電影音樂的起源是求救

㈠ 影視劇音樂的歷史

1.最早在影片上發聲的電影音樂 早期的有聲電影是用放映機和留聲機同時工作來發聲的。放映電影時，工作人員必須手持唱機磁頭、眼望銀幕，在需要配樂時立即把唱機磁頭放在唱片上。中國最早的發聲電影，是1930年天一影片公司拍攝的《歌場春色》。該片由邵醉翁導演，宜景琳主演。1933年，聯華影片公司攝制了《母性之光》，該片由田漢編劇，聶耳作曲。插曲《開礦歌》的曲調清新、剛健。同時二部合唱形式也第一次出現在電影音樂中。
2.世界上最早的電影音樂 電影從無聲到有聲，經歷了一個巨大的轉變過程。20世紀初，人們逐漸領悟到無聲電影需要用音樂來渲染劇情，也可以以此掩蓋放映機的噪音，於是就嘗試在電影中加入音樂。1900年9月13日，澳大利亞墨爾本市政廳放映了世界上最早的配樂紀錄影片《基督教的士兵》。這部紀錄片長50分鍾，由救世軍巴依奧斯克普公司拍攝，為影片配樂作曲的是澳大利亞音樂家R·N·馬卡諾里。1908年11月17日，法國巴黎公開放映的《基斯大公的暗殺》，是世界上最早配樂的故事片。這部影片由卡米尤·桑薩恩斯作曲。
3.最早的立體聲電影音樂 1932年，巴的電影製片人阿貝爾·甘斯和安德雷·戴布利最早在電影中配上立體音響，從而獲得專利。這是根據甘斯的無聲電影巨作《拿破崙》改編的，該片於1935年在巴黎的帕拉馬溫特影劇院首次放映。
1941年，迪斯尼製片廠拍攝的動畫片《幻想曲》，首先使用了美國無線電公司和沃爾特·迪斯尼製片廠合作製成的立體聲音樂。影片的音樂由費城交響樂團演奏，雷奧波爾德·斯托科夫斯基指揮。
4..最早的奧斯卡最佳音樂獎 從1934年開始，奧斯卡最佳音樂獎設最佳作曲、最佳配樂和最佳歌曲三項獎。作曲獎授予為大型故事片創作一系列音樂的作曲家，配樂獎不是單純選配現成的樂曲，而是創造性地使用與主題有關的音樂素材；最佳歌曲獎授予為大型故事片創作主題歌的對象。在1942年第15屆奧斯卡頒獎儀式上，美國著名音樂家歐文·伯林擔任了最佳歌曲獎的授獎人。他打開密封名單後，驚愕了一下，隨即笑逐顏開地說：「我很高興能把這個獎頒給這個我久已熟識的傢伙。」原來獲獎的正是他為影片《假日旅店》所作的歌曲《白色的聖誕節》，歐文·伯林成了第一位給自已頒獎的人。
5.中國第一部配音電影 1929年上海明星影片公司拍攝的《歌女紅牡丹》。該片由洪琛（化名庄正本）編輯，張石川導演，董克毅攝影，胡蝶主演。1931年3月15日在上海「新光大戲院」首次放映時，不僅轟動了全國各大城市，而且名揚東南亞各地，上海遠東公司的代表菲律賓影片商，花了18000元才買下了這部影片的上映權。
6.中國最早的電影主題歌 1929年聯華影業公司攝制的電影《野花閑草》中的《尋兄詞》。在電影里穿插歌曲，或者根據電影的主題思想寫成主題歌，對增加氣氛和闡發影片的主題思想有很大的作用。《尋兄詞》由《野花閑草》的男、女主角金焰和阮玲玉兩人主唱。盡管《尋兄詞》的思想性和藝術性微不足道，但由於它是中國第一首電影主題歌而具有重要的歷史價值。

音樂進入電影以後，成為電影這個綜合藝術的一個有機部分，是一種新的音樂體裁。它在突出影片的感情、加強影片的戲劇性、渲染影片的氣氛方面起著特殊的作用。但另一方面，在溶入電影以後，在它的表現形式上也發生了相應的較大的變化。具體表現在：
1電影音樂的創作和構思必須根據電影的創作要素，即題材、內容、風格樣式、人物性格等因素和條件，使電影音樂的聽覺形象和畫面的視覺形象完美融合，體現導演的總體構思和美學欣賞原則。
2 電影音樂根據影片劇情和畫面長度分段陳述間斷出現，並受電影蒙太奇的制約，曲式概念有了新的發展。
3電影音樂改變了以前音樂必須是用"樂音"構成的傳統觀念，和電影中的話語、音響等結合，形成了新的分段陳述的結構，並和"噪音"一起相結合，有時音樂與語言結合，有時音樂和音響效果結合，有時與兩者都結合去恰如其分地表現抒情性、戲劇性氣氛，成為一種新形式。
4另外，電影音樂的演奏、演唱必須經過錄音、洗印等一系列電影製作工藝，最後通過放映影片才能體現它的藝術功能和效果。同時，隨著錄音技術和器樂、配器技術和發展，已極大地豐富了電影音樂的音色和配器效果。

㈡ 電聲音樂的起源是什麼答得好的另追加加分。跪求答案。

• 電子音樂的先聲

古希臘的哲學家和數學家畢達哥拉斯開始研究聲音和物理的關系，這些理論對文藝復興以後的音樂以至電子音樂都有重大影響。在十七世紀，英國哲學家弗蘭西斯·培根在著作《新亞特蘭蒂斯》里描寫一個幻想的國度里，有獨特的房間可以將任何聲音製造或復制出來。在此以後，不少科幻小說都曾描述類似的音樂設備。

1857年法國科學家史考特發明了錄音技術，可以將聲音紀錄，但尚未能將之播放。1878年愛迪生發明了留聲機，以滾筒錄音，並以喇叭將聲音放大播放。1887年埃米爾·貝林納發明以唱片錄音並放大的留聲機。大約1900年出現以磁帶紀錄聲音的技術，但尚未成熟。1901年李·德佛瑞斯特發明真空管，自此以後，錄音技術可以廣泛地用於電子音樂、收音機廣播等等。

音樂盒是影響電子音樂的前身之一。1815年出現了第一個以彈簧控制的音樂盒。1876年美國的艾奧利安公司（AeolianCompany）發明了自動彈放鋼琴（PlayerPiano），和音樂盒一樣，以鋼琴卷簾紙（PianoRoll）紀錄音符的時間。在錄音技術尚未成熟之前，不少當時的鋼琴家都曾經透過鋼琴卷簾紙紀錄了演奏。而這種鋼琴卷簾紙的紀錄方法，後來被應用到樂器數位介面（MIDI），至今很多數碼音樂軟體（DAW）都有採用。

• 二十世紀初

1897年泰岱斯·卡希爾（ThaddeusCahill）發明了第一台電子鍵盤樂器Telharmonium，但體積龐大，直至1912年技術才稍為完善。義大利鋼琴家及作曲家費盧西奧·布索尼看到卡希爾的發明後極之推崇，在1907年的著作《新音樂審美概論》，預言電子音樂是未來音樂發展的路向，它可以製造任何傳統樂器無法製造的聲音，甚至演奏比半音更微小的音階。他的想法影響了學生埃德加·瓦雷茲，日後成為電子音樂的重要先驅。這時期的義大利藝術家，常被稱為未來主義，除了布索尼，不少音樂家推崇電子聲音和噪音可以是音樂。

1912年俄羅斯科學家李昂·特雷門發明了特雷門（Theremin），以手控制無線電波來製造聲音。1929年約翰·斯凌格（JosephSchillinger）創作了《特雷門與樂隊組曲》，由發明家特雷明親自演奏。1926年法國人馬特諾（MauriceMartenot）發明了馬特諾琴（OndesMartenot），既是一個鍵盤樂器，亦可以演奏滑音，在法國作曲家梅湘的《圖蘭加里拉交響曲》（1948年）廣泛應用。1929年美國作曲家喬治·安太爾（GeorgeAntheil）首次在樂曲中應用電動機和各種電動機械的噪音。

1927年美國發明家奧奈爾（J.A.O'Neill）發明以磁帶紀錄聲音，並以鍵盤控制。1929年發明家勞倫斯·哈蒙德以此技術發明了哈蒙特風琴，這是第一部大量生產並暢銷的電子鍵盤樂器。

1935年德國的柏林收音機展覽中，AEG公司展示了磁帶錄音。磁帶比唱片在錄音技術上有更大的彈性，可以重新再錄，亦可以剪接。自此以後，磁帶被廣泛應用於收音機廣播及有聲電影。在第二次世界大戰時期的德國，華特·韋伯發展了交流偏磁（ACBias）的技術，令音頻的范圍更廣闊。1942年德國AEG公司發明了立體聲。1944年當時仍是學生埃及的音樂家哈利姆·埃爾-達巴開始利用磁帶創作電子音樂。

• 1950年代

1956年艾默特（HerbertEimert）的《樂曲五首》、施托克豪森的《青年之歌》等陸續問世。

五十年代電子音樂是計算就緒後再進行製作的，音的頻率、時值、音量、起音、衰減、混響等均記於一定的座標紙上，再用磁帶經過多次分錄及混錄而成。

1956年左右羅伯特·穆格（RobertMoog）發明包括振盪器、放大器、程序控制器等在內的功能相當復雜的「電子發聲合成裝置」，使電子音樂的製作過程大為簡化；製作者不但可以隨意獲取所需的聲音，細微控制其波形、包括曲線等，而且能聽到最後的音響。

• 1970年代末到1980年代末

YMO、DepecheMode、Devo等樂團成功打造出非常流行的電子音樂，當時尚未有如此強調科技感的音樂類型，使得現在許多樂手以及樂迷還是非常懷念。

• 近期發展：1980年代到2000年代初

電音的分類是歸在搖滾底下的，比較可信的起源是從80年代末的一家黑人Disco舞廳流行開來，大致上音樂作法採取鍵盤與合成器采樣的聲音編排而成，搭配電子鼓，重復小節循環而成，再細分就要以節拍數區分，非常多，但是電音中Ambient這類型是從古典樂→現代室內樂→Ambient演變而來的，但不一定要用到電子樂器，也不完全以節奏帶動曲調的走向。至於搖滾如果是1996年以前是不重視電音這部份的發展，有的話指的是電子音樂，NewWave時期，如NewOrder,DepecheMode諸如此類，到2000年後搖滾流行起加入電音模式。

㈢ 電影原聲帶的歷史

我們回顧最早於1937年發行的電影音樂唱片，迪斯尼的《白雪公主與七個小矮人》，會發現當年並沒有電影原聲帶，甚至接下來發行的幾張電影音樂唱片如《綠野仙蹤》、《森林王子》等，也都沒有。若依當年最原始的定義，這些音樂商品的確都不是Soundtrack。
最早的電影原聲帶指的是電影放映時的音樂軌，電影中主要的聲音包括了對白，音效與音樂，各自錄制在不同的音軌上，在播映時再同步播放混音，而Soundtrack指的便是當中的音樂軌，這些音樂軌的內容，也就是電影中實實在在可以聽得到的每一段音樂。早期的電影音樂唱片，並不是把這些放映帶上的Soundtrack直接拿來轉錄到唱片上，而是根據作曲家的原譜，重新演奏灌錄到唱片上的，因此，當年這些專輯並沒有被稱做Soundtrack，如《白雪公主與七個小矮人》、《綠野仙蹤》、《格列佛游記》等最早發行的電影音樂唱片，收錄的內容都以電影中的歌曲為主，而且是為唱片重新演唱錄制，並不是電影中原音的Soundtrack，接下來於1942年發行的《森林王子》，算是最早以唱片型式發行的純音樂電影配樂，它是由Miklos Rozsa將自己的配樂改寫成組曲，重新演出灌錄的唱片，也不是直接取自電影的Soundtrack，而且這張唱片中還加上念故事的口白，聽起來像一張加了配樂的兒童說故事錄音帶，不過由於這張專輯的成功，帶動了後來純音樂電影配樂做唱片錄音與市發行的風氣，當年這些電影配樂唱片都不是直接取自電影中的Soundtrack，而是為錄制唱片而重新選曲，表演和錄音的音樂專輯。直到1949年，米高梅電影公司推出由Miklos Rozsa擔任配樂的《包法利夫人》，這張唱片成為第一張直接將電影中的Soundtrack發行上市劇情片電影配樂專輯。
實際上，米高梅是最早將電影音樂唱片定名為Original Soundtrack（電影原聲帶）的公司，米高梅所發行的第一張Original Soundtrack，是1947年《Till The Clouds Roll By》，這是一部描寫音樂家Jerome Kern（作品有音樂劇《畫舫璇宮》等）的傳紀式音樂電影，自此之後，Original Soundtrack Album的發行，成為電影公司與唱片公司眼中一塊耀眼的新大陸，包括米高梅、派拉蒙、Decca Records等公司都陸續開始將旗下的電影配樂整理成專輯唱片做市發行。1968年派拉蒙發行Nino Rota的電影配樂原聲帶《殉情記》，創下三百萬美元以上的利潤，緊接著電影歌曲原聲帶《畢業生》也創下出色的銷售成績，電影原聲帶成為唱片市中一項實力不容小覷的新品種，日後寫下歷史新頁的電影原聲帶還有將流行音樂與通俗管弦作品合而為一的《洛基》、帶動迪斯科熱潮的《周末狂熱》、重振大型管弦電影配樂聲勢的《星球大戰》，以及將電子音樂的內涵大幅提升的經典配樂作品《火戰車》等。
今日，我們統稱因電影而發行的音樂專輯為Soundtrack Albums或Soundtrack Records，這種音樂專輯的內容其實已經變得五花八門，有時甚至名不符實，除了收錄原著配樂（Original Score）、收錄電影歌曲（Songs），甚至還可以收錄各種根本沒有出現在電影中的音樂。不論是什麼內容，只要包裝和文案能和電影扯上一點點邊，就可以湊合一堆音樂發行電影原聲帶，許多樂迷已經越來越搞不清楚，買的原聲帶中倒底有沒有自己要的音樂？

㈣ 電影聲音的由來

大家都知道，電影最開始是沒有聲音的，自1895年第一部電影《工廠大門》的誕生，電影有近30年處於默片時期，這里所說的默片並不是說當時百姓們去觀看電影完全沒有聲音，很多電影在放映的時候都是有音樂伴奏或是有解說員在幕後解說的，這得益於愛迪生發明留聲機。一開始用音樂伴奏是為了掩蓋當時放映機發出的雜訊，到後來才被一些導演用來表現影片內容。由於早期錄音技術還不能實現光學錄音（使聲音轉換成光記錄到膠片上，實現聲音的記錄），也無法實現聲音和畫面的同步，這使得有聲電影遲到幾十年才到來。

電影史上誕生的第一部有聲片是1927年由華納影片公司出品的《爵士歌王》，在當時，華納兄弟公司（Warner Bros.) 還是一個不知名的小公司，薩姆·華納（Sam Warner 也就是華納創始人）在公司資金十分困難的情況下，幾乎傾盡公司所有資金拍攝了這部影片，該影片請了著名的歌手阿爾·喬生（Al Jolson)，影片講述了一個貧窮的猶太歌手的成功經歷，穿插了許多著名的歌曲和小調，並有幾段很短的對白------這也是將其定義為第一部有聲片的基本。這部影片獲得了很大的成功，票房收入達到三百五十萬美元，這在當時可真不是一筆小數目，也正是因為這部影片讓華納影片公司能夠躋身在好萊塢八大電影公司之中。

從此以後，電影進入有聲片時代，各大電影公司紛紛加入有聲電影的拍攝當中，因為有聲電影能夠為他們帶來更多金錢。當然，有聲片給當時的默片帶來了很大的沖擊，遭到了很多電影學者的強烈反對，但時間最終還是證明了聲音是電影不可缺少的元素，這些都是技術改革的必經之路。

㈤ 音樂的發展史

第六章 浪漫主義音樂

一、音樂中的浪漫主義: 浪漫主義這一詞的含義，原來是指用羅曼語（Roman）書寫的故事，進而專指長篇小說或騎士故事，後來也包括傳奇小說等。浪漫主義在藝術上的興起，首先出現於十八世紀的文學中。在作品裡，將一切個人的感情、趣味和才能完全不受限制地表現出來。就是說，作曲家強烈地表現出自己的癖好。這與受形式支配的古典主義在理論上相對立。古典主義的音樂是線條式的而且是鮮明的，浪漫主義的音樂富於色彩和感情，含有許多主觀、空想的因素。然而，這只是原則上的區別，實際上在古典主義音樂中，已含有浪漫主義的因素，而浪漫派的作品中，也多有古典式的內容。

二、浪漫主義音樂的形成 : 初期浪漫主義音樂與其它姊妹藝術一樣，發自歐洲「啟蒙時代」的思想與同法國大革命有關的自由民主思想，比文學中的浪漫主義約晚數十年。貝多芬的晚期作品已成為初期的浪漫主義的先驅，其後的作曲家們都可劃分為浪漫派。從時代上來說，十九世紀中葉是其全盛時期。

三、浪漫主義音樂的代表人物: 事實上，在古典派作曲家貝多芬、羅西尼和韋伯的後期作品中，就已經明顯地流露出浪漫主義音樂的風格，正是他們開創了浪漫派的先河。
1800年前後出生的作曲家們，形成了初期浪漫主義的中心。作為代表初期的浪漫派作曲家，可舉出舒伯特和柏遼茲這兩人。他們都是從格魯克、海頓、莫扎特和貝多芬的傳統出發，而又各自形成了自己的流派。後來，浪漫主義音樂經過門德爾松、舒曼、肖邦和威爾第等人的進一步完善，在柴科夫斯基、李斯特和瓦格納的時代達到了高峰，這一系列作曲家、鋼琴家構成了中期浪漫主義的中心。至於馬勒、理查·施特勞斯和拉赫瑪尼諾夫等近代名家的作品，則在音樂史上歸於晚期浪漫主義音樂。

四、浪漫主義音樂的歷史地位 : 浪漫樂派在音樂史上的地位不言而喻，不但這一時期盛產偉大的音樂家，而且音樂體裁空前廣泛，出現了諸如無詞歌、夜曲、藝術歌曲、敘事曲、交響詩等新穎、別致的形式，是人類藝術史上的一個「寶庫」。
浪漫主義音樂也是一座橋梁：韋伯接受了格魯克和莫扎特的傳統，傳至近代的瓦格納；舒柏特在器樂方面是貝多芬的繼承人，但是他的浪漫主義藝術歌曲，經過舒曼和沃爾夫傳到現在；柏遼茲的標題音樂出自貝多芬的《田園》交響曲，後來又與近代法國的印象主義發生聯系。

第七章 民族樂派

一、民族樂派的形成 : 在十九世紀中葉，東歐、北歐和俄羅斯的許多音樂家雖然深受西歐浪漫主義音樂創作的影響，但他們實際上更重視具有本民族特色的音樂創作，因而此間產生了一大批表現本民族的國民性格、願望和生活的優秀音樂作品。正是他們，建立和發展了這一相對獨立的音樂派別——民族樂派。這一樂派並不屬於某一時間范圍，而是由於這一樂派具有共同的美學准則，而在音樂史上劃歸為一個整體。
狹義上的民族樂派僅包括四位代表人物，即捷克音樂家斯美塔那、德沃夏克和挪威音樂家格里格以及芬蘭音樂家西貝柳斯。廣義的民族樂派范圍稍大一些，除了上述四位音樂家之外，還包括俄羅斯音樂家格林卡和俄羅斯「強力五人集團」（巴拉基列夫、里姆斯基-柯薩科夫、穆索爾斯基、鮑羅丁和居伊）。有的音樂理論家甚至認為俄羅斯音樂家柴科夫斯基、波蘭音樂家肖邦和匈牙利音樂家李斯特等人應兼屬浪漫樂派和民族樂派。
可以這樣說，只要一個作曲家把他的音樂建立在他本國的民間歌曲和舞蹈上，或者努力用各種音來表現它的傳奇或風景的時候，他就是在創作叫做民族主義音樂的東西。

二、俄羅斯民族樂派: 俄國是一個廣闊的國家，覆蓋著整個地球表面的六分之一。在北方，亞麻色頭發的巨人們，唱著孤獨的歌曲，在冰海里打魚，並且在冰凍的海里獵貂來為世界上的名國王子做皮袍。在南方，深色皮膚的人們從亞細亞來到這些山裡，帶著他們那些古怪的、粗野的舞蹈。這一貧富分化、內戰連綿不斷的民族，古往今來都給人以「多災多難」的印象，正是這樣的命運，使這一民族具有了獨特的性格：深沉而憂郁的氣質、熱情奔放的民間文化、爭強好勝的民族精神。
從「俄羅斯音樂之父」格林卡開始，經過「俄羅斯樂聖」柴科夫斯基，一直到本世紀不斷活躍在音樂界的不計其數的俄籍作曲家、演奏家、指揮家，他們創作或表達的音樂語言，無不滲透著俄羅斯民族的精華。

三、捷克民族樂派 : 捷克這一國家處於中歐和東歐交界之處，境內山川縱橫，景色優美，民族舞蹈也兼有中歐和東歐的特色。從斯美塔那和德沃夏克這兩位大音樂家的作品中，可以真切地感受到他們對於自己祖國的無限熱愛和眷戀。他們的作品深受本民族舞蹈音樂的影響，用濃厚的色彩、深情的筆觸描繪了祖國的山川大地等自然景色。
除了兩位大師以外，捷克還產生了諸如菲比赫（1850－1900）、傑那克（1854－1928）、蘇克和德爾德拉等著名音樂家。

四、北歐民族樂派 : 這一樂派也稱為「斯堪第納維亞民族樂派」，其代表為格里格和西貝柳斯。
挪威的格里格深受浪漫主義音樂的影響，結合本民族音樂的精華，形成了自己獨特的風格。他的作品以描寫自然為主，雖然充滿民族音樂特色，卻從不照搬任何一首民歌的旋律，而是把激情融於創作，從真實的創作中體現出民族性格。
芬蘭的西貝柳斯則是一位充滿愛國激情的音樂家，他的重要作品大多反映出爭取民族獨立的傾向，具有強烈的號召力和鼓動性。他崇尚貝多芬，作品中常表露出類似貝多芬音樂性格的「斗爭性」。後人認為，西貝柳斯是繼貝多芬之後最重要的交響樂作曲家。

五、其他民族樂派: 每個國家的民間音樂中都有一些不同於世界上任何別的國家的曲調和節奏。例如：一旦我們逐漸熟悉了西班牙的音樂，以後再聽到那些以響板和腳跟舞的咔嗒聲為標志的令人興奮的節奏，我們就絕不會誤認它是任何別的音樂。西班牙是舞蹈的國土，像探戈舞、霍塔舞、波勒洛舞、阿拉岡涅茲舞、瑪拉歸納舞——似乎有一種魅力，而且這類音樂感染了許許多多的作曲家們。偉大的西班牙作曲家法雅、阿爾貝尼茲、格拉納多斯以及被後人譽為「吉它音樂史上的肖邦」的吉它演奏家泰雷加等人，都在創作中大量融入了西班牙民族音樂的特色，成為西班牙民族樂派的奠基人。
到本世紀上半葉，和西班牙民族樂派密切相關的拉丁美洲民族樂派也對世界音樂發展產生了深遠的影響。其中代表人物為墨西哥作曲家龐塞、巴西作曲家魏拉-羅伯斯、委內瑞拉作曲家勞羅等人。

第八章 近代音樂 : 從十九世紀末到第一次世界大戰之前，在音樂史上可稱為「近代音樂」時代。在這一時期，以印象主義音樂為代表的幾種音樂流派，實現了音樂史上從晚期浪漫主義向二十世紀現代音樂的過渡。

一、印象主義音樂的形成: 印象主義音樂產生於十九世紀末，是受「象徵主義文學」和「印象主義繪畫」的影響而出現的一種音樂流派。這一流派的音樂家與此前的浪漫主義音樂家有很大區別，他們並不通過音樂來直接描繪實際生活中的圖畫，而更多的是描寫那些圖畫給我們的感覺或印象，渲染出神秘朦朧、若隱若現的氣氛和色調。
集印象主義音樂之大成的兩位音樂家都是法國人，即德彪西和拉威爾。此外，法國作曲家杜卡和義大利作曲家雷斯庇基也是印象派音樂的代表人物。

二、法國印象主義音樂 : 象別的法國作曲家的作品一樣，德彪西的音樂是標題音樂而不是絕對音樂。十九世紀末，在法國有一派叫做「印象主義者」的畫家和詩人，因此法國著名作曲家德彪西力圖用音樂來達到「印象主義者」用繪畫所達到的同樣效果。這種印象主義藝術家所畫出的並不是生活的美，而是夢幻的美，象彩虹的終端的一大堆金子那樣的遠處的美。在使用新的和聲和音樂方面，德彪西是現代音樂的先驅。
德彪西建造他那古怪的、非塵世的音樂，主要採用的就是完全沒有半音關系的「全音階」和許多在空氣中根本聽不見其振動的「泛音」。他還在管弦樂隊里使用各種樂器的不同組合來發出柔和的帶有閃爍性的音響效果。起初人們還被他的音樂所困惑，並且不知道怎樣理解它，但是一旦他們聽慣了，就會非常喜歡它。
仿效德彪西的最重要的作曲家就是他的同族拉威爾了，但是拉威爾並沒有象德彪西那樣對全音音階和聽起來奇怪的和弦使用得那麼多。大概從來也沒有另一個作曲家象他那樣更懂得如何從管弦樂隊里抽取這么多音色的深淺明暗度的了。例如在《波列羅舞曲》中，那節奏從頭到尾都是一樣的，那旋律是重復一遍又一遍。在這首西班牙舞曲形式中的變化和趣味是來自拉威爾對力度的純熟使用（從輕到響或從響到輕的變化）和對音色的巧妙結合。

三、印象主義音樂的影響 : 印象主義音樂是浪漫主義音樂向現代音樂過渡的橋梁之一，雖然這一樂派主要集中在十九世紀末到二十世紀初的法國，但這種風格對於近現代音樂的發展所起的作用是不可估量的。後來的二十世紀音樂中的「表現主義」、「十二音體系」以及「序列音樂」等幾種流派都或多或少地受到印象主義音樂的影響。

第九章 二十世紀現代音樂

在歷史上，從來也沒有一個時期象二十世紀那樣，有這么多的迅速變化。兩次大戰改變了各國的邊界和人們的思想方法，科學正在以令人目眩的速度把我們推向一種尚未為人所知的未來。在反時代精神的策動下，各種藝術，如繪畫、雕刻、文學、戲劇和音樂，正在沖破著各種舊的形式，試圖表現新的生活方式。

一、現代音樂的特點 : 在每個國家，本世紀的作曲家們都在對音樂的諸要素——如節奏、旋律、和聲、曲式——進行著實驗。
本世紀傑出的前蘇聯作曲家肖斯塔科維奇曾經說過，他贊成這樣一種音樂，在其中，所有的主題都絕對不出現重復，每個小節都應當同前面所有的小節完全不同。
許多作曲家都對節奏進行實驗。有的作曲家寫出了既沒有小節線，也根本沒有節奏型的樂曲。其他現代作曲家們正在製造一種音樂，在其中，一個管弦樂隊或合唱隊的兩個部分有完全獨立的節奏。這些現代派也許沒有認識到：這種不同節奏的同時使用早在美國印第安人的音樂里就可以找到。
作曲家們也正在在旋律上，即各音的橫向安排上做出同樣令人驚訝的改變。有些作曲家回到了古希臘人和早年教堂神父們的調式上去，還有的作曲家從東方人的滑行音階那裡取得靈感，將「四分之一音」和比「四分之一音」更小的音程差別運用到了樂曲之中，有些人甚至發明了一架能彈出四分音而不是半音的鋼琴。雖然這種音樂並沒有得到發展，但它的確有助於使音樂家們更注意半音階音樂，即利用所有半音的音樂。這種對半音的運用的最著名的例子是奧地利音樂家勛伯格的十二音音階。在形成一個旋律時，這種十二音音階（由鋼琴上的一個八度范圍內的所有白鍵和黑鍵組成）的每個音都必須逐個用過一次以後才能再用。當然，這種音樂沒有特定的調子，因此被叫做「無調性的音樂」。
至於和聲，即在不同的音同時發音這一方面，也有一些驚人的新發展。那些恢復古代調式的作曲家們往往也重新運用了古代的和聲，例如多少世紀以來，曾經被傳統和聲學認為「用起來太僵硬」和「聽起來太別扭」的平行四度和五度進行。
在現代音樂中，我們還可以發現叫做「多調性音樂」的東西——即同時用兩個調子寫的音樂。例如，一個旋律或主要的主題可能是C調的，而它的伴奏或助奏聲部卻可能是升F調的。

二、美國爵士音樂 : 可以這樣說，在本世紀所有基於民族和社會習俗的音樂中，沒有哪一種比美國爵士音樂具有更廣泛的影響力了。由於它那狂熱的節奏和古怪的不協和音，從某方面講，它似乎是新時代的一種表現。爵士音樂有許多對職業音樂家們產生吸引力的特色，例如其中帶有小三度和小七度的音階，以及基於小三度和小七度音階的七和弦等等。
可是，最具強烈感染力的爵士音樂特色，是它那獨具特色的節奏。在爵士音樂這里，有一種新的切分音——「多節奏性」，即同時有兩種很強烈的節奏型相互對立，例如一個三拍子節奏加在一個四拍子節奏上。這種錯綜復雜的多重節奏顯然是原始民族的音樂特點，因此爵士音樂的興起，無疑是人類對於自然的一種理性回歸，這是本世紀各種藝術形式的共同趨向之一。
職業的音樂家們也被那些不常使用樂譜的、甚至事實上常常不會讀譜的原始爵士音樂演員們所迷住。在一時的沖動之下，這些自發的爵士音樂演員可能在一個旋律上即興演奏出最復雜的變奏曲。
我們在本世紀初美國傑出的作曲家喬治·格什溫的代表作《藍色狂想曲》中，可以找到爵士音樂在節奏上、旋律上和和聲上最好的擴展運用。還有另一位美國當代作曲家格羅菲，也成功地借鑒了爵士音樂的特色，結合他那超凡的配器才能，描繪出一系列美國自然風景的音畫。他那《大峽谷組曲》就是用來表現大自然的色彩和情調感的一個令人目眩的樂器調色的展覽會。

三、樂器方面的變革 : 隨著本世紀電子技術的迅猛發展，音樂藝術也受到很大沖擊，電聲樂器從它的誕生之日起就對傳統樂器提出了挑戰。不過，那些至今已經得到廣泛使用的電子樂器，如電風琴、電鋼琴和電吉他，在音色上並不是新的樂器。頭兩種樂器只是模仿原有樂器的音色，而第三種樂器只是擴大了原來樂器的音量。後來由於電子合成器的出現，人類終於可以演奏出人聲、風雨聲等傳統樂器所不能實現的音色。
對新效果的最戲劇性的追求是在打擊樂器上進行的。從前，打擊樂器幾乎只是由定音鼓組成的，偶然由鼓和鈸加以加強。現在，打擊樂器組已經變成一個任何地方似乎都可以接受的東西——例如一個打字機、一個發電碼的鍵、一個錘子、一張鐵片、或一條沉重的鐵鏈。

四、紛繁復雜的現代音樂流派 : 正如二十世紀的其他藝術形式那樣，音樂藝術也趨向於多樣化，眾多的流派各成一體，都完全脫離了古典的美學傳統。比較典型的幾個音樂流派為：以巴托克、斯特拉文斯基為代表的「原始主義」；以亨德密特為代表的「新古典主義」；以勛伯格、韋伯恩為代表的「十二音主義」；以普羅科菲耶夫、肖斯塔科維奇為代表的「社會主義現實主義」等。本世紀中葉以後，還出現了「序列音樂」、「偶然音樂」、「具體音樂」等略顯「怪異」的全新流派。
無論文學、美術還是電影、音樂等各個藝術分支，許多二十世紀的現代藝術作品剛剛問世之時，總難免遭到非議，其原因或者是與傳統美學相悖，或者是難以理解。但是其中又有相當一部分作品經過時間的推移，逐漸得到人們的認可，而成為現代藝術中的名作。

第十章 未來音樂展望

通過觀察當前音樂的某些傾向，我們就能在某種程度上預測未來的音樂。

一、電腦音樂的崛起 : 電腦音樂的出現大約是在二十世紀八十年代，到今天也不過十多年歷史，但其發展之迅猛，是以前任何一種音樂製作形式所無法匹敵的。
傳統的音樂製作過程大多較為復雜。以前的音樂家在作曲時，要先親自寫好樂曲的總譜，再由專門的抄譜人員按照各個樂器抄好分譜，其後還要請一個與樂曲體裁相應的樂隊來進行排練演奏，作曲家聽過演奏之後，再對不滿意的地方進行反復修改，直到滿意為止。這樣復雜的作曲程序，需要投入大量的時間、精力和金錢，這顯然與日趨緊張的快節奏現代生活不相適應。
本世紀由於電子音樂的出現，終於使作曲家可以在同一個鍵盤上演奏出不同樂器的音色，而錄音技術的不斷提高，使各種音色的合成變得輕而易舉。有了這些工具，作曲家們不必再依賴樂隊了，在一間小小的錄音棚內就可以隨意作曲和編曲。
八十年代以後，電腦技術的日新月異使音樂製作者又多了一件「超級武器」，在電腦硬體方面，高品位、多功能的音效卡層出不窮，不但越來越逼真地模仿出各種樂器的音色，還能模仿出各種音響效果；在軟體方面，各種音樂製作軟體已成為當代音樂家們必不可少的作曲工具，其功能也日趨完全。
電腦音樂剛剛問世之時，即擁有人類所無法達到的「准確性」，這既是它的優勢，也是它的劣勢。過於准確使電腦音樂不具有任何「感情」因素，平淡而機械。但隨著電腦技術的不斷革新，作曲者已經可以隨意調整每一個音符的音量、力度以及樂曲播放過程中的整體速度變化，如今的電腦音樂，已日益具備生命力了。當然，電腦音樂真正走向輝煌的時代，還並未到來。

二、從當前音樂流行趨勢預測未來音樂
可能影響下一代的音樂的一些當前流行傾向是：
1.對旋律、節奏、和聲和樂器學的新形式的實驗反映出新的能源形式和各種新的機械發明對現在和未來生活的有力影響。
2.對音樂的民族性格的更大強調，伴隨著更廣闊的國際聽眾，導致所有國家的人民之間更深刻的了解。
3.通過運輸、交通和音樂復制工作手段的繼續進步而不斷成長著的潛在聽眾。
4.音樂教育的普及不僅協助那些在音樂上有天賦才能的人們達到最高的發展，而且也使我們每個人都能夠分享未來音樂的光榮奇遇。

㈥ 背景音樂的發展歷史

背景音樂 英文名稱：Background music
1、 電影聲帶上，伴隨場景的音樂。可以是另外附加上去的配樂，也可以來自收音機等現場的音源，後者亦稱「現場音樂」(SOURCE MUSIC)。多種網際網路通訊都有。
2、 在公共場所連續放送的音樂，以不影響人們對話為放音的響度標准，可以調節人們的精神狀態，創造舒適、溫馨的環境。背景音樂通常不是立體聲系統，多採用音箱分散式放音，故聲音分布均勻，不良聲環境對聽音的影響小。
3、 背景音樂的簡稱是BGM
4、 曲目大多來源於經典名曲。
5、 其曲風多元化，大眾化。
Background Music,英文中意為背景音樂，指在電影、電視劇等影視作品中，作為背景襯托的音樂，通常是無人聲的。真正意義上的BGM起源於歐洲的戲曲，自電影有聲化之後BGM得以迅速發展。以BGM指代此義，多出現在動畫行業。動畫界普遍認為，BGM是動畫中不可或缺的一個重要組成元素，它不僅需要配合畫面的情節發展，還必須有著自己獨特的風格，是動畫的潤滑劑與推進器。因其重要性，幾乎每一部動畫都會把自己的BGM抽取出來，收錄進相應的原聲帶OST里，作為副產品發售。

在中國的發展幾乎沒啥可解釋的～就像別人發明了電影～咱國一樣可以拍～這叫「影響」而並不能解釋為模仿～是一種特殊形式的傳播而已～