預告片音樂:
片頭曲:"Sing,
Sing, Sing" - Benny Goodman
中間部分: "Waltz For Peppy" - Ludovic Bource
出自專輯:The Artist 原聲帶
最後音樂: "Almost Martyrs" - Alex Parker
出自專輯:The Life of David Gale (2003)
㈡ 急求電影(藝術家)的影評
很久沒有看黑白電影了,更不用說黑白默片,在這個充斥著3D,IMAX的時代里,這樣的電影看上去顯得這么的另類但卻古典。
沒有聲音的詮釋,人物情感的表達完全來之於肢體和表情,特寫,特寫,人物的面部特寫,肢體的全景,配樂的渲染,似乎對於現在的人們來說也不會太難去理解這個故事。
當感官少了對語言的識別之後,能夠傳達更多信息的肢體語言讓我們開始著迷。
這是一部典型致敬式的電影,黃金的默片年代,可以看見電影院外的人群和電影院內幾乎坐滿的觀眾。
看電影時候就是這種歡樂的時光,故事多少有些峰迴路轉,無聲和有聲的糾結,驕傲和自尊的考驗,讓 杜雅爾丹富有魅力的演技,對於經典的回顧。這也許就是在造夢,一個黑白色的藝術家的夢。
而我們現在的人與這樣的時代已經很遙遠,但對於藝術的夢,電影的夢卻不會停息。
愛上《藝術家》,純屬一場無言的邂逅,我相信你也會和我一樣,在去影院前對這部電影充滿了不屑和懷疑,黑白片?默片?在3D/IMAX視效都無法再滿足觀眾口味的年代,一部黑白默片又將如何圈住影迷們的錢包和心呢?
然而恰好是懷著這樣的心態,我在大銀幕前看它看到流淚歡笑,大聲鼓掌。
《藝術家》是一部純粹的銀幕電影,並非炫耀,可只有在影院里看到銀幕上的這段光影,才能細品它的每一分美麗,才能在懷著一份懷疑和忐忑的心情去觀影之後,深深地被這樣純粹的一個故事打動。它就像一位久違了的摯友,穿過時間帶來問候,輕易擊中我的心房。
這是一部聰明的電影,它拿起了「黑白」「默片」的噱頭,卻也拿起了票房失利的風險。在法國本土,正是因為電影宣傳的失利,加上「黑白」「默片」字樣給人留下的復古印象,票房未達預期,片方只好決定憑借奧斯卡提名的風頭,在奧斯卡頒獎後再入影院重映,試圖收回一些散落的票房。而在其他國家,它也很難叩響影院的大門,譬如筆者所在的荷蘭,藝術院線的上映也不過寥寥數周,普通院線也僅因為奧斯卡該片的提名,才遲遲跟上了上映的腳步。而在美國,《藝術家》摘得金球獎,雖是目前奧斯卡的第一大熱門,但目前美國人似乎尚未買法國人的賬,影片在近七百家影院擴大展映,票房卻低得讓人匪夷所思,根據北美票房統計機構分析,造成這一局面的原因,還是因為它是一部默片。
所謂成也蕭何敗也蕭何,苛責電影玩弄噱頭的評論人,是否也看到這部電影為此付出的代價呢?現今電影業的利益驅動如此之大,又有多少導演還有再興默片的魄力?能保證黑白默片會討喜觀眾呢?而實際上,若不是這位法國商業電影奇材曾經在2006年的時候憑借著雜糅拼貼諷刺復古版007的《OSS117:開羅諜影》創造了當年的票房奇跡,他或許也沒這樣的膽量再把時間推前數十年,叫板黑白默片。
而即便是這樣,電影又恰好落入了人們詬病的另外一個議題:如果電影要還原默片,卻為何沒了默片的神韻?
我想是觀者的心態不同吧,《藝術家》的立足點很討巧,可正是因為太討巧,觀者的解讀也會不盡相同。許多人把《藝術家》看做一場默片的復興,認為《藝術家》是要對默片進行一次禮贊,並還原曾經的默片時代的遺風。然而事實上,《藝術家》的初衷其實並不盡然如此。人們過分解讀了《藝術家》作為電影所應承載的藝術價值,卻忽視了電影的娛樂價值。《藝術家》從一開始就並未打算百分之百地還原默片時代的元素,更多地,卻是通過暗喻和明喻,對曾經的默片和有聲片的交接時代,輕松地回顧和揶揄。從開場便設定的「說話」一詞的雙關運用,到後來有聲電影的介入和興盛,甚至是電影中那滑稽的「砰」的一聲,電影都可謂無時不刻在輕松伶俐地提醒著觀眾:默片時代已經一去不復返了,可默片的藝術的價值卻永遠存在著,正如電影中喬治•瓦倫丁這位大藝術家一樣,歷經時間洗禮才華依然不減。靈巧的構思和智慧的「對白」,《藝術家》也用本身烙上的「黑白默片」字樣,和電影中的劇情如出一轍地證明:藝術並不存在過時一說,這恐怕才是《藝術家》內里的本真。
若是研究《藝術家》是否百分之百還原了默片時代,去死摳技術的瑕疵,爭議女主的眉目,慨嘆復制的粗劣,觀者恐怕真正落入了電影里那位大藝術家的境地:過分執著於那個年代,執著於「默片」二字的分量,卻忽視了電影作為藝術載體的發展歷程,二十一世紀的電影技術和當年的默片技術豈可同日而語,電影也不過是藝術的載體,從曾經的黑白映畫,到現在的真人捕捉,電影仍舊是電影,仍舊是我們在銀幕前放下憂愁,隨之神往的時光機。
與其說《藝術家》是對默片藝術的謳歌禮贊,不如說它是一場我們和默片的邂逅和重逢,它說的是愛情,是喬治為佩皮點上的一顆痣,是佩皮在車里看到孤獨的喬治流下的一滴淚,是喬治在大火中死死抱著不鬆手的,那麼一段美麗的邂逅光影
http://wenku..com/view/054b583d376baf1ffc4fad88.html
㈢ 要寫個論文,談音樂在電影中的作用,誰能給我推薦幾部電影分析下
上大學時選修外國音樂的論文,當時是93分。
優雅的舞者
——新世紀音樂大師喬治溫斯頓、神思者和他們的音樂小品
我第一次接觸新世紀音樂是在高一的寒假。考完試,去圖書大廈淘碟,無意之間看到了一張不很起眼的專輯。黑色封底,封面正中是一張淡藍色的風景:嚴冬,白雪皚皚,幾棵蕭索的樹徑直地站在白雪之中,背後是望不見邊緣的森林,靜謐而安詳。我不曾聽說過封面上寫到的「新世紀音樂」,更不曾聽說過「喬治溫斯頓(George Winston)」這個名字。然而我看著封面,看著簡單的構圖中透出的幾分獨特的美,喜歡上了它。回到家,帶上耳機,按下播放鍵,清冽的鋼琴緩和而優雅地流入我的心頭,世界此刻也為之靜止。這張專輯出版於1982年,專輯的名字叫《十二月(December)》。
來浙大之前的暑假,收拾行李。我的指尖滑過一整架的CD,最終帶上了這張專輯,一張無論何時何地都會讓我感到十二月中那種獨特的凜冽與澄澈的專輯,它可以輕撫躁動的內心,舒展緊張的身體,讓我完全沉浸在這個超然的世界中。甚至此時此刻,敲擊著鍵盤,我還在聽,聽這張喬治溫斯頓的傑作,《十二月》。
那個與《十二月》邂逅的寒假,我在網上搜索這位大師的生平。美國蒙大拿州的爵士鋼琴手,創作了十幾張新世紀音樂專輯,抒發自己對故鄉的眷戀之情。鋼琴演奏之餘,他研習了經典的夏威夷散弦吉他(Hawaiian Slack Key Guitar),復興了這種幾乎被人們忘卻的傳統樂器。他還曾為4部兒童音樂劇配樂,包括著名的花生(Snoopy),一個有才華又不失童趣的藝術家。
隨後的很長一段時間中,我一有時間就跑到各個唱片行,想找到喬治溫斯頓的其它作品。情形往往是這樣:我興致沖沖地跑進唱片店,垂頭喪氣的出來。老闆們會搖搖頭,說道:「喬治溫斯頓?就是那個彈鋼琴的,很早以前有,現在很少有賣的了。」跑了不下十個唱片店,一個店員說:「我記得好像有一張,是那個彈鋼琴的嘛!」然後她進裡屋翻箱倒櫃了約莫幾十年,最後拿出了一張已經落了很多灰的專輯。我小心翼翼地擦去灰塵,激動得眼眶近乎模糊:喬治溫斯頓精選集《四季(All the Seasons of George Winston)》。我估計我的確是飢不擇食了,因為我從不買精選集。縮略版的音樂在我看來是對藝術家和聽眾的欺瞞。我本能地抵制速食主義音樂,精選集在某種意義上正是這種滿足普羅大眾的快餐食品。然而我還是滿心歡喜的將它帶回了家,聆聽,直到困得忘了關掉CD機。
買這張專輯後沒多久我遇到了神思者。那是一張封面紅得有些俗氣的專輯《故宮序曲(Palace Sketch)》。封面的噱頭很是嚇人,「繼喜多郎後唯一享譽全球的日本New Age團體」。出於當時對新世紀音樂瘋狂的喜愛,幾乎沒有什麼猶豫就將它買了下來。客觀地說,比起神思者的其它許多令人陶醉不已的電影電視配樂,這張專輯並不算較為出色。但是不久我又在同一家店中淘到了故宮系列的另外兩張專輯《故宮序曲(Paean to Palace Memories)》和《再見故宮(Palace Seeds)》,我這時才後悔當初對神思者先入為主的看法。神思者的音樂——或者更確切地說,為故宮紀錄片所做的音樂——體現了一個對中國文化崇拜者的自己用音樂所做的文化詮釋。在其中不僅有宏大的交響樂背景,更加難能可貴的是一些中國特色的樂器(如電子合成的編鍾,二胡)所演繹的主旋律,聽來源遠流長,回味無窮。
神思者是一個由兩個擅長電子音樂的藝術家所組成的團體。成立之初名叫Sensitivity Project(感性企劃室),86年為NHK電視台的紀錄片《海上絲路》配樂後改名為S.E.N.S.,取sense 和cense的諧音,四個字母分別代表sound nature earth spirit。神思者主要以電影和電視劇的配樂為主業,出版了很多精彩絕倫的原聲碟。我收藏了一張電影《悲情城市》的原聲碟。這部由侯孝賢導演的中國台灣電影,獲1989年威尼斯電影節金獅獎,而由神思者所做的深沉而婉轉的配樂在其中功不可沒。
喬治溫斯頓和神思者彷彿在我心中開啟了一扇新的門,一扇通往一個全新的音樂世界的門。我不再流連於唱片店排在最顯眼的位置上的流行音樂專輯,而是如飢似渴地尋找新世紀音樂專輯,因為比起新世紀音樂,流行在某種意義上顯得那麼膚淺。新世紀音樂——無論是從最早的曼陀凡尼(Mantovani Orchestra)改編古典大師如肖邦,李斯特的作品使之成為雅俗共賞的輕音樂,還是喜多郎范吉利斯為電影和電視紀錄片的精妙絕倫的配樂——囊括了音樂的各個角落。這群對未來充滿希冀的藝術家們將古典與現代相結合,展現出一種空前絕後的藝術流派。以前在看相關資料的時候找到了一位青島大學音樂學院教授對這類音樂所下的定義:「所謂新世紀音樂就是以現代化的音樂器材、音樂手段來演繹古典音樂、民族音樂、地方音樂。」(「語言的盡頭是音樂出現的地方—— 新世紀音樂」 作者:青島大學音樂學院音樂系 姜良君)雖然我遠不及這位教授的藝術造詣高,但我個人並不是很同意這種說法。誠然,諸如神秘園(Secret Garden),姬神(Himekami)等眾多音樂家在探索本國民族音樂方面做出了不朽的貢獻,曼陀凡尼,馬友友(這兩者的新世紀音樂家地位還有所爭議)在發掘古典音樂方面獨樹一格,然而新世紀音樂絕對不盡僅是民族、地方和古典。在我看來,新世紀音樂的獨特魅力正在於它沒有確切的界限,各種想要表達內心深處冥想的旋律都可以算作是新世紀音樂。從德國電子曲風濃厚的橘園之夢(Tangerine Dream)到中國的充滿佛教內涵的鄧偉標,從西班牙熱情奔放的吉普賽國王(Gypsy King)到美國冷靜優柔的蘇珊西亞尼(Suzanne Ciani),還有久石讓那些日本民族風格的動漫配樂,旅韓華裔鋼琴家Daydream跨越國界略帶憂傷的鋼琴旋律,所有的所有,都指向一種全新的音樂理念。這種理念或許用喜多郎自己形容自己的音樂時所用的詞非常恰當,那就是spiritual,靈魂的。美國女作家奧爾科德說:「眼因流多淚水而愈益清明,心因飽經憂患而愈益溫厚。」我想,新世紀音樂這種spiritual的特點或許同樣的會令聽者心中「清明而溫厚」,而這恐怕也是為什麼新世紀音樂會如此與眾不同吧!
喬治溫斯頓的十張鋼琴小品集都由廣州星外星公司在國內正版發行。我陸陸續續買齊了所有的專輯,每一張都仔細而認真地聽,聽到熟到每一個音符,修飾音都能背得出來。喬治溫斯頓不僅僅用他嫻熟的技巧打動了我,更多的是他在音樂中注入的真情實感,聽起來沒有一點造作的感覺,完全是發自內心對自己故鄉蒙大拿州的贊美。我也聽過幾乎所有的班德瑞的作品,然而不知是因為國內銷售商們不遺餘力地推廣使之最終俗到爛掉,還是這幫瑞士音樂家們本身就是將自己的音樂理想建立在虛幻的現實上,反正那些音樂都有類似什麼「微風山谷」「夢花園」之類虛無縹緲的名字,但是聽過以後絕對不會產生真實的意境,僅僅是虛幻的好聽的音符而絕非旋律。喬治溫斯頓有一張專輯《辭冬(Winter into Spring)》,當音符連續而密集地響起時,我竟不由自主地想到了春天的雨,以及春天萬物生機勃發的場景。翻開專輯插頁,驚訝地發現這首曲子就叫做《雨(Rain)》。而這種感覺,是聽班德瑞無病呻吟的曲子所絕對無法享受到的。
相比之下神思者的音樂在國內發行的較少,除去故宮三部曲之外,還有一張精選集《透明的音樂》和一張電視連續劇配樂《二千年之戀》,僅此而已。很不好意思地承認,我的《悲情城市》也是盜版的。我在網上下載了神思者的其它所有的專輯,一次又一次地被他們所震撼,所折服。有很多曲子,簡單到只有八個小節的主旋律,然而鋼琴與弦樂的交織融合卻產生了不可思議的和諧與充盈。比如神思者2000年出版的音樂專輯《Asian Blue》中有一首曲子《Sican-Prayer》,鋼琴旋律重復兩遍,變調,接著同樣的旋律融入弦樂,重復,再變調。結構簡單得誇張,然而那種靜默的柔情卻令人回味無窮。
我有時候喜歡作這樣的比喻:喬治溫斯頓的作品好比輕快清新的現代詩,聽來有一種若即若離的感覺,聽者與樂者既不遙遠,也不過分親近,樂者隔著這段既定的距離,讓聽者產生共鳴。而神思者的作品更像是雍容華貴的散文,以一種勢不可擋的力量完全地包裹住聽者內心。這種溫情無微不至,讓聽者徹底沉醉於他們所營造的藝術世界中,敞開心扉,用熾熱的心直接去感受這種唯美的旋律。至於現代詩和散文孰優孰劣,我想並沒有定論。兩種文體各有千秋,同樣感召著一代又一代的生命,使他們的生活中充滿令人難忘的回憶的片段。
如果你在網路中搜索喬治溫斯頓,最先出現的(同樣也是出現最多的)是電影《我的野蠻女友》中全智賢彈奏的縮略版的由喬治溫斯頓改編的約翰帕赫貝爾的《D大調卡農》。約翰帕赫貝爾(John Pachelbel)這位對巴赫影響巨大的巴羅克時期音樂家恐怕永遠也不會想到自己的這首卡農被改變了幾十個版本,被不斷演奏,經久不衰。不過另一方面,喬治溫斯頓恐怕也不會想到,自己創作的幾百首美妙絕倫的鋼琴小品竟比不上一首改編曲在電影的推廣下所產生的流行熱潮。在我看來,有時藝術是一種無奈尷尬的矛盾統一體:一方面,藝術家不斷創作更新更好作品,為的是讓更多藝術的受眾們享受更好的精神層面的食糧。另一方面,藝術又不可以完全屈尊下顧,完全拋棄高雅的「嫁妝」,讓所有的普羅大眾勉為其勞地為其推廣,以至最終失去藝術本應享有的感召力。我還是拿班德瑞的例子來說。這群與世無爭的瑞士音樂家們將自己封閉在瑞士的原始大森林中,全身心地投入創作之中,為的是讓更多的人了解他們心中所嚮往的精神世界。我不清楚在世界的其它地方情況如何,至少在中國,班德瑞的出版發行單位很是混亂,許多家出版社同時「正版發行」班德瑞的專輯,並且配上與專輯內容毫不相關的莫名其妙的插圖。唱片店,超市、購物中心的老闆們彷彿抓住了救命稻草一般,以為不斷在自己店裡放這種「高雅音樂」就能招徠更多顧客 。於是乎,班德瑞迅速在大街小巷中走紅,幾乎所有的人都有意無意的聽過許多班德瑞的作品。即使這種音樂再高雅,它最終也只能走向俗套的流行音樂的道路。同樣的問題似乎也在侵蝕著恩雅,莎拉布萊曼,肯尼基,甚至是亞尼,神秘園,英格瑪。我不知道多久以後路邊孩童會哼著《Shepherd』s Moon》上學,我對這位愛爾蘭唱詩班出身的女音樂家有著十二分的崇敬,但恩雅的天籟也正在大眾化,平民化,最終……但願「最終」不會發生,起碼能晚一些發生,好讓我們這群准「愛樂者」們能夠將享受她的音樂這一小小的「特權」延續的時間再長一些。
有一天傍晚,我在學校廣播台上聽到了熟悉的神思者的音樂,《海上絲路》中的「Aphrodite」和《疾走》中的「Rain」,一首是紀錄片的配樂,一首是電影配樂。唯美的旋律在校園廣播不甚協調的喇叭中播放,竟還保留著幾分原曲的優雅與溫存,令我激動不已。可是聽著音樂,心情又不覺地變得復雜。我曾向寢室的同學推薦過神思者的音樂,最終發掘神思者的號召力遠不及周傑倫,只好作罷。我當時很希望能找到可以分享聽神思者的音樂的樂趣的人,但倘若校園廣播也不遺餘力地推廣神思者,最後浙大學生都喜歡上了這個組合,神思者不斷被推廣,最後變得和周傑倫一樣。到那時我猜我絕不會缺少傾訴我自己音樂感悟的對象。但當所有人都在聽著同樣的音樂,都在自我感覺良好地發表或深刻或膚淺彷彿領悟又不甚了解的看法時,我估計……我肯定我會選擇沉默。但我現在還在向人推薦,還在用論文介紹喬治溫斯頓,介紹神思者,介紹新世紀音樂,介紹這群優雅的舞者,邁著輕快的舞步,在藝術的世界中翩翩起舞,留下一首首令人難以忘懷的經典的音樂。而我,只希望做一個觀眾,用我誠懇的心去感知。感知大師們的藝術世界同時,自己的心彷彿也跟著變得澄澈。心因聆聽音樂而愈益清澈,我相信,愛音樂的人可以做到。
希望能幫到你。
㈣ 跪求1942電影音樂賞析
《鋼琴師》電影音樂欣賞
《鋼琴師》是一部講述二戰期間納粹黨對猶太人進行虐待和屠殺的影片。該影片和其他許多關於二戰的影片最大區別在於,他強調的是藝術的重要性,其主人公瓦列是一位音樂家,一位擁有音樂天賦的鋼琴師,所以這部影片當中不乏段段扣人心弦的鋼琴演奏,可以說是該影片的背景音樂,其演奏的音樂表現出一種無奈、絕望卻又樂觀、充滿求生希望的感情。
在酒吧演奏鋼琴的瓦列是納粹人來之前維持生計的一份工作,雖然不是很寬裕,但他卻喜歡,因為鋼琴是他的最愛。1942年德國人進入波蘭之後,立即對猶太人進行滅絕人性的屠殺,瓦列依然在酒吧演奏肖邦的鋼琴樂曲,這也是影片中出現的第一段鋼琴曲,從主人公的表情中,從樂曲的節奏中,可以體會到一種悲傷地情調,表現了主人公對戰爭的無奈和感慨。這段音樂被兩個為自私的驗證金幣而中斷,其後又繼續,形成了窮人與富人的鮮明對比。
影片的第二段鋼琴演奏,來的急促和短暫,那時德國人對猶太人的屠殺已經是變本加厲,德國士兵在街頭到處射殺、抓人,極為殘忍,而主人公目睹了這一切,此時的他不知是慶幸自己逃過一劫,還是在恐慌中擔心下一個受害者會不會是自己。這段演奏聲流露出主人公的一種慶幸心裡,同時也體現了他的內心的恐懼感。當他的姐姐來酒吧找他,告訴他亨瑞被德國人抓去時,他馬上中斷演奏想辦法去解決此事而表現出來的急躁,也正體現了他的恐懼感,以及對親人的不離不棄之情。
瓦列在為逃離德國人的魔爪求生而幾經轉移最,終來到一個相對安全的地方時,或許是導演特意的安排,在被轉移的房子里拜訪了一台鋼琴,當其發現鋼琴時,滿身疲憊的他瞬間忘記一切倦意和恐懼,打開琴蓋,彈奏他喜歡的樂曲,
陶醉在其中,生死已經置之度外,這段曲調盡管很短,但其中洋溢著一種樂觀的氣調。
然而在一個戰亂的時代,沒有哪個地方是絕對安全的,在一個與外界「隔離」環境下,飢餓是致命的,而他最終的安身之所,最終也遭到了德國坦克的轟炸。瓦列再一次逃脫了死亡之手。在飢餓和恐懼的雙重壓迫下,瓦列的音樂熱情並沒有因此而喪失,在一件幾乎成為廢墟的房子里,在沒有鋼琴的情況下,靠著自己的想像,彈奏能讓自己安心的曲子,體現出蕭條的景象和納粹的殘忍,能夠讓他暫時的舒心。
在納粹的全面掃盪,主人公又開始了逃離,找到了安身之處後,遇到了德國人的納粹軍官,主人公已經悲歡離合,當看見德國軍官的時候,他的眼神已經很絕望了但是也有一種知道總有那麼一天的心情,他其實等待的是命運的安排。可是那個德國納粹卻動了憐憫之心,他叫主人公彈奏了一首肖邦的第一敘事曲。
肖邦的第一敘事曲把主人公和德國軍官帶回到和平的年代,其實哪個人沒有家庭和親人,也許那個德國軍官以前也做過許多滅絕人性的事,但是他在聽主人公彈奏的時候,好像心靈得到了凈化,他就恢復了人性,放過了主人公。而後,當德國戰敗時,德國軍官在戰俘營看見了一個和主人公一樣的藝術家,他哀求的求著那人,講出他曾救過主人公一命,他是多麼渴望活下來。當主人公得知哪個德國軍官在哪裡時,他就立即趕去,可是為時已晚,戰俘已經轉移了。其實他這樣的行動也表示了猶太民族的看寬容和知恩圖報。
最後,在《降A大調波蘭舞曲》中結束了這部電影,在最後的一段文字中,有太多值得反思的,有太多悲哀的,但沒有仇恨和報復;有太多哀傷,有太多期望,卻依舊是謳歌人性的善良和美好!
電影音樂讓我們感受到了當時的情景,恰當的表達出主人公的心情,愉快、悲哀、暫時的安心····音樂表達了主人公的心情,也讓我們產生了共鳴!
㈤ 誰能給我一篇1500字左右的電影音樂賞析的文章!急急急!!!!
首先我覺得《羅馬假日》是一部經典的愛情文藝電影.
在影片的後部在例行公事般的記者招待會上,一個聲音遠遠地從人群後傳了過來:「我想請問公主殿下,對於其他友邦國家之間未來關系的展望?」一直心潮起伏不能平靜的安雅公主,眼光輕輕掠過那個一直默默注視著她的、而她昨晚才剛剛愛上的、但早已命中註定今生無緣的男人,一語雙關地緩緩說道:「我對外交展望相當有信心,就如同……我和朋友之間的友誼一樣。」說完,她的眼神又輕輕回落到喬.白萊德那魁偉、她昨晚曾深情依靠的身上,不再多說一句話,而那表情又分明若有所待。這時,此前一直一言不發的喬,這一次終於堅定地迎了上去,微笑著同樣一語雙關地插話道:「我可以代表我的新聞社說一句話,我們相信公主的判斷是不會錯的。」安雅終於聽到了她最希望聽到的回答,她情不自禁地欣慰地笑了,「我很高興地聽見你這么說……」一語未了,四目相對,默默無言,一切盡在不言之中……然而(為什麼這個世界上會有這么多的「然而」呢!)正在這時,又一個聲音很不適時地遠遠傳來,打斷了他們默默無語的深情對視:「公主殿下,請問你所訪問過的城市,印象最深的是哪一個?」安雅抬頭緩緩掃視了一下全場,然後再一次深深地注視了喬一眼,「每個城市都令人難忘,要想選擇哪一個城市,實在是太難了……」說著,只見她輕輕地舒了一口氣,但很快語氣堅定地回答道:「羅馬!無疑是羅馬!!」是的,羅馬!無疑是羅馬!!沒有人可以理解此時的羅馬意味著什麼,除了男主人公. 最後一個鏡頭男主人公站在龐大的皇宮里,周圍的人都散場了,公主也已離開,他只是站著安靜地端詳著,終於轉身,留給我們的只是一個寥落而寂寞的背影,一段愉快的愛情假日就這樣落幕了.
其實他們早就知道這只是一段短暫不會有結果的愛情.在舞會上逃脫後,當喬摟著渾身濕透、瑟瑟發抖的安妮坐在河岸邊時,喬的眼神是那樣真誠而溫柔。四目對視,喬和安妮都從對方眼中看到了熾熱的愛火。喬情不自禁的抱住安妮,那樣深情而堅定地吻了下去。那一刻,我的眼角有些濕潤。我明白,喬的感情終於戰勝了理智,他已經無法控制的愛上了公主,深陷愛情的沼澤無法自拔。影片中兩人相擁熱吻時,我不能看到他們的表情,然而我卻清楚地感受到了他們內心的矛盾。一個是高高在上、尊貴典雅的公主,一個是平凡的記者,他們此生註定無法在一起。然而,此刻他們暫時忘卻了一切煩囂和世俗的紛擾,沉淪在這浪漫而憂傷的夢里不願醒來。當安妮睜開雙眼,喬望著她,眼角湧出的,是一股莫名而惶惑的憂傷。兩人明白,這段愛情,是沒有告別的結局。
《羅馬假日》除了是一部愛情文藝經典電影外,它更象是一部羅馬觀光導覽電影,並因為這部電影的上映和成功,讓我們很好的感受了一回羅馬的觀光景點。片中公主因逃出皇室誤打誤撞遇到葛雷哥萊畢克演的美國記者,兩人游歷羅馬的過程,也是他們開始戀愛的過程。兩人在「真理之口」的俏皮對話,公主把手伸進真理之口被記者喬嚇到的經典畫面令我記憶猶深,記者喬伸手進真理之口突然大叫一聲假裝被真理之口咬住了,嚇了公主一跳趕快幫喬去拉手出來,原來這只是喬開的一個玩笑,這時他們就像是一對戀人讓人感覺到情人間的浪漫.在「許願池」許願的經過,騎著偉士牌饒過羅馬的大街小巷......
公主買花,還像平時接受獻花時禮節性地表示謝謝,並不知道要付錢;最後因為沒錢老闆還送了她一枝花,這一段讓人看了又覺得有點搞笑。公主去理發,理發師側頭問「剪了?」、「都剪了?」,他精心設計並打造公主的發型,完全像一個藝術家,相約晚上去船上跳舞;這些情節都很生動,也提示出了羅馬人的生活的一個方面。
而公主剪完頭發,在西班牙廣場的階梯上吃著冰淇淋的一幕,也深深牽引著我的心。雖然這些都是一些很平常的小事,但這些事發生在一個的高高在上、尊貴典雅公主身上卻又會給人一種不同的感覺,也讓我們了解到一個高高在上、尊貴典雅的公主對做一些平常的小事的嚮往。
更深一層:最後的最後,公主還是回到了她的宮殿,即使那是她的囚籠她也無法放棄;而記者喬,也轉過身,一步一步、慢慢地、走出公主的生命,回歸自己的生活。
無論未來會如何,各人的生活還是得按照既定的軌道過下去……
不記得誰曾說過:剎那就是永恆。想來,這便已經足夠了。
電影和小說里都充斥了太多的巧合和矛盾,二個人的故事或許就把一百個人的分量給用掉了……或許,公主安最初遇到的不是記者喬,而是諸如理發師某某、司機某某某……他們也會相愛吧,如果那些被遇到的人也如同喬一樣(善良?正直?)的話?然而,即使是電影,劇中人的「人生」也是不可逆轉的,從他們邂逅的那一刻、從喬決定把安帶上車、撿回家的時候……就決定了他們的故事已經拉開帷幕了。
但無論怎麼說,在我看來,這還是一個非常好的故事的。擁有過童話般的美好,最終也回歸到現實。即使虛構的色彩很強烈、發生的幾率很渺茫……但比起其他那些天馬行空不知所謂只會灑狗血的東西,實在還是好得太多太多太多了!
㈥ 電影賞析《藝術家》
好萊塢的懷舊默片 《藝術家》為什麼如此成功?
原因有幾點:一、以技術「倒退」的逆向思維展現純粹的不加矯飾的電影藝術之美。
二、影片巧妙的利用了觀眾對古典好萊塢時代的懷舊心理。
三、現代的拍攝手法
四、演員精湛的表演
《藝術家》力圖以惟妙惟肖的真實表演和返璞歸真的默片藝術還原電影的本質,向觀眾樸素的表達了電影的精髓。
影片告訴人們:電影不僅僅是某種特技音效動畫的結合,它還是精湛的表演技能和朴實無華的動人情節。
㈦ 音樂賞析:分析音樂的種類和區別.影響
1.影視與音樂的關系:
音樂進入電影之後,本身原有的表現手段已失去其獨立的意義,成了視聽結合的電影音樂,使電影藝術家總體藝術構思中不可缺少的一部分。音樂表情達意具有抽象性和廣泛性。電影音樂有它自身的規律,他在電影中的作用是為表現主題、渲染和烘托環境氣氛、寫景抒情、揭示人物內心的奧秘、加強影片的藝術結構的連貫性、節奏感和完整性,使直觀的運動著的畫面增加韻味,為塑造音畫結合(或音畫分立)的藝術形象服務。在電影中,純音樂的游離作用,是破壞電影藝術有機體的,這即是說,它不能離開視覺形象(畫面)而單獨存在,必須與銀幕畫面結合,才能顯示出它獨特的價值,使他獲得了新的質,成為電影綜合藝術的一個重要元素。音樂直到二十年代末才為電影藝術家所重視,要一些作曲家為電影作曲配音,電影音樂才真正成為電影綜合藝術中不可缺少的有機組成部分。因為音樂表示情感的力度強烈,可以彌補畫面人物感情的深度與強度的不足,渲染悲歡離合的氣氛,可以與視覺畫面相互補充,形成獨特的聲畫造型,這是較之於無聲電影劃時代的一大進步。
2.民族音樂作為一種民間藝術的存在形式,是具有很大的發展前景的。同各種其他藝術相同,民族音樂也經歷了漫長的發展過程,逐漸地融合了周邊民族音樂的精粹,演化出了本民族獨特的音樂藝術和音樂傳統。比如南方民族的山歌,就可用來捎信、傳情和娛樂等,其表現形式也是多種多樣的。各民族的藝術在歷史長河的演變中註定要吸收他民族的特色,取長補短、共同發展。這樣,每個民族的藝術都會長存。只要是本民族音樂中的好的部分,就會被他民族所接受乃至傳唱。如此一來,民族音樂自然會生生不息、不斷發展。某些民族早已被歷史的漫漫長路所模糊,但他們留給後世的藝術精神財富卻沒有被抹殺。這些民族的存在就有了其意義。所以,民族音樂及藝術的存在是有極大價值的。
3.會的,他們是互補的,有時候一首歌曲的旋律很好聽,我會愛上這首歌,就好象一首好聽的輕音樂一樣,
有的時候,有些歌曲歌詞很有內涵很喜歡,覺得說到自己心坎里的時候,就會喜歡這首歌,並深深的記得這個歌詞
歌曲,是由旋律和歌片語成的 ,兩者缺一不可。我對兩者同樣注重,但還是旋律本身比重大
4.欣賞音樂時,萬事放下,只是靜靜的讓音樂包圍著你。
用心去聽,讓心隨著旋律和節拍起伏。漸漸你會融入音樂中,成為音樂的一部份。然後你開始聽懂樂曲想要告訴你的東西。每一個音符開始觸動你的喜怒哀樂。你開始為之流淚,為之激動,甚至喘息不已,琴弦和心弦開始產生共鳴
㈧ 影片賞析之《藝術家》
眾所周知,電影起源於法國巴黎。1895年,盧米埃爾兄弟拍攝的《火車進站》,一分鍾的會動的鏡頭在法國一家地下咖啡館上映,就此開啟了無聲電影時代。在2011年,一部致敬好萊塢的懷舊默片《藝術家》上映了,這是一部美式愛情作品,但這愛,講述的是對電影的愛,確切地說,是對無聲電影時代的愛。
故事背景設置在1927年,這是有聲電影沖擊無聲電影的重要年份。影片用極為細膩的手法展現了對未來毫無知覺的默片時代的藝術家的種種焦慮和不適。故事中喬治·瓦倫丁是原來默片時代風光無限的明星,在鎂光燈和粉絲追逐中,他自我陶醉並形成了驕傲自負的性格。性格極好,又肯努力的派茜·米勒當時因為和喬治的合作而有了一點名氣,得到了一些機會,一步步努力著,且派茜心中十分欽慕喬治。在有聲電影時代來臨時,派茜投入有聲電影的大潮中,一炮而紅,事業如日中天。而喬治卻不願意接受這一新事物,堅守著自己對於無聲電影的那份喜歡,拒絕了一切有聲電影的邀約。但是漸漸地,隨著時代的發展,無聲電影漸漸淡出歷史舞台,喬治接受不了,決心自己投資拍攝一部無聲電影,想藉此重新將無聲電影帶回大眾的視野中。但這是一場註定失敗的冒險。電影不賣座,與此同時,股市崩盤,喬治破產了,孑然一身的他不得不變賣家產,接受默片已經退出歷史舞台的現實,這時候,他的妻子也離開了他。絕望的喬治燒掉了自己之前拍攝的所有的無聲電影的錄影帶,卻把和派茜合拍的電影死死抱住。
在有聲電影時代事業如日中天的派茜一直關注,愛慕著喬治。在火災之後,喬治被派茜接到自己家中休養,卻在無意中發現自己被拍賣走的物品,強烈的自尊心和受挫感使喬治企圖吞槍自殺,關鍵時刻派茜趕到,在一番勸說之下,喬治答應和派茜一起拍有聲電影。最後,在派茜的積極勸說和情感慰藉之下,喬治順利過渡到了有聲時代,再度展現了自己的表演天賦和藝術才華。
在柴焰老師的講解中,有提到為什麼《藝術家》會在國際影壇上風靡這么久,並在2012年的奧斯卡頒獎典禮上斬獲五項大獎:
1,以「技術」倒退的逆向思維展現純粹的不加矯飾的電影藝術之美。
2,影片巧妙地利用了觀眾對好萊塢時代的懷舊心理。
3,現代的拍攝手法(包括影片中男主人公酒吧買醉的那一段,鏡頭從男主人公轉向桌面上的倒影,在慢慢轉向男主人公,還有斜鏡頭等)。
那現在來談一談《藝術家》帶給我的一些感受。隨著技術在不斷革新,科技不斷發展,許多我們原有的生活方式,生存方式,運用工具都在發展。有了計算機,再復雜的計算也不過幾秒,通曉較為原始的計算工具——算盤的人就寥寥無幾了,現在孩子幾乎不知道算盤是什麼。有了自動化工具,鐵雕的部分工藝已不再需要鍋爐,直接用輕便的點焊方式去代替。有了互聯網,很多時候大家也不必為了看一場演出而露天站立了。互聯網時代,技術化時代,我們在享受時代的發展給我們帶來的如此大的便利的同時,那些傳統的工具,方式,包括,茶藝,書法這等千古流傳的傳統技藝,或者說是文化,我們對它們的標簽已經脫離日常依賴,將之作為藝術了。現代的技藝與工具,給我們帶來的是更好的各種體驗,但追溯到源頭的那些東西,似乎,我們都習慣了用「韻味」一詞去概括。而所謂的藝術或者是韻味,在我看來,就是不落實處,不能完完全全表達清楚。因為落實地清楚了,就俗了。
回到《藝術家》,不適應時代發展的守成是不是死板,我覺得,如果是技術上,是;如果是原則上,方法上,不一定。因為,還有種東西,叫傳承。