸發出來。 傍晚，本劇的男主角保劍鋒來到現場，一下午沒有他的戲份，應該是抓緊時間休息去了，見了麗坤，叫了聲「坤哥」，並對麗坤放在地上的零食箱表現出興趣。雖然常有人說演員卸了妝就泯然眾人，但大多數的事實顯然並非如此，生活中的他們一般都會比我們在銀幕屏幕上看到的更瘦、更高、更出挑，在一群人中，一眼就看得到，面前的這兩位就是。所以，能演戲的是極少數，大多數人只能看戲。 電影《八十一格》飾胡燕婷
人在工作場景中通常會顯得比其他時候更有魅力，因為這是一個創造的過程，但這個過程本身有時又是乏味的，恰如在《血色迷霧》的隨機紀錄片中，柳導就十分疲憊地對著攝像機說，拍戲的時候最無聊了，要情節沒情節，要音樂沒音樂。和音畫合一、要素齊全的作品呈現的幾個小時或者幾十個小時相比，創作的過程當然是艱苦而漫長的，然而能把自己的形象和勞動成果永遠定格並被眾人關注甚至傳頌，這也正是演員的職業的魅力所在吧。 等麗坤完戲的當兒，我在車墩影視樂園散步。我對此地印象深刻，並非是因為這里是上百部電影電視劇的取景地，乃是因為在我最喜歡的電視劇《暗算》里，這里以 「車墩」的身份堂皇入戲。在全劇終篇，老年安在天跳出劇情，重返拍攝基地，有軌電車劃過，似時間的帷幕拉開，瞬間又回到劇首，小男孩安在天蹦跳著差點撞上剛剛逃出生天的父親錢之江的黃包車，陌生卻熟稔的對視之後，國際歌高起，人物出畫，成為本劇最後的華彩。 這不是一個生活的場所，這只是一個造夢的地方，因為今夏的上海之行對於我來說本來就是一次從尋常生活中疏離片刻看戲尋夢的旅程，能在這里采訪王麗坤也是這段怡情而安然的旅程的一部分。不必非要弄些貌似深沉的問題去設定，不必非要讓她對某些現象有所論評，因為她飛揚靈氣活力十足，因為她還很年輕。成為自己而非他人想成為的人，過自己而非他人喜歡的生活。何況，她正在這種工作和生活中如魚得水並積累著成功和口碑，還有什麼比這更美好的呢？祝福麗坤！