音樂表演史是什麼電影

❶ 求一些電影！關於藝術的！尤其是音樂類！

貝多芬：
較老的一部《貝多芬傳》是上世紀三、四十年代左右的吧，在電驢上可以找到，卓越網上也有賣，才六塊二，很便宜。
最近的一部是《不朽的戀人》，也叫《貝多芬傳》，比較好找，迅雷上也可以下。
還有《貝多芬情史》，同系列的還有《舒曼情史》，《德彪西情史》，都是大音樂家，看看情史也有助於理解作品吧，呵呵。

莫扎特：
電影《莫扎特傳》很好找。
電驢上還有個資源叫《尋找莫扎特》，不是電影傳記，應該算紀錄片，也不錯。
卓越上有DVD《莫扎特:美國歷史頻道人物誌》，當然也有《貝多芬:美國歷史頻道人物誌》，沒買，不知道效果怎麼樣，你可以試試。

肖邦：
《春光奏鳴曲》也叫《我愛肖邦》，休.格蘭特主演的。
《一曲難忘》，這個比較早。

李斯特：
電影《李斯特狂想曲》，這個沒看過，據說是將他成功培養一名吉普賽男孩的經歷。
還有個《李斯特狂》，不知道它在講什麼。

帕格尼尼
1989年電影《帕格尼尼》

約翰.施特勞斯：翠堤春曉。

杜普雷：《她比煙花寂寞》本質上個人不太相信這是杜普雷。

還有《shine》——閃亮的風采。

搜關鍵詞「音樂傳記電影」，還能搜到一些其他的，自己再看看吧。

❷ 請求《電影之歌》的劇情簡介

要詳細的

看吧

電影之歌
為紀念中國電影誕生100周年，國家廣電總局電影頻道節目中心（CCTV-6）開創性地嘗試通過多媒體電影音樂劇的形式禮贊中國電影的百年輝煌。音樂劇《電影之歌》精心策劃、籌備了長達兩年，由電影頻道投資，兩岸三地的著名編劇、導演、音樂人、美術指導，以及影視明星共同加盟，通過一個普通電影工作者傳奇的一生折射中國電影百年歷史。《電影之歌》力求讓觀眾在劇中主人公的坎坷人生經歷中看到中國電影百年的風雨歷程，讓觀眾感受音樂魅力的同時全方位了解電影給中國人的生活帶來的變化。感受今天中國電影在國際上贏得的輝煌。

李宗盛：以民族引導流行

160分鍾感人的音樂、22首原創新曲，音樂總監李宗盛將以流行音樂風格貫穿歷史的旋律，用民族樂器的特點創造革命性的音樂演唱。劇中李宗盛運用不同的民族音樂曲風如京劇、進行曲、中樂、大合唱等表現手法與特色，結合古典及流行音樂來創造出濃厚的世界音樂曲目。這些音樂分別在北京、上海、馬來西亞、台灣等地進行錄音製作及縮混，以便達到李宗盛要求的音樂質量與效果。《命運之約》、《今夜星光燦爛》、《你為夢而生》、《借來的星空》等劇中原創歌曲，都由劇中主演傾情演唱。

百年來，電影中除了留下幕幕刻骨銘心的畫面，也留下了首首動人的旋律和歌曲。李宗盛將在獻給百年電影的音樂劇中，用他敏銳的流行音樂的觸覺巧妙地將這些老歌、好歌糅進音樂劇的原創旋律里，並隨著故事的發展帶觀眾進入每個年代的回憶。劇中觀眾還將有機會欣賞到李宗盛親自彈奏吉他的效果。

由於檔期原因，成龍與該劇演出失之交臂，但他還是不遺餘力為中國電影百年獻上自己的一份力量，在《電影之歌》首演之前，深夜來京錄制主題曲《命運之約》，其精神令人感動與振奮。作為劇中主演之一的庾澄慶也來到李宗盛的錄音棚，親自為成龍大哥監棚，並坦言大哥的唱功屬於「正義派」的。

葉錦添：將場景瞬間轉換

33場華美布景的《電影之歌》讓因《卧虎藏龍》獲得奧斯卡金像獎的葉錦添過足了癮。一般百老匯音樂劇能換上25個場景已經是超大製作，這次《電影之歌》的33個場景將是世界創舉。從老北京四合院、舊上海的弄堂、碧波粼粼的黃浦江，一直到香港的繁華市區，都要隨著劇情的發展逐一更換。有的場景僅需要30秒的瞬間就能讓年代與地點發生變化，連舞台的地面彩繪都符合劇情的內容與發展的需要，在短短的三個小時里讓觀眾體驗時光轉換的魅力。

另外，演出中會出現近600套服裝，從黑白、銀灰到色彩斑斕，款款不同、套套創新，使觀眾從色彩變化中深切感受時間與空間的轉化。葉錦添用製作電影服裝的要求，在布料的選擇及裁剪工藝上都嚴格地按照時代特徵及角色的變化而精心設計。其中有幾件服裝的造價竟高達3萬元。為了配合葉錦添的精美舞台效果，製作組還特別從杭州訂制了一個直徑為14米、內外二層、厚度僅30厘米、噪音極低的全國最大的轉台，其做工之精細、整體製作要求之精準都可以說是亞洲唯一。為了達到更好的投影效果，主辦方還專門從美國進口絢紗的幕布，幕布的牙孔密度區別於一般幕布的六方孔，透光度及折射產生的畫面質感相當於銀幕效果，超過國內同類產品。同時，這也是國內音樂劇首次運用瑞士的燈景遙控系統，其精細程度是中國音樂劇史上前所未有的。

李捍忠：讓優美舞景跳躍

20段不同舞蹈打造耳目一新的舞蹈世界，現代與傳統完美結合，歷史與文化經典重現。《電影之歌》在舞蹈上融入多種藝術元素，音樂與舞蹈風格的多變，不同於以往音樂劇簡單的歌、舞、劇的純粹表演，而是將三者巧妙貫穿為一體，但又不影響各自的完整與獨立性，每一部分都可以自成一體，獨立演繹。20段不同的舞蹈結合著動聽的音樂，結合演員的傾情演繹，高潮迭起。《電影之歌》的舞蹈不只是伴舞或者陪襯，而是構成音樂劇的重要組成部分，許多獨立的舞蹈部分，如黑白變彩色、影之舞、板凳舞、夢幻大世界、新生等都是本劇獨挑大樑、敘述時代變遷的重要段落。執行編舞李捍忠要讓李宗盛音樂的優美在觀眾眼前跳躍。

庾澄慶：挑戰高齡角色

台灣著名歌手庾澄慶這次在劇中飾演男一號「影生」，這個人物是中國一百年來不同時期電影人的縮影，哈林將在短短的3個小時里從20歲演到80歲，這對首次出演舞台劇的庾澄慶來講極具挑戰。

今年出道滿二十周年的庾澄慶，為了演出極具意義的《電影之歌》，不惜延遲新專輯的發行，遠赴北京進行音樂劇綵排。庾澄慶表示，當歌手之前就已經接觸過舞台劇演出，這次獲選接演電影百年音樂劇，讓他感到相當榮耀，尤其他所飾演的男一號「影生」貫穿全劇，對他來說是前所未有的挑戰。

劇中哈林瞬間橫跨一甲子，首度嘗試八十多歲的老妝，這讓他費去半天光陰，又是上膠，又是染白頭發。談笑風生的庾澄慶學老人口吻打躬作揖：「我老當益壯。」讓工作現場笑聲連連。哈林坦言老年「影生」最難演，因為自己尚未到老年，很難體會老年人的心境。不過，他的詮釋不以一般老年人彎腰駝背，一說起話就咳嗽連連的方式來呈現，因為有很多老人到了八九十歲還是健步如飛、精神矍鑠，哈林希望自己飾演的不是虛有其表的老人。

談到自己在《電影之歌》里的「任務」，庾澄慶說：「我的舞蹈部分不是很多，因為我不太會跳舞嘛，別人學5分鍾的段落我可能要學5天。我的歌曲方面比較多，獨唱、合唱加起來有十多首。至於曲目，我會演唱張信哲、蔡琴一些歌曲的『改編版』，但更多的還是新歌，曲式都比較流行。」

哈林在接受訪問時坦言其實自己有點緊張，「因為畢竟舞台劇跟電影、電視劇不一樣。拍電視劇、電影一次不好可以再來一次，再經過後期剪輯把不好的、有問題的地方剪掉。而舞台劇在演出中只有一次，不能改變，自己又是那種堅持演出不能有一點點差錯的人，所以每天晚上11點左右排練收工後，我回到住地還要再看一遍助手幫我拍的當天的DV帶，跟經紀人一起討論我在各個環節還有哪些缺點需要改，一般都是凌晨兩三點才睡覺。」

在北京呆上三個月的哈林，只為新專輯製作專程返台一趟，其餘時間全力投入綵排。他表示，能夠和李宗盛、張婉婷、葉錦添等一起合作，是千金難買的經驗。目前他的新專輯已完成大半，演完《電影之歌》後庾澄慶就將重返歌壇。

張靚穎：帶房祖名入戲

近期的熱點人物張靚穎在《電影之歌》中飾演少年影生的表妹素君。前期綵排階段，首次參加表演的她心情有些緊張，「唱歌倒是好一點，演這方面對我來說完全是一個新的東西，雖然台詞背得很熟，但是還沒有找到那種感覺，肢體上的語言還有欠缺。人們都說要把一個戲演好、感動別人，就先得感動自己，我除了熟練之外，還得找到一些感動的東西。」

張靚穎這次要在劇中演唱兩首歌，一個是跟劇中的表哥一起唱的，叫《我是做夢者》。另一個是送別表哥時唱的《你為夢而生》，中間還有穿插表演的東西。張靚穎說：「之前他們教我，說台詞要把語速放慢，不能像平時說話一樣；表演要有一個一個的點，要感覺有表演的層次。這些對我來說就比較復雜，怎樣去把握這個點，說話的語氣什麼時候重一點，什麼時候要急一點或緩一點，需要把詞背得很熟，就像導演說的一定要形成條件反射。我可能偏於生活化一點，舞台上很多東西需要更突出，我得再誇張一點，這樣才能更容易讓台下的觀眾感受到劇中的情緒。」

房祖名在《電影之歌》中飾演少年影生，與飾演表妹素君的張靚穎有大量的感情對手戲。音樂劇對他們來說都是一個陌生的領域，是一種挑戰和嘗試。演出中，影生與素君在屋頂上有一場戲，張靚穎與房祖名四目對望，把兩小無猜的兄妹之情表現得生動而感人。他們在舞台上的開懷大笑，讓人感受到他們之間的默契。

雖然《電影之歌》是張靚穎演藝道路上的處女作，但張靚穎領悟與吸收得非常快，綵排中短短幾天即進入角色，與專業演員的表演已沒有區別。而與其演對手戲的房祖名也為此劇增添了不少色彩，這是張靚穎與房祖名第一次接觸與合作，但是在演出過程中，兩個年輕人沒有任何陌生的感覺，一入戲即各自找到感覺。由於張靚穎的提前進入，所以在表演過程中，她能帶著房祖名很快入戲，而表演經驗豐富的房祖名也能很快把握劇中人物的心理與性格，兩人在演出中擦出了大量火花。

房祖名還透露說，他跟張靚穎頗有緣分：「拍完戲回到房間很寂寞，看與不看都要開著電視。有一天，突然聽到一個女生唱歌很好聽，就是張靚穎，她是第一個讓我注意《超級女聲》的人。不是別人唱得不好聽，而是她的風格比較適合我，聽到之後就嚇到，她是我聽過的中國人唱外國歌最好的一個。」

張信哲：用丹田唱京劇

在《電影之歌》中，張信哲將一改往日「情歌王子」的形象，會在舞台上展示京劇唱功。張信哲坦言，為了《電影之歌》，他推掉了很多賺錢的工作，但是他覺得很值，因為在音樂、表演等方面的收獲更多。

張信哲在《電影之歌》中的戲分不多，但角色的分量可不輕，他扮演把電影帶到中國的第一人「影生二叔」這一重要角色。談到接戲原因時，張信哲說：「主要是這部戲的綵排和演出都在北京，我還要籌備新唱片，剩餘的時間不是很多，所以只能先挑了這個戲分雖少、但很重要的角色。這段時間為了綵排，掙錢的工作也推掉了不少，劇組很多演員的酬勞很少，像我基本屬於倒貼。」

推掉賺錢的工作來演《電影之歌》，張信哲覺得很值，他說：「參演音樂劇本身就是一個挑戰，它會考驗演員的唱功、演技、舞蹈等多方面的才藝。另外，《電影之歌》的幕後製作班底非常強大，李宗盛、張婉婷、羅啟銳、葉錦添等任何一位都是大牌，能與他們合作是每一位演員和歌手的夢想。在唱功方面，我與李宗盛大哥有著多年的默契，我們之間不需要講太多，就能抓到他要的感覺。但是在演戲部分，我就比較緊張，自己畢竟不是科班出身，除了跟組綵排外，我還會在家裡偷偷地練習。」

張信哲表示，很早導演就邀請他扮演這個角色，不過進入劇組才知道自己要唱以前從來沒有嘗試過的京劇。「京劇的演唱技巧與流行音樂不同，要用丹田演唱。」張信哲說，「我在劇中以『唱』、『演』為主，觀眾會看到一個耳目一新的阿哲，因為我會演唱改編過的京劇，樂器也是以京胡為主，完全沒有流行音樂的味道。剛開始很不習慣，因為唱歌和唱戲時發音的部位不同，唱歌大多是口、鼻和喉嚨的共鳴，而唱戲需要用的是丹田之氣，我需要不斷地調整才能准確地抓住那種味道，雖然不需要百分之百的京劇唱腔，但僅僅唱出旋律肯定是不夠的。」

袁泉：盡顯張揚狂野

袁泉以前扮演的角色多是安靜、含蓄的，而這次在《電影之歌》中的表演會與以前大不相同，要求展現出張揚、狂野的一面。在編劇的設想中，女主角清清是一個漂亮、百變，頗似「紅玫瑰」的人，從18歲到50歲，從大紅大紫的影星到生活歸於平淡。袁泉認為，清清其實是一個理想化、天真的人，她的得意、落魄、失落、返璞歸真就是一個女人成長的過程。袁泉表示不想把清清定義成一個勇往直前的女孩，「她不會為了自己的理想不擇手段，面對感情她也會猶豫。一開始也會很天真料想一切，直到真正走進了名利金字塔，才發現一切不是自己想像的那麼單純」。

袁泉在劇中要唱6首歌，包括獨唱和合唱，「在劇中我經歷了不一樣的年齡，這些歌曲就是要唱出當時的心聲，讓觀眾感受角色的經歷和感悟」。袁泉坦言與李宗盛學到了很多東西，她說：「他改變了我很多唱歌的概念。他說唱歌就跟說話一樣，唱歌時會有很多隱藏在背後的意思，你要用重音、語氣這些表達讓別人明白你想要說什麼，特別是語氣很重要。所以，唱歌不是在唱旋律，而是在用另一種形式說你想說的話。」

袁泉表示，這個音樂劇讓她演起來有一種很神聖的感覺，因為在這部音樂劇中，展現了她所熱愛的電影的發展歷程。作為一個演員，能夠在這部紀念電影百年的大製作音樂劇中擔任主演，袁泉感覺很榮幸。「為了演出《電影之歌》，我放棄了一些電視劇的拍攝，但是我覺得這是值得的。我對自己每年的工作都要有個交待，在我總結這一年歷程時，能有一個自己可以問心無愧的作品。而且這個音樂劇又是為紀念電影百年而做，那麼強大的班底，導演張婉婷、大哥李宗盛他們都是很盡心地准備這部劇的，我能夠參與其中感到非常幸運。」

❸ 誰能給我大概講一下《音樂之聲》這部電影阿

音樂之聲 Sound of Music, The
十分適合親子同樂的一部影片。有趣的故事，悅耳的歌曲、溫馨的人情、天真無邪的笑料，構成了這部曾打破影史上最高賣座紀錄的歌舞片，並曾獲最佳影片等五項奧期卡金像獎。茱麗安德魯絲扮演真有其人的奧國修女瑪莉亞，她到鰥居軍官家中照顧他的七個孩子，後來還成為他們的繼母。在德軍納粹佔領奧地利之後，他們全家利用一次公開表演的機會逃出了魔掌。導演羅伯特．懷斯成功地掌握住本片的各項吸引人要素，使它成為一部長青的家庭電影。
電影史上傳頌最廣的一部活潑、溫馨的音樂電影
好萊塢音樂歌舞片經典中的經典
藝術與娛樂最成功的平衡之作，人類最珍貴的永恆佳品
1965年出品
導 演：羅伯特·懷斯
主 演：朱莉·安德魯斯
克里斯托弗·普魯默
·第三十八屆奧斯卡最佳導演、最佳影片、最佳配樂、最佳剪輯、最佳錄音五項大獎
·一九六六年金球獎最佳影國音樂片巨匠羅伯特·懷斯
電影《音樂之聲》取材於瑪利亞·奧古斯都·特拉普的同名自傳體小說，根據美國百老匯的同名音樂劇改編而成，是美國音樂片巨匠羅伯特·懷斯新風格音樂片的又一力作。在編、導、演的天衣無縫的配合下，這部影片成為電影史上最經典的音樂片之一。
天性自由、善良的美麗修女瑪利亞，奧地利美麗的阿爾卑斯山的山坡、清澈的湖泊、雅緻的別墅，一群活潑可愛的孩子，以及反納粹、追求自由的勇氣，這一切都深深地打動著世界各地人們的心。
《音樂之聲》清新有致，雅俗共賞。既有幽默的情趣，又有深沉凝重的感情，在各國的民意測驗中經常被評為"最受歡迎的影片"，是全世界票房最高的電影之一。其中流傳最廣的幾首經典音樂，如表達瑪利亞對大自然熱愛的主題曲《音樂之聲》；輕松愉快的《孤獨的牧羊人》；特拉普上校演唱的深情無限的《雪絨花》；歡樂大方的《哆口來咪》；以及可愛的孩子們演唱的《晚安，再見！》等等，都成為人們記憶中最值得珍惜和細細回味的藝術佳作，被視做人類最珍貴的永恆佳品。
許多人都曾問過我最喜歡的電影是什麼，可能他們認為我作為功夫名星，應該喜歡那種帶有暴力色彩的影片，可是說出來或許會很讓人奇怪，我最喜愛的電影既不是史泰龍的槍炮，也不是施瓦辛格的特技，而是充滿溫馨的《音樂之聲》。因為在這部影片中，我所感到的是人世間那種最淳樸、最簡單的友愛和摯愛之情，這部影片讓我的全身心都感到放鬆。
--國際巨星 成 龍
從來沒有一部電影如此深入人心，不但裡面的角色、情節、人物經歷家喻戶曉，主題歌曲也被廣為傳唱，由它帶來的影響面之廣、覆蓋面之大、被感染的人之多可謂空前絕後、獨一無二，它就是來自著名的阿爾卑斯山脈的《音樂之聲》。
《音樂之聲》來自生活，高於生活，它以樂抒情，以樂動人，到處充滿陽光氣息與溫馨浪漫，它把抽象的音符、大自然的和諧美景和人文景觀完美結合，體現出人與自然和諧融洽、相互依託的關系，鼓勵人們樂觀向上，追求純潔美好，爭取自由和享受生活，消除邪惡雜念，達到真善美的理想境界。雖然裡面的主要角色都被刻意美化，但絲毫無損主題和形式上的出類拔萃，幽默的對白和情節，更把觀眾逗得前俯後仰，樂不可支。《音樂之聲》稱得上是電影史上絕妙的神來之筆，是一部影響深遠的作品，它甚至超出了藝術作品的范疇，從藝術史、社會學、心理學、教育學、哲學等角度來衡量都值得研究和借鑒。
--影評人 Waddle
《音樂之聲》取材於1938年發生在奧地利的一個真實故事。
見習修女瑪利亞是個性格開朗、熱情奔放的姑娘。她愛唱歌、愛跳舞，還十分喜愛大自然的清新、寧靜和美麗。修道院院長覺得瑪利亞不適合過與塵寰隔絕的生活，於是介紹她去薩爾茨堡當上了前奧地利帝國海軍退役軍官馮·特拉普上校家7個孩子的家庭教師。
馮·特拉普是個善良勇敢的愛國者，他的妻子早逝。家裡沒有歌聲，也沒有笑聲。
瑪利亞來到上校家中，發現上校管理孩子的方法簡單而粗暴。只要他的哨聲一響，孩子們就從各自房間里以最快的速度奔跑出來，排好隊，按水兵操練的要求通報自己的姓名。
一開始，孩子們對瑪利亞帶有排斥情緒，總是想法設法捉弄她，但是瑪利亞理解孩子們在成長過程中的所作所為，她引導他們，關心他們，幫助他們，贏得了他們的信任，很快就成了他們的知心朋友，同他們建立了深厚的感情。
上校準備離家去維也納，在這期間，瑪利亞和孩子們排練歌曲、做游戲、去大自然中遊玩，整個家庭平添了許多笑語、歡樂和生氣，充滿了音樂之聲。
當上校帶著准備與他結婚的男爵夫人回來時，發現家中呆板、冰冷的空氣完全變了，他的"水兵們"已被訓練成一支很有素養的家庭合唱隊。
看到男爵夫人的到來，瑪利亞知道她將成為孩子們的新媽媽，於是她留下了一封信就離開了上校家，回到了修道院。然而由於男爵夫人太一本正經，孩子們不能和她融洽相處。同時，由於瑪利亞給這個家帶來的變化激起了上校對生活的熱愛，喚回了逝去的幸福，也喚起了他對瑪利亞的愛情。於是上校最終拒絕了男爵夫人，他來到修道院找瑪利亞，他們終於結成了美滿的伴侶。
這時正是30年代希特勒吞並奧地利的前夕。在薩爾茨堡舉行奧地利民謠音樂節的當天，上校和瑪利亞接到了柏林的來電，命令上校參迦納粹的海軍，並把他和全家置於嚴密監視之下。借著參加民謠音樂節的機會，特拉普家庭合唱隊在奧地利同胞面前奉獻出他們心底里的歌，並在朋友和修女們的協助下，全家跨過阿爾卑斯山，逃出了多難的祖國，來到了自由之地。
永遠帶來歡樂的《音樂之聲》
《音樂之聲》是一部影響了幾代人的電影，無論從哪個標准來評，它都是美國音樂片的經典之作。有趣的愛情故事、悅耳的歌曲、活潑的孩子、溫馨的人情、天真無邪的笑料，構成了一幅美好的生活畫卷；動人的音樂、優美的風光、積極的生活態度，引發著人們對生活無限美好的瑕思。
歌曲《音樂之聲》是影片中的點題之曲，影片開始時由瑪利亞在山頂獨唱。上校赴維也納期間，瑪利亞把這首抒發自己對故鄉、對大自然、對音樂的無比熱愛的歌教給了7個孩子，讓他們在男爵夫人到來時為她演唱。上校長久禁錮的心被這家中久違了的美妙、純真、動人的歌聲融化了，他從原來那位不苟言笑的上校變成了一位和藹可親的父親，和7個孩子擁抱在一起……
影片里以電影音樂的原貌參與了故事敘事的當首推那首膾炙人口的小歌《雪絨花》（《EDELWEISS》）。 上校在瑪利亞和孩子們的盛情邀請之下，接過吉他自彈自唱了這首自己最喜愛的、已多年不唱的奧地利民謠：
Edelweiss� edelweiss�（雪絨花，雪絨花，）
Every morning you greet me． �清晨迎著我開放。
Edelweiss� edelweiss� �雪絨花，雪絨花，
Bless my homeland forever． �永遠祝福我家鄉。（註：採用薛范譯詞）
上校沉醉在對故土、對祖國的一片深情之中，忘我地唱著。瑪利亞的鏡頭數次切入，她站在門口凝視著上校。歌聲使他完全變成了另外一個人，在那飽含真情的歌聲里，瑪利亞發現了一個男人豐富、博大、敏銳的內心世界。音樂悄悄地把兩顆高尚的心靈連結了起來，愛情的火花開始燃燒。當兩人在家庭晚會上和諧地共舞之後，掩飾內心已經變得非常困難了。
而要說這首小小的歌曲作為一件重要的音樂道具在整個故事結構中發揮了巨大作用，那還是在音樂節上。拒絕為納粹服務、決不背叛自己的祖國和人民的上校準備冒險帶全家離去。臨別之際，他為家鄉的父老鄉親獻上的還是那首他最喜愛的歌。但一曲未了便已哽咽，瑪利亞默契地接唱下去，並帶動全場觀眾加入大合唱。這是全片最令人心潮澎湃的感人高潮。看似最簡單、最不起眼的一首小小民歌，在影片所用的全部歌曲中凸顯了出來，促使觀眾開始正視故事所屬的陰雲密布的時代--片頭字幕所說的"30年代薩爾茨堡最後的黃金歲月"。它使一部洋溢著歡聲笑語的喜劇片在此刻展現出了嚴肅、深刻、崇高的人道主義內涵。音樂節上全體觀眾高亢、洪亮地合唱著《雪絨花》，表達了奧地利人民反對侵略的正義心聲和不畏強暴的必勝信念。
30多年過去了《音樂之聲》永遠帶給你歡樂，帶給你思考。（佚 名）
《音樂之聲》以後的故事
電影《音樂之聲》講述的是一個真實的故事，影片結尾處是上校一家最終勇敢地逃出了納粹控制的奧地利，也許許多人認為這個故事就結束了，正像所有的童話故事結尾時所說的那樣，"從此過上了幸福的生活"。
可是，真實的馮·特拉普一家人在此之後到底去了哪裡呢？他們的生活到底怎樣呢？
1938年，當這家人出走奧地利的時候，瑪利亞正懷著馮·特拉普上校的又一個孩子約翰尼斯。沒有了花團錦簇的家園，他們成了一文不名的逃亡者，一家人的生活立刻就是個大問題。但是馮·特拉普一家人並不氣餒，也不在意一切都要從零做起。 這個家庭組成了合唱團，浪跡天涯，賣藝為生。從生日婚嫁的宴會到皇家樂館的演出，無所不為。1939年，當他們來到美國進行演唱旅行時，發現了佛蒙特州小鎮斯託附近的一片農庄。小小的農庄讓他們想起了奧地利的家園，他們立刻愛上了這片土地。於是就用積攢下來的錢買下了這片土地，並建成了自己遠離故鄉的家。在此之後的幾十年間，馮·特拉普一家每年都要到世界各地去演出，足跡遍布30多個國家，但是，他們一直把斯托的這處農庄當成自己永久的家。
1947年，瑪利亞在斯托成立了特拉普家庭音樂營。隨著音樂營的擴展，她家提供過夜的客房漸漸不敷使用，於是她就建起了特拉普山莊。他們也曾因為不諳社會環境而大吃苦頭。1949年，瑪利亞將一家人的經歷寫成了傳記，立刻引起了強烈的社會反響，但是當首次有人出價收購她的故事改編電影時，瑪利亞卻被欺騙，沒有得到自己應有的權利和報酬。
不盡如人意的際遇並沒有使他們生出怨天尤人的哀嘆，挫折和教訓也不能使這個移民家庭倒下去。
1965年，電影《音樂之聲》在全世界發行，演出了"真善美"的一幕，瑪利亞成了家喻戶曉的人物。但在1980年，一把大火把辛辛苦苦建造起來的特拉普山莊化為灰燼。然而，1年半之後，在原來的房基上又是一幢嶄新的特拉普山莊，並且在山麓和湖邊還建造了星羅棋布的客舍接待遊人。如今特拉普山莊已經遠近聞名，每年接納成千上萬對特拉普家的經歷和他們的歌聲情有獨鍾的遊客

❹ 歌舞片的歌舞片的流行史

歌舞片興起於上個世紀20年代末的好萊塢。幾乎與有聲電影同時誕生，1927年第一部有聲電影《爵士歌王》標志著歌舞片的誕生，但是由於缺乏聲音這一方面的要求，人們將1929 年米高梅的《百老匯的旋律》看作是第一部真正的歌舞片。
歌舞片在30年代開始盛行，並成為30、4O年代的流行時尚，出現了一系列經典的歌舞片，如我們熟知的《綠野仙蹤》Wizard of Oz (1939)，《四十二號街》等。50、60年代達到輝煌，產生經典《一個美國人在巴黎》《西區故事》《音樂之聲》，70年代便開始萎縮，90年代以後，以另一種新的形式呈現出來。光影世界，世事浮沉，當科幻片、動作片、災難片和恐怖片等輪番上陣後，往昔「歌舞昇平」的時代雖然已經漸行漸遠。
而歌舞片在印度則依舊美輪美奐。印度，作為一個世界最大的歌舞電影電影生產國，每年擁有全世界36 億觀眾，在它的市場上，好萊塢電影僅佔6% 的份額。以孟買為中心的南好萊塢電影，以「無歌舞不成片」的傳統為世界奉獻了獨具特色的巴西歌舞片。從50 年代風靡中國的《我的情史》，到新世紀紅遍全球的《印度往事》，雖然歷經半個多世紀的滄桑，但印度電影依舊是歌舞昇平、如夢似幻。今昔的歌舞片更是擺脫以前的模式，推陳出新《印度往事》《野玫瑰》等等，都是膾炙人口的名片。今天的印度歌舞片在印度新的電影人的帶領下，呈現出新的現代特徵。
我國歌舞片的雛形早而有之，只是形式單純，沒有好萊塢的豪華陣容，也沒有巴西歌舞片的民族特色，發展不夠成熟，加之數量又少、不成規模，觀眾自然也形不成對中國歌舞片的認識。1931年《歌女紅牡丹》誕生，這是中國第一部有聲電影，嚴格意義上說是一部歌唱片。30、40年代歌唱片成為上海娛樂電影的一種主要形式。比如第一部有插曲的影片《野草閑花》，阮玲玉和金焰演唱的《萬里尋兄》清新感人；由馬徐維邦導演的《夜半歌聲》根據美國百老匯歌劇《歌劇魅影》改編而來，在上海創下了連映34天場場爆滿的紀錄，其中由田漢作詞、冼星海作曲、金山演唱的三首插曲功不可沒。雖然不能算嚴格意義上的歌舞片，但是歌舞的魅力已經開始在電影中閃現。其中最著名的是《馬路天使》。到了五六十年代，彩色歌舞片曾在香港風靡一時，尤其是邵氏的《花團錦簇》和《千嬌百媚》，其豪華的歌舞場面蔚為壯觀，是著力模仿好萊塢金碧輝煌、歌衫儷影之風格的經典作品，堪與同期好萊塢歌舞片相媲美。
我國的現代歌舞片比較有影響的是香港導演陳可辛的《如果愛》。陳可辛懷揣著「中國50年來第一部真正音樂劇電影」、「3 年來最盛大的中國歌舞片」的理想，使《如果·愛》終於在2005年末粉墨登場，一場豪華的歌舞盛宴剎然間展現在觀眾的眼前。
通覽世界歌舞片發展史,美國和巴西的歌舞片從把簡單的舞台劇搬上熒幕到現在的製作商業歌舞大片同為歌舞片,表明他們已經進入一個相當成熟的階段;而中國的歌舞片經過多年停滯之後,現在正在嘗試改進注入新的活力。是巧合,還是事出有因,下面就通過以新世紀好萊塢，巴西和中國歌舞片代表《紅磨坊》，《巴西往事》，《如果愛》這三部影片藝術創作特色上的比較來探討新世紀歌舞片呈現出來的新特點以及尋求當代成功的歌舞片所必備的基本要素。 《紅磨坊》在敘事方面並沒有表現出什麼新的東西。這部電影在片中講述的正是一個傳統好萊塢「後台歌舞片」的故事。劇情設置可以說毫無新意,簡單老套的劇情都成了它被載入歌舞片歷史的「攔路虎」。影片先是把紅磨坊內頹廢、奢靡、淫亂的狂歡場面盡其所能地鋪陳在觀眾面前,營造出烏托邦式的氣氛;緊接著,讓莎婷(尼克·基德曼飾演)與克里斯汀(伊萬·麥克雷格飾演)錯遇並相愛,進而編織出烏托邦式的愛情諾言。公爵的出現預示著這對剛剛熱戀中的男女將要在社會現實和理想之間艱難抉擇。莎婷為了使克里斯汀不被殺害，趕走了克里斯汀，最後克里斯汀還是回來了，歌舞劇成功了，但是莎婷因為肺癆死了。所有情節鋪墊都是按照典型的後台歌舞片的套路來編排,絲毫沒有創新,所謂「後台歌舞片」是指在一個真實的舞台上表演歌舞節目，加上後台的愛情故事作為填充。在1930 年的歌舞片中「後台愛情」是常見的敘事設計，為歌舞表演提供形勢和情緒的框架，這一時期好萊塢歌舞片對敘事和主題的處理還主要是為前台表演作陪襯的。在這種模式下,即使結局變為有情人終不能白頭偕老, 《紅磨坊》的故事情節也沒有了任何吸引力。
同樣地,《如果·愛》在整體劇情上也未免於落入俗套。陳可辛導演運用「戲中戲」模式,講述同一部戲的戲內戲外兩個雷同的三角愛情故事。但它與《紅磨坊》最突出的不同就是,《如果·愛》的結局是開放式,孫納愛林見東,也愛聶文,但她的最終選擇無人知曉,影片結尾並沒有交代,或許連她自己也不知道,這就使劇情豐富化,自由化,不會像好萊塢經典模式那樣,將情節都設置成一個套路,看到最後所有人都能猜到結局。《如果·愛》留給孫納選擇的餘地也便留給了觀眾思考的空間。這是作為歌舞片的一個突破,情感糾纏的細膩充分融入於劇情的走向,把選擇留給時間,把情緒拋給觀眾,把思索對比現實。 早在40 年代歌舞片的「黃金時期」，米高梅的夢幻王國將音樂變成了一種普遍的世界觀，是對一種「態度」的視聽表現，這種態度實質上就是認為「世界是一個美妙和富於浪漫色彩的地方，其中滲透著音樂的節奏與優雅。」這種態度從最早的《爵士歌王》開始就一直存在，但是作為歌舞片的「風格」，卻是在「融和歌舞片」將情節和歌舞融為一體之後才明確的。但是歌舞片發展到當代，開始轉向多樣和含混：《芝加哥》揉合了「黑色電影」的元素，採用陰影和低調光，一反歌舞片高調布光的明亮場景，將鏡頭轉向街道、監獄、法庭等場所，表現「黑色電影」的經典主題——「性和暴力」。其中最為著名的段落「監獄六重唱」引進女權主義色彩，在歌舞片的主題中是一大突破。被冠以「後現代激情主義」的《紅磨坊》是一場拼貼和碎片化的游戲，這符合「後現代」的敘述特徵。飽和色塊的壘積、漫畫式的表演、自由變化的攝影機視點，都體現了後現代「不建設一物」的狂歡式的信條，而歌舞本身的對位運用是對經典的嘲諷和解構。歌舞片不再是表演的標准和陳規了，變成了漫畫化和游戲化的雜耍。
相比之下,《如果·愛》的畫面全然是另一種風格。兩位華語電影界著名攝像師鮑德熹與杜可風分擔鏡頭工序。鮑德熹以熱切及浪漫的角度負責歌舞場景的拍攝。但這次,導演和攝影師並沒給觀眾帶來視覺上的驚喜,歌舞部分的拍攝和剪輯中規中矩,側重保證畫面流暢和敘事抒情。依據歌舞的意境和情緒,景別的運用比較局限。
以《忘了我是誰》為例,這首歌描述的是男主角與失憶的主角第一次在馬戲團見面的片段。由於重點在於兩人的對話,所以景別集中於中景,在兩人的腰部以上轉換。再以《人生蒙太奇》為例,這首歌是整部片子的開場歌舞,場景著重於熱烈、歡樂的氣氛,所以多用搖臂攝像機在舊上海的街道內拍攝。景別都是全境,包括正面全境、側面全境和俯拍全景。比較出彩的是對於色彩的使用。在本片中體現了三種不同的攝影風格。歌舞劇部分的畫面呈現一種橘紅色的暖色調:色彩濃烈豐富、場面宏大熱烈，是側重於視覺奇觀營造的華麗風格;回憶部分除了主人公孫納的服裝選用橘黃、紫色等相對飽滿的色彩之外，整體上呈現一種藍灰色的冷色調，這種「褪色」感畫面緊扣了「回憶」的主題，加上對雪景的運用，使畫面有一種純凈抒情的唯美化色彩;現實部分則採用了生活化的攝影風格，在布光和色調運用上貼近自然。
《巴西往事》的整個的影片都使用肩扛攝影, 而且一直保持在同肉眼視距相同的焦距上, 攝影師並沒有故意的晃鏡頭。這樣的拍攝觀念使得觀眾能夠以更加現實的生活化的角度來看待問題、領悟影片所傳達的內在信息,並觸發觀眾心靈深處的共鳴。肩扛攝影同時意味著靈活的機位和鏡頭調度, 一般的固定幾個機位拍攝一組場面往往會給人帶來一種被外在因素誘導的感覺, 而肩扛攝影的鏡頭轉向隨意、機位感模糊, 畫面感覺會相對客觀。影片進行到第11分鍾時出現了情節的第一次高潮—女僕愛麗斯和工頭杜比的初次邂逅, 當杜比碰倒了愛麗斯的托盤, 愛麗斯蹲下撿東西, 兩人一上一下互相凝視, 此處攝影師採用肩扛、亞高速攝影在一個鏡頭內一氣呵成, 完成了從俯拍到仰拍的過渡, 給觀眾以新穎、流暢、自然的感覺。 影片表現的是19世紀末，20世紀初的故事，但大部分音樂與歌曲選擇的都是20世紀後半期的經典流行音樂，例如，在《紅磨坊》里， 基德曼與麥克格雷格互贈的情歌有甲殼蟲的《你需要的是愛》,U2樂隊的《驕傲》、保羅·麥卡特尼的《蠢笨情歌》基德曼在「紅磨坊」中被眾人擁舞模仿了麥當娜《物質女孩》的MTV,而麥當娜的成名曲《宛若處女》則由「紅磨坊」的經理泰勒拿來戲仿。這樣的混亂使歌舞與敘事不能糅合在一起，但是與其後現代激情的主題是符合的。歌舞場面是對早期歌舞片的復興。在歌舞片早期，華麗的歌舞場面是必不可少的，製片公司通常要花費大量的人力物力去製作華麗的布景和艷麗的服裝，營造花團錦簇的盛景，呈現給觀眾的往往都是一派仙樂飄飄、奢靡繁華的夢幻場景。
紅磨坊》在製作規模和故事情節的設置上做到了「復興」，而影片的核心———歌舞段落，卻充滿了華而不實的聲色表演。在歌舞片的每一發展時期都有其特色與代表作，其歌舞表現形式也都被注入新的活力，更有許多經典歌舞段落為後人所津津樂道。例如，《雨中曲》里，金·凱利在雨中歡快地跳起踢踏舞，並唱起《雨中曲》的場面極具藝術感染力，是歌舞電影史上的經典。英國著名導演邁克爾·鮑威爾執導的輝煌的歌舞電影《紅菱艷》，片中著名的長達13 分鍾的「紅舞鞋」的芭蕾舞場面宛如流動的「西斯廷壁畫」，光彩奪目，美麗絕倫。而作為力圖復興歌舞片的《紅磨坊》，除了過度喧囂瘋狂的歌舞場面，與戲仿的段落，很難找出經典的段落能夠在歌舞電影史上抹上濃重的一筆。
《如果愛》中的敘事和歌舞是分開的，歌舞沒有參與敘事。影片是依據音樂節奏剪輯鏡頭，運用平行，交叉，對比等多種敘事蒙太奇，充分發揮歌舞部分的表意功能。正因為有歌舞才有戲里戲外的真情假意。相比《紅模仿》歌曲的隨意和混亂，《如果愛》是純凈的，歌曲也是由演員演唱的新創作的流行歌曲，流行音樂的參與，更能使人感受到歌舞片娛樂大眾的的這一方面，吸引眼球。相對於音樂的雕琢，對舞蹈的細心安排在影片中也看得出來。通觀影片，社交舞，新創舞，馬戲班熱舞競相亮相，「傘舞」「邋遢的世界」，「男人本該嫉妒」等舞段各有特色。影片巧妙的用「戲里」的舞蹈表現戲外人物的心聲，歌舞和劇情十分的契合。
《巴西往事》中的歌舞藝術則與生活融合在一起。不得不承認，巴西是一個歌舞國家，婚禮上的歌舞場面讓人激動不已，有位巴西電影導演曾說：「巴西電影既是夜總會又是教堂，既是馬戲團又是音樂廳，既是比薩餅又是詩歌研討會。」因此，巴西歌舞自身的特質使它能在世界歌舞片這個類型上力拔頭籌。與傳統巴西歌舞片不同的是該片不再營造夢幻，以前在巴西歌舞片里看到的華麗服飾，宏大場面，充滿夢幻色彩的歌舞不見了，在這部電影里，你可以發現巴西人的焦慮，他們的愛情，他們的生活，導演以冷靜客觀的鏡頭表述生活在歌舞片里是難能可貴的。《巴西往事》的女導演米拉· 奈爾曾說「 歌舞的展現不光停留在美麗的鄉村、豪華的公館和清新的大自然, 它應該停留在人們的心中, 停留在人們生活的每一個角落。」正在將自己的話付諸行動。

❺ 音樂影片的時間線

1941年- 一個新發明震撼了美國的俱樂部和酒吧：「The Panoram Soundie」是一種點唱機，並可在播放音樂的同時播放一小段短片。1956年- 好萊塢開始出現以音樂為主的電影類型。搖滾電影的浪潮開始，貓王的電影也開始盛行。這些電影有的將音樂表演融入故事劇情中，有的只是單純的諷刺電影。
1960年- 在法國出現一種可以播放影片的點唱機－「Scopitone」，但並未獲得太大成功。
1962年- 英國電視頻道創造了音樂影片節目的新樣貌。一些例如Top Of The Pops、Ready! Steady! Go!和Oh, Boy等節目造成轟動。
1964年- 美國電視頻道適應並出現了第一個以音樂為主的節目－Hullabaloo，之後許多同類電視節目陸續出現，例如Shindig!和American Bandstand。披頭四也在節目A Hard Day's Night中演出。
1966年- 第一個有整體概念的音樂宣傳影片開始播出，是披頭四的《Paperback Writer》和《Rain》兩首歌曲。在1967年初，有更多懷抱野心的宣傳影片開始出現，包括Penny Lane和Strawberry Fields Forever的影片。
1970年- :唱片業界開始發現，電視節目是推銷旗下歌手絕佳的管道。他們開始拍攝短篇的宣傳影片，早期的音樂影片以歌手在電視節目舞台的表演取代了現場表演。
1975年- 皇後合唱團推出了突破性的影片《Bohemian Rhapsody》，這支影片被認為是音樂影片時代開始的象徵，也設定了當代音樂影片的視覺語言。
1980年- 大衛·鮑伊的音樂影片《Ashes to Ashes推出。
1981年- MTV音樂電視網，一個24小時播出的衛星音樂電視頻道開播。一開始只有少數的有線電視系統業者願意配合播出這個頻道，但很快的MTV開始引起流行並成為一種文化的象徵。
1984年- 麥可傑克遜的音樂影片《Thriller（戰栗）》推出，是史上第一支有故事性的音樂影片, 此對往後音樂影片的內容帶來永久的影響。《The Making of Thriller（戰栗幕後製作過程）》的影片也在1984年發行。這也是第一部關於音樂影片幕後製作的影片。* 1986年- Peter Gabriel推出劃時代的《Sledgehammer》音樂影片。
1989年- MTV音樂電視網將他們的「音樂影片先鋒大獎」改名為「麥可傑克遜先鋒大獎」，以向麥可傑克遜在音樂影片領域的藝術成就致敬。
1989年- 麥當娜推出音樂影片《Like a Prayer》，其中的種族和宗教表現造成爭議。
1991年- 涅槃樂隊（Nirvana）推出《Smells Like Teen Spirit》音樂影片，讓嘈雜音樂（Grunge）和科特·柯本（Kurt Con）成為美國和全世界的主流音樂。
1992年- MTV音樂電視網開始標示音樂影片導演的姓名。
1992年- 槍與玫瑰推出單曲《November Rain》的音樂影片，並成為有史以來成本最高的音樂影片之一。
1995年- 10月21日MTV音樂電視網頻道在台灣正式開播。
1995年- 米高積遜與珍妮傑克遜的單曲音樂影片Scream(吶喊),成為史上最貴的音樂影片,該影片總共花費了700萬美元，成為史上製作費用最為昂貴的音樂錄影。
1996年- Pop-up Video在VH1頻道開播。
1996年- 由於MTV音樂電視網逐漸以其他節目類型取代原本的音樂影片播放。因此M2頻道開播，也是一個24小時播放音樂影片的電視頻道。
1997年- 米高積遜的Ghost音樂影片成了史上最長的音樂影片（共39分鍾）,另外據說《Ghosts》才是史上最貴的音樂錄影，其成本超過了「Scream」(吶喊)，但由於具體資料保密，所以現在《吉尼斯世界記錄》還是認證「Scream」為最貴的音樂錄影。
1999年- M2頻道改名為MTV2。
2002年- 由於MTV2播放的音樂影片越來越少，MTV Hits開播。
2006年- Rekto樂團推出了全世界第一支可以遊玩的音樂影片游戲

❻ 忘不掉的《波西米亞狂想曲》，不僅是音樂，更是一部感人的傳記嗎

這是一部你看了開頭幾分鍾就會被深深吸引的人物傳記電影，這也是一場能看出演唱會感覺的電影，偉大的音樂，傳奇的巨星，感人至深，作為一個偽搖滾迷，我看到潸然淚下，近乎完美的個人傳記電影《波西米亞狂想曲》，配合那些經典曲目，感染力十足。血在血管里一直保持沸騰，盡力壓制，否則就會噴出，最後主唱的結局配合謝幕歌曲，彷彿黃昏時的夕陽，令人唏噓。

忘不掉的《波西米亞狂想曲》，不喜歡queen的人也會哭，最感人竟然是underpressure響起的時刻，這是影像、音樂、表演的完美結合，是不朽搖滾精神的最強力體現，完全可以入選音樂電影中最震撼和最感人的表演橋段！影片用經典音樂一首接一首輪番轟炸，真實還原震驚觀眾，增強觀看的樂趣，哪怕不了解真人真事，也會被情節所感染，這才是活生生的人生傳記。

❼ 《音樂之聲》在電影史的地位是什麼

《音樂之聲》是一部成熟而精美的整體戲劇性歌舞片。它把故事情節和音樂舞蹈融為一體，具有一種行雲流水般自然的敘事風格，又使歌舞表演具有相對獨立的觀賞價值，滿足了觀眾對歌舞片的審美期待。

這部影片在藝術上也有獨到之處，所有的場面都是在薩茨堡實地拍攝的，由於導演和設計師大膽運用直升機拍攝法，從很高處用大遠景遙攝阿爾卑斯山麓和薩茨堡全景，然後縱橫運動，急劇下降，直推至人物的特寫和半身，有力地烘托出人物的內心狀態，使影片充滿詩情畫意。

本片榮獲了第38屆奧斯卡最佳影片、最佳導演、最佳配樂、最佳剪輯、最佳音響五項大獎。並且一經公映便風靡全球，連續幾年票房成績高居榜首，片中幾段優美動人的音樂《哆•來•咪》、《雪絨花》、《音樂之聲》成為膾炙人口的歌曲，幾十年來傳唱不息。

❽ 找一部電影關於音樂表演的 外國片

《名揚四海 》
別名： 我要高飛
演員： 娜圖里·勞頓 科迪·朗格 凱·帕娜貝克 Kherington Payne
導演： Kevin Tancharoen
地區： 美國
簡介： 根據1980年艾倫-帕克導演的經典歌舞片《名揚四海》改編。以紐約市的表演藝術高中為故事舞台，描述來自各個階層和家庭背景的十個青少年，每個人懷著不同的夢想前來應考，經歷各種挑戰和奮斗之後，有人成功，有人失敗，也有人從表演中吸收到人生經驗而成長。 在紐約，有這樣一所學校——紐約表演藝術高中。在這里，年輕人的任何夢想都將可能被實現。無論是舞蹈、歌唱、表演或是擁有其他藝術才華的學生們都將可能在這里得到實現自己藝術夢想的寶貴機會。名揚四海自然也將是觸手可及的。前提是，只要你擁有足夠的才華，敢於為夢想獻身，並能付出更多的努力和辛苦。 於是，在舞蹈、歌唱、表演等著有天分並期待著能在藝術方面有所建樹的幾個年輕人，馬可（阿什·布克飾）、羅茜（克里斯蒂·弗羅萊絲飾）、尼爾（保羅·克拉諾飾）、凱文（保羅·麥克吉爾飾）、丹尼斯（納圖里·諾頓飾）以及珍妮（凱伊·帕納巴克飾）等，心懷希望來到了這里。 然而，在孩子們入學之初便遭遇了及其嚴格的考核：來自自己內心不堅定的意志的折磨，使得他們原有的激情都面臨考驗。另外，青春校園中從來就不缺乏的青春躁動、同學友誼、愛情的萌芽、以及種種對於成功失敗的處理方式，都讓前來參加入學應試並最終在這所學校里走到一起的孩子們在激情飛揚的青春史詩中茁壯成長。這期間，有愛的萌發、有友誼的升華、有才華的抒展、有心碎的遭遇、當然更有激情的迸發……

我前段時間剛看的，應該是這部片子沒錯~~~