包含民族民間音樂的電影

⑴ 民歌《小河淌水》《花兒為什麼這樣紅》《龍船調》的背景和內容 謝啦！

小河淌水
這是一首雲南民歌，歌詞如下：
哎~~~ /月亮出來亮汪汪/亮汪汪 /想起我的阿哥在深山/哥像月亮天上走/天上走/哥啊哥啊哥啊/山下小河淌水/清悠悠/---- /哎~~~/月亮出來照半坡/照半坡/望見月亮想起我阿哥/一陣清風吹上坡/吹上坡/哥啊哥啊哥啊/你可聽見阿妹/叫阿哥
《小河淌水》出自雲南大理彌渡縣，源於《放羊調》和《月亮出來亮汪汪》，西方人稱為「東方小夜曲」。1950年代，其曲調經趙樺記錄，尹宜功填詞，歌手黃虹整理並演唱後，廣為流傳而享譽海內外。《小河淌水》歌詞質朴自然，感情真摯內在，富於想像，文學語言則甜蜜且朗朗上口。其音樂織體之洗練、樂思之優美清晰，質朴、寧靜、邃遠、深沉、悠揚的抒詠描繪了一個充滿詩情畫意的深遠意境。阿哥上山去了，阿妹在家裡很想他，晚上，銀色的月光照在靜靜的山林，周圍一片寧靜，只有山下小竹屋旁邊的小河發出潺潺的淌水聲。月亮的影子在水裡盪漾，那是阿哥在對著她微笑，聰慧美麗的阿妹，見景生情，望月抒懷，把對阿哥的一片深情，傾注在優美的旋律中。她情不自禁的輕聲喊著心愛的阿哥，那麼情真意切，那麼感人。柔婉的歌聲，深厚的情意，隨著小河的流淌，飄向阿哥居住的地方。
花兒為什麼這樣紅
著名作曲家雷振邦為電影《冰山上的來客》創作的《花兒為什麼這樣紅》，1963年影片公映後即在群眾中普遍流傳。
花兒為什麼這樣紅？/為什麼這樣紅？/哎紅得好像，/紅得好像燃燒的火，/它象徵著純潔的友誼和愛情。/花兒為什麼這樣鮮？/為什麼這樣鮮？/哎鮮得使人，/鮮得使人不忍離去，/它是用了青春的血液來澆灌。/哎鮮得使人，/鮮得使人不忍離去，/它是用了青春的血液來澆灌。/哎紅得好像，/紅得好像燃燒的火，/它象徵著純潔的友誼和愛情。
作曲家雷振邦先生的電影音樂常以民間音樂素材構成音樂主題，也有根據民歌改編發展的，所以具有濃郁的民族風格和地區特色。《花兒為什麼這樣紅》本來是一首古老的塔吉克民歌，後來由雷振邦先生改編成電影《冰山上的來客》插曲。插曲表現的是電影故事中，一名駐守新疆唐古拉山的解放軍邊防戰士，同當地一名美麗的姑娘的一段愛情故事。主要參考了一首古老的塔吉克族民間歌曲《古力碧塔》。《古力碧塔》講述的是一名為商人趕腳的塔吉克青年，愛上了喀布爾城的一位公主，但遭到了反對，青年只能順著古絲綢之路流浪，把優美凄涼的歌聲傳遍了所有他路經的地方，最後傳回到帕米爾高原他的故鄉。
《龍船調》
《龍船調》早在上世紀八十年代，就被聯合國 科教文組織評為世界25首優秀民歌之一。原是群眾逢年過節劃采蓮船時常唱的一首民歌，開始人們叫它燈調，又因為歌詞內容是種瓜，所以，人們叫它種瓜調或瓜仁調，在利川市柏楊、謀道、汪營一帶傳唱。
正月是新年（哪咿喲喂）/妹娃去拜年（哪喂）/金哪銀兒梭銀哪銀兒梭/陽雀叫（哇咿呀喂子喲，那個咿呀喂子喲）/（女白）妹娃要過河哇，哪個來推我嘛？/（男白）我就來推你嘛！/艄公你把舵扳哪，/妹娃（兒）請上（啊）船，/（哪個喂呀ZUO，哪個喂呀ZUO），/把妹娃推過河喲喂！ /三月里是清明（哪咿喲喂），/妹娃（兒）去探親（哪喂），/金哪銀兒梭銀哪銀兒梭，/陽雀叫（哇咿呀喂子喲，哪個咿呀喂子喲），/（女白）妹娃要過河哇，哪個來推我嘛？/（男白）還是我來推你嘛！/艄公你把舵扳哪，/妹娃（兒）請上（啊）船，/(哪個喂呀ZUO，哪個喂呀ZUO)，/把妹娃推過河喲喂！
《龍船調》是利川民間劃龍船唱腔的主體。《龍船調》之所以有很強的藝術感染力，主要由於它詞曲都很有特色。歌詞通俗又洗煉，以淺顯質朴的詞成功地塑造藝術形象。歌中描繪了一個活潑俏麗的少婦回娘家時途經渡口，請艄公擺渡過河的一幅鮮明生動畫面。它的音樂特色在於旋律起伏較大，單域較寬，節奏較自由，腔調高亢婉轉，有很強的抒情性，感染力強。 悠悠龍船調，烈烈民族魂。1998年9月，湖北省第四屆民運會在利川召開，在隆重的開幕式上，5000人表演了名為《龍船調的故鄉》的大型歌舞，規模宏大，形式新穎，層次分明，氣勢磅礴，使數萬觀眾贊不絕口。1999年，湖北電視台專程到利川為《龍船調》拍攝MTV，使這首具有土家族特色的民歌的流傳更廣。
《龍船調》以《種瓜調》為基礎，積累了當地勞動人民長期的生活經驗和智慧，字里行間透露出濃濃的生活氣息，經過反復推敲錘煉，詞義更加精煉，旋律更是極其流暢、優美動人，集中而風情萬種地表現了土家么妹兒的嬌羞、嫵媚，秀才的酸腐、挑逗以及駝背艄公的幽默、野性，從而完成了從形式到內容的重大飛躍。1957年利川民間藝人汪國盛、張順堂首次將《龍船調》作為參加全國第二屆音樂舞蹈匯演節目在北京懷仁堂演唱，受到黨和國家領導人的接見。武漢歌唱家劉家宜最早將她唱的《龍船調》灌成唱片流行全國，王玉珍又將《龍船調》唱到了日本，還有著名歌唱家王潔實、謝莉斯、魏金棟、李谷一、湯燦等多次傳唱。 著名歌唱家宋祖英將其唱到了悉尼歌劇院、維也納金色大廳、美國肯尼迪藝術中心，在全球掀起了傳唱《龍船調》的熱潮。

⑵ 施光南作品

施光南代作品：《最美的贊歌獻給黨》，《月光下的鳳尾竹》，《祝酒歌》。

施光南（1940年8月22日—1990年5月2日），男，漢族，中共黨員，祖籍浙江省金華市金東區源東鄉葉村，被稱為「時代歌手」，為新中國成立後我國自己培養的新一代作曲家、音樂家。

1940年8月22日在重慶市南岸出生，父親施復亮是共青團早期領導人，母親是重慶江津人。施光南1948年回源東葉村老家上小學，1949年在金華城內小學畢業。

解放後隨父母移居北京，在父親影響下開始學習作曲，1957年中學畢業後被中央音樂學院破格錄取，1959年轉入天津音樂學院作曲系學習，先入中央音樂學院附中補習兩年，再轉中央音樂學院作曲系學習。1964年畢業於天津音樂學院作曲系。

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施光南社會影響

施光南是新中國樂壇上一位成就卓然的作曲家。其創作涉及多個領域，且達到了相當的藝術水準；而最能體現其藝術成就的當首推其歌曲創作。

他的歌曲旋律既有濃郁的民族風味，又有著鮮明的時代特徵；既有較高的藝術性，又具有通俗性，可謂「雅俗共賞」，深受廣大人民群眾的喜愛。

其「立足於民族傳統，融匯各民族、各地方民族民間音樂之神韻，化為自己的音樂語言，創造性地運用於創作實踐」的創作思想，對當代及今後的歌曲創作都有著積極而深遠的影響。

⑶ 為什麼說二泉映月是民間音樂的代表

一、《二泉映月》產生過程概述：
《二泉映月》，二胡名曲，是中國民間音樂家華彥鈞（阿炳）的代表作。作品於20世紀50年代初由音樂家楊蔭瀏先生根據阿炳的演奏，錄音記譜整理，灌製成唱片後很快風靡全國。
二、具體過程：
阿炳經常在無錫二泉邊拉琴，創作此曲時已雙目失明，據阿炳的親友和鄰居們回憶，阿炳賣藝一天仍不得溫飽，深夜回歸小巷之際，常拉此曲，凄切哀怨，尤為動人。
阿炳的朋友陸墟曾這樣描寫過阿炳拉奏《二泉映月》時的情景：「大雪像鵝毛似的飄下來，對門的公園，被碎石亂玉，堆得面目全非。凄涼哀怨的二胡聲，從街頭傳來……只見一個蓬頭垢面的老媼用一根小竹竿牽著一個瞎子在公園路上從東向西而來，在慘淡的燈光下，我依稀認得就是阿炳夫婦倆。阿炳用右脅夾著小竹竿，背上背著一把琵琶，二胡掛在左肩，咿咿嗚嗚地拉著，在淅淅瘋瘋的飛雪中，發出凄厲欲絕的裊裊之音。」
這首曲子開始並無標題，阿炳常在行街穿巷途中信手拉奏,賣藝時並未演奏此曲，阿炳曾把它稱做「自來腔」，他的鄰居們都叫它《依心曲》，後來在楊蔭瀏、曹安和錄音時聯想到無錫著名景點「二泉」而命名為《二泉映月》,這時方定下曲譜。賀綠汀曾說：「《二泉映月》這個風雅的名字，其實與他的音樂是矛盾的。與其說音樂描寫了二泉映月的風景，不如說是深刻地抒發了瞎子阿炳自己的痛苦身世。」
1950年深秋，在無錫舉行的一次音樂會上，阿炳首次也是最後一次演奏此曲，博得觀眾經久不息的掌聲；1951年，天津人民廣播電台首次播放此曲；1959年10周年，國慶時，中國對外文化協會又將此曲作為我國民族音樂的代表之一送給國際友人。從此，此曲在國內外廣泛流傳，並獲得很高評價。1985年，此曲在美國被灌成唱片，並在流行全美的十一首中國樂曲中名列榜首，它還成為了美國唯一接受的一首中國音樂。日本著名指揮家小澤征爾曾說過，「這首歌是要跪著聽的」，可見它的魅力之大。
後來，彭修文將此曲改編成民族器樂合奏曲；吳祖強改編成弦樂合奏曲；丁芷諾、何占豪改編為小提琴獨奏曲；丁善德改編成弦樂四重奏等等。中國唱片社曾將阿炳於1950年夏演奏此曲的鋼絲錄音製成唱片，享譽世界。

⑷ 電影軍列殺出重圍片尾曲是什麼

1、《旱天雷》

《旱天雷》是一首很有代表性的廣東音樂，最早見於1921年丘鶴儔所編《弦歌必讀》，原是由廣東音樂作曲家及揚琴演奏家嚴公尚（嚴老烈）根據《三寶佛》的第二段《三汲浪》改編而成的揚琴曲，後又成為廣東音樂樂曲。現有多種演奏形式。

2、《二泉映月》

二胡名曲，是中國民間音樂家華彥鈞 （阿炳）的代表作。作品於20世紀50年代初由音樂家楊蔭瀏先生根據阿炳的演奏，錄音記譜整理，灌製成唱片後很快風靡全國。

這首樂曲自始至終流露的是一位飽嘗人間辛酸和痛苦的盲藝人的思緒情感，作品展示了獨特的民間演奏技巧與風格，以及無與倫比的深邃意境，顯示了中國二胡藝術的獨特魅力，它拓寬了二胡藝術的表現力，曾獲「20世紀華人音樂經典作品獎」。

《二泉映月》是中國民族音樂文化寶庫中一首享譽海內外的優秀作品，是中國民間器樂創作曲目中的瑰寶之一。

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《軍列殺出重圍》是成科、冷杉導演，劉衛華、蘇熒、李幼斌等主演的電影，1993年上映。影片講述的是1945年冬日本戰敗。國民黨軍隊企圖乘虛而入佔領東北。我抗日聯軍為建立鞏固的東北根據地，將大批武器裝備運往前線。

001次列車的押運任務落在小分隊隊長姚東林及其隊員身上。日軍特種兵部隊對軍列發動了突然襲擊，流竄於深山的女匪首聽信國民黨特派員的蠱惑，認為軍列上的武器是用來消滅她的，也對軍列的行進造成了諸多阻礙。激戰後，槍聲漸漸平息，日寇終於被擊潰。姚東林率小分隊登上列車，軍列奔向前方。

⑸ 評析《卧虎藏龍》的背景音樂

評析《卧虎藏龍》的背景音樂：

該曲的作曲家由從中國走出的譚盾完成，他也憑借《卧虎藏龍》的電影配樂榮獲奧斯卡最佳原創音樂獎。

1、民族性元素增添電影音樂的色彩

電影《卧虎藏龍》的配樂共由十三段背景音樂和一首主題曲組成，其中十三段背景音樂，按照故事的劇情展開，每段均有主題，如《南行》、《交鋒》、《穿越竹林》、《交鋒》、《荒漠奇情》、《絲綢之路》和《夜斗》等。

2、洋為中用彰顯電影音樂表現力

《卧虎藏龍》電影配樂的主奏樂器為大提琴。在整個影片中，不管是煙雨江南的白牆，青磚畫面，還是沙漠戈壁中落日，夕陽景象，或者是竹林中打鬥場面均出現以大提琴為主的背景音樂。

大提琴為主的背景音樂貫穿整個影片，譚盾充分發揮了大提琴樂器的性能，創造性的把該樂器的演奏與中國的傳統樂器二胡和馬頭琴結合起來，創作出的音樂作品帶有濃郁的中國特色。

(5)包含民族民間音樂的電影擴展閱讀：

1、譚盾在《卧虎藏龍》電影音樂創作中，詮釋了中國傳統音樂元素與西方的音樂理論完美結合，使用中國的眾多特色的樂器配樂而成的音樂作品，傳遞給世界的各地的觀眾。

2、譚盾以中國的音樂元素創作的《卧虎藏龍》主題音樂，得到了觀眾的喜愛，在作品中他充分發揮中國民族樂器及調式的特徵，合理安排曲式結構，把一首富有中國特色的流行歌曲推向世界的更高舞台，在音樂中向國外的觀眾傳播中國的音樂元素，傳播中國的文化。

3、他以音樂為橋梁融合西方理論基礎，選用中國特色的民族元素，使中國的特色的音樂作品走向世界的舞台。

⑹ 電影《百鳥朝鳳》中的技藝傳承對現代民族管樂教學方法的思考

內容摘要： 吳天明導演的電影《百鳥朝鳳》是一部現實版的關於中國嗩吶技藝師徒傳承的鮮活樣本。本文通過《百鳥朝鳳》這部電影中的師徒嗩吶技藝傳承片段剖析，試圖從人才選拔、技巧訓練、技藝追求三方面觀照現代中國民族管樂教學，以此揭示傳統的師徒傳承教學智慧，並為現代教學所用，也深深希望這些存於現實生活中的民間技藝能得到真正的傳承與發展。

關鍵字：電影《百鳥朝鳳》、師徒傳承、民族管樂，教學

一、電影《百鳥朝鳳》背景介紹

     電影《百鳥朝鳳》是吳天明根據作家肖江虹的小說《百鳥朝鳳》改編而成的一部電影，影片講述了兩代嗩吶藝人以及嗩吶這種民間藝術在各類生存壓力的擠壓下正逐漸消亡的過程。嗩吶王焦三爺便是劇中無雙鎮焦家班的掌門人，技藝過人的焦三爺在措手不及的社會變革與浮躁的年代裡，對沒落的嗩吶技藝堅守不渝,引領弟子們用生命不息、傳承不止的信念奏響著嗩吶藝人獨特的光輝。影片至情至深、催人淚下，它讓人看到了中國藝術一種久違的質朴與純粹。一曲嗩吶所吹響的不僅是對逝者的輓歌，更是對中國文化和本不該沒落的匠人精神的堅守。這部吳天明導演用心血和情懷拍攝的國產電影，從表層看寫的是吹嗩吶這一門演奏技藝，但從深層看，表現的是對傳統優秀民族文化傳承的深深眷戀，以及當外來文化入侵時，對待本民族民間優秀傳統文化應當持有的正確態度，可以說此部電影是現代民族管樂教學的一部鮮活的樣本。因此，本文旨在通過對電影嗩吶演奏的師徒傳承的細節片段解讀，觀照我們現代的民族管樂教學，以此揭示傳統的師徒傳承教學智慧，並為現代教學所用。

二、從現代教學視角解讀電影《百鳥朝鳳》中的嗩吶師徒傳承

1、人才選拔——獨具慧眼挑人才，學藝在後德為先。

在電影《百鳥朝鳳》劇中無雙鎮這個地方，吹嗩吶是一項傳之久遠的民間藝術，但它絕不止於娛樂，還有著深層的禮教內涵。它通過道德水準的高低來劃分嗩吶送葬儀式的繁簡——道德平庸者吹兩台，中等者吹四台，上等者吹八台，德高望重者才有資格吹「百鳥朝鳳」。因此，這首曲子，承載的是對逝者蓋棺定論的終極評價，只有德高望重的逝者，才配得起嗩吶班手為他吹《百鳥朝鳳》。「百鳥朝鳳」難度之高，在無雙鎮只有領軍的嗩吶高手、最有名望的焦家班班主焦三爺能演奏，每個學徒都以能吹好《百鳥朝鳳》為畢生至高的榮耀，前來拜師求藝之徒絡繹不絕。但焦三爺膝下無兒，加之年邁體衰，急需培養接班人，選擇誰作為焦家班嗩吶的傳承人便顯得尤為重要，這關繫到焦家班嗩吶這一民間技藝的生死存亡。在他看來，候選學徒必須品行端正，忠守嗩吶藝人的德行，從骨子裡做到「嗩吶離口不離手」，他認為只有把嗩吶吹到「骨頭縫里」的人，才能拼了命把它傳承下去。焦三爺為考驗自己帶的兩個徒弟天鳴和藍玉是否符合接班人選，他這個面冷內熱的黑臉師父使盡了各種招數。 

     游天鳴初進焦家班時年幼稚嫩，對焦三爺滿心敬畏。當父親送他來焦三爺家拜師學藝時，父親不小心摔倒了，他趕緊跑過去扶父親，看到父親摔得頭破血流時，他心疼得滿眼淚水。焦三爺看在眼裡記在心裡，他挑人的眼神睿智而犀利，他相信這么有孝心、懂事的孩子一定是一個有擔當、敢作為的人，未來是能夠托起無雙鎮嗩吶明天的，從電影的後續鏡頭可以看出焦三爺對這個徒弟的人品與藝品是極為滿意的。他後來之所以選擇天性愚鈍的天鳴作為接班人而沒選藍玉，看重的也正是他的仁孝忠義和勤勉踏實。自焦三爺收天鳴為徒後，一開始並未急於讓他學藝，更多的是磨煉其品性與耐性，相比其他弟子對天鳴的要求要更為嚴格。事實也證明，天鳴後來並未辜負師傅的期望，不管外界多麼喧囂浮華，他心中一直有自己的堅持，並最終成為焦家莊最有責任與擔當的弟子。

     電影中，焦三爺的另一個徒弟藍玉表現出和天鳴完全不一樣的個性與特質。他聰明伶俐、天分過人，在懸空運氣吹羽毛、不換氣吸滿瓢水、蘆葦桿吸河水等基礎訓練上都信手拈來，完全駕馭得游刃有餘。然而，越易擁有的能力越不會懂得珍惜，對藍玉而言，能將嗩吶揮灑於彈指間，卻不會當作生命一樣守護。焦三爺從一開始便察覺藍玉是個極不踏實、做事毛燥的孩子，以藍玉玩世不恭的個性至多把嗩吶當作生計，不適合守著古老的、即將沒落的手藝活，所以想讓他早學完早離開，正所謂細節決定成敗，當他與天鳴一起割麥時，他丟三落四、應付了事，而天鳴每割一把麥子都疊放得整整齊齊，善始善終。有一次出班，當火災發生時，藍玉全然不顧嗩吶沖出來逃命，而天鳴卻冒著生命危險跑進火場去搶救藍玉的嗩吶。自始至終，天鳴拒絕別人幫他拿嗩吶（藍玉沒拒絕），他一直牢記著師傅「嗩吶離口不離身」的規矩。因此，最終藍玉沒能傳承師傅的衣缽，被趕出焦家班，師徒二人也從此分道揚鑣。

回歸現實，電影的場景就是現實的翻版，在當今這個物慾橫流的時代，中國民樂的發展就需要千千萬萬像電影主人公游天鳴一樣把傳統技藝當做生命一樣守護的人。只有這種堅定信念不受外界因素影響的人，才會對傳統技藝一如既往的堅守，天鳴身上的這種品質也是我們這個浮躁的時代所缺失的。在現代民族管樂教學過程中，我們也可從焦三爺收徒的經驗中吸取智慧。在人品的選擇上，盡量挑選能吃苦耐勞、品性優良、持有感恩之心、胸懷遠大理想與抱負的學生作為重點培養教學對象。學藝天賦判斷上，通過各種方法(如吹泡泡等)來考察學生的肺活量；通過在鋼琴上彈奏各種音與節奏來讓學生模唱以考察學生的聲音聽辨能力與模仿力；通過與學生、家長的提問聊天，更進一步了解學生的個性、家庭環境及學習氛圍，以此推斷學生是否能長久的堅持學習。那些先天學習管樂條件不是太好的學生，教師可讓其改行學習其他藝術門類，那些天性聰穎又勤奮好學的學生可列入重點培養對象。雖說教師應該有教無類，但樂器的學成卻並非一蹴而就，教師對一個學生的培養過程是極其漫長的，少則幾年多則幾十年，若剛開始沒有認真的做好篩選工作，且學生又沒有強烈的學習興趣與勤奮踏實的品格，最終教學結果可能事與願違。因此，有針對性的、慧眼識珠挑選學生、挖掘學生的潛力，在教學初期顯得尤為重要。

2、技巧訓練——因材施教夯根基,深入自然摹技巧

     任何民間技藝的傳承都離不開師傅的口傳心授，剛開始學徒初學技藝的必修課便是夯實基本功，進而再實踐、模仿、練習與創造，而這也是現代民族管樂「一大鍋煮」式的教學所缺失的。電影主人公焦三爺對初學嗩吶演奏氣息的重視及因材施教的理念在影片中體現得淋漓盡致。眾所周知，嗩吶演奏的基礎是氣息，沒有很好的氣息控制，嗩吶演奏便成了無源之水，無本之木。一開始，焦三爺並未給天鳴講授任何嗩吶演奏相關的要領與竅門，只是讓他拿著根蘆葦桿吸河水，直至把水吸上來才能回家,但至太陽落山他都未能成功，日復一日，皇天不負有心人，終有一天，他可以通過長長的蘆葦桿從河岸吸水入嘴，這說明天鳴已基本領會了嗩吶演奏入門的嘴型與氣息狀態。之後焦三爺又讓他對著更長的蘆葦竿繼續吸水，而這意味著他要用更強的氣息控制力及嘴勁才能吸水成功。因此，這一看似簡單的竹管吸水訓練，一方面，實則進一步夯實了天鳴的氣息基本功；另一方面，也蘊含了焦三爺極為豐富的教學智慧。焦三爺看似表面上的「無為而教」，實則「別有用心」。從電影播出細節片段我們可以看到焦三爺是沒有對天鳴進行任何嗩吶指導的，兩個月的時間天鳴就是拿著根蘆葦桿吸水，樂器都未曾碰觸，但焦三爺卻把現代嗩吶入門教學演奏的氣息、口型、嘴勁訓練通過一根長長的具體實物化的蘆葦桿間接性的讓天鳴完成了嗩吶初學入門演奏所需達到的氣息與嘴勁要求。讓他在實物化的蘆葦桿吸水練習中找到未來吹奏嗩吶的嘴型與氣息狀態並加以不斷的強化、鞏固。兩個月的時間里，焦三爺讓一個幼小的孩子天天反復對著一根竹竿吸水練習，足可以看出焦三爺的教學用心及對嗩吶演奏入門基本功訓練的重視，而這也是奠定天鳴未來成為焦家班嗩吶吹手的基本條件。

而《百鳥朝鳳》中另一位主人公藍玉，我們從電影片段中看出焦三爺對他並沒有採用和天鳴同樣的教學方式。藍玉天性聰穎，具有演奏嗩吶與生俱來的天分，從他一進焦三爺家門開始，我們便看到他具有比天鳴好數倍的肺活量，能一口氣把焦三爺設置的障礙物吹倒，所以從鏡頭我們能看到藍玉初學嗩吶採用的是和天鳴不一樣的訓練方法，焦三爺讓他一來焦家莊學嗩吶練的是在院子里做「懸空吹羽毛」練習，這看似生活化的、簡單的吹羽毛動作，實則是焦三爺在有意用「寓教於樂」的方式滿足藍玉天生貪玩的天性，讓他通過貌似日常生活化的、玩游戲的方式，間接性的通過懸空吹羽毛看似簡單、生活化的動作，來增強藍玉的氣息與嘴勁控制。因此，這給我們現代民族管樂的教學啟示是：很多演奏技巧的學習，不一定要用生澀的理論講解才能讓學生領會，試著盡量把每一個技巧動作分解，並找到這一技巧和學生日常生活相對應的、熟悉的的肢體動作加以不斷地鞏固，其實就是在間接的練習技術，掌握技巧，即所謂的「寓教於樂」。這不僅是一種很實用的教學方法，更是教學的一種境界，於「潤物細無聲」中達到「春風化雨」的效果。

而在現代人心浮躁的社會，都在追求「最快、最短、最好」，教師也不例外，很多教師為追求經濟利益與社會影響力不惜揠苗助長，給學生教授所謂的「速成」，這導致的結果是學生的基本功極不扎實。從電影《百鳥朝鳳》中我們可以看到天鳴在焦三爺家學藝時，焦三爺兩個多月的時間都沒讓天鳴碰嗩吶，就是對著河邊用蘆葦桿吸水以此來訓練他的氣息基本功及嘴緊控制，看似什麼都沒教，實則用最簡單的辦法極大的夯實了天鳴的氣息，為他今後吹好嗩吶奠定了堅實的基礎。因此，現代管樂教學，教師不應急於求成，一開始就急於給學生教很多曲子，應更多的夯實演奏基本功，注重氣息與嘴勁訓練，教學效果會更好。

自然之中有深意。嗩吶名曲《百鳥朝鳳》中，很多模仿鳥叫的聲音都是源於對自然的模擬，我們從電影中可以看到焦三爺會時常帶著天鳴、藍玉在蘆葦邊的樹林里聆聽與鑒別各種鳥叫的聲音，師傅讓藍玉聽鳥鳴聲那段，藍玉就聽出三種鳥，還搶著回答。但是天明聽出更多，說明天鳴對聲音的天分更高，更能靜下心來堅持。焦三爺這種帶著徒弟深入自然、向自然學習的教學過程，也是現代專業音樂院校教學所缺失的。帶天鳴和藍玉在樹林里聆聽鳥叫，並給他們用嗩吶模擬示範演奏，讓他們近距離的和自然接近，不僅能讓他們愉悅身心、開闊心胸，增強他們對音樂靈敏的聽辨能力，將自然的聲音物化於心，外化於形；而且能更好的將嗩吶模仿鳥叫的技巧吹得惟妙惟肖，從而極大的提高他們的音樂創造力與聽辨能力。

3、技藝追求——嗩吶終究為己吹，嘔心瀝血鑄師魂。

演奏技藝學到一定程度，是為了吹給別人看還是自己看？是為了取悅別人還是取悅自己？電影的高潮段給了我們對於技藝追求最深刻的註解。當焦家班改名游家班後第一次出活回來，天鳴帶著禮物回土庄看望師父、師娘時，焦師父非常高興，拿出珍藏了二十多年的好酒與他相互對飲，飲醉後興之所至，拿出他珍藏多年的祖傳金嗩吶吹奏，師徒盡歡。焦三爺喝醉時向天鳴道出嗩吶演奏的真諦與他作為匠人的堅守——「嗩吶不是吹給別人聽的，是吹給自己聽的」。一位吹了一輩子嗩吶的老藝人多麼深刻的見解與領悟！當嗩吶吹給別人聽時就有可能去刻意迎合、討好別人，藝術就不會真，不真就不會動情，不動情就不會感染聽眾，而只有吹給自己聽時，才會與內心深處那個最真實的自己對話，與自己的情感吻合，進而達到情韻其中、人樂合一。可見，不從眾、不獻媚、不投機取巧、不迎合潮流，內心一直堅守最初的藝術底線與追求，對於我們現代的教師是多麼的重要！而一個教師教學的藝術境界有多高，也直接決定了教授學生的水平與層次。

嘔心瀝血鑄師魂。電影的結尾焦三爺在重病的情況下冒著生命危險堅持把《百鳥朝鳳》吹完的片段同樣讓人動容。當嗩吶班最後一次在火庄竇村長的葬禮出活時，焦三爺認為無雙鎮只有竇村長當得起《百鳥朝鳳》這首曲子，當年他打過日本鬼子、為村民修建水庫壓斷過四根肋骨，因此他不顧自己身患重病吹百鳥朝鳳，當他吹到中間鮮血從嗩吶口噴涌而出時，真是讓人觸目驚心、如 杜鵑 啼血。這個片段焦三爺可以說已經把嗩吶完全吹進了骨頭縫里，沒有這樣誓死捍衛傳統技藝的堅強決心是不可能冒著生命的危險去傳承與堅守嗩吶的。當嗩吶班衰落，沉痾難愈的焦三爺卻讓天鳴去集市賣掉家裡的老牛，為的是能用換來的錢給天鳴添置新樂器，病中垂死之時心中還對天鳴寄予無限的期望，想讓他再重整旗鼓，把無雙鎮嗩吶發展、壯大起來。可見，焦三爺已全然把嗩吶的傳承凌駕於自己的生命之上，更加驗證了為之生、為之死的執著。然而傳統技藝的喪失，原有價值觀的坍塌，回不去的過去和不願意麵對的將來……影片最後雖掩蓋不住故事成為現實主義悲劇的事實，但焦三爺為無雙鎮嗩吶傳承的那一片赤誠丹心終將光照千秋萬代……

三、由電影《百鳥朝鳳》引發對現代傳統文化傳承的思考

眾所周知，中國民族音樂的根深深的紮根於民間，怎樣在這取之不盡、用之不竭的民間土壤中吸取寶貴的教學經驗與智慧為現代民族管樂教學所用，此部電影中的師徒嗩吶技藝傳承為我們這個變革的時代作了一個很好的註解。而觀照現實，電影《百鳥朝鳳》的劇情就是當今民間技藝現實處境的一個真實縮影與再現。受商品經濟與社會變革影響，如今傳統文化與藝術傳承的生態環境日趨惡化,傳承的主體分化解體,傳承的隊伍後繼乏人,傳承能力逐漸衰退,觀眾流失日益嚴重，現代傳統民間技藝正在逐漸衰落並面臨失傳的境遇，急需加以搶救、發掘與保護，傳承與發展的任務任重而道遠。電影《百鳥朝鳳》中曾經無比風光、榮耀的嗩吶掌門人焦三爺吹了一輩子嗩吶，培養了那麼多嗩吶弟子，卻在商品經濟下的城市化進程中一一解散，過世連吹八台《百鳥朝鳳》的人都湊不齊。可悲的不是焦三爺，而是這個無視傳統、不再對傳統懷有信仰的時代！

正如《百鳥朝鳳》的編劇肖江虹說：「在食不果腹的年代，我們還把禮儀看得如此重要，如今物質豐盈了，廉恥卻成了稀罕物。今天回過頭看，那時候的鄉村規規矩矩，雞犬之聲相聞，黃發垂髫怡然自樂，靠什麼維持？靠的是人心深處千百年的道德積淀。」而現在人們無限制的追逐物慾、崇洋媚外，內心對傳統的禮教與規矩不再敬畏，這種文化的沒落與消亡就將成為一種必然。從前嗩吶代表著鄉村世界一整套的禮俗文化和生活方式，而現在大量的現代外來西方低俗音樂文化瘋狂入侵，紅白喜事上傳統手藝逐漸被新的工具（西洋樂器）所替代，沖擊的不只是嗩吶匠人的活計，更是對無雙鎮禮俗秩序的重槌。當我們祖祖輩輩留傳千年的傳統技藝都將後繼無人，當我們都不再以本民族創造的優秀燦爛文化而自豪時，我們又何以能讓我們傳統民族文化屹立於世界民族文化之林？只有民族的，才是世界的！在「西風東漸」的這種社會大環境下，重建我們本民族沒落的傳統文化的使命落在了我們每一個致力於中國民間傳統文化傳播、有國家責任感與使命感的人身上。這些曾帶給我們強烈的民族自豪感和文化自信心的優秀傳統文化，既是國家發展的助推器，更是民族團結穩定的向心力，它構成了實現中華民族偉大復興的大眾心理基礎和基本精神動力。「集腋成裘，聚沙成塔」，如果我們每個人都在傳統文化傳承、傳播的路上努力一點點，相信重塑未來傳統文化復興與繁榮的道路才會走得更遠，我們的國家才會因此而更加充滿希望與民族凝聚力。

⑺ 電影五朵金花插曲蝴蝶泉邊的原唱是誰

電影五朵金花插曲蝴蝶泉邊的原唱是：趙履珠

趙履珠，1937年出生，白族女高音歌唱家，雲南省大理人。

1、個人經歷

出生在洱海邊的一個村莊。1957年考入自治州歌舞團，不久又被調到雲南省歌舞團任獨唱演員。十八歲那年你，為影片《五朵金花》配唱插曲獲得成功。以後，她不斷學習民族民間音樂，堅持探索挖掘白族民間演唱藝術，學習雲南花燈、滇劇及中外名曲。她的演唱清脆甜美、委婉動聽。

2、個人成就

國家一級演員，因在藝術上的突出貢獻而享受國務院特殊津貼。在全國的聲樂比賽和演唱活動中多次獲獎。

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相關電影

電影講述了一對在雲南大理蝴蝶泉邊對歌定情的白族青年的愛情故事。對歌這種當地特有的白族青年男女定情方式對於當時的漢族觀眾還是相當陌生的。而隨著影片的放映，這首《蝴蝶泉邊》得到了人們的廣泛喜愛。

著名滿族作曲家雷振邦（1916-1997）採用兩首不同風格的白族民歌加工而成豐富獨特的旋律。詞作者是電影《五朵金花》的編劇季康。

⑻ 關於民族團結的電影有哪些

1、《阿詩瑪》是上海電影製片廠攝制的音樂歌舞故事片，由劉瓊執導，楊麗坤、包斯爾主演，從1964年開始曾在小范圍內放映，於1979年元旦在中國大陸公映。該片根據彝族撒尼人的同名民間敘事長詩改編，講述了美麗的姑娘阿詩瑪與勇敢的青年阿黑不畏金錢權勢，勇敢追求愛情的故事。

2、《五朵金花》是長春電影製片廠1959年製作的音樂愛情電影，由王家乙執導，楊麗坤、莫梓江、王蘇婭等主演。該片講述了白族青年阿鵬與副社長金花在大理三月街一見鍾情，次年阿鵬走遍蒼山洱海尋找金花，經過一次次誤會之後，有情人終成眷屬的愛情故事。

3、《紅河谷》，是1996年上映的一部歷史劇情類電影，該片由馮小寧執導，寧靜、邵兵、多布吉、應真等共同出演。影片講述了以20世紀初的中國西藏為背景，演繹了一段漢藏兒女生死相依的愛情故事和並肩抗戰的英雄傳奇的故事。

4、《劉三姐》是1978年由廣西電影製片廠出品的一部影片。由吳永剛、陳正鴻聯合執導，傅錦華、張青、岑漢偉、羅亮等主演。影片講述了劉三姐以歌聲為武器與封建統治階級作斗爭的故事。

5、《冰山上的來客》於1963年由長春電影製片廠製作發行，由趙心水執導，梁音、阿依夏木、谷毓英等人主演。影片從真假古蘭丹姆與戰士阿米爾的愛情懸念出發，講述了邊疆戰士和楊排長一起與特務假古蘭丹姆鬥智斗勇，最終勝利的阿米爾和真古蘭丹姆也得以重逢的故事。

⑼ 《我的祖國》是哪部電影的主題歌

《我的祖國》是由喬羽作詞，劉熾作曲，郭蘭英演唱的一首愛國主義歌曲。是電影《上甘嶺》的主題歌。

歌曲歌詞

一條大河波浪寬 風吹稻花香兩岸

我家就在岸上住 聽慣了艄公的號子 看慣了船上的白帆

這是美麗的祖國 是我生長的地方

在這片遼闊的土地上 到處都有明媚的風光

姑娘好象花兒一樣 小伙兒心胸多寬廣

為了開辟新天地 喚醒了沉睡的高山 讓那河流改變了模樣

這是英雄的祖國 是我生長的地方

在這片古老的土地上 到處都有青春的力量

好山好水好地方 條條大路都寬敞

朋友來了有好酒 若是那豺狼來了 迎接它的有獵槍

這是強大的祖國 是我生長的地方

在這片溫暖的土地上 到處都有和平的陽光

(9)包含民族民間音樂的電影擴展閱讀：

歌手信息：

郭蘭英1929年12月生於山西平遙，中國女高音歌唱家，晉劇表演藝術家，歌劇表演藝術家，民族聲樂教育家。中國文聯第四屆全國委員，中國音樂家協會第二、三屆理事。中國文學藝術界聯合會第十屆榮譽委員。

1982年到中國音樂學院任教，1986年在廣東番禺郭蘭英藝術學校任校長。1989年榮獲中國首屆「金唱片獎」；2005年榮獲首屆中國電影音樂特別貢獻獎等。

1981年，郭蘭英舉辦歌劇片段晚會，到中國音樂學院任教。

1985年，郭蘭英開始在廣東番禺創辦民族藝術教育事業。

1986年，郭蘭英在廣東創辦郭蘭英藝術學校（原名：廣州中國民族民間藝術專業學校），任校長。

2016年，郭蘭英參演央視春晚歌曲節目《回聲嘹亮》，演唱歌曲《我的祖國》。

⑽ 什麼叫NEW AGE

New Age，國內俗稱「新世紀音樂」。相對於Classic和POP，New Age只是近些年才興起的一種音樂形式，但卻已迅猛地發展為當代樂壇的一個大流派。它以豐富的音效，華麗的旋律，磅礴的氣勢，逼真的氛圍征服了眾多的愛好者，特別是那些狂熱的音響發燒友。

60年代末期，德國一些音樂家將電子合成器音響的概念融入原音演奏或即興表演方式，啟迪了許多新進音樂家運用更多元的手法開拓新的領域。該時期的音樂己具備了New Age的發展雛形。到了70年代，在一群藝術家的不懈努力下。New Age得以正名，他們把這種非流行、非古典、具實驗性質的樂風取名為New Age，它指的是一種「劃時代、新世紀的音樂」。90年代的今天，New Age音樂呈現出了更多樣化的風貌。樂界已形成一股百家爭鳴、各擁其妙的新勢力。正因如此，New Age不只是一個單純界定樂風區別的名詞，而是象徵著時代的演進、形而上精神內涵改良的世紀新風貌。

到底New Age要怎麼去形容呢？就以古典音樂中的「四大要素」來歸納出New Age的特性吧！

1．節奏：
New Age的節奏很多是存在於音樂自然的律動與音符的強弱之間。其實，大部分NewAge之所以要摒棄傳統的節奏，是因為有了鼓、貝司與打擊樂器，音樂的形態就會被限制死了，而New Age是自然而自由的，有著風一般的流線姿態。

2．旋律：
New Age的旋律就與流行樂完全不同，其即興演奏的味道很濃。聆樂者不僅很難記住旋律，而且更不知道旋律會在什麼時候、什麼地方終止。這也就是New Age音樂結構賦予大家極大想像空間的原因之－。

3．和聲：
New Age所用的和聲大部分是相當和諧的，不協和音在New Age里使用甚少。這也是為何New Age聽起來予人非常祥和之感的原因。

4．音色：
New Age的音色是透明的、神秘的，充滿朦朧氛圍，老實說，聽New Age聽到深處時，最大的享受之一便是音色的變幻。

除了這音樂的四大要素之外，New Age最大的魅力就是賦予聆聽者一個極大的想像空間，你可以不受形式限制，自由地在無限的想像空間中馳騁。

許多朋友不了解New Age是怎樣的一個音樂范疇，盡管他可能擁有幾十張New Age音樂CD,也有朋友把純音樂的New Age音樂當成古典音樂，把有人聲吟唱的New Age音樂當成流行音樂。那究竟什麼是New Age呢？New Age音樂是一種注重效果甚於內涵的音樂。有人是這樣形容New Age音樂的：這種音樂藉助於電子聲樂，但更多的造成神秘曠遠的感覺，向遼闊清凈的大自然回歸，和一般的流行音樂尤其搖滾拉開了明顯的距離。可以說，它是以電子技術的發展為背景，憑借先進的電子器材誕生成長的。新世紀音樂的製造者們更多地把精力花在這一大堆的電子設備中，將自己從民族民間音樂、自然界聲響或古典音樂作品中獲取的素材交由這些毫無生氣的復雜的設備進行處理，經過剖析、過濾、誇張、添加音效等加工步驟，原本單調、單薄難以忍受的聲音片段便合成為一首底氣十足旋律優雅的音樂。古典音樂的製作忠於真實，樂於表現演奏時最真實的聲響效果。例如許多愛好者喜歡聽的早期大師的原始錄音，那單聲且伴隨雜音的音樂對他們來說是一種天籟，充滿了真實的感覺。而如果把這段原始錄音交給New Age音樂製作者，那麼它一定會被電子設備除去雜音，再發展為雙聲道立體聲，甚至環繞低音部分將被改進得雄厚爆膨，高音部分也會被加工得圓潤順滑，最後還會被製作者添加上他喜歡的音效，使音樂更加熱鬧一點。經過這些處理，音樂是更悅耳了，但卻失去了真實，因此，很多古典音樂愛好者對New Age不屑一顧，視其為下里巴人。

New Age音樂的共同特點有取材廣泛，不循常規，音效豐富，低音飽滿，高音圓潤等，但其最根本的共同點是崇尚聽覺效果。一般會成為 New Age音樂的擁戴者就兩種人——音樂發燒友和感官至上者。音樂發燒友為了是自己的「愛機」物盡其用，四處搜羅發燒音碟，New Age是他們不二的選擇，換言之，New Age音樂碟只有在發燒音響上才能體現其撼人的效果。感官至上者不在乎音樂的內涵，他們在乎的是聽起來舒不舒服，爽不爽；他們基本上不看歌詞，因為沒那個必要，還好有一半以上的New Age音樂不需要歌詞。如雨果頌的一系列產品，均是迎合這個特殊的消費群體的口味。特別是「試音天碟」系列產品，將New Age音樂的音效發揮到極至，盡管它因此犧牲了音樂的整體，卻取得了巨大的成功，甚至聽說如今你購買一套數百元的低級音響，廠家都會送你一盤所謂的「試音碟」，姑且不論事實真偽，音效好壞，至少試音碟的「時尚」程度由此可見一般。

New Age音樂的另一特點是包容性強，主題豐富。全球的民族民間音樂都是它的素材。非洲的古典和愛爾蘭凱爾特民族的風笛是最流行的音樂元素。大家在音像店裡經常能夠發現主題如：印度音樂、埃及音樂、南非音樂等等的民族音樂，以及如汽車音樂、酒吧音樂等等的輕音樂，它們是 New Age的一部分。凱爾特音樂（CELTIC）是New Age音樂家愛不釋手的元素，最成功的莫過於ENYA （恩雅）。大家應該不會對這個名感到陌生吧，就算沒有聽說過，相信大家也多多少少有意無意地聽過她的歌，因為她的歌時常當成電視電台節目的背景音樂而被播放。而以愛爾蘭為基地的凱爾特民族音樂在世界范圍的風行主要歸功於風笛的魅力。凄美、悠揚、哀惋，風笛似乎天生變帶有英雄將之的傷感，但在平靜的聲音中又浮雕出一絲頑強的希望。《勇敢的心》這部電影中，蘇格蘭民族起義第一次失敗後，領袖華萊士隱居山林，他的故事在民間流傳，把他傳唱為傳奇般的英雄。只見鏡頭在崇杉峻嶺間穿梭飛行，有人在山脊狂奔，此景之下，風笛適時響起，煽情營造的英雄主義氣氛，令人感動的一塌糊塗。1997年的《泰坦尼克號》也把風笛玩得婉轉動人，黯然神傷，使一個永恆更加完美。如今，凱爾特音樂已是New Age中的一個大支，甚至可以單獨作為一個大的分類。在學生街和圖書城CD地攤上，隨手便可翻出一堆堆封面上印有「CELTIC」字樣的海關碟，種類數量之多可讓人目不暇接。但話說回來這類音樂也確實好聽。古典音樂也是New Age音樂的元素，創作者喜歡選擇協奏曲、室內樂、四重奏等作品中較舒緩輕柔的片段，加以改造，標以季節、天氣、地貌等主題，便是一盤主題輕音樂的CD 了。我是一向排斥該類音樂的，認為這種音樂惡俗，對古典大師們是一種侮辱。當然，每個人都有自己的口味，我僅僅是表達自己的意見。我有一盤該類音樂的 CD，名是《Country Morning》。唱片的封面很漂亮，但音樂本身是如何表達「鄉村早晨」這一主題的呢？製作著只是在大師作品的基礎上大量添加了鳥鳴的音效，並使用了部分電子樂器，於是原本嚴肅的古典音樂作品顯得不倫不類，令人大失所望。巴赫、亨德爾、維瓦爾第等大師的作品都被無情修改，其中名氣最大者應是維瓦爾第的小提琴協奏曲《四季》中的《春》，連巴赫的作品也「難逃厄運」。而該CD的作者還作有另外三張CD與該CD成套，包括《Country afternoon 》、《 Country evening》、《 Ocean sound》，不過我已經沒有興趣欣賞了。

New Age音樂的發展對傳統音樂特別是地區民族音樂有一定的負面影響。由於製作者以自己的立場，以自己的思想處理這些音樂元素，作品就難以保持原汁原味，而帶上強勢文化的色彩。就像社會主義和資本主義兩種社會制度形態的差距：對待同一事物，生活在兩種社會形態下的人會做出不同的判斷，因為他們的思維方式不同。一段地區性的音樂，製作者在製作過程中考慮到迎合市場的口味，只有這樣，產品在市場上才會有人消費；或者也可能是出於個人的喜好問題，製作者按自己的想法修改創作，產品只能帶有強勢文化色彩。音樂作為一種文化傳播媒介在世界范圍內流傳，弱勢文化在傳播中被強勢文化侵略影響，人們接觸到的只是變味的文化，還沾沾自喜，而先入為主的思想就更可怕了。現今拿休閑音樂當古典音樂聽的人還真不在少數，而許多人自滿地說他喜歡聽西藏音樂時，他並不知道其實聽到的只是帶有西藏風格的流行音樂或New Age音樂，如果讓他聽聽藏區牧民吟唱的原汁原味的藏族民歌，他可能就不會那麼開心了。

在國內，耳熟能詳的New Age音樂家有ENYA（恩雅）、SARAH.BRIGHTMAN（莎拉.布萊曼）、YANNI（雅尼）、SECRET GARDEN（神秘園）、DEEP FOREST（森林物語）等，他們在FANS的心中享有較高的聲望，他們的唱片在市場上更是熱銷不熄。我不是很喜歡New Age，但這只是我個人的喜好問題，不能一棒子打死。不過不能否認的是，確有一些New Age音樂也讓我心跳加快，狂喜不已，另一些CD 被愛好者尊為經典，搜集珍藏。以下我推薦的唱片，他們都符合以上兩個條件中的至少一個，並符合以下條件：一、在市場上能見到買到；二、我知道的聽過的。

NO.1 Paint The Sky With (The Best Of ENYA) —— ENYA

恩雅是我的第一反應，因為是她給了我關於New Age的啟蒙。她給當時的我帶來一種心靈的驚撼，原來音樂可以這樣玩！於是我記住了這一動聽的聲音。恩雅音樂的特色在於古典交響樂結構式的編曲，深邃飄渺的和聲、宏大厚實的配樂、電子樂器的適量應用，親切優美的旋律以及成功營造的氣氛和意境。
恩雅是愛爾蘭人，這在她的音樂中已得到體現，她的作品不多，從80年代至今只出版過《Watermark》、《Sheperd moons 》、《The celts》、《The memory of trees》、《A day without rain》5張專輯，我推薦的是已出版的精選《星空彩繪》。其實，恩雅的唱片又有哪張不精彩呢。兩度格萊美最佳New Age獎便是對她的肯定。曾經我把這張唱片推薦給我的一位朋友，結果第二天他找到我，說他活了這么多年聽了這么多音樂直到今天才知道恩雅真是一種遺憾，他還感激地拉著我非要把他珍貴的初吻獻給我……我當然不會讓他對我做這種齷齪的事，否則大夥還以為我們是「玻璃」呢，於是他就把唇印在CD封面上方。音樂使人瘋狂！！

NO.2 Eden La Lune —— SARAH.BRIGHTMAN

莎拉.布萊曼是已演唱現代歌劇而出名的。有這樣扎實的聲樂功底唱起流行歌曲自然是游刃有餘，演繹方式更是別樣清新。同樣是撼動心靈的天籟，莎拉.布萊曼與恩雅卻是各行其道，兩不相爭。作家肖復興在他的《音樂筆記》中是這樣描述的：「恩雅的歌聲像是一泓平靜的高山湖泊，倒映著山嵐雲影，相看兩不厭，靜靜地傾聽著彼此的回聲。莎拉.布萊曼的歌聲則像是一條從山頂流淌下來的泉水，常常情不自禁地跳躍著，叮咚作響……可以這樣說，恩雅如一位質朴而不會多言多語的嫻靜的鄉村少婦，莎拉.布萊曼像一位奔放而快言快語的亮嗓門的城市姑娘。她們一樣的浪漫，只不過一個浪漫包裹在蠟染的包袱皮兒里，放在胸前；一個將浪漫如項鏈閃閃發光地戴在脖頸上，不時摁響嘹亮的汽車笛聲……恩雅的歌聲是屬於你的愛人的，莎拉.布萊曼的歌聲是屬於情人的……」作家把文字寫得動情，是因為莎拉.不萊曼把一曲曲歌唱得煽情，聽聽她與Andrea Bocelli合唱的《Time to say goodbye》，把呼吸交付給她，讓裊裊高音穿透，滲透你整個兒的身心，這里推薦的是專輯《伊甸園》和《月光女神》，在去年，她也發行了精選專輯《金選》，精彩自然不容錯過。

NO.3 River dance —— BILL.WHELAN

《大河之舞》是一出現代舞劇的音樂，風笛、提琴、吉他、豎琴，又是凱爾特風格！這音樂實在不一般，帶點靈氣，帶點蠱惑，當樂曲緩緩展開，迷幻的氣氛便開始包圍向你，而當曲調一轉突然變得狂野奔放、熱情激盪時，魔力就施展開來——你會情不自禁的手舞足蹈，且會怨恨自己怎麼不會跳踢踏舞！在這張專輯中，狂放的踢踏舞曲佔主打比例，但也不會全是挑動性的歌曲，精彩程度只能用「經典」來形容。數年前，我在朋友家中聽到該CD，於是終日牽腸掛肚，魂縈夢系，歷經一年半終於覓得數碟，立馬帶領狐朋狗友一掃而光。該英雄事跡在友人中船為佳話。在這我提個小小的建議：聽這張CD時，請拋棄兩個小小的耳塞吧，用Hi-Fi音響大聲的放出來，這樣你才會被那飽滿的踢踏舞狂舞的聲音籠罩，絕對的現場。

NO.4 The mask and mirror —— LOREENAM.KENNITT

與恩雅和莎拉.布萊曼不同，羅琳娜麥.肯尼特的聲線少了幾分柔曼，多了幾分叛逆、倔強，頗具革命精神。她的CD充滿了中世紀歐洲色彩，正如這張《遮麋蔽顯現》的專輯，封麵包裝都體現著歐洲古典主義文化的碎片和片段，連歌詞都是中世紀歐洲的古詩。在歌聲中，更多地沉澱了一種不屈的頑強。

NO.5 CELTIC —— Universal Music 合輯

凱爾特音樂的大匯集，搜集眾多超級凱爾特藝人的作品，絕對響當當。但作為一張合輯，五花八門的羅列，主題便大大削弱了。從我個人角度上講，聽起來就有點茫然失措，感覺沒什麼內容。當然我不是個New Age的狂徒，大家可以當我在講廢話。因為New Age的發燒友們都尊此碟為天碟，視其為命根子。客觀地講，此碟應是New Age特別是凱爾特音樂的經典之作了。

NO.6 《雅典衛城現場音樂會》——YANNI

雅尼的名氣是足夠大了，超級的New Age音樂大師啊！希臘鋼琴王子，鍵盤王子！據說他的音樂模式是「電子合成器加管弦樂隊加鋼琴演奏」，聽他的音樂就一種感覺，好聽就行，不要想太多。《雅典衛城現場音樂會》是其風格的代表作。
此外，德國的Enigma，日本的喜多朗，挪威的神秘園，英國的陳美，法國的Deep Forest等都是New Age音樂世界中的一股股強勁力量，代表著New Age的主流與方向。他們的唱片總是能掀起一陣陣的颶風，在此就不一一羅列了。