電影英雄音樂片段賞析

① 如何評價張藝謀電影《英雄》

《英雄》在國內外之大相徑庭的評價和口碑。國內的影評人和觀眾對這部電影多持負面態度，統一的認為這部電影缺少內在精神價值判斷，充斥藝術靈魂的空洞，華麗有餘而內容不足；而西方媒體和觀眾卻視這部電影為神作，例如我一個畫畫的美國朋友認為此片是他看過最好的非英語電影，用「無盡的詩意」和「純粹的藝術想像」去贊譽它。

第一，「武俠」的概念是主觀的。沒有一個今天的人是真的生活過在一個「武俠」的世界裡的，也有沒有一個字典或一本教科書來給出「武俠」這一含義的標准解釋。所以，人們對於武俠的理解都是基於文學、美術、影視等人為創造的、間接建構的信息，那麼，這個「武俠」的概念和觀點就是絕對主觀的。一千個讀者就有一千個哈姆雷特，一千個人就有一千個「武俠」，一千個「江湖」。張藝謀拍的是一個自己臆想里的「武俠」精神，所以，有人叫好，有人批評，是很正常的。

第二，「武俠」不是張藝謀成長的世界，也不是他骨子裡的精神。張藝謀是個典型的「中國式」導演，他的成長環境、審美品位、藝術理念，都是很傳統的，中國式的大紅大綠，透露著人多、地大、黃土高坡的壯美和豪情。所以，類似於《紅高粱》、《菊豆》、《大紅燈籠高高掛》、《秋菊打官司》等傳統文化的、鄉土環境的、內陸氣息的、現實主義的電影題材才是張藝謀根子里的東西。他深有體會，包含情懷，所以這類題材的電影他拿捏得當，立意深刻，飽受好評。較徐克這樣的導演而言，《英雄》想表達的武俠世界絕對不是張藝謀的主場，也不是他的專長，所以電影拍得不進油鹽滋味，可以理解。

第三，《英雄》是張藝謀的野心之作。不可否認的，張藝謀拍《英雄》是受到了李安的《卧虎藏龍》的影響，他也想拍一個叫西方人大開眼界的視覺奇觀，並進軍好萊塢，最好能拿個奧斯卡。新千年後的張藝謀，已經憑借《紅高粱》、《菊豆》、《大紅燈籠高高掛》、《秋菊打官司》、《活著》、《搖啊搖，搖到外婆橋》，包括《我的父親母親》在國內獲得了無數的聲譽，已經是國內一線大導演，於是野心放大，想征服國外市場，也是情理之中。這種國內大導演想在國際市場獲得認可的心態在後來的馮小剛身上體現的更明顯。作為一個賣座但不得獎的導演，馮小剛自己也坦言，《夜宴》算是他進軍國外、企圖得獎的野心之作，最有趣的是《卧虎藏龍》、《英雄》、《夜宴》有一些一以貫之的元素，例如章子怡的形象，譚盾的電影音樂（這三部電影音樂完成了譚盾自己的「武俠三部曲」）。所以，在這個基礎上，我們應該明確，張藝謀拍《英雄》的主要目的是給外國人看的。他選擇了一條自己不擅長走的題材道路，目的是證明自己的視覺藝術控制力，至於結果怎麼樣，我們細細來看。

就中國電影進程來看，《英雄》毫無疑問是中國電影「大片時代」的里程碑。自此之後，中國電影拉開了商業大片的時代帷幕。砸投資，拼明星，狂宣傳，這開始成為一種商業操作的模式。

② 誰能幫忙分析《英雄》電影的鏡頭和色彩運用

吊足了的胃最終吃了一頓飽飯。在一片狼籍的中國電影飯桌，英雄是一道真正的招牌菜。
集中了華人乃至世界頂尖的製作群體，投入3000萬美金，英雄成為我所見過製作最為精良的中國電影。很久沒有一部中國電影讓眼睛，耳朵如此興奮了。張藝謀的專業精神令人敬佩，如果誰要向張藝謀豎中指，還是先鞠個躬再說。
看過片子絕對同意這種評價：英雄是一場視覺上的盛宴。我覺得如果早些時候拍出來，英雄還可以拿去做申奧片。所有關於中國的符號，英雄里都不遺餘力地再現：圍棋，書法，劍，古琴，山水，竹簡，弓箭，威威樓宇，漫漫黃沙，青山碧水，紅牆綠瓦。英雄電影的畫面，極具中國畫的意境。如果不去做申奧片，英雄還可以去做中國旅遊的廣告片，或是愛國主義教育範本，的確，我相信每個看過電影的都會為我大好江山，我泱泱大國擊節贊嘆，相信這部電影全球放映後，會加快留學人員歸國效力，加大各國人民來華旅遊觀光力度。
有幾個鏡頭給人留下強烈印像：李連傑一劍刺中甄子丹，為描述劍之快，鏡頭在李連傑的臉一點點穿破雨水的畫面中一一定格。李連傑與梁朝偉在九寨溝一場對決戲，二人蜻蜓點水，水面及水下的鏡頭，絕對可以寫入武俠片視覺經典。我也相信很多人在章子怡和張曼玉比劍那段漫天黃葉的戲中瞠目結舌，盡管那段戲倒更像屬於日本人的意境。
在聽覺方面，英雄把武俠片的音效提升到一個新的境界，不再像以往武俠片強調刀劍，拳腳，飛行的強烈誇張表現，相反，英雄的錄音和擬音方面都相當克制，他們更重視體現"綿長""幽遠"的意境，更強調聲音的質感。這些克制後表達出的竟境令人大開"耳"界。在影院，正對畫面，背景聲安靜得像清澈的湖水，在一片衣袍揮舞和鼓聲的中低音中，劍聲劃破空氣的銳響，配合人影騰挪的聲音，槍劍相撞後的漸弱的震顫聲，極富韌性極具質感。讓人印像深刻的是為描述李連傑劍法之准，他一劍橫貫毛筆，從劈裂筆桿竹質到筆尖毛質聲音的變化。還有在九寨溝對決的劍戲，人腳踏在平靜的水面聲，劍挑破水，震開的一圈圈漣漪聲，人耳悶在水裡到躍出水面後撲面而來的空氣感。影片配樂依然是譚盾，看到最後，我幾乎有點迷乎了，那鼓聲，琴聲，包括伊扎特帕爾曼的小提琴，都真的很像《卧虎藏龍》。
編劇李馮和張藝謀用紅，蘭，白，黃四段視覺的變化把故事的不同版本分段講述，還加了不少辯析的色彩，這讓人想起《羅生門》。這個故事講得很別致而且基本能自圓其說。再一想到電影的短短的拍攝周期，讓人對老謀子心生敬意。而畫面上，英難更像一部部精美的MTV或廣告片的聯播。
英雄是一部符號化的電影，所有的符號都在傳達一個標識："MADE IN CHINA"。在這樣的視覺聽覺轟炸中，演員的表演成為影片中最為弱化的環節，如果不是出於商業的考慮，估計誰來演都可以完成任務。大牌明星們的表演徘徊在扮酷或更好的扮酷之間，說狠一點，劇本給他們的空間，無法演出"人味兒"，他們的內心活動，表情都不再重要，重要是他們要服從服裝顏色變化的需要，電影的主角是服裝，布景，道具，這些符號代表著忠，義，情。演員是人，但是有一群神一樣的攝影舞美燈光，人便不再是人，是英雄，於是一個歷史故事最終變成一個超現實故事。

③ 李連傑，梁《英雄》影評賞析

出自網路

《英雄》是著名導演張藝謀面對電影全球化和商業化的背景，實現自身藝術轉型的一個重要標志。《英雄》明星雲集，場面宏大，畫面精美，武打設計揮灑寫意，將中國傳統意境於動作片的暴力美學造型相結合，創造了中國大陸電影新一輪的票房神話和電影產業化模式。美國《華爾街日報》認為：「《英雄》真正拉開了中國大片時代的帷幕」。同時，《英雄》在商業與藝術之間的宏大敘事策略，也在知識分子、普羅大眾、官方意識形態和電影專業人事件引發了激烈的爭論。
關於《英雄》的主題，一直是爭論的焦點。電影《英雄》的題材來自「荊軻刺秦」的故事。自從《史記》以來，「荊軻刺秦」的故事一直被人稱頌，其中獨立個體抵抗強權的精神更是其中的內核，而「俠」也被定義為「以武犯禁」，武俠文學和後來的武俠電影的社會功能都是用俠的形象在一定程度上沖破社會禁忌，對抗強權政治，為讀者或觀眾提供在現實中得不到的快感。而20世紀80年代以後，周曉文和陳凱歌都對這個題材進行了影像化重寫，其中對主流意識形態的反抗和對親王等歷史人物的心理重構，都反映了現代性啟蒙敘事對電影影像的影響。但是，在《英雄》中，張藝謀改變了敘事策略，其主題在商業和藝術之間遊走，消解了其中啟蒙的反抗意味，反映了中產階級在目前國內的文化語境之下對宏大敘事的矛盾心態。可以說，《英雄》體現出當前社會對於權力的基本認識：崇拜權利與夢想對抗強權並存，而影片試圖調和這種矛盾。把鞏固權利與向權利挑戰這兩種對立的要求並列地組織到故事中，是這部影片的獨特創意。作者提供了兩個位置供觀眾同時選擇：有權者與無權的挑戰者。作者用各種電影手段極力在道德上平衡這兩種人的關系。這反映了作者自相矛盾的英雄觀，他試圖把兩者都打扮成英雄。正是這種看似模稜兩可的態度，導致了兩者實質上的互相消解，使兩類人物都不符合傳統觀念中的英雄。但是，電影以形象感人，觀眾習慣性地首先與無名、殘劍、飛雪等為代表的俠認同。他們是對荊軻之類轉為豪門貴族賣命的亡命之徒的改寫，以一種新的身份示人，是士與俠的綜合。無名用劍柄象徵性地刺秦王這個舉動是全片的點睛之筆。這種敘事或許牽強，卻極具象徵性，體現出作者的良苦用心：影響統治者的觀念比消滅他們的肉體更重要、更有效。無名、殘劍之類不可能用暴力奪取統治者的權利，只能轉而求其次，通過發揮更大的話語權，以傳達自己的呼籲和平的觀念。應該承認，導演在抹平縫隙掩蓋矛盾方面使用了很多心思的，這是商業片的必然選擇。一部影片的流行很可能滿足了不同觀眾的許多利益和願望，從理性上分析，它們很可能出自互相沖突難以協調的意識形態。贏得觀眾的要訣在於，不要突出某種意識形態壓服其他，企圖根本解決現實中無法解決的矛盾，而是找到調和之道，使各種利益集團從文本中都能找到令自己滿意的因素。
《英雄》在藝術和商業結合上也有著相當的創新。除了「羅生門」式的敘事策略，借鑒好萊塢的大片模式，對武打場面、影像畫面設計、視聽效果等方面也都頗有新意。可以說，《英雄》是一場視覺上的盛宴。所有關於中國的視覺符號，《英雄》里都不遺餘力地再現：圍棋、書法、劍、古琴、山水、竹筒、弓箭、巍巍樓宇、漫漫黃沙、青山碧水、紅牆綠瓦。就色彩而言，《英雄》中，是「紅」與「黑」的對立和碰撞。「黑」是秦朝的代表顏色，象徵著宏大敘事的壓力，主流意識形態的威嚴，而影片以紅色隱喻國仇家恨，以紅色象徵火山爆發前的內在力量，以紅色宣示一種劍俠特有的矢志與抱負。影片伊始，即表現秦國的強大軍隊、蓋世的宮殿建築、濃煙而沉穩的黑色。黑色衣著的嚴肅的秦王頭頂黑冠、腳穿黑靴、身穿黑甲，穩坐黑色龍柱的黑色秦宮，豪氣不凡，莊重威嚴。在描寫俠客的片段中，鮮艷奪目的紅色則占據著絕對統治地位。殘劍、飛雪及如月等人物的服裝均為紅色，與少暗紅色的場景空間熔鑄為一體，形成烈火般的紅調，給觀眾以極強的視覺沖擊力。例如，如月誓為主人報仇一節，與飛雪在胡楊樹林中生死對決。在這場戲里，急速運動的敵手中劍身亡，血眼看世界，使畫面和空間變赤，頗有驚天地泣鬼神的意味。在聽覺方面，《英雄》也把武俠片的音效提升到一個新的境界。影片配樂是著名音樂人譚盾。他不再像以往武俠片那樣強調刀劍、拳腳、飛行的強烈誇張表現，相反，英雄的配音和擬音方面都相當克制，他們更重視體現「綿長」「幽遠」的意境，更強調聲音的質感。充分容納各種具有表現力的細節化聲音段：不僅有鼓聲、琴聲、伊扎特帕爾曼的小提琴，甚至是各種在武俠場面中的自然聲音。這些克制後表達出的已經令人大開「耳」界。例如，正對畫面，背景聲安靜得像清澈的湖水，在一片衣袂揮舞和鼓聲的中低音中，劍聲劃破空氣的銳響，配合人影騰挪的聲音。槍劍相撞後的漸弱的震顫聲，極富韌性極具質感。讓人印象深刻的是為描述李連傑劍法之准，他一劍橫貫毛筆，從劈裂筆桿竹質到筆尖毛質聲音的變化。還有在九寨溝對決的劍戲，人腳踏在平靜的水面聲，劍挑破水，震開的一圈圈漣漪聲，人耳悶在水利到躍出水面後撲面而來的空氣感等等。
《英雄》給我們帶來的電影產業化運作的模式也是頗有啟示的。從前期的策劃籌備、類型片明星制，到拍攝製作，最後宣傳發行，《英雄》呈現給人們的，是一整套迥異於國產電影以往操作路數，卻又完全符合商業規律的市場化電影運作範式。《英雄》上映2個月，國內票房就達到2.4億元人民幣，毫無疑問，《英雄》獲得了國產電影空前的商業成功。從某種程度上說，《英雄》是中國電影產業化道路的一塊里程碑，它在我們藝術和商業結合的中國武俠類型片的發展上，有著豐富的啟示意義。

④ 對電影《勇敢的心》中」華萊士被出賣，落入英軍手中，在刑場上到影片完」這個片段的音樂進行賞析

說起《Brave Heart》的原聲音樂，就不得不說說曲作者James Horner這位大名鼎鼎的好萊塢電影配樂家。國人熟悉Horner可能是從《Titanic》開始，那一首《My heart will go on》和一支悠揚的蘇格蘭風笛不知迷倒過多少人。其實在這之前，Horner就為多部優秀電影寫了出色的配樂，其中有《Apollo 13》、《Glory》、《Legends of the Fall》、《The Mask of Zorro》。值得一提的是，當年《Brave Heart》和《Apollo 13》同時獲得奧斯卡最佳配樂的提名，雖然顯示了Horner非凡的實力，但是造成了評委會選票的分流，留下了遺憾。

影片《Brave Heart》描述了蘇格蘭的民族英雄Wallace反抗英格蘭的殖民統治的英勇事跡。全篇氣勢恢宏，情感真摯纏綿，跌宕起伏。作為這樣一部影片的配樂師，Horner正確的選擇了蘇格蘭的民族樂器——風笛加世界頂級樂團——倫敦交響樂團的配器組合。

影片開頭，Main Title中悠揚的風笛聲將觀眾帶入了蘇格蘭高高的山嶺之上，在青山綠水的環繞中，生活著朴實的蘇格蘭人民。然而憂郁的小提琴在沒有低音襯托的空靈中，奏出了他們受到統治者壓迫的不幸。四支圓號不祥的和聲，暗示了統治力量的邪惡與黑暗。經過弦樂的過渡，獨奏圓號忽然吹出帶有升騰力量的旋律，這似乎是一種期盼，期盼英雄的誕生，來拯救他的民族；然而大提琴冷冷的對答，為這位英雄鋪設了艱難的道路。整首Main Title無疑是影片的序曲，Wallace一生的奮斗歷程其實已經預告在了這首短小的曲子中了。即使把此曲作為純音樂來欣賞，它的藝術價值也會閃現光芒。

Wallace的父親因為抗擊英國的統治而犧牲了。在父親的葬禮上，村裡的小女孩Murron摘了一朵紫薊花送給了小Wallace。這時風笛第一次響起了象徵Wallace和Murron愛情的主題，它是那樣的優美而哀怨。無論環境多麼惡劣，都不會阻擋住人們對愛情的渴望。這個旋律冥冥中蘊涵著對自由的嚮往。

在Wallace Courts Murron的開頭，是一個鄉間的婚禮舞會場面，這是整部影片中最歡快的音樂了。在風笛吹奏的洋溢著民族風情的舞曲中，人們暫時忘卻了苦難，盡情的歡樂。我記得托爾斯泰說過，無論生活的環境多麼艱苦，人們從未停止過對歡樂與自由的追求。從這首曲子中，我們可以聽出來，之所以Wallace率領的民族起義會在百姓中造成如此壯大的聲勢，對英統治造成空前的打擊，其原動力是來自於蘇格蘭這個民族的偉大。就在這樣一個舞會上，長大成人的Wallace，回到了闊別十多年的村莊，見到了兒時的好友和已經長成為一個婷婷玉立端莊少女的Murron。這時，兩人的愛情主題又重現了，只是這一次它不再那麼緩慢且傷感，卻顯出些許愉悅的色彩。Wallace取出幼時Murron送的紫薊花，雖然花朵已經干癟，但是色彩依舊明亮。愛情的種子在兩人的心生根發芽生，此時終於長出了美麗的花朵。這時的畫面：幽靜的夜晚，山崗上一對戀人促膝而坐，配上如此優美的風笛，真是讓人為之感動不已。

隨後的Secret Wedding，弦樂與長笛的合奏同風笛交相呼應，似乎代表了兩位主人公纏綿悱惻的愛情。在這六分多種的時間里，畫面中沒有任何語言，只有音樂在流淌。整個蘇格蘭連綿的群山似乎都沉浸在這纏綿的愛情中了。

然而好景不長，Murron受到統治者的迫害而被殺死了。Attack on Murron中，固定節奏的定音鼓製造出了危急的氣氛。Murron被綁在木桿上，眼裡流露出無助的淚水，哀怨的女聲似乎是她的輓歌。而這一切終被邪惡的獨奏圓號所吞沒——明晃晃的匕首指向Murron的喉頸——不和諧的交響終於將樂曲送至定音鼓那奪人心魄的致命一擊！緊接著的Revenge把Wallace復仇場面刻畫的栩栩如生。定音鼓在晃動音型的襯底下充滿了懸念與緊張，空氣似乎凝結住了。當Wallace從背後抽出木棍的同時，音樂急劇加速，風笛越來越顯出不安與凄涼。這一段音樂充分展現出了情節的張力。在Murron\'s Burial中，風笛又一次重現了愛情主題，而這次它卻是如此的悲涼，讓人不禁要落下眼淚……

接下來，Making Plans第一次展現出英雄的風采。風笛，一下變成了號角，召集人們起來反抗。蘇格蘭的人民覺醒了，在Sons of Scotland中，銅管占據了主角，表現出了人民的英勇氣概。隨著定音鼓堅定有力的鼓點，起義軍在風笛的領導下，同敵人展開了英勇的戰斗。這一段戰爭音樂是全篇中最有特色的一段：描寫蘇格蘭人的只有一支風笛，看來似乎勢單力薄，但是它卻頑強的抗爭著；樂曲間，弦樂隊時不時闖入進來一條極不和諧的旋律，表現出英軍肆虐的反撲。隨著節奏的不斷加快，幾條主線交織在一起，難解難分。這一段音樂，重現了六百多年前發生在蘇格蘭中部城鎮Stirling的著名的戰役，可謂精彩至極。

英王為了爭取集結部隊的時間，假派王妃去和義軍和談。豈料王妃卻被Wallace的勇敢、正氣和魅力所吸引，深愛上了這個「叛賊」的頭目。在For the love of a Princess中，作曲家表現了她矛盾的內心和深沉的愛。在義軍獲得了Falkirk的勝利之後，眼看形勢極為有利，Wallace卻受到了貴族的出賣。在Betrayal and Desolation中，大提琴表現出Wallace的悲憤。隨之呼應的獨奏圓號奏出無奈的嘆息；弦樂零星幾點，展現出一派悲涼的景象。最後，風笛又緩緩的登場，伴隨著如同天籟傳來的人聲給失敗的義軍於無盡的撫慰。

Mornar\'s Dream是一首短小的曲子，節奏局促。在這里，作曲家第一次使用了嘹亮的小號，使曲子帶有無限動力。曲中透出Wallace不畏失敗，越挫越奮的堅強毅力。而他已經成為人民心目中的英雄。在The Legends Spreads中，風笛居然以更快的速度，更激進高昂的旋律，旋風般的把英雄的事跡繼續傳遍蘇格蘭大地。 在Wallace再次受到出賣之後，終於被英王捉住。王妃向冷酷的英王祈求繞過他的性命。這一段音樂表現出她對Wallace的愛、對英王的仇恨、對自己的無助……其中笛子顫抖幽怨的旋律似乎是王妃的哭泣。

終曲Freedom，影片中結構最完整的一首樂曲。首先由獨奏圓號反復吹奏相同的三音級進的旋律，整個樂隊以不斷豐富的配器與推波助瀾的和聲來襯托這個表現蘇格蘭寬廣、雄偉的景色的主題；隨後風笛以高亢的基調拉出了英雄的主題。這個主題其實就是愛情主題的再現，然而在這里，它揮去了所有的陰霾，顯得無比輝煌，在這里，它已經成為了自由的贊歌。我們一定記得，影片中Wallace躺在絞刑台上，用盡全身力氣發出的最後的吶喊：「Freedom！」不禁要為這一顆勇敢的心而敬佩。然後樂曲回到A段，在英雄主題再現的時候，兩個主題交織在了一起，形成了全片配樂中最振奮人心的高潮。這一段表露出Horner高超的作曲技巧。隨後合唱加入進來旋律變的舒緩優美，這是最高貴的愛情的贊頌。這首長達七分半鍾的終曲，含概了全篇的劇情，給了片子一個有力的結尾。

最後要提一下為配樂擔任演奏的倫敦交響樂團和維斯明斯特教堂合唱團。熟悉古典音樂的朋友們一定不會陌生，這兩個樂團可以說是當今世界最頂尖的交響和合唱團。他們所發出的音響不是一般的合聲器能夠相比的。所以建議大家有機會的話定要去電影院觀看這部影片，你一定會被影片配樂中史詩般的恢宏所震撼。

電影我看過,也曾被它的音樂所深深感染,我覺得,音樂的運用是這整部電影最出彩的地方
哪個劇情的哪條歌我忘了,不過找到一點資料,希望對你有用

⑤ 電影《英雄》裡面的背景音樂是什麼

1.Hero:Overture 蒼:序曲
2.For The World - Theme Music 天下:英雄主題
3.Above Water 在水一方
4.Hero (Theme Song) - 王菲
5.At Emperors Palace 闖秦宮
6.Fareweall,Hero 英雄葬禮
7.Gone With Leaves 飄:胡楊林
8.In The Chess Court 棋館古琴
9.Longing 欲
10.Love In Distance 咫尺情涯
11.Snow 飛雪
12.Sorrow In Desert 悲情沙漠
13.Spirit Fight 惺惺相惜
14.Swift Sword 十步一劍
15.Take Me Home 帶我回家
16.Warriors 風
17.Yearning For The Peace 和平天下

你說的是哪一個。

⑥ 急求！！張藝謀《英雄》影評

毋庸置疑，《英雄》是張藝謀最具爭議的電影作品。最有意思的是，《英雄》在國內外之大相徑庭的評價和口碑。國內的影評人和觀眾對這部電影多持負面態度，統一的認為這部電影缺少內在精神價值判斷，充斥藝術靈魂的空洞，華麗有餘而內容不足；而西方媒體和觀眾卻視這部電影為神作，例如我一個畫畫的美國朋友認為此片是他看過最好的非英語電影，用「無盡的詩意」和「純粹的藝術想像」去贊譽它。

官方信息來看，美國《紐約時報》曾用整整兩個版面報道這部電影，稱「《英雄》這部電影經典得就像中國的《紅樓夢》，也是我們美國奧斯卡的無冕之王。」 而在2005年美國《時代》雜志評選的「2004年全球十大最佳電影」里，《英雄》更是排名第一，成就了華語電影首次問榜登頂的神話。

這樣的口碑差異是值得研究的。張藝謀曾在一次訪談里說，從《英雄》開始，他的大部分電影都不叫觀眾滿意，而原因就是因為他是張藝謀。用他自己的原話就是，「這電影擱在別人那兒，都是好電影」。

這句話也很令人回味，道出了觀眾對於大導演的藝術期待，你是張藝謀，你就應該水平比別人高；同時，也反映出觀眾對於導演「人藝合一」的期待，超生風波，包括接手奧運會開幕式，都讓張藝謀的影迷對於一個藝術導演的純粹性打了折扣。

但話說回來，就《英雄》這部電影本身而言，它真的有國人批判的那麼差勁嗎？

首先，我認為有幾點是可以作為客觀評價這部電影的基礎。

第一，「武俠」的概念是主觀的。沒有一個今天的人是真的生活過在一個「武俠」的世界裡的，也有沒有一個字典或一本教課書來給出「武俠」這一含義的標准解釋。所以，人們對於武俠的理解都是基於文學、美術、影視等人為創造的、間接建構的信息，那麼，這個「武俠」的概念和觀點就是絕對主觀的。一千個讀者就有一千個哈姆雷特，一千個人就有一千個「武俠」，一千個「江湖」。張藝謀拍的是一個自己臆想里的「武俠」精神，所以，有人叫好，有人批評，是很正常的。

第二，「武俠」不是張藝謀成長的世界，也不是他骨子裡的精神。張藝謀是個典型的「中國式」導演，他的成長環境、審美品位、藝術理念，都是很傳統的，中國式的大紅大綠，透露著人多、地大、黃土高坡的壯美和豪情。所以，類似於《紅高粱》、《菊豆》、《大紅燈籠高高掛》、《秋菊打官司》等傳統文化的、鄉土環境的、內陸氣息的、現實主義的電影題材才是張藝謀根子里的東西。他深有體會，包含情懷，所以這類題材的電影他拿捏得當，立意深刻，飽受好評。較徐克這樣的導演而言，《英雄》想表達的武俠世界絕對不是張藝謀的主場，也不是他的專長，所以電影拍得不進油鹽滋味，可以理解。

第三，《英雄》是張藝謀的野心之作。不可否認的，張藝謀拍《英雄》是受到了李安的《卧虎藏龍》的影響，他也想拍一個叫西方人大開眼界的視覺奇觀，並進軍好萊塢，最好能拿個奧斯卡。新千年後的張藝謀，已經憑借《紅高粱》、《菊豆》、《大紅燈籠高高掛》、《秋菊打官司》、《活著》、《搖啊搖，搖到外婆橋》，包括《我的父親母親》在國內獲得了無數的聲譽，已經是國內一線大導演，於是野心放大，想征服國外市場，也是情理之中。這種國內大導演想在國際市場獲得認可的心態在後來的馮小剛身上體現的更明顯。作為一個賣座但不得獎的導演，馮小剛自己也坦言，《夜宴》算是他進軍國外、企圖得獎的野心之作，最有趣的是《卧虎藏龍》、《英雄》、《夜宴》有一些一以貫之的元素，例如章子怡的形象，譚盾的電影音樂（這三部電影音樂完成了譚盾自己的「武俠三部曲」）。所以，在這個基礎上，我們應該明確，張藝謀拍《英雄》的主要目的是給外國人看的。他選擇了一條自己不擅長走的題材道路，目的是證明自己的視覺藝術控制力，至於結果怎麼樣，我們細細來看。

從很大程度上說，中國內地有一整個時代的電影觀眾都是在張藝謀那寫意又寫實的電影里成長的。例如我爹，是絕對的張藝謀腦殘粉，視鞏俐為心中的第一女神。他的《紅高粱》、《菊豆》、《大紅燈籠》等電影，敘事風格充滿了中原文化的豪氣，講究的色彩和構圖形成了獨特的電影語言。張藝謀的電影注重寓意、象徵意味豐富，這個陝西漢子用朴實的獨白和激情的畫面講述了一些我們文化「根」里的東西，剖析中國的社會、中國人的命運。所以，當2002年，這個黃土地導演用巨星雲集的商業大片描述一個虛幻的「武俠」故事時，人們都驚訝了。無論是題材，還是製作，《英雄》都一反張藝謀電影的常規，打破了人們的預期。

這部電影斥資3000萬美元，成為了當年投資最高的中國電影。在演員陣容上，此片匯集了李連傑、梁朝偉、張曼玉、章子怡、陳道明、甄子丹這一批國際國內知名的當紅影星，就連電影主題曲的演唱者也是天後王菲。這種製作陣容放在今天也是十分可觀的。最終，這部電影在國內的票房高達2.5億人民幣，成為了中國歷史上第一個票房過億的影片，創下了無數個歷史奇跡。兩年之後，電影於2004年八月在北美地區上映，連續兩周奪得票房冠軍，全球票房達到1.77億美元，這種華語電影在好萊塢地區的驕傲成績至今也非常可觀。

所以，就中國電影進程來看，《英雄》毫無疑問是中國電影「大片時代」的里程碑。自此之後，中國電影拉開了商業大片的時代帷幕。砸投資，拼明星，狂宣傳，這開始成為一種商業操作的模式。

於是，電影觀眾在大量的「大投資」、「大明星」、「大爛片」的惡性循環里感到失望，也開始埋怨起這種大片模式的怨始作俑者，張藝謀的《英雄》。

我個人就十分懷念八十年代末中國電影的誠摯時期。有張照片我記得清楚，畫面里有三個光著膀子站在高粱地里的男人，分別是莫言、姜文，還有一個帶著一身黃土、笑眯了眼睛的導演張藝謀。

但話又說回來，撇開導演的個人野心和商業大片的操作，《英雄》作為一部電影又如何呢？

《英雄》的故事情節簡單得幾乎可以不用復述，張藝謀版的「荊軻刺秦王」，在電影語言里描寫了一個「講故事」的故事：刺客無名背負著刺秦的使命來到秦王面前，為了完成自己十年練就的「十步一殺」的絕技，他需要長空、飛雪、殘劍三位刺客的犧牲而接近秦王。電影的整個架構就在無名與秦王二人的對話中產生，回憶和現實不斷交織，真實和謊言相互交錯。幾位刺客的形象在風格化的色彩敘述分支中不斷豐滿成型，秦王的回憶和猜想也推進了故事的進展。最後，無名受到殘劍「天下」概念的啟發，在與秦王面對面的交涉之後，決定為了天下的大一統而放棄刺秦的任務，犧牲自己，最終完成了故事對於歷史上秦國統一天下的結局對接。

這種電影構成和敘事模式展現了自20世紀九十年代以來，在西方世界頗為流行的多視角、分段式敘事，展現了同一故事的不同角度，刻畫了不同人物在同一事件中的各自經歷和感受。在某種程度上說，這種敘事模式給予了觀眾多元化體驗的可能，完整了單一敘事中的情感缺口；同時，在哲學思想上，也表達了藝術家對於「真實」和「體驗」的辯證關系、復雜結構的反思，試圖用多人、多角度的私人化體驗去拼貼一個集體事件的「真實」外衣，從現象學的角度去考量個體和群體的聯系。

所以，《英雄》的電影模式雖談不上新奇，但卻是中國電影在傳統敘事模式上的突破，也展現了中國導演在西方文化語境和意識形態的影響下產生的藝術實驗。

這種多線多角度的分段敘事成為了《英雄》故事本身的情節矛盾，到底哪裡是真實、哪裡是謊言成為了無名和秦王鬥智斗勇的交鋒，它們的互補和互斥也成為了觀眾思考的主題。

西方導演在使用分段敘事、多角度回憶的電影創作時，多習慣於用文字標題來提醒觀眾，最著名的例子要算鬼才導演昆丁·塔侖蒂諾的《低俗小說》。這部電影由「文森特和瑪莎的妻子」、「金錶」、「邦妮的處境」三個故事，加上序幕和尾聲這五個部分組成。風格化的字體和標題的運用把這五個環環相扣的小故事分隔開來。這種由標題統領的「環形敘事」的結構成為了電影史中的經典，其中標題的運用也影響了好萊塢的類型化影片的發展。這種文字標題的使用既體現了導演的個人風格，更體現出了美國主流文化里受到自六十年代後的「波普藝術」的影響，文字和語言在視覺藝術里的直接參與表達了以廣告為主的大眾文化和商品經濟對於流行文化的入侵。

而張藝謀作為中國導演，在進行風格化的分段敘事時，沒有採用「文字標題」的手段而是使用「色彩」這一元素對不同主體的故事進行分割。這既符合中國文化里內斂寫意的氣質，點到為止而不必點破，也符合導演個人的審美喜好和一貫創作風格。張藝謀的色彩美學在這部電影里發揮到了極致：色彩不僅僅成為了渲染電影情緒、人物心情的元素，色彩更是成為了電影情節推動和故事邏輯構成的主角。所以，色彩分段敘事成為了《英雄》的巨大視覺標識，讓人們記住了張曼玉和章子怡在黃色樹林里決斗時的紅衣飄飄，也讓人們記住了李連傑和梁朝偉在碧水山巒上對戰時的俠氣青衣。

電影的色彩分段敘事主要分為四大色塊：

第一塊是黑色主題，主要為無名和秦王在現實主線中的色調，這個黑色的主線貫穿電影始終，從二人的衣服發飾，到秦宮大殿內的擺設，到衛兵大臣們的一眾黑色，都象徵了那個鐵器時代的風貌，秦國的威嚴和歷史的殘酷；

第二塊是無名講述的第一個故事，以飛雪、殘劍在趙國書館的紅色基調為主，紅色映照著這個故事中對於愛欲的描寫，體現著愛、恨、佔有、嫉妒等激烈的人類情感；在另一方面又伴隨著秦軍大部隊的箭雨腥風，紅色象徵著歷史興衰滅亡的血液，而與硃砂這一書寫材料的顏色相呼應，又在情感上體現了導演對於文化血脈這一重要情懷的暗指；

第三塊敘事主要由秦王的回憶和想像講出，以三位刺客的藍綠色調為主，刻畫了一個仙氣十足的境界，水藍色既表現出秦王內心世界的縝密心思、鎮靜強大，又在氣質上體現了殘劍飛雪這一對俠義眷侶的超脫世俗的氣質，在形式上模仿山川、江河的流動與飄逸，也包含了秦王對於俠情義膽的崇敬，對於胸懷坦盪的劍客精神的尊重；

而最後一個色塊是表現真實世界的白色敘述，白色在本意上體現出真實，本質，干凈，統一，既是最簡單的存在，也是最難得的純粹。光可以看作是白色的，水可看作是白色的，風可看作是白色的，白色構成了這個復雜世界的基本元素，導演在賦予真實以「白色」的外衣之時，也在對這個意義復雜的存在基本付諸個人化的思考。

這種極其風格化的敘事方法給張藝謀帶來了兩極式的評價。熱愛這種極度寫意化、舞台化表現手法的人對這部電影的贊美滔滔不絕，稱《英雄》成就了電影視覺世界的空前美景，其色彩的運用媲美黑澤明的電影經典《亂》。而習慣於張導早期電影的觀眾則失望於美麗的視覺世界裡缺少了一個震撼人心的故事，對於這種虛無武俠世界的淺層詮釋也讓他們無法在所謂的「天下」概念里找到人物轉變的合理解釋。

而這種「所見」與「所感」之間產生的巨大不平衡正是《英雄》這部電影飽受爭議的原因。

西方觀眾因為缺少對於秦國大一統歷史的了解，抱著對於武俠世界的無盡想像，驚嘆於這個詩意暴力美學里的世界。面對這個他們並不了解、少有熟悉的東方環境和俠義精神，他們選擇完全的相信，賦予充足的尊重。可以說，西方觀眾多是抱著欣賞的態度去觀看這部影片，選擇沉浸和融化在那個美麗而遙遠的精神世界裡。

而對於中國觀眾而言，人們本著對於「荊軻刺秦」的個人歷史觀，對於「武俠」精神的自我理解，對於張藝謀電影的心理期待，都是帶著批判和審視的眼光去觀看這部電影的。還是那句話，西方世界裡，一千個觀眾就有一千個哈姆雷特，而《英雄》放在中國觀眾的眼光里，也正是一千個觀眾就有一千個「武俠」，一千個秦始皇，一千個無名，一千個「英雄」的定義，一千個「天下」的價值觀。這種豐富的背景知識和情理常識讓中國觀眾很難在張藝謀給出的唯一答案里找到最讓自己信服的解釋。

在《悲劇的誕生》一書中，尼采曾將古代藝術分為兩類，一類是阿波羅式的藝術，指的是理智的、規則的、文雅的藝術；第二類是狄俄尼索斯式的藝術，所指的是混亂的、無序的、瘋狂的藝術。

而阿波羅式的藝術代表著知識分子理智的反思，而狄俄尼索斯式的藝術則源自於人類的心理潛意識。這兩種藝術形式與代表它們的神一樣，都是宙斯的兒子，彼此互不相容，但又無法分割。

尼采認為任何形式的藝術作品都含有這兩種基本的表現性質。而表現主義的基本特徵就是狄俄尼索斯式的：在視覺表現上，它們突出地呈現了鮮艷的色彩、扭曲的形式；在技巧上，注重形式的表意、表情緒，創作基於感覺，而不基於理性。所以，廣義的講，表現主義是指任何錶現內心情感的藝術。而從這點看來，張藝謀的《英雄》確實用他的藝術手法展現了表現主義的內涵。

電影的濃烈而分明色彩風格化敘事尤其體現了此片的表現主義手法，而這幾段小故事都源自於單一人物的回憶或是想像，這又符合了表現主義的感性特徵，反映了一個私人化的潛意識視角。

所以，從某一層面上說，基於這種私人化敘事的語言要求，邏輯思維和現實反思並不是電影鏡頭要表達的中心，在這種寫意抒情的語言環境下，苛求表現主義電影的現實反思功能是有些多餘的了。就如同其他表現主義電影那樣，張藝謀在《英雄》的故事裡強調的是觀眾的直覺感受和他藝術的主觀創造，不求復制現實、不對現實理性做出評價，崇尚的是一種類似原始藝術的非實在性的、裝飾性的美，並求在濃烈的色彩、強烈的明暗對比中創造出一種極端純粹的精神世界，致使超現實的藝術風格更進一步的發展。

但是，這種基於尼采主觀唯心主義哲學的創作本身就是會遭受到社會質疑的。

這種只表現私人內心、體現情感宣洩的作品從一定程度上講體現了虛無主義精神的本質，在影像世界裡只關注異化精神的表象而不去反思現實世界的矛盾。雖然人類的共性是企圖在現實中找到精神的安慰，逃亡不可避免的沖突，但這種類似精神鴉片般的藝術手法無法揭示生活的真諦，無法給我們的真實世界提出有力的反思。這也是為什麼人們覺得《英雄》這一電影，只有華麗奪目的外表，但無深刻的精神內核的根本原因。

但是，這種源自於表現主義本身的界限不能完全否定《英雄》作為電影的藝術價值。相反，《英雄》這部影片之所以在西方世界獲得了歷史性的成功，正是源於此片對於表現主義影像的較好詮釋。在這種創作精神下，故事的文化內涵和人物的精神世界跨越了語言障礙和東西文化的差異，感染了處在不同時間、不同空間中的生命個體。

通常說，表現主義電影的導演都在創作中注重具有象徵意味的造型和視覺安排，在構圖和布景上下足了功夫。這一點在《英雄》中體現的極其明顯。

總的來說，四大色彩板塊的安排就體現了四條人物主線的情緒和意義，這種通過顏色完成的精神暗指是超越語言和文化的界限的，讓中西方的觀眾在情緒和心理上都能讀懂人物的發展和情節的走向。電影的移動影像被設計平面藝術一般地精心對待，對於居中、對稱、平鋪等畫面結構的安排也展現了視覺語言的力量。

例如秦王大殿內的完全對稱象徵了秦王的嚴謹和畫面情緒的緊張，秦王在鏡頭里的居中體現了他至高無上的權威，凝聚了劇情的張力。

而表現主義電影里常用的人物特寫和富有象徵意義的空鏡頭也在《英雄》中有突出的表現。在許多打戲中，導演刻意放緩了電影的鏡頭速度，用慢鏡頭去特寫人物表情，中國功夫在如夢如幻的服飾幫助下成為了令人沉醉的舞蹈，而主要人物的一顰一笑更是讓人記憶深刻，這種放大式的表演增強了影片的風格化和戲劇性。

而對於環境的渲染則可以看做是對於人物行為和人物內心靈魂的解釋，力圖揭示人物行為背後的情緒和社會原因。這一點從導演對於「沙漠」、「山水」、「樹林」等幾個重要場景的安排就可讀出。在大漠中出現的那幾次交鋒，包括最後殘劍飛雪的殉情，都展現了人物個體在大環境里的渺小和悲劇意味，體現了中原歷史的殘酷，人物心境的蒼涼之態。

而在那場無名和殘劍在意念中進行的湖中大戰里，九寨溝的迷人景色更是把這種意念之態推向了極致。在這種如夢如幻的畫面中進行的打鬥更多的是一種禮儀，一種對話，一種對於逝者的尊敬，和一種對於武俠精神的致意。那片山水呈現出永恆的寧靜之態，超脫了個體生命的愛恨情仇，展現了自然之超越人類的廣闊和純粹，這是對武俠意境和中國山水寫意的重要體現。

在這些導演藝術化處理的主觀鏡頭里，客觀的寫實已經不是電影敘述的主要目的，情節和邏輯的分析讓位於情緒和意識的描繪。《英雄》的故事本身就是在探討「講故事」的私人化和主觀性，而電影鏡頭展現的也正是這種藝術處理後的「主觀的現實」。

這種主觀的現實讓西方觀眾簡單易懂地看到了中國山水詩意的美，武俠世界的瀟灑和無奈，中國文化的博大和深遠。在劇情的推進中，還順帶介紹了武功與琴韻的相通，讓西方看到了「大音希聲之境界」；揭示了書法和劍法的相似，傳達了「靠手腕之力與胸中之氣」的統一；同時還展現了中國文化的歷史，秦國統一度量、統一文字、最後統一天下的文化結果，等等這些內容都讓西方觀眾在看得著迷的同時看到了點中華文化的皮毛。

所以說《英雄》作為一部拍給外國人看的電影，我認為它的使命是完成了的。

形式的壯美附帶著中華文明的情韻被西方人欣然接受，這個結果是理想的。如果真的能讓所有中國觀眾也能在這個表現主義的主觀世界裡讀出點現實主義批判的深刻含義，那麼《英雄》也許真的可以成為中國電影史上最完美的作品了吧。

⑦ 求幾段關於電影<英雄>和<孔雀>攝影的評析!

顧長衛作品《孔雀》之意義，至今還沒有人指出。在柏林的時候，這位外表木訥的攝影師，謙遜地向德國人表示自己碰到了好劇本。其實他超出了曾與之合作過的任何"大師"。他自己正走向大師。而在他之前，中國大陸根本沒有出現過大師。我的個人觀點：華語電影的大師一直在台灣。有首歌謠也許聽過，被傳誦在《孔雀》描寫的那個年代：報告司令官，我老婆在台灣，沒有褲子穿，撿了一塊布，縫了個三角褲。就是這樣一個台灣，八十年代初開始了電影新浪潮運動，出現了楊德昌和候孝賢兩位影像文化大師。當時台灣流行著功夫片、瓊瑤愛情片和軍教宣傳片。他們的出現，使一種電影成為台灣幾十年間歷史及社會變遷的一個註解、一份見證。 "個人成長的故事裡隱喻著集體成長記憶的主題。" 顧長衛的《孔雀》似乎開始了這樣的隱喻。如果看過楊德昌的《一一》的人，甚至會覺得《孔雀》背景音樂的風格和出入方式，以及某些場面的剪輯，與《一一》頗為相似。這不是貶低《孔雀》，把它與戛納電影節的獲獎影片相提並論，並不丟份。陸川這個電影圈的後生小子去拿金馬獎的時候，想的是去台灣與楊德昌謀一面，可見這位台灣導演對電影科班生的影響力。 原本我們大陸的觀影者也該從影像里經歷一些變化。二十多年來中國社會的巨大變遷給無數個體帶來頻繁震盪，震盪之下形成紛亂的人生細流。"第五代"的電影工作者理應與台灣同行一樣，呈現人生細流表現人性江河——不積細流無以成江河——但一切被忽略和遮蔽了。從1988年著名的《紅高梁》起，便開始走向了虛幻的浪漫主義。那時我們還以為發生了中國電影的文藝復興運動，其實僅僅是場面和情節上的低層次鼓噪。這種風格如今仍存活、殘喘、延續在"電影奇才"張藝謀的影片里。依舊是誇張的情感、雜耍的情節、媒俗的場面，今天的《十面埋伏》只不過是技術上稍加精良的十多年前的《紅高梁》。 戲劇性的事情是：當年《紅高粱》的攝影師——可能將被後人稱作"後第五代"的顧長衛——許多年以後才拍攝了中國大陸首部大師級電影作品——印有電影事業管理局公映許可證的《孔雀》——中國電影的文藝復興，一下子晚了十七年。 看電影時第一遍的感受最重要，也最直接，猶如與美好戀人的頭一次見面。把《孔雀》介紹給周圍的人看，自己一旁再看，不知不覺看了四遍，這是在解讀電影了，與初戀的情人已混得相當熟，起初愉悅的感覺快要消失殆盡了。然後去天涯的獨立電影、去西祠的後窗、去網易的電影版區，拜讀高手與俗手的讀解，無疑這是在糟蹋這部電影了，與戀人上了床，已經是滿眼不堪三月暮。 在河南安陽街頭的菜攤子跟前，在一堆紅艷艷的西紅柿的陪襯之下，她的情感在壓抑中釋放，在宣洩中哀傷。我也情不自禁悲從中來。看到衛紅"姐"與"初戀情人"街頭偶然相遇——對面相逢不相識，笑問客從何處來——這個段落，以及緊接下來的孔雀開屏，才覺得顧長衛終於找到了想要述說的事情，影片的高潮到來了也就結束了。 回首青春只有萬般無奈，往昔的熱情連點余溫都沒有留下。青春與世俗總歸是格格不入。青春過後，上面的灰塵一定會很厚。 同學畢業前語重心長之語猶在耳畔：電影終歸是電影，不要太迷戀呵。是啊，正如青春終歸是青春，不要執著太久。 "手風琴"和"降落傘"都是"夢想"的象徵物和代名詞，沸騰的"開水壺"才是世俗生活。年輕的"姐姐"看一眼"開水壺"而不加理睬，是個錯誤，不實際必將失敗。她想當傘兵是少女的羅曼蒂克在起作用。兩個女配角中單純的"胖姑娘"當上傘兵，是"胖姑娘"那個詭計多端的姐姐在起作用，是利益的主動出擊，是河南人的市儈主義。衛紅"姐"善意的心計再多，也敵不過世俗的力量。她只能導致乾爸"摸電門"，雖然乾爸在她的感召之下，曾經翩翩起舞。盡管那是一段相當不錯的熱情的朝鮮舞，盡管那是一段久違了的青春之舞，然而青春就是狐狸精。熱情就是害人精。乾爸的自我覺醒、神采飛揚，也只在一瞬間迸發，通常我們把這叫：找到感覺了。他的家人不會理解，在他們眼裡，這是"勾引"惹得禍，理應代表世俗的力量去痛毆高衛紅。衛紅的媽媽不理解女兒，時常抬起緊綳的下巴，用疑惑和冰冷的眼神打量"姐"：你以為你是誰？啥都看不上眼？這樣的眼神，我們每個人年輕的時候都遭遇過，大人們搞不懂小孩到底在想什麼。我們都曾經與俗塵格格不入。 顧長衛這部憂郁潮悶的影片，還是給了青春一些亮色。夏日的午後，陽光照射在樓頂之上，樹葉被風吹得簌簌作響，傘兵好象和雲朵一起從天而降，飛機的轟鳴聲漸漸遠離。手風琴和鋼琴配合畫面情緒來回地交替，一會兒拉長一會兒跳躍，時而夢幻般舒緩時而愛情般明朗。高衛紅自製降落傘，並系在自行車上飛翔的那個片段，近乎瘋狂，可以看做是青春的禮贊。有人說換斯皮爾伯格來導演，一定會讓她的自行車飛起來，就象《E.T外星人》那個著名鏡頭。其實顧長衛已經很出格了，已經夠浪漫了。早有聰明的看客質問了：在物質匱乏的年頭哪能縫制這么漂亮奢侈的降落傘？那得多少布票啊？由此知道，中國的電影觀眾從來不容許揮霍意念，這就想拽顧長衛一把，讓他跌個重重的跟頭，就象導演讓衛紅媽媽奮不顧身地把衛紅拽下來一樣。 那個全家打蜂窩的細節，是個高度凝練的詩意化場景，也只有電影才能夠做到。換用文學手法無法表達，只能是一個句子：高家一家人在打蜂窩煤的時候，一場急雨把一切都淋濕了。電影中的場面卻讓我們產生無限聯想。《孔雀》運用了大量的長鏡頭，而且每場戲幾乎都是一鏡到底。這個場面我計算了一下，共2分38秒。聰明的看客說自己的老爸打蜂窩前都知道預料天氣的，有失手的時候，但也不會象片中那樣狼狽。面對此情此景，要從生活真實性上挑毛病，只能誤解電影藝術。從藝術手段看到思想的表達，從場面之中和情節之外領悟詩的層次，唯有大師才留給觀眾這樣的思考空間，因為大師信任觀眾。毛主席的畢生精力是讓我們吃飽，江主席是讓我們吃好，胡主席將要讓我們思考。可是有些匠人"藝術家"畢生精力是鏡頭拍得好讓觀眾跟著情節跑，走馬官花打打殺殺嚴禁隨便思考。這恐怕違背"三個代表"。 其實影片中的這個場景是司空見慣的，成年人日復一日的生活中最大的戲劇性也不過如此。我們都觀察過螞蟻窩，這個場景就好象一雙眼睛在觀察螞蟻窩。倒不是表現手忙腳亂，而是生活如此地真實和如此地平庸，確實叫人感到手足無措。"姐姐"想要走出這個畫面，卻四腳朝天滑到了，美麗的女孩象徵著理想和青春，卻這樣地弱不禁風。 一相情願的追求不光發生在充滿靈氣的姐姐身上，連"腦子有點笨"的哥哥高衛國也有追求。他的理想是"交朋友"。 "我的工作換了五、六個了，連個朋友都交不住" 他竟然還想交女朋友。那個場景著實迷人：哥哥站在木房子一旁，面帶憨笑目光迷離，街上散發著夕陽的余輝，一群下班的女工漸漸占滿鏡頭，身後的情侶騎著自行車魚貫而過。受到了感染，他情竇初開，眼光不錯，一下子相中了紡織廠的一枝花——陶美玲。這必將是充滿人性關懷的美麗一幕，愛情面前人人平等。看客們當年是否追求過班花？追求過校花？就沒有犯過傻？恐怕還不不及"哥哥"的色膽大呢。你是孔雀，也開屏給大家看看？ 哥哥的戲份與姐姐旗鼓相當。很多人持"三段論"的觀點，認為結構簡單明了，通過姐、哥、弟的各自故事來組織全片。我認為全片是統一在一個主題意念之下的完整故事。你中有我我中有你，姐姐毫無例外是根主線，哥哥和弟弟由她來貫穿。姐姐與招兵的"初戀情人"街頭相遇作為故事結尾，正好前後呼應。 尤其欣賞哥哥"送傘"一段。傻哥哥冒著小雨，邁進校園的月亮門，踱著小碎步，與朗讀《荷塘月色》的畫外音——"零星點綴著一些白花，有裊娜地開著，有羞澀地打著盹"——構成絕佳的聲畫關系。從教室出來，又被優雅的歌喉所吸引，駐足女廁所門旁仔細傾聽。我沒聽錯的話，廁所的姑娘哼唱的是電影《小街》的插曲。《小街》是撥亂反正、改革開放後轟動一時的影片。郭凱敏飾演文革時的右派子弟，他到劇團給女友（張喻飾）偷假發被一群人追趕，打成了瞎子，這個悲劇片段的背景音樂是《媽媽留給我一首歌》。傻哥哥聽傻了，聽入迷了，不知道一次純正的暴力毆打將要蒞臨到自己頭上。八十年代的傷痕電影中的插曲，預示下面發生的事情，倒是有點幽默的成分。不過弟弟將傘尖扎向自己的哥哥的時候，氣氛才變得格外沉重。 弟弟的性格在哥哥的故事裡就得以表現了。如果說姐姐是孤傲的，哥哥是平和的，那麼弟弟則是古怪的。如果說姐姐回歸於世俗中的平淡，哥哥回歸於世俗中幸福，那麼弟弟可用"墮落"於世俗來形容。原本都與俗塵格格不入。但理想是傘，世俗是大地，終有一天人們會降落。和陶美玲一樣：昔日人人環繞，如今黃花堆積，借酒澆愁；和徵兵帥哥一樣：昔日光環四射英姿颯爽，如今落魄街邊，嚼著韭菜包子，即使還是一口純正的北京話。 河南安陽的街頭，姐姐衛紅笑著看著自己的夢中情人。然後轉過身，似乎一切都已經釋然。她對弟弟說那是"一個愛著我的人"。鏡頭跟隨弟弟的視線，我們發現帥哥身後一個女人提著一捆衛生紙從商店走出來。仔細一看：她竟然是"胖妹妹"的姐姐！"胖妹妹"的姐姐竟然成了招兵帥哥的妻子！ 俗塵中人生竟然是這樣！美好的願望往往成空！人生是被選擇的！ 公園孔雀開屏這個場面長達4分20秒。孔雀在前景，後景中三家人分別走過。這個場面一鏡到底是有難度的。他們說完話離開，然後孔雀開屏，倘若在一個時間段、用一個鏡頭拍下來，就絕對經典了。這不好安排，只能靠巧合，所以有個很明顯的疊化。倒不如把結尾"弟弟"的畫外音敘述提到孔雀開屏前面來，鏡頭再回到公園，最後看到孔雀開屏這個景象。這樣既掩飾了那個很拙的疊化，又能延長情緒的長度。放在結尾的話，我猜想顧長衛可能擔心這個時候電影院的觀眾已經探頭探腦地紛紛離開座位了——呵呵，這是中國觀眾的通病——不能體會他的深遠意境了。
希望採納