無聲電影最普通的音樂伴奏

1. 關於無聲電影的知識

1927年，美國著名的華納製片公司推出了電影史上第一部有聲片，給世界電影帶來了一場翻天覆地的革命。這之前，電影（1895年12月28日為世界電影發明日）全是無聲電影，電影史上稱這個時期為「默片時代」。

無聲電影的主要成就表現在喜劇片、西部片和歷史片3個方面。喜劇片的佳作首推卓別林的《尋子遇仙記》(1921)、《淘金記》(1925)和《馬戲團》(1928)，基登的《航海者》(1924)和《將軍》(1926)，H.勞埃德的《大學新生》(1925)；西部片主要有《篷車》(1923)、《鐵騎》(1924)和《小馬快郵》(1925)等；歷史片有C.B.地密爾的《十誡》(1923)和《萬王之王》(1927)，格里菲斯的《暴風雨中的孤兒們》(1922)，R.英格蘭姆的《啟示錄四騎士》(1921)等。

第一次世界大戰後，不少歐洲導演陸續來到好萊塢，他們和美國導演一道，拍攝出無聲電影的最後一批重要影片，如F.鮑沙其的《七重天》(1927)、C.勃朗的《肉與魔》(1927)、H.金的《史泰拉恨史》(1925)和K.維多的《大檢閱》(1925)等。R.J.弗拉哈迪的《北方的納努克》(1922)則為紀錄電影奠定了基礎。

而中國電影默片的黃金時代如果從1913年的《難兄難弟》開始算起，到1934年的《神女》、《上海24小時》等為止，幾乎延續了整整20餘年。

但是，應該說，電影從來都不是無聲的。因為在聲音進入電影之前，人們藉助樂師給電影配樂；在日本，甚至有專門的說唱演員，當影片放映時，他們以說唱形式講解影片的內容。所配樂曲一般是由樂師根據銀幕展示的劇情即興演奏；但有些影片，例如1908年的法國影片《吉斯公爵被刺》，則由著名的作曲家聖-桑專門為它作曲。放映時，樂師根據作曲家提供的總譜演奏。不用說，演奏的規模視條件而定：大多數是由一位樂師獨奏（鋼琴或小提琴），有時由幾位樂師合奏，偶爾則出動交響樂隊。

到3O年代，聲音已成為電影藝術中不可缺少的元素。在默片時代已經出現的類型片，由於聲音的出現而更趨成熟，更多樣化；至於音樂喜劇片、警匪片，如果沒有聲音就無法出現和發展。聲音也為電影表現提供了更具寫實效果的條件。

2. 論文 "電影音樂" 求助~~~~~~大家幫小弟一下~~~~

一部好的電影，電視，它成功的原因不僅僅是好的劇情，演技，最重要的還有感人的電影音樂和適時安配。許多電影發燒友，音樂愛好者都已收藏電影原聲帶為愛好。

自從第一架電影放映機開始轉動，歷代作曲家最流行的音樂就被電影挪用。在二十年代有聲電影出現之前，幾乎所有無聲電影都用現場演奏的音樂伴奏，或是一位鋼琴家，或是整團樂隊，以盡可能地配合畫面上的動作。

有些電影院還製作節目單，說明影片中使用的背景音樂的標題和順序，這些音樂包括貝多芬的作品（用來伴奏空中的狗打架）；及通常用作「狩獵音樂」的羅西尼所作《威廉·泰爾》序曲（William Tell）還有表示「悲傷」的馬斯奈（Massenet）《泰綺斯》（Thais）中的《悲歌》（Elegie）; 而聖桑《動物狂歡節>（The Carnival of Animals）里的《天鵝》則提供了很合適的浪漫情調，同時也給「標題音樂」一詞增加了新的內涵。特別為電影創作的音樂有些是圖解式片段，其題目諸如《救命！救命！》或《毀的》，但也有一些較為「嚴肅」的作曲家創作專門樂譜，如簫士塔高維契最早創作這種體裁是為無聲史詩影片《新巴比倫》所作的音樂。

有聲電影帶來新的挑戰。作曲家必須把音樂的表現手法絲毫不差地與影片結合在一起。為此發展出一套很復雜的系統，使作曲家能夠將音樂與精確的表演時間表聯結，亦即在音樂里加上節拍器標記（即每分鍾的拍數），再轉換成「滴答」聲或者電子脈沖，錄制在電影膠片上。然後，透過指揮者頭上的耳機播放這個「滴答信號」，據此來指揮樂團，並同時看著樂團後方的屏幕上放映的畫面。這種技術上的挑戰吸5〕，造就了愈來愈多熟練的電影音樂作曲家。例如為影片《飄》作曲的馬克斯·史坦納（Max Steiner）和迪米特里·蒂奧姆金（Dmitri Tiomkih），其（影片《正午> 音樂乃特意圍繞著歌曲《親愛的，不要拋棄我》開展》，後者創作的樂譜才華洋溢且華麗，堪與偉大的浪漫主義作曲家媲美。不過，人們仍然常借用「古典」曲目，並且已獲得不同程度的成功。庫布里克（Kubrick）《2001 宇宙奧德賽》中配以約翰·史特勞斯的《藍色多瑙河》，用得巧妙，趣味橫生；但是在迪斯尼的《幻想曲》，動畫片的鹿配以貝多芬的《田園》交響曲，其效果卻有待商榷。不過整體而言，不論是採用專門創作的音樂，或是古典曲目，動畫片若能恰如其分地配上適合音樂，大多能獲得令人贊賞的成績。如史考特·布拉德利（Scott Bradlev）為卡通片《湯姆和傑瑞》作的配樂則相當聰明，可稱為音樂雙關語。而即使是最狂熱的華格納迷，也會覺得由巴格斯·邦尼（Bugs Bunny）演奏的《指環》（The Rings）指華格納品歌劇《尼伯龍的指環》）無可挑剔。

20世紀的大作曲家，如浦羅科菲耶夫、沃爾頓（Walton）和庫普蘭（Copland），亦有傑出的貢獻；雖然與他們的主要作品相比較，電影音樂的地位並不重要，但他們為這個領域開創了新的視野。依照偉大的俄國電影導演愛森斯坦（Eisenstein）的看法，浦羅高菲夫為他指導的影片《亞歷山大·涅夫斯基》所作的配樂透過聽覺和視覺節奏的精確配合，達到了聲音和畫面的高度統—至於沃爾頓為《亨利五世》寫的音樂所獲得的成功，也應該歸功於作曲家和導演勞倫斯·奧利維爾之間的密切合作與相互尊重。這在講求高效率、追求商品利益的電影界，是一個少見的例子；而阿隆·庫普蘭以《女繼承人》的配樂獲得1949年的奧斯卡金像獎，奧利維亞·德·哈維蘭德（Olivia de Haviland）即因該片一炮而紅。

直到今天，許多大作曲家，如馬勒、阿比諾尼（Albinoni），甚至莫扎特的作品之所以家喻戶曉，也都要歸功於電影導演選擇它來為影片塑造合宜的情調。

中國電影雖然也有不短的歷史。但是在配樂方面還和西方國家有著不小的差距。我認為這個差距不久就會變成零。因為中國的作曲家，音樂家們也已將開始致力於電影音樂的發展，讓我們期待民族的好電影和好的民族音樂吧！

3. 無聲電影是如何與聲音合成在一起的

音樂，它將你的影片從影片生活中孤立出來。它是一種威力強大的修正劑。有很多被音樂馬虎地修補過的電影！人們用音樂去淹沒電影。這就是不讓人們看到這一點，即畫面中空無一物。不要伴奏音樂，不要支撐或加強的音樂。
休止是音樂之必須，但並非音樂之成分。音樂便依託於休止之上。音樂的休止，通過一種共鳴效果而實現的無聲。最後一個詞的最後一個音節就像一個延長音。 我只是在最近才漸漸地取消音樂，我將無聲看成作品的元素，當做激動的手段。
竭盡所能，挖掘出靜止和沉默所傳達的東西。 在空白之上建造你的影片，在無聲和靜止中建造影片。 要在畫面、聲音和無聲中找到一種親緣關系。給其一個外表，在一起互相喜愛、選擇了各自位置的外表。

4. 【急求音樂】默片（無聲電影）的背景音樂

演個無聲小品需要整場的背景音樂風格是詼諧幽默走憨豆路線的純肢體表演及少量試試Immediate Music-Boone & Jennie【表情滑稽】，The Courtship【若帶少量

5. 影視配樂的作用

隨著電影的發展，電影音樂對電影的作用與日俱增。音樂在電影中起到了傳達影片主題，塑造人物形象，推動劇情發展，連接影片畫面，描繪時空背景，增強觀眾感官的作用。
電影音樂，其實就是為電影進行配樂，在適當的場景和情節中加入適合的音樂，是整個電影創作中必不可少的環節，也是烘托電影效果的重要工具。自從第一架電影放映機開始轉動，歷代作曲家最流行的音樂就被電影挪用。在二十年代有聲電影出現之前，幾乎所有無聲電影都用現場演奏的音樂伴奏，或是一位鋼琴家，或是整團樂隊，以盡可能地配合畫面上的動作。
隨著有聲電影的出現為電影音樂帶來新的挑戰。作曲家必須將音樂與電影緊密地結合，這就要求作曲家在音樂的表現手法上配合到電影的主題與畫面。因此發展出了一套復雜的系統，使音樂家的音樂能夠精準的聯結到表演時間，也就是說在音樂里加上節拍器標記，在轉換成某種有聲信號錄制在膠片上，透過指揮耳機播放的信號指揮樂團，同時看著樂團後方屏幕上放映的畫面。隨著技術上的成熟和經驗的積累，現在的電影與音樂的聯系更深，音樂對電影的作用很大。
一般情況下，電影由於各種題材的不同，年代跨越很大，而世界觀也有很大不同。隨著電影技術的不斷提高，電影題材也越發廣泛，從最普通的生活類電影，到歷史題材的電影，科幻類的電影以及魔幻性質的電影，這就要求配樂師在作曲時符合當時的時代背景。場面宏大的史詩類電影，用音域廣泛的的管旋樂配樂更能體現和襯托電影的氣勢磅礴，如《特洛伊》，《珍珠港》；以動作要素為主或者帶有科幻要素的動作片，很適合帶有電聲風格的配樂，讓觀眾在聽覺上配合視覺，有緊張刺激地感覺，如《空中監獄》，《黑客帝國》；而溫馨的生活類影片則更多地運用一些室內樂或者單個樂器配樂，體現出輕松，抒情的風格，《濃情巧克力》，《為戴茜小姐開車》。這種電影音樂上的多樣性，充分烘托出電影本來的氣氛。
不同類型的電影題材需要不同類型的電影音樂配合，從而讓觀眾在視覺和聽覺上保持一致，達到統一，使影片更加立體，深入觀眾的心。
1.傳達影片主題
電影不僅通過劇情和人物來表現影片主題，同時也需要電影音樂的支撐，電影音樂和影片一樣需要一個主題音樂或者旋律來表達中心思想。達到歌頌主題思想，幫助觀眾明確電影的思想意義。
《石破天驚》的電影以軍隊為主題，由於一組陸戰隊在戰後得不到國家公正待遇而發動了恐怖行動同時又和自己的良心作斗爭而演變成一場悲劇。主題旋律上運用了進行曲的曲式結構，為了體現出片中軍人惆悵，悲壯的情緒；在配器方面加入了軍隊慣用的小號和小軍鼓，節奏上使用了前十六來突出了軍隊的特點。《戀愛假期》的電影以兩位互不相識的女孩在聖誕節互換住宅兩星期後遇到心儀對象而上演的一部愛情輕喜劇。配器上主要使用了鋼琴，弦樂和部分電子樂；節奏使用了2/4拍；旋律線平穩，流動感較強，音域幅度較小，多用級進。突出了影片中的浪漫氣氛，體現角色在劇中的心情，以及整個劇情的輕松愉快感。《最後武士》以一位美國士兵由於戰爭到達日本負傷後被當地人照料逐漸感受到不同民族的情誼而渴望阻止戰爭卻被殺害的悲劇為主題。主題旋律走向平穩，速度緩慢，調性運用了小調；配器上使用了小提琴和鋼琴奏出主旋律，並使用了笛子等帶有東方色彩的民族樂器，讓觀眾在音樂上也能體會到這種跨越國家的感情以及影片所表達的思想。
2.塑造人物形象
在影片中，人物的形象除了運用劇情的推動表達人物的個性，音樂對角色的描寫也能加強劇中人物的動作、思想和心理活動等，使人物形象的塑造更立體化，更加鮮明動人。

6. 只有背景音樂和音效的影片叫什麼可以自己配音的那種

無聲電影，又稱「默片」。
早期電影只有畫面，影片本身不發出聲音，劇中人物的說白通過動作、姿態以及插入字幕間接表達。有些院線在電影放映時，會在現場由音樂家根據劇情發展進行即興伴奏。給默片的樂譜多是即興創作的。可是當播放正片變得非常普遍時，由琴師、管弦樂師、指揮和戲院本身演奏的默片音樂，便匯集起來。原創、專為該電影而寫的樂譜就愈來愈普遍了。
現代重新記錄這些影片時，比如把它們轉化成數字格式時，就把當時現場配樂加了進去。就形成了今天看到的只有背景音樂和音效的影片。
這些電影都是很早期的，但也有一些現代影片，比如某些很短時間的動畫電影，只有音樂和音效，而沒有對白。
還有，現代影片的半製成品，比如，譯製片，為了重新給影片配音，所用的一般是沒有對白部分的聲音的，這有點像卡拉OK中關掉原聲那種帶子。但是，其中的其他聲音，比如，東西碰撞的聲音，爆炸聲，甚至人發出的一些聲音，只要是非語言性的聲音，都可以保留。它和默片不一樣，默片的全部聲效都是後來配的。而這種可以有一部分，其實，在市場上這種一般見不到。
你判斷它是不是真正的無聲電影，要看它的出產年代。

7. 描述無聲電影時期的聲音表現形式

無聲電影時期 主要就是配以音樂

8. 無聲電影的現場音樂

播放默片幾乎時時都需要現場的音樂，1895年12月28日，在盧米埃爾電影於巴黎的首映中，有了第一位現場鋼琴師。一開始，人們一直認為音樂不可或缺，對氣氛或培養觀眾情緒都是非常重要的；很多小鎮或住宅區的戲院都有琴師。在1910年代開始，很多大城市開始有管樂師，或整隊管弦樂團。大量的戲劇管樂和調音器，都能夠有效刺激觀眾的情緒。
給默片的樂譜多是即興創作的。可是當播放正片變得非常普遍時，由琴師﹑管弦樂師﹑指揮和戲院本身演奏的默片音樂，便匯集起來。1915年，格里菲斯的劃時代大製作《一個國家的誕生》時，幾乎所有的樂曲都是由J.C.比爾撰寫的；由那時候開始，原創﹑專為該電影而寫的樂譜就愈來愈普遍了。
在默片的高峰時期，電影製作是僱傭最多樂師的行業（至少在美國如此）。而有聲電影的出現，加上當時正值大衰退時期，他們的生計受到非常嚴重的破壞。
很多國家的電影業界都嘗試用其他方法把聲音帶入電影。在巴西，早期的電影配有清唱表演﹑小型歌劇，或有歌手在後台配合唇形唱歌。在日本，電影除了有現場音效，還有辯士（弁士），為電影作出現場的配音和評論。弁士成為了日本電影的重要元素，他們也為外國電影（大部份是美國電影）提供翻譯。他們的受歡迎，是其中一個默片在1930年代仍在日本大行其道的原因。像卡爾戴維斯這一類的作曲家，就是專門為默片製作管弦配樂的。