美國音樂電影的發展史

『壹』 多維發展時期好萊塢電影音樂的特點

超級英雄電影中配器是非常多樣化的。電影音樂作為一種錄制音樂，為音樂上的多樣化提供了很多可能，作曲家可以在工作站中任意搭配樂器組合，而好萊塢充足的資金與技術支持也使得作曲家敢於充分的發揮想像力，嘗試各種配器的可能性。在《美國隊長》中，幾乎全部的無源音樂都是由管弦樂隊演奏的（除了少部分使用歌曲的段落），選擇只使用管弦樂隊可能與作曲家的喜好和創作條件有一定的關系，同時選擇用管弦樂隊也有著影片故事背景方面的考慮，這是一個發生在二戰期間的故事，顯然導演無論是在畫面還是音樂方面都想要保持那種傳統戰爭片的風格，因而全片都沒有使用太多現代的音色。而在《鋼鐵俠》中，作曲家拉民•賈瓦迪（RaminDjawadi）使用了非常多搖滾樂的元素。一方面，這部影片的故事發生在21世紀，需要一些符合時代特徵的音樂，另一方面，這部影片的主角施塔克（Stark）在片中也很喜歡搖滾樂，片中出現了很多有源的搖滾樂片段，這就使得無源的配樂中出現的搖滾樂元素與整部影片非常的和諧統一。拉民•賈瓦迪在之後2013年的影片《環太平洋》中也使用了這種搖滾樂和管弦樂隊相結合的方式並大獲成功，這種風格也成為了他獨特的標簽。而在由漢斯•季默和詹姆斯•紐頓•霍華德合作的諾蘭的《蝙蝠俠》三部曲中，音樂則由管弦樂隊和大量的合成音色交織而成，這非常符合影片黑暗嚴肅的氛圍，同時，這是一部建立在虛構的城市「哥譚市」的故事，這種非聲學樂器的使用也使得影片與觀眾所處的現實世界有了一定的「距離感」。值得一提的是，在《蝙蝠俠：黑暗騎士崛起》中，人聲呼號被當成了一個非常重要的主題動機也即「貝恩」主題，漢斯季默在創作配樂期間還在網上發起全球影迷來為這部影片錄制呼喊聲，這也在當時成為了一個熱門話題。從以上的例子中我們不難看出，超級英雄電影的作曲和導演們非常擅於為自己的影片從樂器的選擇方面在配樂上為電影營造出一種合理可信又具有特色的氛圍，作曲家也不吝於在樂器的選擇方面大費周章，為影片選擇出獨特的樂器組合來進行創作。在配器選擇上的多樣性是超級英雄電影音樂的一大特點。

『貳』 美國1865年到1935年的重要電影、音樂、文學作品及其中英對照簡介，急求！

我講講電影吧，真正的現代電影起源於20世紀初，大衛格里菲斯是真正意義上的第一位電影大師，他的黨同異伐很不錯，一個國家的誕生手法雖好，但存在種族歧視。。。早期電影因為都是默片，主要是以滑稽喜劇為主，主要演員是卓別林，巴斯特基頓，馬克思兄弟，卓別林嘛淘金記、尋子遇仙記、城市之光、摩登時代等，巴斯特基頓嘛小夏洛克、將軍號，馬克思兄弟嘛鴨羹等，35年以前的基本都是默片，也只有這些了

音樂嗎，早期音樂基本都是脫離社會實際的娛樂音樂，像爵士和歌舞劇為主，作品嗎沒什麼大的，因為早期能流傳下來的基本都是藝術性較高的鋼琴曲，提琴曲

你這問題太深奧了，能力有限，望見諒

『叄』 影視音樂發展歷史

影視音樂發展的簡要歷程

1
、

默片（無聲）時期

第一位在電影中使用音樂的人是盧米埃兄弟。
1895
年
12
月
28
日在
巴黎的卡普辛大道餐廳，盧米埃兄弟放映了電影史上的第一部商業片，
當時盧米埃兄弟在放映的同時還邀請了鋼琴家做現場的伴奏，所演奏曲
目均是通俗的小品音樂，因此這代表了電影與音樂第一次的交會。

（觀看電影《雨中曲》中當時觀眾欣賞無聲電影時的場景，因為沒
有人物對白，劇情完全靠字幕的形式傳達給觀眾。）

喜劇大師卓別林是當時最具代表性的電影明星。

2
、

起飛時期

對於電影史來說，
1927
年是非常關鍵的一年，因為影像與聲音結合
的技術終於成熟，使得有聲電影正式崛起，觀眾終於能在看電影時聽到
演員們的聲音了。由於故事情節已經能由說話聲與對白交代清楚，從今
而後它就是情緒系統的重要領導者。從有聲電影問世到上世紀三十年代
中期，基本上電影音樂家的作曲方式是以純音樂的形態來構思，因此，
電影音樂脫離不了古典音樂的氣息。

3
、

專業化時期

上世紀三十年代之後，隨著電影的發展以及一些音樂家對電影音樂
發生興趣之後，開始為電影寫作專門的樂曲，電影音樂才有了明顯的特
性與進步。這個時期的電影音樂家以史坦納為代表，史坦納可以說是電
影音樂家的鼻祖。史坦納首創米老鼠式的編曲方式，為早期的電影譜下
不少成功的作品，如《亂世佳人》、《北非諜影》等；此外，恐怖大師
希區柯克與柏納赫曼的《驚魂記》（
1960
年），全片以小提琴的弦樂音
響製造出凄栗驚駭的場面，也成為電影音樂的典範。

電影音樂的主要特徵

1
、
視聽統一的綜合性
——
電影基本上是一種視覺藝術，
但聽覺要素
也是不可缺少的重要輔助部分。

2
、
片斷與整體的矛盾統一性
——
電影音樂在影片中是分段陳述、
間
斷出現的（早期的電影音樂例外）。

3
、
音樂長度的制約性
——
電影音樂受電影蒙太奇的限制，
隨劇情發
展而變化，因而每個音樂片斷的時間長度，均受到嚴格限制（誤差通常
不能超過半秒鍾）。

4
、
音樂與科學技術的不可分離性
——
電影音樂要通過錄音
（包括混
合錄音、光學錄音）、洗印、放映等技術處理，因而深受科學技術的制
約。

電影音樂的主要功能

1
、
描繪作用
——
這是較為客觀性的處理，
主要用音樂來渲染烘托畫
面的情緒及氣氛。

2
、抒情作用
——
主要用於塑造人物性格，表現人物思想感情、心理
變化，體現內心潛台詞等。

3
、
劇作作用
——
音樂參與影片的情節發展，
成為影片結構不可缺少
的組成部分，
包括刻劃人物的復雜內心矛盾，
表現人物之間的外部沖突。

4
、背景氣氛作用
——
音樂以特定音調、樂器音色、風格在影片的局
部或整體中，作為表現時代特徵、民族特點、地方色彩或強化特定的影
片基調與氣氛的手段。

5
、結構貫串作用
——
同樣的音樂在影片中多次反復（或變化反復）
出現，在情節發展過程中起著紐帶作用，既能使整部電影完整、統一，
又能使觀眾在心理上獲得前後貫串的感受。

『肆』 音樂劇的發展歷程

音樂劇起源可以追溯到十九世紀的輕歌劇（Operetta）、喜劇（Comedy）和黑人劇（Minstrel Shows）。

早期發展史

在17世紀~18世紀的歐洲，音樂成了人們用來表達思想和感情的有力工具。在歐洲，各種各樣的音樂都得以茂盛發展，出現了清唱劇和歌劇。但華麗或庄嚴的歌劇或清唱劇並不能完全滿足觀眾，於是出現了被稱之為「居於雜耍和歌劇中間」的藝術形式。

歷史上第一部「音樂劇」是約翰·凱的《乞丐的歌劇》（The Beggar's Opera），首演於1728年倫敦，當時被稱為「民間歌劇」，它採用了當時流傳甚廣的歌曲作為穿插故事情節的主線。

美國娛樂

19世紀，城市在美國紛紛建立，音樂劇隨之繁盛起來，它們以城市觀眾為對象，出現了輕歌舞劇（vaudeville）及其更為粗俗的姐妹劇種———滑稽表演（Burlesque）。

快樂的少女

1893年曾經活躍一時的英國人瓊斯完成了一部後來載入史冊的音樂劇《快樂的少女》，在倫敦王子劇院首演時激起觀眾狂熱反響。劇情故事生動連貫，舞蹈演員即是劇中人物，採用相關的舞蹈動作和話劇式的丑角說白，清晰敘述了這些演員如何千方百計躋身於貴族社會的故事。

20世紀初

進入20世紀，歐洲的作曲家給美國帶來的一種小歌劇形式。由於多年來受到歐洲歌劇如吉爾伯特和蘇利溫的英國喜歌劇，加上其他的天才如約翰·斯特勞斯的維也納小歌劇，

奧芬巴赫的法國輕歌劇等的影響，使觀眾自動地有了一套評判音樂好壞的標准，而且也影響了觀眾的欣賞口味。有意味的情節，優美的音樂和文雅的歌詞成為編創者追求的目標。

現代

在1960年代中期至1970年代，前衛劇場的觀念滲入主流作品；搖滾樂、社會變遷豐富創作的素材，歐陸作品進口美國，百花齊放。

20世紀60年代，甲殼蟲和搖滾樂由英國沖向世界，各國音樂劇作曲家對這股不可抗拒的力量由抵制逐漸轉向吸收，英國的韋伯率先在《耶穌基督萬世巨星》（Jesus Christ Superstar)這部以古老的聖經故事改編的內容沉痛、主題嚴肅的音樂劇中採用了輕音樂及搖滾樂，

使之具有了現代感，歌曲變得活潑，通俗、易於演唱。在配器上也打破了管弦樂的嚴格限制，將電聲樂器引入音樂劇，從而加強了它的時代感和表現力。

(4)美國音樂電影的發展史擴展閱讀

流派代表

1、安德魯·洛依德·韋伯

安德魯·勞埃德·韋伯（Andrew Lloyd Webber），1948年3月22日生於英國倫敦，音樂劇作曲家。

1968年韋伯的音樂劇《約瑟與神奇綵衣》首次登上舞台。截至2013年，他一共創作了13部音樂劇，一部聲樂套曲，一組變奏曲，兩部電影配樂和一首安魂曲，獲得7次托尼獎，

7次奧利弗獎，3次格萊美獎，並且憑借《艾薇塔》中的歌曲《You Must Love Me》贏得奧斯卡和金球獎的最佳原創歌曲獎。

2、喬治·格什溫

喬治·格什溫（George Gershwin,1898－1937），原名雅各布·格肖維茨（Jacob Gershowitz），出生於紐約布魯克林的一個俄國猶太移民家庭，美國著名作曲家，寫過大量的流行歌曲和數十部歌舞表演、音樂劇，是百老匯舞台和好萊塢的名作曲家。

1924年為保爾·懷特曼的爵士音樂會寫了《藍色狂想曲》獲得巨大成功。格什溫的卓越貢獻是把德彪西和拉赫馬尼諾夫的風格與美國的爵士樂風格結合了起來，雖缺乏熟練的寫作技巧，卻是個了不起的旋律天才。格什溫1937年夏因患腦癌去世，去世時三十九歲。

『伍』 從無聲電影到有聲電影的發展歷程

從默片到有聲電影
所謂的默片在其鼎盛時代也常常有音樂或者聲效相伴，1926年8月，由約翰.巴利摩爾主演的《唐璜》在紐約的華納劇院首映，這次首映採用了Vitaphone聲音系統，以每秒331/3轉唱片來使電影聲畫同步。新的發明很快就跟來了，1927年10月華納公司的《爵士歌王》敲響了默片的喪鍾。
到1930年為止，只有5%的好萊塢的影片還是默片，華納兄弟採用了更方便的由Western
Electric開發的膠片攜載聲音的技術，這一技術需要採用每秒24格的放映速度，從而誕生了這一今天仍然採用的標准。這一變化徹底改變了電影膠片的形態。
35mm默片的滿畫面大致是正方形的，比例是1.33:1
(或4:3，象電視畫面)，1927年最早的聲音印在膠片上時是1.21:1
1932年，製片商和放映商聯合建立了膠片上聲音軌跡寬度的標准，從而創造了新的1.37:1比例。隨著這一整個業界技術方針的確立，電影中的對白、歌舞急劇增加.在30年代，電影觀眾增加了一倍。
電影工業繼續尋找新的發展，很快，就開始經歷彩色電影，開始了一個新的時代。

『陸』 有聲電影是時候開始有的

有聲電影，產於20年代20世紀，是指觀眾既能看到畫面，也能聽見劇中的對白、旁白以及音樂、解說的一種電影。

『柒』 美國流行音樂發展史，為什麼美國時流行音樂的老大

這不是一句兩句話能說清楚的，但是可以總結如下幾點：

1. 風格多樣： pop, soul靈魂, indie 獨立, post-rock 後搖, singer-songwriter 創作歌手, gospel福音 ,blues藍調, country鄉村, soft-rock 軟搖, heavy metal金屬, latin 拉丁, jazz 爵士 ，hip-hop嘻哈；acid 迷幻；broadway百老匯 每種風格下又各有流派，如電子里有ambient,

   而且各種風格之間不斷在融合，形成各種fusion

2. 人才新星如過江之鯽，音樂排行榜上每周都有新歌，排名到100位，淘汰率太高，因此在排行榜上占第一的絕對是天才，如MJ, 有專輯排行，單曲排行

3. 市場龐大，音樂節，演唱會帶動了龐大的產業，每天都有演出，歌星巡演遍及全球。

4. 唱片依然銷售火爆，在於知識產權保護，歌曲版稅令創造者衣食無憂；

5. 反應不同時代青年人的思想特點，60年代反戰民謠，70年代嬉皮，80年代迪斯科、金屬，90年代grunge ,和不插電， 代表全球青年流行風潮。

6. 流行音樂創造不僅沒有邊緣化還 逐步正統化，如思想家Bob dylan, leonard cohen, lou reed. 搖滾名人堂成為地標建築， 音樂與體育構成美國文化的壓艙石。

7. 流行音樂反映了美國人尊重首創、尊重個性、求新求變的心理特點。

8. 美國商業文化的推波助瀾，好萊塢電影里有流行歌曲，電視商品廣告里有流行歌曲。

   。。。

   
   

『捌』 音樂在電影發展史上的重要性

現代電影中．電影音樂已經成為電影里不可缺少的重要組成部分。它不僅給觀眾帶來聽覺上的享受．而且又高度概括了影片的主題思想，隨著電影劇情的發展而變化，使電影充滿生機與活力．對推動電影劇情的發展起到畫龍點睛的作用。本文將從電影音樂對增強電影劇情的表現力、推動電影故事情節的場景氣氛、深化電影劇情的主題思想等方面．闡述電影音樂在電影劇情發展中的作用。

當今社會，看電影早已成為人們日常生活中的消遣方式之一。從早期的無聲電影，到1927年電影進入有聲時代，音樂也隨之進入了電影的大門。現在的電影不僅在故事情節上曲折動人、扣人心弦，而且在背景音樂等方面，不同程度地加大了對人們心靈的震撼，在劇情發展中起到了越來越重要的作用。前蘇聯著名電影理論家列別捷夫曾說：「在一部影片中，必須把畫面和音樂結合起來的想法，幾乎是從無聲電影發明之日起就同時出現的，音樂在某種程度上消除了人們覺得銀幕是啞巴的感覺，它以本身形象所具有的較高的感染力．使電影場面列入藝術現象之內。」美國著名電影作曲家赫爾曼也說過：「音樂實際上為觀眾提供了一系列無意識的支持。它不總是顯露的，而且你也不必要知道它，但它卻起到了應有的作用。

『玖』 電影音樂發展簡述 2

二十世紀四十年代末開始，電視開始在美國家庭中普及，相當一部分觀眾被從影院中分流。與此同時，反托拉斯法導致影業院線被解散或出售，影業開始解散導演及演員，電影製作模式開始改變，獨立製片人出現。影業最終向電視業妥協，開始出售版權，並且參與製作電視電影、室內劇等。

1957年以後，六十年代早期，多軌錄音技術發明，音樂音響的創作性大大加強。現代派作曲技法、爵士樂、搖滾樂風格等不斷融合，形成了新的音響效果。與此同時觀眾對新音樂的需求增多，新的音樂形式更多地融入影視配樂中，他們對傳統的管弦樂作曲造成了很大的沖擊。

John Williams1974年「大白鯊」的配樂標志著新浪漫主義風格重回好萊塢，1977年的「星球大戰」配樂更是塑造了歷史性輝煌。

然而交響樂的二次輝煌轉瞬即逝。隨著Arp 以及Moog 從巨型到家用的轉型，合成器開始變得流行。1983年MIDI協議制定。劃時代的合成器配樂作品，比如Vangelis的「烈火戰車」，「征服天堂」配樂。一段時間，電子聲音成了配樂中壓倒性的主流。

八十年代中期，新一代作曲家開始加入合成器陣營。還有一批新型的配樂作曲家誕生了，采樣、midi方面的專家，比如代表人物Hans Zimmer。

而後人們逐漸開始意識到純合成器聲音的冰冷與音色虛假，交響樂、交響樂音色開始再次被作曲家使用作為增補。並且直至今日，電子音色與交響樂音色持續融合使用。更多的風格和元素也開始融合、並存到了配樂中。

（以上是由筆記整理的電影音樂發展史極簡述。有機會再更詳細的分部分、章節整理。）

『拾』 誰能介紹一下美國好萊塢歌舞片的歷史

歌舞片作為美國電影的一種類型,到現在已有近八十年的歷史。歌舞片的歷史源於1927年好萊塢生產的世界上第一部有聲電影《爵士歌王》,此片是從無聲片向有聲片過渡的產物,是好萊塢製片人和創作者推出的一個新的電影類型。其後的1929年影片《百老匯的旋律》問世,這是第一部全部用歌舞和對話組成的影片。此後,好萊塢的歌舞片猶如雨後春筍,紛紛涌現。直到1946年文森特·朱龍導演的影片《齊格非大會演》問世,歌舞片作為一個類型電影才發展到登峰造極的程度。 美國好萊塢歌舞片有兩大類型:一種類型是1929一1930年的早期歌舞片。早期歌舞片幾乎都是以諷刺時事為題材的小歌舞片。代表作是1929年的由歐恩斯特·劉別謙導演的《漩宮艷史》。講述的是宮廷故事:一位專橫的女王,在她眼裡,丈夫不過是一種小擺設,而當丈夫大夢初醒時,女王卻騎著高頭大馬兜風回來,威風凜凜地開始閱兵,她引吭高歌,士兵們高聲應和,配以雄壯的鼓樂,以整齊劃一的動作變換隊形,從而構成一種歌舞的場面。另一種類型是後台歌舞片。這種類型的歌舞片隨1933年《四十二號街》的問世而成型。它的產生形成了歌舞片創作的主要形態,並延續至今。