電影音樂賞析考題

① 電影《金陵十三釵》的音樂賞析

影視音樂在很大程度上有助於電影藝術空間的開拓，電影中的音樂元素可以塑造人物的性格特點，營造故事氣氛，推動故事情節的發展，有著重要的無可替代的作用。著名導演張藝謀拍攝的電影《金陵十三釵》在配樂上可以說獨樹一幟，並且取得了巨大的成功。本文通過分析這部電影中音樂的創作方式和創作素材的選擇來對音樂在電影中的重要作用做出探討，從而領會非原創音樂和電影故事情節的交映生輝藝術，領會音樂對於電影故事情節發展有效推動的作用。

電影《金陵十三釵》在音樂的創作和選材上都可以說是別出心裁，為電影中中西文化差異的表現奠定了基礎，電影音樂的樂器選擇上作曲家主要定位在具有中國元素的二胡和琵琶上，同時還借鑒了西方的小提琴和交響樂等樂器，將音樂和電影的故事情節進行了完美的結合和演繹。電影《金陵十三釵》中不管是女學生唱的教堂歌曲還是秦淮八艷吟唱的世俗民歌都將各自人物形象進行了生動逼真的塑造，同時推動了電影故事情節的發展。陳其鋼先生被邀請擔任電影《金陵十三釵》的音樂配樂創作指導，這位精通中西音樂的藝術天才參與，對於電影總體藝術效果的設計起到了重要的作用。

一、有關電影《金陵十三釵》故事情節

和音樂藝術的總體概述 中國第五代著名導演張藝謀指導拍攝的電影《金陵十三釵》在華語地區甚至是世界范圍之內取得了非凡的成績，電影是根據嚴歌苓這位享譽世界文壇的大家作品改編而來。電影《金陵十三釵》的拍攝投資和籌備時間可以說是相當巨大的，電影演員的陣容更是空前強大，邀請了美國的著名演員克里斯蒂安貝爾和中國的實力新生代演員倪妮等一塊擔任主演。這部電影主要講述了中國抗日戰爭期間發生的一系列事情，在南京這座滿目瘡痍的城市之中，來自不同的階層的人們在一座大教堂中相遇，這些人都將自己人性中最善良和可愛的一面進行展現，也就是在這里發生了震驚世界的南京大屠殺。電影《金陵十三釵》自從拍攝以來就引起了電影觀眾的廣泛關注，電影上映以後更是收到了極大的贊譽，成為當年上半年票房收入最好的一部大片。

日本從1937年的7月7日開始正式大規模侵略中國，並且於同年攻佔了南京，整個城市都處於日本的統治和侵略中，只剩下一座教堂沒有被發現，冒充教堂神父的美國人約翰、一群青樓女子和幾個女大學生就一塊躲在了這個相對安全的狹小空間之中，然而教堂外面的世界卻正在經歷著一場浩大的戰爭災難。教堂之中寧靜的生活因為一群日本兵的侵入而變得惶恐不安，那些有著人性和善良之心的同胞為了營救女學生而用自己寶貴的生命作為替換。電影《金陵十三釵》的故事情節發展也是曲折輪回，女學生被日本兵強迫去參加節目演出，然而有著堅定愛國信念的女學生堅決不從，試圖採用自殺的行為來表明自己的愛國之志和堅定的決心;此時那些經常被世俗瞧不起和唾罵的風塵女子為了保全幾個女學生的性命，決定用她們自己來替換那些大學生去參加日本人的節目演出，因為在她們心中明白此次前往的最終結果，所以她們偷偷地都在衣服袖子中藏了一把剪刀，那種視死如歸和堅決同敵人抗爭到底的覺醒頓時映入觀眾的眼簾，深深打動每一位電影觀眾內心深處最柔軟的那一部分，這就是電影最為成功的一個亮點。

電影《金陵十三釵》的音樂作曲家陳其鋼先生作為享譽世界的`一流大師，親自擔任音樂的配樂指導，在電影的音樂創作過程中成功對電影中主要人物的性格特點進行了刻畫和塑造，將電影的場景進行了有效地烘托，讓電影音樂同電影的故事情節發展做到了完美的結合，為電影的成功增色不少。

二、對電影《金陵十三釵》中音樂藝術的賞析

(一)電影《金陵十三釵》中非原創音樂的表現力

作曲家會根據電影故事情節發展的需要對音樂進行適當的改編，並不是對音樂中的那種傳統元素進行照抄照搬，正是這樣的細微和用心才讓電影畫面和音樂之間相得益彰，音樂元素在電影場景中到位的運用起到了一種渲染的作用，將電影的發展推向了一個又一個高潮。在電影《金陵十三釵》中，當豆蔻用一根弦的琵琶演奏《秦淮景》的時候不幸慘死，當教父約翰找到豆蔻的時候還依然看到了那一把滴著血的琵琶，這時電影的音樂背景再次響起來琵琶的演奏曲，營造了一種傷心和沉重的氛圍，這一電影場景和音樂深深觸動了觀眾的內心深處，同時日本人生性殘忍的一面在這里得到了最大限度的印證。歌曲《秦淮景》再次在電影《金陵十三釵》中出現是伴隨著愛情的發生而出現的，同時搭配上那婉約風格的二胡樂，通過音樂這種特殊的藝術形式對這一段難能可貴的情感進行了謳歌和贊揚，雖然這段情感的前途十分迷茫，可是優美的音樂卻讓這份情感變得更加美麗動人。小提琴這種樂器雖然在電影《金陵十三釵》中出現的次數並不多，可是每一次出現都帶給觀眾一種氣勢澎湃的感覺，秦淮女子那種一反傳統的新形象和彼此之間的深情厚誼在這一刻都展現給電影觀眾，在這一刻就顯得更為特殊和重要。音樂《秦淮景》在電影最後結束的時候再次響起，同時在管弦音樂的基礎之上還配上了民族音樂元素，將電影中秦淮女子的形象進一步深化和突出表達，可以說音樂在電影中自始至終都得到了恰到好處的運用。在電影《金陵十三釵》中，Angels We Have Heard On High這首音樂也時不時會通過女學生們吟唱在教堂中響起，她們內心深處都懷著一顆虔誠的心，祈禱著這場慘絕人寰的戰爭趕緊結束，與此同時她們內心的恐懼感覺在這首聖歌的安撫之下逐漸變得平靜下來，音樂和電影畫面的結合並不僅僅存在這一點之上，當日本人強迫女學生進行表演的時候更加突出。電影中女學生集體合唱的Angels We Have Heard On High這首歌深深打動了李教官，電影導演通過音畫的一種蒙太奇表現手法將電影的戰爭主題思想進行了表達，戰爭中被侵略的國家人們是無緣無故的受害者，而發起戰爭的國家則永遠要背負著一種罪惡。電影《金陵十三釵》中出現的眾多符號和元素都在音樂之中得到了深化和表達，尤其是電影中對於非原創音樂的創造性運用，作曲家精心進行改編，都讓電影音樂有利於故事情節的發展。

(二)電影《金陵十三釵》中非原創音樂的作用

非原創音樂在電影中對電影的內容有著極大的拓展空間，有助於給觀眾提供廣闊的想像和思維空間。在電影《金陵十三釵》中出現次數最多的音樂就要數《秦淮景》和天主聖歌，對於推動電影故事情節發展和人物形象的塑造有著重要的作用。電影中豆蔻在演奏《秦淮景》的時候所用的樂器是只有一根弦的琵琶，當蒲勝將要死亡的時候是沉浸在《秦淮景》美妙音樂之中的。琵琶的聲調剛聽上去會顯得有點單調，初聽會有一種回味的感覺，將秦淮女子內心深處的那種重情重義的品質進行了淋漓盡致的傳遞。秦淮女子在將要前去演出的前一天將女性特有的一面展現給了觀眾，只看見電影畫面中站著14位衣著艷麗的妙齡女子從遠處慢慢走來，原先的琵琶背景音樂逐漸消失，取而代之的是一種西方音樂的風味，這種互動式的音樂表達手法將電影畫面進行了刻意的突出，同時也完成了不同時空之間的完美轉換，金陵十三釵那種英勇獻身和捨己救人的光輝形象展現在觀眾的眼前。教堂中女學生在沒遇到困難的時候就會吟唱聖歌來祈禱大家平安無事，也正是這首音樂將電影的故事情節發展推向了另外一個高潮。電影《金陵十三釵》中對於非原創音樂的創造性運用將電影的主題思想進行了最大化的凸顯和傳遞，將所要表達的人物和主題都放置在舞台之中，音樂在這一過程中發揮了重要的輔助作用。電影《金陵十三釵》中女大學生在教堂中吟唱的Angels We Have Heard On High這首歌是通過混聲合唱的方式展現給電影觀眾的，配合著李教官潸然淚下的場景，這一幕深深地打動了每一位觀眾的心靈，作曲家同時為了突出教堂的那種莊重肅穆的感覺，使教堂建築不能傳遞的感覺在音樂之中得到了彌補，電影中特殊的音樂使用其實是電影給觀眾的一種心理暗示，這種提示對於電影的發展和觀眾對於電影的理解都有著重要的作用。歌曲《秦淮景》經過改編後在電影中的運用就成為秦淮女子的一種象徵，電影音樂和人物形象之間有著默契的配合。

(三)電影《金陵十三釵》中非原創音樂的選材

電影《金陵十三釵》的音樂配樂大師是陳其鋼先生，作為一位一絲不苟的藝術大師，為這部電影的配樂進行了三年時間的准備，並且親自前往故事的發生地南京尋找靈感。1937年的南京正遭受著人類歷史上駭人聽聞的災難，不管是什麼樣的文化都在這個教堂之中相遇發生碰撞，失足婦女身上的世俗之感，女學生心中的愛國之情，教父約翰的人道主義，日本人的殘忍本性和愛國將士的奮勇殺敵都在這一座教堂中得到了淋漓盡致的體現，這就讓電影的配樂變得更加困難，電影的配樂創作過程中需要考慮和兼顧到很多的元素，最終才能實現電影故事和音樂之間的完美結合。陳其鋼大師最後選擇了音樂《秦淮景》和Angels We Have Heard On High作為電影的主要配樂，將秦淮女子和女大學生的形象都進行了鮮明的刻畫和襯托，最終凸顯了電影的主題思想，收到了不錯的藝術表現效果。

三、結語

電影中的配樂對於電影故事情節的發展有著很大的重要性，對於一部電影成功與否的評價在很大程度上就是看電影和音樂之間的配合關系，因此我們首要做的就是要將音樂很好地融入電影畫面的表達之中，電影的故事情節和音樂之間相輔相成，最終實現音樂和電影人物的完美結合，相得益彰。電影《金陵十三釵》作為一部優秀的華語電影代表，電影中的音樂創作也可以說是獨具匠心，尤其是Angels We Have Heard On High和《秦淮景》就是著名的代表，作曲家陳其鋼先生的藝術性創作讓電影音樂更具表現力，做到了電影畫面和音樂的完美結合。電影《金陵十三釵》中影視音樂的選材和創作取決於創作者對於電影故事和主題思想的深入理解，因此電影中對於非原創音樂的拿捏和運用可以說是恰到好處，給電影觀眾帶來了一種不一樣的視聽盛宴，配樂在電影的表達和傳遞中起到了重要的作用。

② 音樂鑒賞考題

音的4個基本屬性：高低，強弱，長短，音色
音樂的12個表現要素：旋律，節奏，調式，調性，和聲，速度，力度，音區，音色，織體。

交響樂隊由哪些樂器組組成？
*弦樂器：小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴、豎琴、鋼琴
*木管樂器：短笛、長笛、單簧管、雙簧管、英國管、低音管、倍低音管
*銅管樂器：短號、小號、長號、法國號、柔音號、上低音號、低音號、蘇沙低
音號、薩克斯風
*打擊樂器：定音鼓、小鼓、大鼓、鈸、鑼、鐵琴、木琴、管鍾、三角鐵、鈴鼓、
響板、木魚、沙鈴、珠鈴、風鈴、鋼片琴、雷鳴板、刮葫、皮鞭……等（演奏現
代曲目時，有時候應樂曲需要，也會加入爵士鼓或拉丁鼓）

常見音樂曲式：變奏曲、迴旋曲
變奏曲是一種樂曲的結構形式，用於奏鳴曲和交響樂其中的一部分，也可以作為
獨立的器樂曲作品。將樂曲最初呈示的主題不斷地反復，在反復的過程中有變化，
變化可以產生在在和聲、旋律、對位、節奏上，也可以由不同的配器方法在音色
上求變化。這種變化就是主題變形，或叫「變奏」。變奏的次數不固定，可以變
奏任意多次。曲式發展如：
A（主題）+A1+A2+A3+A……
迴旋曲（又譯輪舞曲，英文：Rondo）是一種曲式，也可以作為一種音樂體裁，
起源於歐洲民間的輪舞歌曲，由於這種歌曲帶有副歌，每唱一段後就重復副歌。
迴旋曲的也是如此，一個主要旋律部分要多次重復出現，其他幾個次要部分插入其中，也就是插部。
如主要部分為A，
插部為 B，C，D……等，
迴旋曲的組成為ABACAD……等。
在迴旋曲中主要部分起碼要反復三次以上，所以新的插部起碼要有兩個。迴旋曲
獨立樂曲作品也可以加上序曲、中間過渡、結尾等，但主要部分為迴旋曲式。
迴旋曲分為兩類，一種是各部分以樂段為單位的單式迴旋曲，一種是各部分以樂
部為單位的復式迴旋曲。
迴旋曲具有活潑熱烈的特性，適合表現歡樂的氣氛，多用於做舞曲。也可以作為
大型作品的其中一個樂章，一般協奏曲最末樂章多用迴旋曲式。
爵士音樂
爵士樂是一種起源於非洲形成於美國的音樂形式。誕生於
19世紀末的美國密西西比河畔港埠新奧爾良，在它之前是一些更早出現的
美國黑人音樂（如藍調、福音歌曲等），而這些音樂是美國黑人根植於其非洲音樂傳統的基礎上，結合他們在現實中的遭遇創作出來的。爵士樂在其發展過程中除了有黑人音樂的根源外，還吸收了如古典音樂、民族音樂等諸多音樂元素，逐漸形成了今天多門多類的爵士樂。
巴洛克音樂
巴洛克音樂指歐洲在文藝復興之後開始興起，且在古典主義音樂形成之前所流行
的音樂類型，延續期間大約從 1600年到 1750年之間的 150年。
巴洛克風格的特徵是精緻細膩的裝飾以及華麗的風格，造成這種現象的主因，是
因為巴洛克時期是貴族掌權的時代，富麗堂皇的宮廷里奢華的排場正是新的文化
以及藝術的發展中心，而這個大環境的改變也直接的影響到了音樂家的創作。十
七、八世紀宮廷樂師所寫的音樂作品，絕大部分是為上流社會的社交所需而做，
為了炫耀貴族的權勢以及財富，當時的宮廷音樂必定得呈現出炫耀的音樂以及不
凡的氣度，以營造愉悅氣氛。巴洛克音樂的特點是極盡奢華，加入大量裝飾性的
音符。節奏強烈、短促而律動，旋律精緻。復調音樂（復音音樂）仍然占據主導
地位，大小調取代了教會調式，同時主調音樂也在蓬勃發展。於是復調的和聲性
越來越明顯。復調在 J.S.巴赫時代發展到極致。
巴赫的歷史地位
巴洛克時期的德國作曲家，傑出的管風琴、小提琴、大鍵琴演奏家，同作曲家亨
德爾和泰勒曼齊名。巴赫被普遍認為是音樂史上最重要的作曲家之一，並被尊稱
為「西方『現代音樂』之父」，也是西方文化史上最重要的人物之一。

維也納古典樂派
1730年——1820年間的歐洲主流音樂流派。
以海頓、莫扎特和貝多芬為傑出代表，由於他們都是在維也納度過自己的
創作成熟時期，因此被人們稱作「維也納古典樂派」。其音樂作品被稱為古典主
義音樂。古典主義音樂承繼著巴洛克音樂的發展，是歐洲音樂史上的一種音樂風
格或者一個時代。這個時代出現了多樂章的交響曲、獨奏協奏曲、弦樂四重奏、
多樂章奏鳴曲等等體裁。而奏鳴曲式和輪旋曲式成為古典時期和浪漫時期最常見
的曲式，影響之深遠直至二十世紀。樂團編制比巴洛克時期增大，樂團由指揮帶
領逐漸變成一種常規。現代鋼琴在古典時期出現，逐漸取代了大鍵琴的地位。
貝多芬的歷史地位
貝多芬是一位集古典主義大成的德意志古典音樂作曲家，也是一位鋼琴演奏家。
貝多芬信仰共和，崇尚英雄，創作了有大量充滿時代氣息的優秀作品，如：交響
曲《英雄》、《命運》；序曲《哀格蒙特》；鋼琴奏鳴曲《悲愴》、《月光》、
《熱情》等等。一生坎坷，沒有建立家庭。二十六歲時開始耳聾，晚年全聾，只
能通過談話冊與人交談。但孤寂的生活並沒有使他沉默和隱退，在一切進步思想
都遭禁止的封建復辟年代裡，依然堅守「自由、平等」的政治信念，通過言論和
作品，為共和理想奮臂吶喊，寫下不朽名作《第九交響曲》。他的作品受十八世
紀啟蒙運動和德國狂飆突進運動的影響，個性鮮明，較前人有了很大的發展。在
音樂表現上，他幾乎涉及當時所有的音樂體裁；大大提高了鋼琴的表現力，使之
獲得交響性的戲劇效果；又使交響曲成為直接反映社會變革的重要音樂形式。貝
多芬集古典音樂的大成，同時開辟了浪漫時期音樂的道路，對世界音樂的發展有
著舉足輕重的作用，被尊稱為「樂聖」。

浪漫樂派
浪漫主義音樂是古典主義音樂（維也納古典樂派）的延續和發展，是西方音樂史
上的一種音樂風格或者一個時代。
浪漫主義音樂比起之前的維也納古典樂派的音樂，更注重感情和形象的表現，相
對來說看輕形式和結構方面的考慮。浪漫主義音樂往往富於想像力，相當多的浪
漫主義音樂受到非現實的文學作品的影響，而有著相當大的標題音樂成分。浪漫
主義的因素，則包含在從古至今的音樂創作當中，而不僅僅局限於某一個時代，
因為音樂創作本身，就是想像力的一種表現，而浪漫主義恰恰是想像力的最佳體
現。
浪漫主義音樂體現了影響廣泛和民族分化的傾向，在法國出現了柏遼茲，義大利
的羅西尼，匈牙利的李斯特，波蘭的肖邦和俄羅斯的柴科夫斯基。浪漫主義音樂
在瓦格納和布拉姆斯時代逐漸走入歷史。

民族樂派
民族樂派是指十九世紀中葉以後活躍於歐洲樂壇，與資產階級民族主義文化運動
密切聯系的一批音樂家。他們中的大多數人，政治上是激進的，同情或參加本國
的資產階級革命，具有強烈的民族意識。在藝術上他們主張創造出具有鮮明民族
特性的新音樂。民族樂派的音樂家經常採用本國優秀的民間音樂素材去表現具有
愛國主義的英雄主題，藉以激發本國人民反抗封建和外族統治。民主性、人民性、
民族性，始終是他們藝術活動的鮮明標志。代表作，如：斯美塔那的《我的祖國》、
西貝柳斯的《芬蘭頌交響詩》等。

電子音樂，簡稱電音。廣義而言，只要是使用電子設備所創造的音樂，都可屬之。
任何以電子合成器、效果器、電腦音樂軟體、鼓機等「樂器」所產生的電子聲響，
都可合理地稱為電子音樂。廣義電音的范圍相當廣泛，電影配樂、廣告配樂，甚
至某些流行歌、搖滾樂中都會出現，只是常人不易發覺。極狹義而言，電子音樂
指涉科技（Techno）、出神（Trance）等種類的樂曲。然而事實上，只要是使用
電子設備所創造的音樂，包括浩室（House）、鼓打貝斯（Drum and Bass）等音
樂類型，甚至是只是使用電子放大器的爵士樂與民歌，也可以是電音。

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③ 電影音樂賞析那些經典電影中的音樂賞析

1、《beautyandthebeast》電影《美女與野獸》影視原聲
《美女與野獸》是一個創作於18世紀的古老法國童話，原作者是Gabrielle-SuzanneBarbotdeVilleneuve。故事講述了一個被施了咒語的王子變成了一個面目可怕的野獸，後來有一個美麗的女孩愛上了野獸，從而解除了魔法。這個故事早在1946年就曾被法國導演拍成過電影，1991年的迪士尼動畫版本則更讓它更加家喻戶曉。
據悉，比爾·康頓（BillCondon）為迪士尼導演的這部《美女與野獸》還將從1994首演的迪士尼同名百老匯音樂劇中取材。後者根據動畫片改編，劇中由艾倫·曼肯（AlanMenken）和蒂姆·賴斯（TimRice）創作的多首歌曲，都是動畫片里所沒有的。
2、《TheTwoTowers》為電影《指環王》影視歌曲
霍華德肖《HowardShore》為托爾金的《指環傳奇》中獲得巨大成功的第一部電影章節所作的音樂為他贏得了奧斯卡（Oscar）最佳原創配樂獎，這給了他一個驚喜，因為這部音樂有著雄心勃勃的規模和堅定的黑暗意味，這些因素輕易地模糊了典型電影幻想音樂和完成的音樂會作品之間的界限。
它的續集採用了同樣的，通常是瓦格納式的戲劇手法，按照電影的故事情節，進入了更加陰郁和不祥的黑暗角落。前一部由霍比特人啟發而成的牧歌在這里被豐富的民族結構所取代，這些結構擴展了中土世界和人類世界的音樂范圍；挪威小提琴哈丹格爾代表了羅漢和北非的瑞塔，為摩爾多主題增添了色彩；而圓木鼓、迪盧巴、木木琴和西姆巴隆則增添了迷人的紋理。在那裡。樂譜中隱約出現的管弦樂雲朵因肖爾出色的合唱作品而變得明亮起來，這部作品將古老的禮儀影響與伊莎貝爾·貝拉克達利安、獨立流行歌手希拉·錢德拉、本·德爾·馬斯特羅和伊麗莎白·弗雷澤的各種獨奏曲相融合。」戈倫的歌曲《作曲家與抒情詩人弗蘭沃爾什的最後合作》是埃米利亞娜·托里尼的後現代主義焦慮中的比約基，有助於突出故事的現代寓意。
3、《BreakingDawn》是《暮光之城：破曉》的影視原聲
加州樂團Castaneda主唱VegaSchenk最新企劃的普普風電氣雙人組TheBoomCircuits，其繁星閃爍般的電子樂音碎片，搭配有如DeathCabForCutie主唱BenGibbard的嗓音，給人驚喜的錯覺。好像從清澈的吉他picking漫舞漸入至層層堆砌出的合成器濃霧中，然後又在沉淪迷走之後步出薄暮、迎接外頭灑下的暖陽光束。

④ 音樂素養課的考試，考題為《聲夢奇緣》這部電影的音樂賞析，求助求助！越快越好，謝謝各位！

信春哥，有影評！！！ 電影賞析之——《聲夢奇緣》

一部需要兩個小時才能結束的電影講述的是一個奇幻家庭的故事！兩個小時後如果需要你用兩個字來總結這部《聲夢奇緣》，你選怎麼總結呢？我選擇了這兩字——尋找！下面從幾個方面去破解這部膾炙人口的音樂故事片《聲夢奇緣》！

1.天才

電影裡面主角August Rush的音樂都是來自身邊的一切聲音，天才往往可以就地取材，不論是路上汽笛聲，行人的腳步聲，風掠過後樹木的搖擺聲…這一切對於August Rush都是寶貴的音樂材料。同樣的聲音在一般人與「天才」的區別就是這里。而且電影在幾處情節中都表現突出了August Rush的天賦，包括清晨彈得吉他，在鋼琴上作曲，還有在茱莉亞學院上的各種表現……

2.結局

相信看完電影的你一定難以忘卻的是結局吧！路易斯和萊拉相隔12年後終於再次相遇，而且是在自己的兒子作為主角的驚世演出場合中相遇。當August Rush轉過頭來電影就結束了……路易斯12裡面一直都忘不了萊拉，萊拉12年來一直困於失子之痛，August Rush自懂事以來一直等待著，尋找著自己的父母。這個結局就和影片一樣唯美，結局並沒有展示他們一家人怎麼團聚，怎麼相認，或者對於一個相隔12年後再次重聚的家庭來講已經很難表達出他們的那份情誼了……所以電影結局既是迴避了這個問題也是留下了一個充滿想像空間給觀眾。

3.情節

一部好的電影缺少不了的就是精彩絕倫的情節，在《聲夢奇緣》裡面這些情節可不少，例如下面幾處：

1） 在電影的開始August Rush在田野上就展示了自己的音樂天賦同時也告訴了觀眾，這是一部非一般的視覺與聽覺結合的影片！

2） August Rush在清晨時候第一次彈吉他也是影片的音樂成分代表情節之一，在眾人還是熟睡時候August Rush就用他的天賦把其他人喚醒而且這一幕為他的名字——August Rush的改取埋下伏筆

3） 教堂的一幕也是電影的代表作。當黑人小女孩拉著神父看之有August Rush這個天才的存在時候，神父和小女孩一起見證了由教堂、夕陽余暉、音樂、神童。這四個元素組成所謂的「天籟之音」！不可否認，這個情節是導演刻意安排的…

4） 黑人小女孩的絕唱。在演出的中途有小女孩唱的這一幕更是全個演出，全部影片的升華！影片以音樂為引導，尋找為核心講述了路易斯他們一家的故事。可以說對於影片來說，音樂和尋找時同等的主題！而小女孩的這一唱就告知了觀眾，音樂除去了天賦之外，還有努力的存在！什麼是音樂？音樂就是上帝提醒我們這個世界上除了我們還有別的東西，萬萬物物都有和諧的聯系！天真無邪的小女孩張大嘴，只有那麼幾個牙齒也無阻她的一唱！這個就是音樂，音樂是無界限的！

4.尋找

為了尋找自己一直以為已經死去卻是活生生的孩子，萊拉重新拾起大提琴。

為了尋找12年前一見鍾情的萊拉，路易斯放棄了所有重新站在舞台上。

為了尋找自己的父母，懂事的August Rush用父母賜給自己的音樂天賦來成就自己，希望可以找到自己的父母。

利用音樂做引導主題，尋找為核心的這部故事片《聲夢奇緣》把聲，夢，奇緣都展示得十分巧妙！兩個小時後，或者你會真的說果然是《聲夢奇緣》奇緣聲夢……..

⑤ 影視音樂賞析論文

影視音樂是音樂和影視的結合,當音樂一旦融入影視之後,就成為影視作品中不可或缺的重要元素,並迅速發展成為一種新的音樂體裁。下面是我為大家整理的影視音樂賞析論文，供大家參考。

影視音樂賞析論文範文一：影視音樂的審美意蘊研究

影視畫面與影視音樂相結合，不僅可以使影視作品的畫面更加有活力，而且還能將視覺的東西聽覺化，讓作品所要表達的感情更為深刻。比如，我們會在燈光閃耀或者是星光燦爛的時候用鋼片琴表達，也可以用雙簧管或者是長笛來描述生機勃勃的清晨，還可以在微風吹拂的時候加上一些小提琴的顫弓效果使這種感覺更形象化……這樣的情景交融可以讓觀眾在視覺享受的同時感受聽覺上的美，視覺和聽覺相結合，共同感受作品的情感。以實例來說，鋼琴所抒發的感情是非常優越的，因此，在紀錄片《冬獵》中，當冰雪覆蓋自然的景象出現時，就會響起一陣透徹且明亮的鋼琴聲，為了突出樹掛的特色，鋼琴快遞下行的琶音就能形象地將枝頭掛著冰凌的景象表現出來，通過音樂使整個畫面更有激情，刻畫的景象更深刻。音樂既能展現畫面真實的感覺，同時還能將所要展示給觀眾的意境傳達出來，在形似的同時做到了神似，使畫面極富感染力。

畫面往往只能表現主人公外在的一面，而往往主人公的內心是無法形象地表現的，這時，影視音樂就能很恰當地解決這個問題，它可以通過烘托背景氛圍來側面揭示主人公的內心世界。

1.烘托環境的氛圍。影視作品的環境氛圍是不能通過視覺觀察出來的，而影視音樂則可以通過旋律和樂器的變換來烘托背景氛圍。例如，電視劇《紅樓夢》，這部作品主要是通過展示林黛玉和賈寶玉的悲情愛情故事，來展現一個封建社會大家族的興盛和衰敗，以此來表達封建社會註定會終結的主題。根據這一作品，作曲家創作出了一系列以悲為美的音樂作品。使整個作品從頭至尾都貫穿著悲涼的氣氛，細膩地表現出了主人公的內心世界。這些音樂作品不管是歌詞、旋律還是和音響，都將這種悲情的美表現得淋漓盡致，使整個作品的背景都展現出一種悲傷的氛圍，讓劇中主人公的情感以及命運都在悲傷的氛圍中得以最自然的流露。

2.烘托時代的氛圍。影視作品還能通過影視音樂來烘托時代的氛圍。比如，電影《祖國的花朵》，它的一首插曲《讓我們盪起雙槳》曾經紅遍大江南北，被許多的青少年所傳唱。因為這部電影是一部有關兒童的電影，所以，這首插曲就能讓人感受到濃厚的童真童趣。歌詞和旋律刻畫了一副孩子們在課余時間在美麗的北海公園劃船遊玩的景象。展現出孩子們在最純真年代的幸福生活，將北海公園的美和孩子的歡樂描繪得出神入化，讓我們每當看到這部電影或者聽到這首歌曲，思想都能很自然地回到那個美好的時代。這正是影視音樂對時代烘托的最好的例子。

3.襯托地域之美。地域的美不僅從影視作品中可以感受得到，影視音樂也可以將其襯托得很完美。例如，電影《黑駿馬》，這部影片攬盡了草原遼闊坦盪的風光，同時捕捉到了草原上豁達強韌的生命力，向觀眾呈現出一種寬闊的胸襟，而由騰格爾作曲的主題曲《天堂》更是完美地將草原的美通過音樂展現出來，每當音樂響起的時候就能讓人想到遼闊的草原。

4.烘托民族的特點。音樂常常可以將一個民族的特點表現得尤為突出。例如，張藝謀導演著名的作品《十面埋伏》，這部電影的插曲《十面埋伏》運用中國的傳統樂器琵琶，將十面埋伏的那種場景表現得淋漓盡致，一方面深化了電影的主題，同時也將我們的民族特點得以突出。

音樂對觀眾的影響往往是經過潛移默化的，它會帶著觀眾走進影視作品中，感受主人公的內心世界，使觀眾可以在聽到影視音樂的時候自然而然聯繫到影視劇中的橋段，以此來將影視作品與影視音樂聯系起來。例如，曾經紅遍中國的香港電影《甜蜜蜜》，其中由鄧麗君演唱的主題曲《甜蜜蜜》堪稱經典。影片中的兩位主人公在初次相遇時，既浪漫又心動，這首歌曲用甜美的聲音唱出了主人公內心的甜蜜和幸福。隨著故事的發展，由於現實的壓力，主人公分分合合，最終在異鄉無意間聽到《甜蜜蜜》時四目相對，好像經歷了好幾個世紀，讓主人公心中的情感得以表現，因此，這首歌曲貫穿整部作品，將主人公的內心世界描繪得生動、形象、具體。

自1893年愛迪生發明了電影視鏡並創建“囚車”攝影場，“電影”就轟轟烈烈地登上了歷史的舞台，但隨著時代的發展，人們對藝術的鑒賞能力的提高，電影製片商發現單純的影視作品再也滿足不了觀眾的需求，於是影視音樂登場，它在擴展電影內涵、豐富電影美感上做出不可磨滅的貢獻，在當時音樂已經有了比較成熟的發展，結合影視劇情的一種新的藝術表現形式“音樂電視”也應運而生，它使音樂和影視都達到了一個新的高度，音樂更加富有內涵，而影視也更加傳神。

(一)連接影視劇情

電影的藝術表現手法多種多樣，太過繁復的劇情有時因為時間關系並不能細細講述;而多個主線同時發生的時間也不能同時描繪。所以經常會出現多個片段連續剪輯的鏡頭，這時，單純的畫面已不能圓滿地表達清楚細節，就需要利用音樂來銜接劇情，讓觀眾更深刻地領會電影內涵。比如在《無間道2》中，隨著劇情的發展，倪家為了鞏固自己黑幫的地位，而決定殺害其他四位合作者，而由於倪永孝心思縝密，計劃周全，鞍山行動幾乎在同時進行，所以導演用了大量剪切鏡頭分段描述刺殺四位頭目的過程，這時背景音樂開始演奏，從行動開始就彌漫著一曲凄涼的口琴演奏，舒緩、哀傷、壓抑。使觀眾沉浸其中，大量鏡頭的切換也顯得自然、流暢，更讓觀眾深刻地體會到男主角倪永孝的心狠手辣，也領悟到黑社會的殘酷。設計非常巧妙，背景音樂在此時承擔了非常重要的銜接的作用。

(二)總結影視內容

在電影劇情發展到一定階段，各種因果塵埃落定之時，再多的鏡頭畫面都不能更深入地表達內涵的時候，音樂的另一個作用就體現了出來，那就是總結、評價電影，給觀眾靈魂上以更深刻的沖擊，而且如果使用得當既不會使音樂顯得突兀，也不會讓畫面太過尷尬。比如:在電影《花木蘭》中，戰爭開始，泥土血水漫天，戰馬旌旗飄揚的戰場上，披堅執銳策馬奔騰的花木蘭出現。此時《木蘭情》這首音樂開始演奏，詞曲融入大量中國風，能使人產生較強的民族感，而且插曲旋律遼闊而大氣，以馬頭琴為主、古箏為輔的演奏工具更鮮明地表現出戰爭場面的震撼，與影片整體以及場景非常符合，結合強勢的背景音樂讓觀眾看著在血流漂櫓的戰場上廝殺的花木蘭，都會不禁心生感慨，為花木蘭的命運多舛而感到同情，同時也為花木蘭的堅強而自豪。這時的背景音樂就很完美地起到了一個點題的作用，無需再多的畫面描述，花木蘭那種在命運面前不輕易低頭、勇於直面困境的頑強心態得以完整地呈現在了觀眾面前，而且以音樂的形式烘托出來更讓觀眾有種只可意會的快感，更加強化了電影的效果。

(三)深化影視主題

一般來說成功電影的內涵並不容易讓人輕易領會，但台詞和音樂都會在不經意間流露導演的真實想法，這就需要觀眾去結合音樂細細品味，比如:在《大話西遊》中，初次看這部電影，大多數人都會以為這只是單純的一部喜劇片，但如果你細細品味就會發現其實並沒有這么簡單，在影片最後，孫悟空踏著七彩祥雲出現，與紫霞仙子在空中糾纏時，背景音樂《天地孤影任我行》開始演奏，最後紫霞仙子為孫悟空擋住了牛魔王的一擊之後說“我猜中了前頭，可是我猜不著這結局”，音樂也達到了高潮，那種凄美的愛情結合蒼涼雄厚、豪氣悲壯的音樂頓時讓人淚流滿面，這時全篇主旨才慢慢浮出水面，觀眾才突然醒悟，這根本不是一部喜劇片，而是講述凄美愛情的黑色幽默劇，劇情的轉折固然有重要作用，但明亮庄嚴的音樂才讓觀眾有了醍醐灌頂的覺悟。不得不說影視作品中音樂的作用非常重要，它可以深化影視的主題。

根據本文論述我們可以看出，背景音樂是影視藝術中一項重要的表現手法。音樂這種特定的表現手法創造了一種將人的情感超脫出畫面，外化成為一種動感意向的形式，以虛幻又充滿張力的聲音運動幫助觀眾進行審美思維的塑造，最終成就了影視音樂獨特的魅力。

影視音樂賞析論文範文二：淺論影視音樂的節奏藝術

一、影視音樂節奏與其他影視聲音形成的復合的聲聲節奏

影視音樂作為聲音要素在影視作品中與之伴隨的還有人聲和自然聲，由於同屬於聲音物質，影視音樂的節奏一定會受到這兩種聲音要素的直接影響。在某些學者的觀念里，整個影視聲音就像是具體音樂，也就是其他聲音就是音樂的組成部分，從而可以把整個影視聲音作為特殊的音樂來認識。這里我們雖然不能完全同意這樣的觀點，但音樂與其他聲1342013年第4期音之間的緊密關系我們不能忽略。特別值得我們注意的是在影視聲音設計中，由於其他聲音要素的客觀性和確定性較強，而影視音樂卻具有較大的主觀性和隨機性。作為一個獨立的聲音要素，它在創作中就具有非常重要的技術性和主觀能動性，而其中重要的一個技術性原則就是節奏。下面，我們分別來分析音樂與人聲、自然聲形成的復合的聲聲節奏的形態特徵。

(一)音樂與人聲的復合節奏

在有對白的情節中，人聲與音樂的的結合主要是縱向結合，它們結合形成的節奏形態可以分成主要三個類型：對應、對比和互補。在這里，我們不太可能也沒有必要像多聲部音樂一樣去量化分析兩個聲音層的節奏，但我們可以用它們表現出來的節奏特徵進行分析。在某些節奏點上，有時甚至可以用主觀與客觀結合的方法進行分析。從多聲部音樂的節奏特徵來看，對應性節奏基本上不改變原來的節奏特徵，但可以起到豐富和加強的作用。這在影視音樂與人聲的結合中是一樣的，比如快速的人聲對白與快速節奏的音樂的結合。在影視作品中，音樂會加強對白的節奏，同時還會加強語言的情感性。節奏的對比就是一個節奏層為快速，另一個節奏層為慢速。從理論上來說，快慢速節奏的結合就是互相綜合。如慢速的人聲對白與快速的音樂結合時，人聲的速度感增強，同時情感性增強。而快速的人聲與慢速的音樂結合時，人聲的速度感減弱。這種節奏形態帶來的另一種情況就是節奏對比打破了視聽聯覺的習慣，音樂節奏成為前景，視聽感官感受削弱，思想情感增強。音樂與人聲的互補就是兩者的節奏在橫向上都是變化的，但在縱向上結合起來就是一個復合的規律性節奏。在這里，由於音樂與人聲形成的音色節奏的加入使節奏的動力性更強，如人聲的節奏在橫向上是快慢快的進行，同時音樂的節奏在橫向上是慢快慢的節奏進行，那麼人聲與音樂就會在縱向上形成快慢結合，但在橫向上卻會保持相對穩定的聲音的復合節奏。音樂與人聲形成的復合節奏的節奏形態對於我們在給影片進行聲音設計時，特別是為一個有對白的情節配樂時，應該特別關注其他聲音在音樂節奏中的參與。比如有時為了聲音節奏的表現，我們會重新設計音樂的節奏。又如音樂可以參與復合節奏，但要考慮人聲的內容的表現。明顯的音樂節奏會影響語言內容的表達，所以特別在語言內容非常重要的地方，我們的聲音設計應該是，要麼音樂在聲場中置於背景，而語言為前景;要麼把音樂的節奏動力弱化。

(二)音樂與自然聲的復合節奏

自然聲與人聲一樣，許多時候會受到情節內容與畫面的影響，所以它的節奏非常具有客觀性和確定性。由於規律性節奏對於非規律性節奏的控製作用，當它與音樂結合時，人們會不自覺的讓它參與到音樂的節奏中。我們拋開自然聲的寫實以及表情的功能，從節奏的角度來分析它與音樂結合的復合節奏的形態以及特徵。自然聲與音樂的復合節奏同樣存在對應、對比和互補三種形態。如快步的腳步聲與快速的節奏的音樂的結合就是節奏的對應;密集的槍聲的快節奏與長音旋律的慢節奏的結合就是對比;格鬥中偶爾一記重拳與緊跟的音樂重音形成的一個以自然音為重音開始的音響片段就是節奏的互相補充。這里有一點特別值得我們關注，因為人聲的表意性大於它的節奏性特徵，所以它參與音樂的節奏的傾向性較弱，而自然聲的節奏特徵卻比較明顯，所以在與音樂的結合時與人聲不一樣的是它參與音樂節奏的傾向性大大增強。此時如果自然聲與音樂在縱向復合節奏上不能體現節奏的一致性的話，就會形成不協和節奏，如果不協和節奏不是我們此時的表現需要的話，一般在聲場上採用音樂成為背景，而讓自然聲成為前景的聲音設計，或者讓音樂的節奏動力弱化，突出自然聲的節奏和自然聲的寫實和表情功能。

二、影視音樂節奏與畫面節奏形成的復合的聲畫節奏

(一)影視畫面節奏的理論

從文章前面的論述我們知道：在音樂的節奏理論中，發音點、時值與停頓是節奏構成的三個必不可少的要素。這可以認為是音符的一次運動或一個節奏點，而多次運動或多個節奏點就會產生節奏感。這種神經反射的時間間隔存在於聽覺神經系統對聲音的反應中以及其他所有的感覺系統中，如視覺對對象活動的反應所具有的時間間隔形成會構成視覺的節奏體驗。用音樂的節奏觀念，我們就可以來理解影視畫面要素中剪輯、鏡頭、畫內信息的節奏。在剪輯節奏的構成要素中，一個鏡頭的第一幀可以認為是發音點，持續時間可以認為是時值，最後一幀可以認為是停頓;鏡頭的節奏要素可以理解為鏡頭運動的開始，持續和結束，也就是從鏡頭的起幅到落幅的過程。而畫內信息主要是人和物的運動，節奏也就是人和物的運動的開始，持續和結束。

(二)聲畫節奏觀念

影視音樂作為一種特殊的音樂形態，它不僅受其它聲音要素的影響，而且也會受到畫面節奏的影響。也就是說，影視音樂可以與畫面結合形成影視聲畫節奏。在無聲電影時期，音樂被認為是電影的伴奏，它的功能更多是增加娛樂性和滿足人們的視聽習慣。當然後來人們努力使音樂與電影協調一致，例如在情感和節奏上，但許多時候音樂與畫面在節奏上基本沒有什麼聯系。在有聲電影時期，音樂成為畫面的附屬，畫面的運動和節奏許多時候會配上相應節奏的音樂，這種方式被稱為按動作配樂，也叫米老鼠式編曲。當今時代，影視音樂成為影視藝術視聽要素中重要的組成部分，音樂不是單純的附屬要素，而是有機的成分，音樂積極的參與敘事，表情以及運動。在參與運動的過程中，節奏成為重要的載體。電影中聲音與畫面結合所形成的聲畫節奏的形態特徵的發展變化是一個從單一要素結合到多種要素復合的過程，也是一個從偶然、隨機到主觀、互動的的過程。影視作品中畫面的節奏主要由剪輯、鏡頭運動和畫內信息運動構成。在實際作品中，它們有時也有主次或前景背景之分。如某些畫面節奏主要是由剪輯節奏構成，而有的畫面節奏主要由鏡頭運動節奏構成。一般情況下誰的節奏速度快，誰就是主要節奏層次或者說是前景節奏。如剪輯節奏的速度超過鏡頭運動和畫內信息運動時，剪輯節奏就是主要節奏層次和前景節奏。

(三)影視音樂與畫面的聲畫復合節奏形態

與音樂、人聲和自然聲的節奏關系一樣，影視音樂與畫面的復合節奏主要有三種形態：對應、對比和互補。三種聲畫節奏形態體現不同的聲畫節奏表現特徵。聲畫節奏對應就是音樂與相同節奏速度的畫面剪輯、運動、信息節奏的結合而形成的聲畫復合節奏。當影視畫面的節奏較快而此時音樂的節奏也屬於快速的話，它們就屬於對應性節奏。節奏對應時，聲畫節奏又可能出現兩種狀態，如以畫面節奏為前景的聲畫節奏和以音樂節奏為前景的聲畫節奏。以畫面節奏為前景時，畫面內容的重要性被突出，內部節奏成為主要節奏層;音樂節奏為前景時，視聽感受被突出，外部節奏成為主要節奏層。當然還有一種情況就是它們互相都不是前景和背景的關系而是音樂的節奏點與畫面的節奏點形成節奏重音。由於節奏要素的增加和節奏的一致性特點，節奏重音的動力性會大大增強。對比性節奏就是音樂的節奏速度與畫面節奏的速度形成對比，也就是一個節奏層次的速度快而另一個節奏層次的速度慢。它們之間會形成節奏動力互相影響的情況。如快節奏的畫面節奏與慢節奏的音樂節奏結合時，由於對比節奏的出現，外部畫面節奏減弱，內部心理情感節奏感增強。由於視聽節奏的不一致而使人們會去主動感受外部畫面節奏之外的內部情節節奏。而當畫面節奏為慢速節奏而音樂為快速節奏時，由於對比節奏的出現，外部視聽節奏感增強。互補性節奏實際上就是畫面節奏與音樂節奏兩者的節奏點互相補充。如剪輯節奏為慢速時縱向上音樂節奏為快速，橫向上當音樂節奏變為快速時此時縱向上剪輯節奏則變為慢速。互補節奏只是節奏的要素發生變化而節奏的特徵保持不變。互補節奏有兩個方面值得我們關注，如由於要素的增加，它的聲畫節奏動力被加強;還有就是在情節中聲音和畫面互相加強而互不幹擾。如在音樂與人聲的互補節奏中，音樂與人聲的相繼出現可以使人聲表達的信息內容不受到其他聲音要素的干擾。

三、影視音樂與其他聲音和畫面形成的復合節奏

⑥ 音樂鑒賞試題

美國民謠的百年歷程

我們再也無法考證那些原始布魯斯或民歌創造者的生平甚至名字了。我們能做的，不過是通過一個世紀來聽後繼者們錄制的唱片：來喚回過去，沖刷我們還不至於太過退化的情感。這些唱片極大地拓寬了過往歲月里僅利用口耳相傳傳播音樂的渠道，更大的意意在於：它們在世界的傳播，啟發了整個人類的創造力與理解力，記錄歷史並延長我們的記憶。建立這一唱片庫——美國國會圖書館錄音資料庫的行動，來自民謠學者約翰·盧馬克巴與艾倫·盧馬克思父子他們從30年代開始，陸續在美國各州鄉村、田野、街道甚至監獄里，為民間歇手留下錄音，幾乎是單槍匹馬地完成了一項搜集整理美利堅各類民間音樂的浩大工程；無論黑人或白人，這些參與錄音的歌手通被稱為「游吟詩人」(Chauffeur)，在大眾的詞彙庫里，Chauffeur這個詞通常被人們意為「僱傭司機」。他們都有著流浪的生活背景，流浪一方面提供改善自身生存環境的可能，另一方面是在無意狀態下，實現了不同藝人之間音樂的碰撞、融合。等歷史走完這一段，我們發現這後一方面是尤其重要的。而綽號「鉛肚」的胡迪·萊德貝特，無疑是流浪藝人中最突出的典型。

「鉛肚」早年在西路易斯安那和東得克薩斯謀生，從白人礦工那裡學習一些牛仔歌曲、蘇格蘭民歌及鋼琴彈奏曲。1912年，在盲人萊蒙·傑佛遜的指導下，「鉛肚」學彈了十二弦吉他並建立起他自己獨立的個人布魯斯風格。「鉛肚」後來因殺人罪服刑，當其身陷團圓之際，又意外地得到那些源於18世紀或更早時期的眾多黑人囚歌。由「鉛肚」首錄的歐洲民謠〈〈加利斯·波爾》，法式舞曲《水壺沸騰》，牛仔情歌《爸爸，我來了入勞動號子《帶上錘子〉〉，南方廢奴民歌《約翰·哈迪》，福音歌曲《瑪麗，別哭》，囚歌《肖提·喬治》和《誰是回來的鹿》，以及12張專輯唱片，成為國會圖書館最有價值的有聲資料。通過一系列錄音、電台廣播和學院巡演，「鉛肚」成為第一位具有國際影響的黑人民歌手。繼「鉛肚」萊德貝特之後，又有布朗尼·麥基、索尼·特里桑·豪斯、索尼·鮑伊·威廉姆森和「混水」等，他們陸續參與了國會圖書館的錄音。

傑西·福勒是一位善於學習別人曲調，然後配以自傳式唱詞的游吟歌手。福勒從幼年就開始用自製的五弦琴進行彈唱，其游吟生涯從亞特蘭大輾轉芝加哥再轉往加利福尼亞；沿途，福勒除了作街頭表演，也靠製作手工藝品來維持生計。福勒從教堂里學會了諸如《恩情浩盪》、《不久以後》這些福音歌曲，流浪生活的豐富經歷和見聞，最後化成福勒滔滔不絕的歌曲資源。傑西·福勒用與眾不同的獨門樂器腳踏擊弦貝司，配上吉他、口琴組成—人樂團，錄制過一大批原始格調的民謠作品，其中以《化作愛之咖啡屋》與《引日金山低吟布魯斯》最為著名，前者也是鮑勃·迪倫的啟蒙之作。說起來，艾倫·盧馬克思自己也算一位不錯的民歌手，除了幫助別人錄音，盧馬克思也錄制了《得州民歌》和《我唱美國民謠》這兩張自己的作品。隨著工作進展，通過參與艾文·麥考爾的廣播節目《民謠與布魯斯》的演出，盧馬克思比較了英美兩地傳統音樂的源流與演變，然後推出里奇一家的錄音，此時，里奇一家剛剛從蘇格蘭來到得克薩斯，使一組《南方世俗民歌集》得以流傳。隨後又有盲人吉他手唐·沃森與克拉倫斯·阿什利、查理·麥考伊等相繼被盧馬克思發現並留下了珍貴的聲音史料。

60年代初，城市民謠在商業上取得了一時之盛，這主要仰仗了眾多演唱組的涌現。這些組合帶來了多種樂器的豐富配合，多層次和聲的豐富變化；加上伍迪·加思里、皮特·西格，以及《小拳擊手》作者馬爾文那·雷諾茲，在此之前已經作出了無比雄辯的示範——歌曲創作源於民歌高於民歌，創造源於傳統又超乎傳統，打開了聲音題材和歌詞題材的廣闊包容性；這些，使得金斯頓三重唱的專輯《至多入《我們來了入「石灰石」的同名專輯，「高地族人」用多種語言演唱的作品，四兄弟演唱組翻唱的皮特·西格的《花歸何處》，迅速紅遍全美，進而影響了全球音樂市場。甚至日後的鮑勃·迪倫，也是依靠這類民謠演唱組如「彼得、保羅和瑪麗」的翻唱，才得以揚偉名於天下。總體來看，這是些取材於歐陸傳統民謠但又輔之以黑人布魯斯和拉格泰姆風格的作品，這一創作特色，構成了美國民謠的主體特徵。

在60年代，音樂上的黑白界線，在絕大多數民謠歌手和詞曲創造者心中已經消失。這些歌手大都會受「鉛肚」、波爾·艾夫斯，然後是伍迪·加思里、金·里奇，再後是漢克·威廉姆斯作品《老奧普利》的啟迪。女歌手卡洛林·赫斯特首張專輯邀請鮑勃·迪倫作伴奏樂手，並用絕非甜美的嗓音征服了聽眾，被視為新時期的金·里奇。赫斯特廣闊的歌曲來源也是一個成功的因素，布魯斯、西班牙民謠，以及傳統歐陸民謠，都在同一張專輯甚至同一首作品裡出現了，這種多民族音樂的廣泛融合，預示了此後民謠發展的重要方向。

鮑勃·迪倫成為引導新民謠發展的主導。他在大學時接觸歐美傑出現代詩人的作品，逐步進入左翼的民謠演唱圈子。與他交往的有著名民歌手伍迪·加思里，也有傑出的嚎叫派詩人艾倫·金斯堡。迪倫的第一張專輯是一些12小節的標准布魯斯，收錄的盡是黑人們傳統的老歌，據說這是一張連民間布魯斯老藝人都肅然起敬的唱片。兩首創作歌曲中，迪論寫了一首《獻給伍迪之歌》，一方面是向伍迪·加思里致敬，另一方面是向世人宣布：要成為新的民歌手、必須擁有像伍迪·加思里那樣的人格精神。在隨後的5年中，鮑勃·迪倫出版了一系列經典專輯，包括《放徑自流的鮑勃·迪倫》、《時代在變》、《席捲而歸》、《重返61號高速公路〉〉、《無數金發女郎》等，這些作品影響了幾乎所有門類的藝術家，也奠定了迪倫在民謠復興運動中旗手的地位。我們可以從強烈抨擊時弊的民謠歌手菲爾·奧奇斯的作品《一切不過是命運》中感到鮑勃·迪倫與伍迪·加思里、鮑勃·吉布森、湯姆·帕克斯頓的影響，還可以從擅長演唱情歌的梯姆·哈丁以及梯姆·巴克利身上發現鮑勃·迪倫的作用。後來，迪倫放棄原聲吉他民謠，轉向電聲搖滾，創立了民謠搖滾，而他早期優美而不失激烈的歌詞和詩篇，此時卻在大西洋兩岸喚醒眾多搖滾歌手，其中包括約翰·列農和米克·賈格爾。迪倫使他們從狹隘的情愛題材中醒來，視線轉向更寬廣的社會、政治、文化領域。如果沒有這後來的變化，甲殼蟲和滾石樂團將不會成就在搖滾史上的偉名。迪倫的歌詞一直是象徵性的，早期是枝葉紛披的隱喻和意象，後期是大量的《聖經·舊約》典故，這與傳統民謠截然不同。迪倫將晦澀多義的現代詩與民間歌唱質朴的旋律結合在一起，使60年代的民謠成了知識分子的先鋒藝術。他在歌詞上的創作深受法國象徵詩派影響，歌詞中充滿廣闊的暗示和哲理性的意象。這時，民謠已不單是民間傳統的代名詞，也是時代的象徵，和民間思想的代言。但迪倫始終並不把自己視為抗議歌手，而堅持歌曲只是他個人內心的獨白。正是這可貴的真實性原則，接通了個人生命與時代命運的脈絡。在迪倫輝煌的音樂生涯之前，也就是1962年的年底，他到英國去住過一段時間。英國的傳統民謠敘事曲，是美國民謠的根，迪倫去那裡正是為了體會傳統民謠的深境，上一堂非正規的民謠音樂課。在那兒，迪倫結識了英國民謠歌手馬丁·卡什。卡什教給迫倫許多有關傳統英國民謠的知識。在卡什所推薦的歌曲中，有兩首歌給迪倫留下了深刻的印象，《弗蘭克林勛爵》和《斯卡布羅市場》。後來，迪倫改編了這兩首曲於，前者成了著名的《鮑勃·迪倫之夢》，後者則成了旋律優美的兩首情歌的素材——一首是《從北方來的女孩》一首是《西班牙皮靴》。在卡什與其他許多民謠樂手的影響下，迪倫創作了近10首英國傳統民謠形式的歌曲，流傳廣遠的曲目包括《戰爭頭子》《上帝在誰那邊》、《只是個流浪漢》、《再見》。

英國之行為迪倫提供了深厚的創作土壤。正如迪倫所說，民謠音樂帶給人的親切感是任何別的音樂形式所無法比擬的，這正是民謠真正的魅力所在。1963年初，迪倫回到紐約開始他行將震撼世界的歌曲創作。這創作一開始表現為對傳統的全神貫注的吸收和改編，其後表現為對這些傳統規則和限制的一一打破——這是最有力量的打破，比一切現代派的胡作非為都更為驚人，它是來自於傳統內部的顛覆，並最終成為傳統自身無比強大的發展和新生。迪倫是多變的，他以自己的激烈變動緊緊抓住了周遭世界的激烈變動。正像後來我們所看到的，這是一個變化劇烈的年代。而迪倫的每一次轉向，都恰當地成為時代轉向的標志。
不過值得提出和令我們警醒的是，恰恰是迪倫那些封閉的個人性作品，而不是更有名的、紅色抗議的、力圖捕捉時代脈搏的戰歌，才更好地抓住了迪倫的敏感才情，紀錄了他身處時代的痛苦和夢想。迪倫的作品，特別是他早期的作品，毫無疑問，已經成為美國60年代編年史的一部分。
迪倫一直在變。對這一點，有人贊賞，有人批評，有人婉惜。這時，反倒是他影響下的另一個歌手，完整地堅持了伍迪·加思里和迪倫早期的抗議立場，這個歌手就是菲爾·奧奇斯。

菲爾·奧奇斯1940年出生於得克薩斯，如果不做歌手，他可能會成為一名記者。1960年，他從大學新聞專業退學，來到混雜著詩人、藝術家和左翼激進分子的紐約格林威治村，受到左翼思想日益深厚的熏陶。在新聞界的短暫經歷使他認識到：只要他從事著新聞界的事業，他便不可能堅持和忠實於自己的信念。從此，菲爾·奧奇斯離開了一度試圖干出名堂的新聞業，一心一意地撲在了音樂上。奧奇斯的音樂一直局限在傳統民謠的領域，他的歌簡單朴實，甚至缺乏變化和發展。通常獨自一人抱把木吉他，一個人一邊彈一邊唱，一邊用交談和插話與聽歌的人交流。有人稱他的歌為時事歌曲，他習慣於以民歌的方式唱誦一些時事新聞，他的第一張專輯就叫——《每條新聞都適合歌唱》。奧奇斯認為，人們必須重視自己現實的處境，必須反映對一些重大社會事件的真實意見。這使他在聯邦調查局的檔案越積越厚，最後多達410頁，從某種程度上說，他一直是被作為一個與政府對著乾的人，被當局監視著。奧奇斯的顛峰時期在1964—1966年，這也是美國民權運動員高漲的時期。他唱歌，還在雜志上寫時事評論，這是兩種方式的同一項事業，他喜歡這樣與公眾自由交談。他的歌詞就是他的寫照，他的公共形象就是他的個人形象，他以個人立場正直地說出真話，抗議美國政策給人民帶來的災難。在這一點上，菲爾·奧奇斯正像民歌歷史上源遠流長的游吟歌手所為：敘事性、吟唱傳統，用音樂傳播消息、同時表達民間的意見。

但奧奇斯的經歷是卻悲劇性的。民權運動高漲時期，向時也是美國反共的麥卡錫主義最嚴酷的時期。奧奇斯曾在芝加哥的民主集會中被捕，曾被聽證會傳訊並沒收了吉他。但最嚴酷的並不是現實的寒冷，而是奧奇斯自己內心的巨大矛盾：過於簡單的理想主義，使他越來越深地陷入了對自己的懷疑，陷入了對早期的簡單化批判的懷疑。在留下了6張專輯、100多首歌後，隨著年代結束，奧奇斯的激情神秘地消失了。70年代之後，奧奇斯已很少有新的創作。這個熱情爽朗的人開始酗酒。直到1975年，他一直努力在反對的越戰結束了，在中央花園慶祝集會上，奧奇斯容光煥發，滿情欣喜，「他在微風中歌唱，帶著一絲疲倦，似乎他．等待這一刻已等了太長時間。」但次年，他用自己的手結束了自己的生命。

理想失落了，復雜的、急劇的時事變化，使現實像開了一場玩笑。在落魄的那幾年，菲爾·奧奇斯說出一句讓所有的理想者都會揪心的話：「我擔心有一天我會在舞台上笑出聲來。」

1965年7月25日黃昏，萬眾喧騰的新港藝術節上，鮑勃·迪倫首次上演自己的電聲作品，僅僅三首歌後即被鼎沸的倒彩聲淹沒——盡管伴奏樂手艾爾·庫柏、邁克·布隆菲爾德為演出預排了好幾個通宵，盡管人們接受了鮑勃·迪倫上場前的兩支電聲樂團「議院兄弟」與巴特菲爾德布魯斯樂隊。返台加唱時，鮑勃·迪倫微笑著接過彼德·雅洛遞過來的原聲木吉他，以一曲《寶貝，一切結束》終結了整場演出。

飛烏的位置，實際上處於民謠搖滾的前沿地帶。後來，這一位置在70年代被雄鷹樂隊延續下來。雄鷹的樂器特色建立於斑鳩琴、木吉他、電吉他和夏威夷吉他上，有優美的和聲和舊式的反叛。無論《亡命之徒》還是《加利福尼亞旅館》，都是以夢幻和虛構的形式來概括現實，沒有其他樂隊那麼多的矛盾沖突痛切，相反充滿勸誡的意味，產生將人們從現實生活中拉走的虛浮感。從音樂到精神，它們延續了鮑勃·迪倫《約翰·韋斯利·哈丁》的余緒，這一點正與飛鳥類似。自然，這是後話。

在1967年蒙持利爾流行藝術節後，克羅斯比離開了飛烏，與「野牛春田」樂團成員一起組成C．S．N及C．S．N．Y。野牛春田人員變動頻頻，前身是由史蒂芬·斯提爾斯、里奇·福萊以及後來組建「貓媽媽」樂隊的拉里·帕克組成的阿哥哥歌手樂隊；後來這幾個人稱來我走時聚時散，在不同時期組成不同名目的樂隊。雖然這些樂隊部十分短命，僅有寥寥幾張專輯面世，但隊中成員，日後都成了左右民謠樂壇的重要人物。

新人飛鳥的樂手金·帕森斯，克拉倫斯·懷待，帶來些更根源的鄉村音樂，使飛烏隨後出版的專輯——《聲名狼藉的飛鳥兄弟》、《牧場競技之甜蜜的心》，都傾向於鄉村搖滾，這時隊員乾脆另組或加入諸如飛餅兄弟、納什維爾之西之類的鄉村團體。1969年專輯《輕松騎手之敘事曲》，成為總結飛鳥60年代成就的作品，專輯名稱來自丹尼斯·胡坡執導的嬉皮文化電影《EasyRider》，電影中兩首插曲，也都是飛鳥的手筆。進入70年代以後，飛鳥的作品一直保持了鄉謠作風，他們以親和的外表，帶動了加州西海岸，使之成為繼紐約格林威治村之後的又一民謠陣地。此後，帶有民謠特質的西海岸樂團「媽媽和爸爸」以及沙灘男孩開始走紅；人們熟知的鮑勃·迪倫、道可·華生、曼斯·里普斯羅姆、萊廷·霍普金斯，新出現的樂團「愛」，吉他大師賴·庫德與牙買加歌手泰及·馬哈爾和迷幻樂隊「精神」的組建者埃及·卡西迪組成的上升之於樂隊，一時都成為眾人爭睹的團體；而在加州另一城市舊金山，也出現以數支樂隊為主幹的實驗民謠陣營：感恩而死，傑弗遜飛機樂團，水銀郵政部，以及名氣較小但卻不能忽略的烏合葡萄樂隊。

60年代與整個潮流相伴，紐約的格林威治村民謠大本營里，也出現了傾向於西海岸風格的迷幻民謠組合，較出名的有愛之匙、姜餅、魔術師、布魯斯馬固。其中頗值得一提的是濁氣樂隊，由於與嚎叫派詩人艾倫·金斯堡交往甚密，這個樂隊的首張專輯即表現了極為反傳統的意識，像《為和平殺戮〉〉，《早晨，早晨〉〉，都是當時極具號召力的反戰歌曲。

如果完整地看待整個60年代民謠搖滾和迷幻民謠的發展演變，並全面了解全球性的無政府運動和道德解放運動，可以發現貫穿其中的主線一一是「回歸自然」。音樂表徵上的駁雜多樣，並不能掩去其內在目的的一致性，並且這種駁雜多樣恰恰是對這一目的的弘揚。經過整個60年代的洗禮，這一倍條已紮根於民眾並同時成為支撐和左右後繼藝術家創作的重要理念。七八十年代出現的種種潮流，如「作者兼歌手」風潮，「南加州之音」風潮，甚至商業包裝出來的與「非主流」風潮等等，實質上都是這種信條下創作的延伸，只是隨著歷史、地理、習慣的不同而具體方向上有所不同罷了。1969年最著名的戶外演唱會「伍德斯托克音樂節」，可以視為民謠和搖滾在各自發展道路上的節點，引人深思的是 ，兩者的交匯融合使兩者均贏得了不同程度的新的生命力。該年鮑勃·迪倫退出洶涌的革命洪流，推出鄉村色彩濃郁的約翰·韋斯利·哈丁》和《納什維爾的空中輪廓隊其伴奏樂隊隊」，以及另外的波可、原臟，改組後的飛鳥，都不同程度地呈現著鄉謠的風貌，實踐著回到自然、回到大地的口號；而傑遜·布朗，詹姆斯·泰勒，卡羅爾·金，雄鷹樂隊及其成員，則這個方向上嘗試創作至今。這其間，廣受敬重的藝人首推傑克遜·布朗。布朗擅長於自然的充滿詩意的表現，並帶有宗教的隱喻色彩，一些作品時時流露些許政治性的主題。他的佳作包括《這些日子》、《洪水將至》、《真空中的奔跑》。受布朗影響，沃倫·譯文以《激動的男孩》出現，其有力而古怪的樂風越出了民謠界，對洛杉磯朋克和硬搖滾產生了相當大的影響。80年代，又有拉爾·拉維特、南希·格里菲斯，老牌的約翰·黑特、加埃·克拉克 ，新牌的瑪麗·查品·卡彭特，他們均以新時期的「作者兼歌手」身份，繼續發表迪倫一布朗式的鄉謠風格，他們用民謠的血源 ，有的寫聖歌，有的唱城市小調，有的抒發城市化的鄉村情懷。

70年代還相繼出現卡莉·西蒙和露西·西蒙姐妹，·勞拉·尼羅、蘭迪·紐曼、羅頓·萬萊特三世，在傳統民謠基礎上融合黑人布魯斯和爵士音樂元素，以極為平靜的心態描繪現實。在鮑勃·迪倫離開純正民謠陣營時，出現了保羅·西蒙和阿特·加芬克爾這個極和諧的二重唱組，他們擁有高超的吉他彈奏、甘美無比的嗓音、優美或超現實主義的歌詞。單飛後的保羅·西蒙逃離了二重唱的風格，成為影響深遠的融合民謠發展的主將。在1972年首張同名專輯中，西蒙大膽起用雷吉音樂。其後的數張專輯：《節奏西蒙來了》，調和了南方爵士樂；《此情經年，瘋狂如故》，揉合了芭莎諾娃(Bassa Nova，巴西桑巴樂與美國冷派爵美國音樂根源之一的非洲音樂融入其中；士樂相遇的產物)；近期傑作《雅園》，又將而《聖頌》大量巴西叢林部落音樂的巧妙運用，令人驚嘆其視野之廣、手法之妙。保羅·西蒙的後期行為；實際上是把美國民謠與世界其他地區的民歌傳統廣為溝通。從《雅園》開始，因為逾越了傳統的西方民謠旋律，乍聽之下西蒙變得不好聽了，實際上是，西蒙比以往任何時候都更精細、更考究、更追求完美。他非常注重每一個細節的准確性，甚至到最不起眼的一處撥弦。而所謂准確，就是使樂音準確無誤地表達意圖。《聖頌》的第一到第三首曲子；分別採用了降A大調、降A小調和降B大調，意圖通過半個音階的音調上升，給聽眾情緒以相應的振奮。而歌詞快速的聯想和意象裂變，西蒙自認為是意識流寫作，源於內心下意識的自由流動，但隨意之中仍保持著精雕細刻。大致說來，它們以個人隨想的形式，包羅了西蒙的個人經歷和今日世界之紛繁萬象，是神話、傳說、科技、現實和幻想跨時空的快速組接；也下意識地體現了西蒙從北美到南美、從西方到東方頻繁穿插於三個世界的印象，再現出差異巨大、發展懸殊，從古老文明到現代文明，從高度現代化到高度落後，原始、農耕、工業、高科技共時性地存在於同一個時空里的地球文明現狀。

在70年代民謠中，當然也有梯姆·哈丁、梯姆·。巴克利、埃里克·安德森等較堅持純正民謠的風格，不過在偶爾一些歌曲中，你還是可以聽到一些不同於傳統的新鮮的樂意和變化。

而人們俗稱的藍領搖滾，毫無疑問亦屬於民謠的一支，其代表性樂隊幾乎無一例外地接過了鮑勃·迪倫、菲爾·奧奇斯等前輩歌手的抗議之旗。藍領搖滾樂風比較硬朗，歌詞多寫實，更富於現實感，這與以雄鷹樂隊為代表的折衷遁世趣味倒是針鋒相對。如果去除鄉謠派中的滑音吉他和曼陀鈴配器，換上更能突出節奏的樂器，改去演唱中敦厚的鼻音，換上扯不破的引吭高歌，二者也許就相距不遠了。正如其名稱所示，藍領搖滾代表勞動人民。斯普林斯廷基本代表了東海岸北方工業區的工人，鮑勃·西格、約翰·庫格、湯姆·佩蒂則代表西岸南方鄉鎮的居民，而且一個比一個鄉土化。當然，他們也在多變的現代場景中悄悄變化著，其後期之作已遠遠背離其早初的鄉民立場，有的作品美得驚人也現代得驚人。在藍領搖滾中，斯普林斯廷以《生來奔波》《生於美國》最有名，鮑勃·西格有《夜遊》，約翰·庫格有《美國傻瓜》和《稻草人》，湯姆·佩蒂以《南方口音》和《不變的諾言》出名。1995年，斯普林斯廷走出了搖滾樂，以配器簡單而幽暗的《湯姆·喬德的幽靈》，重新找回伍迪·加思里和年輕時迪倫的那種激進而素樸的民眾精神。專輯中包括多首改編的或基於美國民歌風格的歌曲，以第一人稱敘述一個個悲傷的小故事。總體來說，這個「我」為追求更好的生活，一次次放棄原有的一切，結果卻更無所得。從這些歌中，我們可以看到從30年代一直到今天的移民、偷渡者和流浪工人的側影，他們為實現永遠也不可能實現的夢想，一直在生活的底層苦苦掙扎。

進入80年代，以反映現實、崇尚自然的態度創作民謠的藝人仍然在不斷地出現：崔西·查普曼、蘇珊娜·維加、游盪、「不主教」、酒花、數烏鴉、戴爾·埃米蒂、不同政見者……「我想成為鮑勃·迪倫」，數烏鴉樂隊在那首致敬式的《瓊斯先生》一歌中直接唱道。於是就有美國民歌再度復興的議論。這其中，蘇珊娜·維加是這場新復興運動的先鋒，她從1985年引起關注。維加灰黑色調的嗓子，源於巴西芭莎諾娃歌手阿斯圖得·吉爾伯特，以此，維加的音樂又與巴西民間音樂暗暗相通。許多民謠歌手同時又是深入現實的詩人，這一特點在維加身上再次得到了印證。她的詩一如她的歌，樸素、淺白但又神秘、復雜。最令人訝異的是那種多文化的背景，居然能以一種極其簡單的形式涌現出來。維加生於洛杉磯，生長在紐約西班牙人居住區，繼父是一位波多黎哥作家，生存環境的雜合構成了個人生命的雜合。後來，維加在創作中越來越深地觸及她的雜合狀態。從1995年第四張作品開始，維加一改前期作品純美含蓄的風格，轉而編織一種令人眼花繚亂的音樂織體。攢動的電子音粒，茂盛的弦樂密林，工業式的拷擊節奏；熱騰騰的黑卜號卜(hip Hop)，涼幽幽的芭莎諾娃……蘇珊娜·維加對民謠一直有不同的理解，現在她的理解更深丁。最後她最終採用的方式，正是這個後工業社會的新的現實。

激情能點燃創作智慧，正如智慧能精煉創作激情一樣。如果歷史足夠細心，會發現在迪倫的時代；有一種60年代人祟尚的「忠實」信條——自發創作的音樂勝過精心編寫的作品，一直在作用著，甚至也在80、90年代的新的樂隊中延續。R．E．M經常打破38曲一錄音、創作一製作相互分開的作法，把錄音室當創作間，純粹在靈感激發下完成音樂。邊演奏、邊說話、邊相互激發，哪個人隨手、隨口「碰」出了一段旋律並對他人有所觸動，四個人馬上將這旋律加以回應、發展、修改、擴充直至最終完成。這—種創作，是對自我感覺的高度信任。樂隊靈魂人物邁克爾·斯泰普甚至幾乎從不聽音樂，家裡也不裝電視電話這些干擾個人本真的傳播工具。而臟式搖滾的代表樂隊聲音花園，同涅架樂隊一樣，骨於里也充滿了民謠的精血。在《反轉》一片中，樂隊否定以前為求精細反反復復錄制同一段音軌所造成的感覺麻木，極盡能事追求真實感，曲子都是快速完成的，以保留新鮮的情緒；演奏上追求自然，不作過多修飾，各種聲音都是「活著的」，避免了「錄音味兒」。無論R．E．M還是聲音花園，他們都強調了直覺之中的神秘創造力。民謠的饋贈即是如此，精神上的內容始終大於形式上的要求。雖然也有形式上的特徵，但從本質上而言，民謠所有的音樂語言其實都不是技術上的，而是一種自然的發動.

⑦ 求助一篇文章...美國電影音樂賞析的..

震撼心靈的旋律：
電影《93號航班》電影音樂賞析

當我聆聽《93號航班》這部最新發行的配樂專集的時候，恰逢911事件五周年的時候。回想起五年前的9月11號，美國境內爆發了近代史中最讓人驚懼的恐怖攻擊事件，無論是對美國人還是對全球人類來說都是一段痛苦的回憶，來自世界各國的數千名普通人在那場浩劫中永遠的失去了自己的生命，時至今日仍然有死難者，因遺體破壞嚴重而無法得到辨認。數千條無辜的生命就在短短的數小時中永遠的從地球上消逝了，911事件給無數家庭帶來的痛苦影響以及給全球人類帶來的恐慌是無法估量的，也就是從那時起我們知道了「反恐」「本拉登」等等系列的名字與口號。就在911事件五周年紀念來臨之即，導演保羅葛林葛拉斯（Paul Greengrass）為大家帶來了這部真實再現那段悲慘歷史的影片《93號航班》。
由拍攝電影《諜影重重》的導演保羅葛林葛拉斯擔綱製作編導大任的《93號航班》是好萊塢首部面對此歷史傷痕的電影，故事描述事件爆發當天，准備從紐華克起飛，飛往舊金山的聯航93號班機在紐華克機場的跑道上耽誤了45分鍾，當班機起飛後，——美國國會大廈，班機上的機組人員與乘客不願讓恐怖份子的行動得逞，決定展開反制，導演以事件發生的時序真實呈現機上這群原本互不相識的人在事件中所承受的恐懼壓力，以及決定同心協力反制恐怖行動的大無畏勇氣，讓觀眾屏氣凝神的見證這個改變世界面貌的一天。導演表示尋找911事件所代表的意義的方式有很多，電影工作者也必須參與其中。同時電影也再現了45名乘客及機組乘務員的英勇無畏的感人事跡，正是這45人挽救了無數人的生命，在確切知道自己無法得到救助的時候，為了挽救更多人的生命寧願與恐怖分子同歸於盡，這樣的大無畏精神也許以前只能在電影中看到，但是他出真的出現在了21世紀的現實生活中。
《93號航班》原聲音樂的配樂工作交由英國新生代配樂人約翰鮑威爾(John Powell)來完成，這是約翰鮑威爾繼《諜影重重》後，二度為導演葛林葛拉斯的作品擔任電影原聲音樂的創作。近10年來，約翰鮑威爾在動作片與動畫片的音樂創作領域綻放光彩，多次顯露出了他作為新生代配樂人，在電影配樂上的天賦與才華，約翰鮑威爾的代表作包括:《X戰警3：最後戰役》、《冰河世紀2》、《史密斯夫婦》、《記憶裂痕》、《偷天換日》、《史瑞克》等等。《93號航班》是鮑威爾創作生平中最嚴肅的題材，雖然本片仍有不少可以善用他那側重打擊節奏感的電子合成聲效，營造緊張步調的動作場面，但是影片中絕大多數的膠卷都在考驗著他對戲劇張力的掌控功力，鮑威爾以電子合成樂中的重低音脈動揣摩出飛機渦輪傳動感覺。從《93號航班》的配樂作品中我們聽到了，配樂人約翰鮑威爾新創作出的音樂風格，這與他近段時間的其餘兩部配樂作品《冰河世紀2》，《X戰警3：最後戰役》相比形成了比較大的差別。風格的轉變也許正是約翰鮑威爾想擺脫他慣用的傳統電子合成音樂配樂手法的固定模式，從固定模式中解脫出來尋求更多的配樂風格來完善自己的創作。影片的取材來源於美國人民的傷痛所在911事件，不知道是否所有的人都做好了准備來接受2006年帶來的兩部有關911事件的電影。大家都期待著一段愛國主題的小號獨奏出現在配樂作品的音樂旋律中，嘹亮的小號的吹奏來展現一種愛國的情懷，就像已故的配樂大師Jerry Goldsmith在電影《最後的城堡》中創作出的弦樂獨奏那樣。然而比較令大家失望的是這樣的音樂旋律並沒有過多的出現在《93號航班》的原聲音樂中，而是被放到了隨後的一部由奧利弗斯通（Oliver Stone）指導的反映911事件的電影《世貿中心》的原聲音樂中。《93號航班》的配樂中約翰鮑威爾首次使用了十分嚴肅的音樂伴奏旋律作為了整個配樂樂章的音樂主基調，也許就是因為這部電影是一部悲傷的電影，與以往約翰鮑威爾完成的配樂作品的主題有著很大的差別，《偷天換日》、《史瑞克》這樣的電影配樂更多的是一種愉快的氛圍，而《93號航班》的電影中更多的是一種悲傷，痛苦，壓抑這樣的電影氛圍。但是正是因為約翰鮑威爾創造性的配樂天賦，大膽的根據電影的主題來改變自己的配樂模式，使得《93號航班》的原聲音樂又一次展現了約翰鮑威爾在電影配樂上的才華，同時也完美生動的勾畫出了整個電影中的每一個主題。
與以往的電影音樂不同，《93號航班》的原聲音樂中並沒有出現非常明顯的音樂主題旋律，這也就成為了約翰鮑威爾2006年電影配樂風格變化的代表。配樂作品中的音樂既有電影《我是山姆》中的那種激動人心的音調，也有電影《諜影重重》中震撼的打擊節奏感的電子合成聲效。配樂專集中的《rayers》和《edication》兩段音樂旋律都是在平靜的音樂旋律中開始與結束的，音樂旋律中包含了約翰鮑威爾的兒子Oliver的聲音，以及明快的和弦音。鮑威爾以兒子奧利佛天真動人的合聲告慰受創的心靈。結合了電子敲擊音樂以及定音鼓的敲擊聲的音樂旋律保持了音樂氣氛的動態感覺，音樂樂章也在其中不斷向前延伸。另外的一種聲音——沉默的唱詩班聲非常短暫的出現了一下，當音樂行進到《Pull the Tapes》的時候，結束的音樂旋律中第一次出現了法國號角的演奏，此時的音樂旋律被作為了彩色的音樂基調，並且非常巧妙的提升了整個音樂樂章的基調，《2nd Plane Crash》中漫漫增強的音樂旋律經常被大家忽略，原因也許是整個樂章沒有突出的主題音樂，所以聽上去所有的音樂旋律都是一樣的。隨著整個音樂樂章的不斷延伸，音樂旋律也在不斷的變化，《he Pentagon》中約翰鮑威爾開始逐漸一點點的增強音樂，並將音樂旋律轉換到比較刺耳的敲擊的鼓聲和輕微提升的音樂旋律中，音樂的旋律在不斷蔓延開來，逐漸滲入到長達十分鍾的《Phone Calls》這段音樂中，在行進當中的旋律里再次重復出現了約翰鮑威爾的兒子Oliver那動人的天真童聲旋律，低沉的弦樂將整個音樂樂章引入到一段新的音樂主題當中，音色上極為低迷、凝重的弦樂，讓觀影者籠罩在一個難以逃脫的情緒氣壓之中，在滿布情緒氣壓的樂章里展現電影中的不同場景。音樂主題的旋律變的緊張起來，並且速度也明顯加快，並且號角聲出現在了銅管樂器的演奏中，整個音樂的旋律處在一種急迫緊張的音樂氛圍中。所有這一切的音樂旋律以及音樂氛圍的營造都是為了《The End》的音樂旋律的建立做鋪墊，此時出現的音樂旋律中的敲擊聲代替了獨自演奏的定音鼓的鼓聲，並且穩定的低音銅管樂器的演奏也漸漸出現在整個樂章的主基調上。當你聆聽這張配樂專集的時候，像逐漸增強的號角聲這樣小的音樂元素很難得到聽者的注意，但是當他們突然出現在音樂主基調的旋律中的時候就會立刻被注意到。僅僅是通過細微演奏旋律的基調的變化就將剩餘的音樂集結到一起了，約翰鮑威爾在這點上做的十分巧妙。《93號航班》的配樂並不像《X戰警3：最後戰役》的配樂那樣聽上去令人愉快，因為畢竟這是一段傷心的回憶，但是約翰鮑威爾利用自己在電影配樂上的天賦，以另外一種配樂方式完成了《93號航班》的配樂工作，使得這張配樂作品成為了電影以外另外一種紀念911事件的載體。當《The End》這段音樂旋律建立起來之後，定音鼓帶動整個音樂的旋律加快，弦樂在號角聲中漸漸增強，最後凌駕於整個音樂旋律之上，所有的音樂旋律完全掌握在它的控制中。當約翰鮑威爾使用一些電子打擊音樂和電子合成低音來增強音樂旋律的時候，整個龐大的管弦樂隊一起利用打擊樂器以及管弦樂將電影的悲傷情感全部通過音樂旋律展現了出來。此時的音樂旋律中沒有在出現嘹亮的號角聲，取而代之的是一段安魂曲，彷彿是在告慰那些911事件中不幸罹難的人們，期待他們的靈魂能夠得到撫慰。《93號航班》配樂專集的結束如同開始一樣漫漫的在平靜中結束，管弦樂彷彿是《Prayers》中的再現與重復，也具有相似渲染氣氛的作用。對於約翰鮑威爾來說這張配樂作品是一次對於自我的挑戰，出現了一種新的配樂風格，這種配樂風格突破了約翰鮑威爾自己固定的配樂模式，完全證明了自己不會不斷的重復以前的配樂風格。也許對於聽慣了約翰鮑威爾以前風格配樂作品的人們需要花些時間來漫漫適應新的音樂風格，但是完全值得花時間來來這樣做的。
當完整的聽過《93號航班》這部配樂作品之後，你會發覺音樂中沒有Hans Zimmer式氣勢恢弘的動作音樂旋律，而是更多的充滿了悲傷低沉的音樂效果，雖然沒有明顯的音樂主題出現，但是並沒有感覺整個樂章平淡零亂，這正是這部配樂作品不同尋常的地方所在。作為新生代的配樂人約翰鮑威爾大膽的嘗試了新的配樂風格，恰如其分的把握住了電影的脈絡與主題，將電影所要營造出的電影氛圍完美的在電影原聲音樂中詮釋了出來。在只有40分鍾的音樂樂章中完全勾畫出了電影的不同線索，將那段悲傷的歷史事件通過音樂旋律的表達方式展現在了大家的面前。《93號航班》這張新發行的配樂作品可以說是2006年電影配樂作品中的極品，同時也再次展現了約翰鮑威爾作為新一代配樂人的才華。

⑧ 電影《天使愛美麗》音樂藝術賞析

電影《天使愛美麗》音樂藝術賞析

冼星海說：「音樂，是人生最大的快樂；音樂，是生活中的一股清泉；音樂，是陶冶性情的熔爐。」音樂由情而發，學習欣賞音樂就是學習欣賞美。音樂鑒賞是一個人最基礎的審美能力，無論是對學習還是對工作都需要我們去培養和提升。接下來是我大家整理的電影《天使愛美麗》音樂藝術賞析，歡迎大家閱讀！

電影《天使愛美麗》是法國導演讓皮埃爾熱內的作品，是一部非常成功的電影，獲得了很好的票房，並獲得了許多優秀的大獎。電影成功塑造了如天使一般的小女孩艾美麗的成長經歷。其中，作曲家在賦予電影背景音樂方面上有著極大的創意，為更好凸顯電影的主題有著畫龍點睛的作用。同時，這部電影音樂在觀眾的觀影效果上也起到了不可替代的輔助性的作用，可謂是一個成功的情節敘事與背景音樂完美結合的典範。

一、電影《天使愛美麗》的介紹

法國導演讓皮埃爾熱內於2001年執導了電影《天使愛美麗》，可以說，這是一部非常成功的電影。這部電影不僅獲得了很好的票房，並獲得了許多優秀的大獎，比如說像歐洲電影大獎頒發的「最佳電影獎」、法國電影凱撒獎頒發的「最佳影片獎」「最佳導演獎」、英國金像獎頒發的「最佳原創劇本獎」等獎項，另外值得一提的是這部電影還榮獲了五項奧斯卡金像獎提名。

《天使愛美麗》這部影片講述的是法國小姑娘艾美麗的成長歷程。主人公艾美麗的童年十分凄苦，童年的生活充滿了孤單與寂寞。她的母親很早的時候就已經去世了，父親由於傷心顯得非常沉默寡言，進而對於小主人公艾美麗也是疏於照顧。這樣的身世使得艾美麗在很小的時候就有一種恐懼的心理。

艾美麗漸漸長大了，然後開始了工作，努力賺錢生活。當她在巴黎的一家咖啡館里做女服務生的工作的時候，發生的一件事情改變了小艾美麗的一生。那是1997年夏天，當時艾美麗正在租住的家中，她收聽了新聞報道的關於黛安娜王妃遭遇車禍身亡的消息。艾美麗聽到這個事件的時候，感到非常驚訝，慌亂之中她不小心將手中沒有拿穩的瓶蓋掉到了地上，瓶蓋剛巧撞上浴室里的一塊牆磚，就這樣艾美麗不經意間發現了一個秘密。她找到了一個很多年前曾經住在她現在所租住房子里的房客所留下的小盒子，艾美麗小心翼翼打開了盒子，看到盒子里裝滿了房客童年時期的很多照片。艾美麗決定尋找到盒子的主人，把這些曾經是小朋友所珍惜的寶貴東西返還到主人的手中。可是，這個想法實施起來是非常艱難的，這些東西的主人畢竟是一個幾十年前在這個公寓的租客。為了尋找到這個盒子的主人，艾美麗拜訪了周圍的鄰居，費了好大力氣終於找到了盒子的主人。在返還盒子的過程中，艾美麗在與盒子主人接觸的過程中，受到了主人態度的影響，艾美麗由此受到了啟發，進而改變了自身對於世界的看法。從此以後，她開始了幫助有困難的人的行動。艾美麗的助人為樂的善舉並不是一時一刻的，而是長久堅持著這種寶貴的品格。在這個過程中，主人公艾美麗也在幫助別人的同時，在自身方面也得到了快樂的感覺。艾美麗在幫助別人的過程中，遇到了心儀的人，讓她收獲了愛情。艾美麗在一次偶然中，遇到了一位丟失收集快照相簿集的青年人尼諾，艾美麗當時就怦然心動，她鼓起了勇氣，最終兩人收獲了愛情。整個電影的故事在敘述上非常的直白而且簡單易懂，具有生活的普遍性，能夠讓人們產生共鳴，並且通過電影音樂對影片的烘托也造就獨特的法國電影的魅力。

二、電影《天使愛美麗》中的音樂魅力

《天使愛美麗》這部影片時長一共是1小時57分鍾，艾美麗給觀眾留下了深刻的印象，她天真、幽默、率真。明麗的電影畫面、自由歡快的節奏使人們能夠很容易融入電影的場景中來。這些聲音的輔助作用，為電影的表述起到了最佳的效果。

電影《天使愛美麗》中的音樂是由法國作曲家楊提爾森所做的。這位作曲家喜歡用一些簡朴的配器，這些都是具有歐陸風情的`。例如說作曲家善於利用手風琴、吉他、口琴，等等。通過欣賞電影可以看出來，在《天使愛美麗》這部電影中，鋼琴、手風琴是音樂的主要支撐，輔助的還有吉他、鍾琴、提琴以及口琴之類的樂器。音樂的節奏多採用小調式，其中許多是華爾茲舞曲風格。楊提爾森為艾美麗專門打造了一首「愛美麗的華爾茲」，其中通過配器的變換組合，以及在節奏調式上的調整構成了能夠表現出影片中主人公艾美麗不同情感的樂曲。這些樂曲具有不同的功能，表達主人公不同的情緒狀態。電影音樂在電影塑造主人公艾美麗的內心世界方面以及渲染影片情緒的烘托等方面都發揮著極其重要的作用。

電影在一格一格上演著，故事和敘說和音樂的表達看似各行其是，事實上，兩者互相作用、為了共同表達電影主題同一個目標而協作式發展。當影片中的故事被娓娓道來時，這些音樂的演奏也像技藝高超的演奏家一樣，很順暢如行雲流水般演奏著;當影片的剪輯節奏變快時，或者故事情節離奇高潮式發展時，相應的就是富有層次感的各種配器組合式的演奏。作曲家賦予音符靈活多變，並且富有一定的創意。

《天使愛美麗》這部影片可以說是一部反映女性生活經歷的電影。通過觀影可以讓人深刻感受到，配樂師技藝的高超，能夠游刃有餘把握音樂的作品，更好為電影表達深刻的主題而服務。法國作曲家楊提爾森對音樂主題的創作設計多以迴旋曲式、變奏曲式為主，給人以歡快的感覺。這樣，也就配合上了主人公艾美麗的性格特點，她活潑、善良、富有陽光的性格。

可以說，電影《天使愛美麗》中每一段音樂的配置都是富含特定的意義的，都是為了表達一定階段主人公心理以及感情變化的需要而創作的。說到底，電影音樂是為了電影所服務的。該電影的配樂師把音樂的元素和導演想要表達的主題進行了很好融合，一點也沒顯得突兀。兩者有效結合，比單純的畫面或者是單純的背景音樂所產生的效果要更加有力。就這樣，電影《天使愛美麗》展現出了一個善良的小女孩，她生活在具有浪漫情節的巴黎。艾美麗在點滴的生活中幫助他人，並且同時也感染著他們。法國導演的特點通常是這樣的，他們往往採用紀實的手法，將自己喜歡的內容寓於電影之中，把豐富的內容和深刻的主題呈現給世界的觀影朋友。值得驕傲的是，這種電影在內容上的選取與手法上的運用，其中所表現出來的故事情節是非常符合法國人的品位的。故事情節的流暢，再加上與音樂方面上的交融，一個美麗的女孩童話般的善良形象展現在人們面前，同時對於人們心靈具有感召的力量。

電影《天使愛美麗》的配樂師表現出了對於主人公艾美麗這個人物在形象上的喜愛，他還為影片特別創作了一首專屬於主人公的主題音樂，歌曲的中文名字是這樣譯的，稱作是《愛美麗的華爾茲》。對於這首樂曲的演奏，主要採用的是手風琴這種樂器。手風琴能夠表現出多種情感，或是歡快的感覺，或是悲痛的情節都能由它單獨來完成，尤其是它能演奏豐富的和聲旋律，表現出復雜多變的情感變化以及跌宕起伏的故事情節。從這種意義上來看，手風琴這種樂器有著多層次的表現力。從表達電影的故事情節上來說，這種樂器――手風琴起到了很大的作用。從手風琴演奏的控制上，演奏者時而悠揚，時而急促，這些跳躍的音符能夠烘托出女主人公艾美麗在心理、情緒上的變化。同時還可以完整展現整個電影故事情節的內容。另外，給觀眾以身臨其境的感覺，觀影者能夠更加融入電影中所營造的氣氛與環境中來，更好理解電影製作人所要表達的內容以及能夠深刻體會到電影中深刻的主題。通過觀看電影《天使愛美麗》，我們可以清晰並且很容易發現，在這部影片中關於美麗的主題曲有多種版本的主題變奏。這種表現形式在不偏離主要旋律的前提下，對於電影音樂的演奏也有著靈活多變性。從這一點上來看，這充分體現歐洲人獨特的審美情趣以及極具富於想像力的創造性。這部電影的音樂――華爾茲，憑借它獨特的節拍節奏生動表現出了艾美麗在情緒以及思想上的變化與狀態，同時給予觀眾以提示，感知艾美麗的變化情緒與故事情節的發展。華爾茲又被稱作為圓舞曲，原來指的是一種兩人相擁旋轉的交際舞。配樂師之所以創作華爾茲，也是為了和艾美麗的性格相吻合。艾美麗的內心如此美麗，就像是天使一樣，那麼純潔，幫助身邊有困難的朋友，為其他人帶來歡樂。華爾茲的歡快的節奏象徵了艾美麗樂觀、向上的良好心態以及帶有美好的願望與憧憬的情懷。可以說，這種音樂形式恰如其分凸顯出了女主人公的品質。

《愛美麗圓舞曲》在這部電影中有多種樂器的演奏版本――手風琴版本、鋼琴版本以及交響樂的版本。首先，手風琴版本所表現出的是充滿希望的。在影片中，當《愛美麗圓舞曲》響起，一下子就能夠使人把這種美好的理想的狀態帶入到現實的社會中來，給人以希望。事實上，電影傳遞了深刻的主題。當觀眾仔細體味就會發現，其實社會是充滿著希望的，社會上美好事物也是充斥著人們之間的，是給予大家美好願望的。當艾美麗幫助他人的時候，都會演奏這首《愛美麗圓舞曲》。這個版本的主題曲展示了一個法國女孩的浪漫性格特徵，其實也是表達出了法國這個國家是具有浪漫主義情結的。

第二個版本――鋼琴版本在表達效果上來看是顯得比較憂傷的。這個版本是以下行音型為主的音調，表現出的主題是略帶憂傷的。通過觀影體檢，這種表現形式給予大家深刻的印象，使得音樂的發展具有一定的延續性。該版本展現了主人公艾美麗復雜而又矛盾的內心感受，在電影中背景音樂和故事情節的融合，較好展現了艾美麗的人物形象。

第三個版本――交響樂的版本突出表現了故事情節的變化。在故事的開始階段女主人公艾美麗發現小盒子，就使用的這個版本的演奏。艾美麗在得知到意外消息的時候，發現了一個小鐵盒。緊接著，華爾茲音樂響了起來。下一個鏡頭，艾美麗一個想法涌現在她的腦海中來，她決定要找到盒子的主人。在這個情節中，電影中弦樂器的加入，使得整首樂曲音樂顯得尤為豐滿，這就刻畫出了主人公艾美麗復雜的內心感受。交響樂版本樂曲再次出現的時候，此時是女主人公艾美麗找到了自己的心愛的對象。此刻的背景音樂聲音宏大，圓潤飽滿，氣勢上很雄偉，給人一種非常豁亮的感覺。這種的演奏是各種樂器交替出現的，這讓觀眾深刻感受到了女主人公艾美麗和尼諾之間的愛情以及這種愛情所體現的巨大力量，在觀眾心裡產生了強烈的共鳴。

三、結語

可以說，任何一部影片都與電影中的許多因素有著密切的關系，獲得成功的電影更是如此。《天使愛美麗》這部電影中就融入了多種因素，其中電影的配樂與音響效果對於電影主題上的表達就起了很重要的作用。可見，音樂與電影主題之間有著密切的關系。正因為此部影片兩者能夠完美有效地結合，才彰顯了法國式題材電影的獨特的藝術魅力。更為重要的是，電影《天使愛美麗》能夠引起觀眾心靈上的共鳴，讓我們也加入到天使隊伍的行列中去，重拾感恩的願望。可以說電影《天使愛美麗》之所以獲得如此大的成功，是因為此片形成了特殊的觀影體驗。

影片評價

該片中總是微微勾起嘴角，帶著點精靈氣質的奧黛麗·塔圖完美詮釋了艾米麗這個角色，法國導演讓-皮埃爾·熱內用擅長的奇幻風格打造了一個夢幻甜蜜的電影世界，每一幀畫面都似乎是帶著濃郁法國氣息的浪漫明信片。

該片讓觀眾重新感受到20世紀30年代法國詩意現實主義的拍攝手法。它採用電腦成像、數字影像處理（如電影中的誇張變形鏡頭等）與數字中間流程等數字技術，成功再現了具有詩意現實主義氛圍的巴黎，尤其是愛美麗居住的公寓里的庭院、樓梯及老式的內部裝飾。《天使愛美麗》獨特的拍攝手法、奇幻般的色彩搭配是其成功的重要元素，但其令人驚艷的配樂也是該片出彩的關鍵。楊·提爾森傾用鋼琴、小提琴、手風琴、鼓聲、口琴搭建了一個『精神巴黎』。驚艷的電影配樂搭配時而多彩鮮艷時而又恬靜雅緻的鏡頭畫面，兩者的融合恰到好處。

該片猶如是一個現代灰姑娘的童話，它鏡頭底下的巴黎跟歌舞片《琪琪》或《花都艷舞》一樣，都是比明信片更加明媚的世外桃源。詭異的魅力、豐富的想像、夢幻色的幽默是它的特長，把少女的悸動和憧憬化成一幕幕迷人的畫卷。

該片其實不是一部完全快樂的電影，它飽含著憂郁哀傷和苦樂參半的情調。它描寫了一群孤獨的人，他們在交流溝通上困難重重，生活破碎不堪，充滿了挫敗感。在其濃郁的幻想色彩和奇妙的想像力之下，是對現實生活和苦樂人生的透視與觀照。儒內鏡頭中的巴黎雖然是理想化的，但仍然有其現實色彩。艾米麗或許是理想化、風格化的人物，但她的每一部分正來自於日常生活中的每個平凡人，她就在觀眾身邊

⑨ 誰知道南陽師范學院石豐愷老師的《電影音樂賞析》選修課的期末考試作業

題目有6個好像自選。要求原創。3000字左右好像。比較幸運的是老師要列印的。具體要求在教室門口提出來了。本來想給你發電子檔的，老師沒在。厄..防止你不知道教室跟你說下在藝術樓231門口。

希望你早點去看，怕被物業撕掉。

⑩ 求《這個殺手不太冷》的音樂賞析 求下面幾點內容啊。

這是一個孤獨的殺手裡昂在拯救一個問題少女後發生的一系列情感變化的故事。片中以溫情與凄美的節奏為主，偶爾兼具小小的輕松愉悅，讓我們在一片傷感下也會感到些許生活的小幸福。
綜觀整個電影，背景音樂幾乎沒有停過，佔大部分的是對氣氛進行渲染的效果音效，這種音效是畫外的非敘事性音效，但它與畫面結合得非常緊湊，幾乎成了敘事內音效的一部分。從這里的音效可以不斷的了解故事所闡釋的情懷以及故事所發展的方向。比如片頭，微妙的恐怖感的音效，作為故事發生的懸念展開，一陣槍響狂掃過後，繼續這個音效，時緩時快的為故事的發展作鋪墊，直至殺手出場。還有，伴隨變態警察男人的出場時是帶著神秘的詭秘音效，一定程度上解釋了人物的性格特徵。

而真正起到傳統意義上「背景音樂」作用的，是綿延的小提琴聲，它在必要時刻的出現

讓整個聲音環節達到一次次的高潮，成為影片里重要的提示點。當瑪蒂達在父母被殺時回家前，這樣的音樂就開始，還有後來里昂決定自己一個人去幫馬蒂娜殺人的時候，帶著憂傷與緊張的感覺，以及最後里昂被殺前等等，這樣的音樂以段落的形式貫穿全片。

影片有2個主題音樂，第一主題音樂是《shape of my heart》，片中前部分就是藉此展開

女主角馬蒂娜和男主角里昂的人物的，有里昂千篇一律的殺手生活伴隨主題曲，簡單又詳細的展現了他的職業特徵和生活習慣。還有變態警察殺了第一個人，主題音樂也一並漸強的響起，殺了馬蒂娜媽媽時達到最高點，直至變態拉開窗簾准備殺她爸爸時才減緩下來，他看了手中的表，在一個手勢中巧妙地徹底結束這段音樂；而第二主題曲便是貫穿全片的相同音符的段落式的音樂，比如馬蒂娜與里昂玩的生死游戲，在一聲槍響後結束，女孩用生命獲得兩人的游戲勝利。很多時候，這樣的主題音樂在片中不斷地展現，一步步繼續著故事的發生，一步步深入角色內心。我們在這里所聽到的並不只是簡單的音樂而已，帶著一分情感的故事是很真實的動人。

在影片中有著各種音樂音效的表示，例如有聲音源，馬蒂娜家的姐姐跳健美操時候的電視里的音樂，與里昂在家的安靜的環境音成對比介紹兩者潛存的關系。這時電話響起，主題音樂響起。配上里昂此時在家生活的畫面，使二者聯系一起。更多音樂巧妙與細節的運用之處，全面的展現人物特徵。比如里昂去看電影，《singing in the rain》的有聲音源在這里浪漫的展現殺手可愛。還有間斷式的不同音樂，在片中也突出的展現人物性格，里昂問小女孩姓名時，小女孩說里昂是殺手很酷時，里昂不同意小女孩讓他教她殺人的請求時，真人實驗後，小女孩要焚燒白粉，簡單的音樂響起，里昂為之震撼。這些都很輕松愉悅的簡短的配樂，讓觀眾在沉悶是一種小小的放鬆，更是影片音樂細節致勝之處。主題曲的適當運用也是全片的經典，在結尾處的不斷重復，當里昂開始最後逃離的時候，清晰的間斷的音樂響起。音樂減慢，光明出現第二次，在這里還進行了消聲處理。那鋼琴聲如同一股股清泉滴滴答答地落在人的心坎上，而萊昂倒下時落在地上，聲音雖然被隱去了，取而代之的是那清脆的鋼琴聲所爆發出的情感力量。鋼琴在片中也以不同的方式闡釋著人物內心的想法。里昂看到小女孩留下自己去找仇人的字條，簡單的幾個鋼琴鍵盤，敲出了此時里昂的微妙情感和事情發展的勢態。當里昂殺了警署的2個壞蛋警察後，與馬蒂娜相擁瞬間，柔美的鋼琴曲奏響，兩雙鞋的對比，展現兩個人現在的感情狀況，加上音樂的效果，讓這種說不清的感情一目瞭然。

雖然是悲劇，在黑色籠罩下是我們看到的最柔美的光明，導演也在這樣的黑暗中追求著自己的美麗，對生命的熱愛，對情感的追逐，對世界的吶喊……音樂，只是柔美的篇章，是黑暗觸不到的光明，而我們追隨音樂的種子，那是一份執著的信念，好像里昂最好的朋友，那株綠色的植物，其實，偶爾，我們也被陽光滋潤——在沖破黑暗之後