台灣電影一個小女孩的童年

A. 為什麼電影《一一》能成為很多人心中的「華語最佳影片」

有人說，電影延長了生命，如果說有哪一部電影絕佳地表現了這一觀點，我認為它一定是楊德昌的《一一》，電影以簡南俊的家庭瑣事為標的，為我們構築了一個真實的生活模型。這個模型包含了人生的各個階段。

簡南俊公司出現危機，瀕臨倒閉的危險。他為了挽救公司不得不做著自己不喜歡的活，而後在日本公乾的時候又遇上了自己的初戀情人，兩人相談甚歡甚至還有重修舊好的可能，這就是典型的中年危機模型。

所以電影其實是在訴說一種生活的本質。不管生活如何折騰你。你還是得過，生活還是得繼續。簡南俊外婆去世之前，家裡各種雞飛狗跳，她死了以後，家裡反而歸於了平靜。

世界就是如此，你以為你什麼都忘不了。可是就算你忘不了，也得帶著這份回憶沉重地往前走。

這種關於生活本質的電影，在華語電影范圍內是不多的。雖然把《一一》奉為最佳有些過譽，但它的確是一部大師之作。

B. 明明是同一個媽生的，姜大衛、爾冬升、秦沛為何三人三姓

眾所周知，娛樂圈向來就是一個"圈"，人際關系錯綜復雜。因為情侶、前任、情敵等關系，幾個人放在一起就能形成一個縱橫交錯的關系網。但除了狗血的感情故事，在娛樂圈中還有一部分人確實有著血緣關系。

比如外表粗狂的張菲和溫文爾雅的費玉清，就很難讓人相信他們是親兄弟。

兄弟三人個個都事業有成，紅薇的教育也是非常成功的。

C. 侯孝賢《童年往事》：一位世界級導演鏡頭下的成長與鄉愁

星期五言：侯孝賢導演的電影有一種詩意情懷，你總能在裡面找到觸及心靈的那一個鏡頭：就像我第一次看《戀戀風塵》一周沒有走出來，它像田園牧歌，像是久遠的記憶中的童話讓人沉浸其中，無法自拔。第一次看《海上花》睡著了，可是睡夢中醒來，猛然發現這部電影美得無與倫比。第一次看《最好的時光》，裡面那首《rain and tears》單曲循環了一周，一個男人大老遠去看愛人，兩個人在一起吃碗面，然後揮手告別。這種 情感 中的詩意，讓人想哭。第一次看《悲情城市》……第一次看《好男好女》……第一次看《童年往事》……這些都是他的電影，每一部都讓我刻骨銘心。這是一個真正藝術家的寫照，他不誇張不做作，就是認認真真拍電影。

他的電影像是古老膠卷播放機放出來的一樣，有一種懷舊感，有一種年代感。你能在裡面找到一代人的故事，也能找到自己久遠的故事。

台灣作家吳念真在紀錄片《侯孝賢畫像》中評價: 《童年往事》是迄今為止最好的「國片」之一。 我的理解是吳念真在說這部電影有著「中國式 情感 表達的元素」，將中國意蘊發揮得淋漓盡致，也將「鄉愁」與「成長」的主題推向了一個更高的藝術層面。

下面我們來分析這部彌漫著濃濃鄉愁的《童年往事》——

朱天文作為侯孝賢導演的御用編劇，談到《童年往事》的時候，提及了電影中小男孩阿孝陪著祖母回大陸的場景。這個場景是電影前半場最感人的部分，對話不多，大量的空鏡頭穿插其間，卻描寫出了一個遠離故土的老人對故鄉的無限懷念。她總是喊著回大陸，幾乎每天都要朝著廣東的方向走，卻永遠找不到回大陸的路，可是沒有人願意拆穿她的夢……

為什麼這個場景如此讓人記憶深刻？就像是電影史上無數經典的場景一樣，侯孝賢將老人的思鄉、孤獨與飄零之感全部用盡了在那個下午。 而那個下午，那個老祖母和她最愛的孫子幾乎沒有對話。這就是侯孝賢空鏡頭的厲害之處。

在《童年往事》中短短兩個小時的電影，穿插著大量的空鏡頭。其實所謂的空鏡頭並不是毫無意義的鏡頭，而是一種敘事方式的表達，它將安靜的景物也用在了敘事之中。

比如電影開場，便出現了三個空鏡頭的畫面。高雄縣政府宿舍的牌子，榻榻米式的簡朴客廳，父親的小書房。這一些列的空鏡頭就像是一個老人在回憶之前的前奏一般，緩緩的長鏡頭中，我們能看到破舊的標牌，有歲月痕跡的椅子，還有散發著年代感的藤椅，這里沒有一個人物，僅僅是景物之間的剪輯，就足以讓人感受到了這是一部關於「過去」的故事。

在導演講述故事的時候， 你也會發現「空鏡頭」是一種敘事的氣孔，將瑣碎的童年記憶一個個聯系起來。

在電影的29分20秒的地方 ，有一場暴雨來襲，鏡頭一直對著那棵大樹，大樹在風雨中搖曳。大約3秒鍾，鏡頭轉向阿孝的家裡。

在這個鏡頭之前，講述的是阿孝在學校調皮搗蛋的事情以及阿孝頑皮之後回到家裡看到父親咳血在看醫生的場景。

而空鏡頭之後，敘事又向前邁進了一步，是阿孝的母親對哥哥姐姐說，父親的工資養活這一大家子太吃力了，希望哥哥不要讀大學去讀一個師范。而姐姐說家裡已經有一個師范生了，阿忠就不用去讀師范了。其實這句話也暗示著後來的情節，姐姐放棄了讀大學的機會，因為這件事姐姐一直抱憾。

在電影的79分15秒左右 ，外面大雨磅礴，內物里阿孝在唱歌發泄苦悶，姐姐馬上要出嫁了，母親將首飾傳給姐姐，並講述自己婚後的生活。鏡頭一轉，餐廳空無一人，只有台風在呼嘯，大樹也搖曳，這是離別的惆悵，又是人間的悲喜。

在電影的124分33秒 ，阿孝的母親去世，兄妹幾個都壓抑著悲傷的情緒，阿孝忍不住痛哭流涕。悲傷的氛圍凝重之時，鏡頭緩緩轉移到外面，暴雨之下，那棵大樹依然在風雨中搖曳。而此時這個鏡頭已經不是當初的全景出現，導演僅僅展示了大樹的上半部分，可能在暗示雖然大樹枝繁葉茂，可是跟脈（父母）已經不在。這個空鏡頭又展現了無限的悲涼。

為什麼說侯孝賢的這部片子，有一種濃濃的「中國味」？可能就是這些空鏡頭有一種朦朧的詩意，彷彿中國唐詩般的氣象，就如王維的詩一般，雖不見人影，但道盡人世。中國文化中常常就有「空」的意境，王國維曾說宋詞中也有「無我之境」，而侯孝賢則將這種意蘊展現在了他的電影之中，用視覺語言進行了另外一種形式的解說。

我們知道對於電影來說，內容和情節固然重要，但是形式同樣重要。所謂電影的形式包括剪輯、鏡頭運用以及節奏、色彩和配樂等等外在形式。

侯孝賢導演的電影特色，最突出的形式特點就是固定長鏡頭。用這種方式講故事，讓他的電影有著深深的懷舊情緒，安靜的鏡頭之下是對時間的追憶和緬懷。

固定鏡頭的運用也是日本著名導演小津安二郎的標志性鏡頭。侯孝賢導演和他風格有些類似，常常將攝像機的機位固定不動，持續拍攝一個場景，類似於生活的紀錄片。這樣的固定鏡頭就像是生活的重視記錄者一般，更加有真實性。

在《童年往事》中大約有157個鏡頭，固定鏡頭有133個。 可見這部電影其實主要由一組組固定鏡頭組成。在電影的開頭，我們看到鏡頭固定在阿孝的家裡，由客廳到書房，沒有鏡頭的移動，而是一個個場景的切換。

在電影的20分12秒左右，出現了整部電影中難得的溫馨安閑的場景。一家人整整齊齊，父親和四個孩子在吃甘蔗，母親在縫紉機邊上做衣服，祖母在做紙錢。每一個鏡頭的轉換都是固定鏡頭的剪輯，而鏡頭最後落在父親和孩子們的身上一動不動，默默注視著，記錄著這溫馨的一刻。而這個場景就像是刻在了侯孝賢導演的腦海里一般，它是導演童年的溫暖記憶。

電影的29分52秒處，阿孝的父親咳血，醫生來家裡診治。哥哥和弟弟們在一旁恐懼而擔憂地望著，姐姐和母親圍著醫生和父親幫忙，而鏡頭掠過這些之後，就靜靜地盯著在洗漱間沖涼的阿孝。阿孝不動聲色，一瓢一瓢往自己身上倒著涼水。鏡頭也不動聲色，固定在那裡靜靜地看著一個孩子對於父親病情的隱憂。或許當時的阿孝沒有想這么多，可是作為長大後的導演，侯孝賢在回憶這段往事的時候，他或許鏡頭之中表達的就是一種憂傷吧。

像這樣的固定鏡頭有太多太多，它以一種靜止的方式對觀眾的視覺和心靈進行雙重的沖擊，讓觀眾在固定鏡頭之中，察覺時間的流逝以及那難以追回的如煙往事。

電影開場白就是侯孝賢一段自白式的講解，讓觀眾知道這部電影是他童年的記憶，是關於父親的，關於祖母的，關於這個家庭十幾年的悲歡離合。這些往事便在娓娓道來的旁白中展開了。

電影中，全家從廣東梅縣到台北再到台南，一家人的不斷遷徙，最後落腳在鳳山這個小城。從小學一年級到高中畢業，裡面的阿孝從一個貪玩的少年到滿懷心事的青年。家人從父親、母親、祖母的相繼去世來講述了一家子的悲歡。我們能從這部電影里看到阿孝的成長，看到一個孩子經歷親人相繼離世，姐姐出嫁，最後兄弟四人相依為命的整個歷程。當然我們也能看到導演對自己的個人 歷史 的回顧，那懷舊的情懷，濃濃的鄉愁，傳統與現代的碰撞，過去與當下的交融，他通過講述自己個體的體驗，帶著我們將目光對准生活進行深情的凝視。

這部電影就像是一個精心設計的「圓」，電影在祖母喊著「阿哈咕」中開始，在祖母去世時戛然而止。侯孝賢將祖母的去世來界定自己童年的結束。家中三位長輩的相繼離開，讓他過早思考了死亡和時間，個體與永恆的關系。

其實，這是一部悲劇，因為電影結尾阿孝落榜，前途暗淡；家中的長輩們都去世，大姐遠嫁，只有四個兄弟相依為命；阿孝喜歡的女孩全家搬去高雄，失去了聯系……這所有的一切似乎都是哀愁。

而作為觀眾我們知道電影未講完的故事，就是導演後來學了電影，進入影視界。1983年他獨立執導的電影《風櫃來的人》榮獲法國南特三大洲電影節最佳影片獎，讓他國際上獲得了聲譽。幾年後，他的《悲情城市》獲得威尼斯國際電影節最佳影片金獅獎，成為獲此殊榮的第一位中國人。後來的侯孝賢獲得過戛納電影節金棕櫚大獎，成為世界級的大導演。

為什麼導演在祖母去世的那一刻將電影戛然而止，而後面那些光鮮的履歷並不提及呢？筆者認為他不僅僅是在拍個人的自傳，而是在記錄一代人的故事。阿孝只是一個他的縮影，更是那個年代無數個「少年」的縮影。

侯孝賢導演是一個風格化極濃的導演，他那充滿詩意的長鏡頭里記錄的不僅僅是個人的故事，更是一代人的故事。在這部《童年往事》中，他的表達方式極具空靈的唐詩意蘊，我們看到了那田園牧歌式的鄉村風景，看到了個人與家庭，鄉愁與離愁的生命悲歌。

D. 《人生大事》：韓延又講了一個＂向死而生＂的好故事，具體是什麼

《人生大事》是一部以殯葬作為故事主線得電影，武小文與莫三妹兩人共同講述了一個有關溫情喜劇和人間煙火氣的故事，讓人們在笑聲與淚水之中感受兩人的雙向治癒。這個電影是一個小眾題材。生與死是人一生都要經歷的，而能否將生死問題的解讀更加通透，是這部電影想要讓我們思考的問題。

死亡一直以來都是一個沉重的話題，而殯葬也同樣是人們不願意提及的詞彙。電影將兩個很好的融合在一起，通過對角色的塑造和情節的表現，展現出生死之外別樣的溫情。《人生大事》這部電影，在一定程度上引發了人們對殯葬師職業和死亡的重新認識。

E. 為什麼電影《閃靈》能登上恐怖片NO.1

在看《閃靈》之前已經對這部片久違大名， 因為「恐怖片NO.1」的名頭，我在觀看的時候甚至全程戰戰兢兢，生怕突然冒出一個令人不適的畫面，然而，全片觀看下來，並沒有讓我感覺到有特別恐怖。

如果只粗略看一遍的話，我可能根本不屑於這個NO.1的名頭。

所以這就是《閃靈》能夠被世人公認為恐怖片NO.1的緣故，後來在《頭號玩家》里，史蒂文·斯皮爾伯格就致敬了《閃靈》中的「血海」以及雙胞胎小女孩等畫面，也是《閃靈》里最令人感到視覺沖擊的畫面。

F. 《城南舊事》中的每一個故事的賞析，越多越好

《城南舊事》賞析 根據著名女作家林海音的自傳體小說改編而成的電影《城南舊事》滿含著懷舊的基調，那緩緩的流水、緩緩的駝隊、緩緩而過的人群、緩緩而逝的歲月……似一首淡雅而含蓄的詩。 整部影片可分為三部分：「瘋女人」；「小偷」；「爸爸的死和宋媽的離開」。用串珠式的聯接方式承上啟下，每一部分的開頭都是宋媽的男人來要錢，每一部分的結尾又都是不同的主人公離開小英子死去。本課節選了第二部分中的大部。 朱天緯在談《城南舊事》的音樂時說： 一雙充滿純真童稚之情的眼睛，在觀察著世界，思索著人生。 一曲《送別》，「長亭外，古道邊，芳草碧連天」的歌聲，淡淡的哀愁，沉沉的相思，盡在不言中。這兩句話可以作為我們鑒賞這部電影文學劇本思想內容的鑰匙。 第一，兒童視角，童真的心。 生命中總有些東西讓我們夢牽魂繞。冰心到人生的晚年總是做夢回到她童年生活的帽子胡同，因為那裡有她最純真的童年時代，有她和父母度過的最無憂無慮的時代，走遍了世界，她嚷著要回家，回童年的家。為什麼？因為那裡是童真所在，是心靈的故鄉。台灣女作家林海音也同樣如此，始終不忘她在那裡度過童年的第二故鄉——北京。 現實世界人與人是隔膜的，人與人之間有著不可逾越的鴻溝，正如我們看到的《故鄉》中成年的「我」與閏土的隔膜。而童真則反之。童真是童年時代的純真無邪的感情，「純」在有一顆「童心」，一顆真的善的美的「童心」！與人交往沒有隔膜，不受任何世俗的干擾，用人的本真和天性看世界。 影片選擇了英子這一特殊的觀察角度，用小女孩幼稚的心來感受身邊的一切，用非成人的眼光和思維來對待成人社會，以局外人的身份冷眼旁觀，思考成人社會的各種問題。盡管它很不成熟，但對人生、對社會卻作了真實的實錄。 英子在胡同玩耍時，總會看到會館門前痴立的「瘋女人」秀貞，漸漸地，她們熟識了，秀貞非常喜歡英子，英子也很喜歡她。從秀貞口裡，小英子知道她的情人是一個北大學生，因為參加學生運動，被反動軍警抓走了，下落不明。而他們的女兒「小桂子」也被人扔到齊化門城根底下，至今生死未卜。於是秀貞就成了現在這種瘋瘋癲癲的模樣。小英子很同情秀貞，答應幫她尋找小桂子。而在世人眼中，秀貞的悲慘遭遇非但得不到絲毫同情，還被視為傷風敗俗。在成人的社會里，秀貞不過是個瘋女人，人人避而遠之。可是英子不懂得世俗的這一套，她以一顆純真、善良的童心來理解了秀貞反常舉止下的真實內心，理解她對愛人的期盼，對骨肉的思念，同情她的遭遇。後來，英子發現她那個時常被養父虐待的夥伴就是小桂子，終於幫她們母女相認。 在荒草園里，小英子遭遇了和藹而又憨厚的小偷。他們常常在一起聊天，英子得知他還有個學習非常好的弟弟。不久，他就被警察抓走了。可是，英子並不認為他是個壞人，因為他曾說過自己是為了「奔窩窩頭和供弟弟上學，不得已才走了這一步」的。英子對他沒有任何世俗的成見和歧視，他們的交流是真誠平等的。在這一場戲中，劇本運用了英子與小偷的大量對話，以及家人、鄰居對小偷的議論來交代故事的原委和矛盾。其中有一段對白： 小偷：小妹妹，你說我是好人，還是壞人？ 英子：人太多了，我分不清。我們有一篇課文叫《我們看海去》。可我沒見過海，我分不清海跟天，也分不清好人跟壞人。你分得清海跟天嗎？ 多麼幼稚而真切的話！英子用她的純真和寬容感化著小偷。 隨著故事的推進，英子在畢業典禮上與小偷相遇，使觀眾了解到小偷善良的另一面，並諒解了他的所為。從小英子和小偷的幾次交談中，我們知道小偷本性善良，社會現實卻逼良為盜。傳統的文化教養和不堪負荷的生活壓力導致了他精神和行為的雙重分裂，使他在偷盜別人錢財的同時承受著巨大的精神自責。英子與小偷的最後一次相見，盪漾著兩個不相稱的世界——兒童世界與成人世界之間溫暖的友情，令人感慨唏噓。 英子的眼光是純真的美好的，她看到的是人心的善良和美好，世人眼中的瘋子、小偷是她的朋友，她的善良和真誠使得她能打破人與人之間的隔膜，進入瘋子、小偷的心靈世界，看到瘋子對愛情的執著，看到小偷對供養弟弟、母親的責任及對他自己的道德譴責。她不懂的是這個世界，為何把她的友情一一剝奪。 英子用無暇迷惘的眼神表現了純真的無污染的心靈對社會和人生的拷問，她不明白成人朋友們的命運為何這樣艱難，包括那些被殺頭的學生。電影就這樣藉助孩子的視角，將成人世界丑惡的一面暴露出來，發掘出來。成人心中的憂愁和世事的艱難，孩子未必明了，但通過孩子的眼睛來看這些憂愁和艱難，卻另有一番特別的意味。 第二，人生，在不斷的「離別」中成長 世界對於天真純朴的小英子來講。本應象海跟天那般絢麗多彩。在影片中兩次出現吟誦《我們看海去》的片斷就鮮明地寄予導演的這一主觀願望。 隨著小英子那純真目光的追溯，「一切都離我而去」的傷懷情緒顯得尤為真切，同時也顯得更加凄婉和痛楚。秀貞和妞兒死了，「厚嘴唇的人」也被抓走了。 小英子一個無憂無慮的孩子，開始成長起來。秋天到了，她唱到「長亭外，古道邊，芳草碧連天」時落下了淚珠，她在長高。 如果說影片的上半段，小英子還是一個無憂無慮的孩子，她感受到的那些殘酷的現實只是新奇，那麼到了下半段從小英子在病床上蘇醒開始，她開始成熟起來，也逐漸領會到了世間的復雜與苦楚。 與善良的小英子內心逐漸浸染著人生的苦楚和憂傷的同時，她的家庭也遭到了接二連三的不幸。先是小英子的爸爸平靜地離去，化作台灣墓地里的一方石碑。而她父親的墓地里六次紅葉疊化的鏡頭，《送別》主題曲的再現，無疑將影片貫穿的離別主題推向了高潮，接著宋媽告別了小英子一家，騎上丈夫牽來的小毛驢兒回家鄉去了，這位善良女人有的只是失去兒女的落寞與孤獨。 這時的小英子趴在馬車後坐上，含著淚花無限依戀地揮別了她童年時的生活家園和精神巢穴。小英子在不斷的離別中長大了。 「長亭外，古道邊，芳草碧連天；晚風拂柳笛聲殘，夕陽山外山。天之涯，地之角，知交半零落，一斛濁酒盡余歡， 今宵別夢寒。……」這首題為《送別》的樂曲中緩緩地流淌著人生的美麗、無奈和憂傷，「淡淡的哀愁，沉沉的相思」在曲中流淌，它述說著「人生難得是歡聚，惟有別離多。」我覺得這歌曲也闡釋了《城南舊事》的主題。音樂的每一次出現都是一個故事的結束和一個人物的離去，也伴隨著英子對人生離別的體驗和成長。 但是，當我們隨著影片中的人物在不知不覺中完成了各自命運的故事時，你會驚訝地發現：隨著「一切都離我而去」這一主題的流逝，那個「大時代的小故事」留給我們的是一份哀懷，而不是沉淪；是一種眷戀，而不是淹沒。追憶之中更多的是一種對社會人生淡淡的哀愁和對故土人情沉沉的相思。曾經有過的那麼真、那麼善、那麼美的一切，都已經沉澱在了靈魂深處，讓人永遠有悠長悠長的懷想，猶如學校的陣陣鍾聲和孩子們的陣陣歌聲，還有那轆轤井，那水車，以及在烈日下吐著舌頭的狗和那條幽靜而蟬聲如雨的小巷……盛滿了對人世滄桑的眷戀之情，保存了一份難得的溫馨。 作者林海音在《城南舊事》出版後記中寫道：「我是多麼想念童年住在北京城南的那些景物和人物啊!我對自己說，把它們寫下吧，讓實際的童年過去，心靈的童年永存下來。」童年是短暫的，但願童年的純真和詩意能讓我們放下現實的苦難而永葆快樂的心情。 滿地打滾求採納 採納了我吧

G. 一部電影劇情是一個老頭殺手要執行的最後一個任務是殺一個小女孩他放棄了，後來遭到了追殺

冷麵赤心 De zaak Alzheimer (2003)
雷達（簡·德克萊爾 Jan Decleir 飾）是一名冷酷而又殘暴的殺手，身上背負著累累的血債。造化弄人，雷達患上了阿茲海默症(老年痴呆)，這也就意味著，隨著時間的推移，他離「退休」越來越近了。在一次重要的任務中，雷達震驚的發現自己要暗殺的對象竟然是一個只有十二歲的孩子，悲慘的童年經歷讓他遲遲無法下手，並決定展開他的復仇計劃。
雷達殺死了同僚吉爾斯（帕特里克·德康 Patrick Descamps 飾），製造了自己已死的假象。與此同時，出色的探員溫科（肯·德·布沃 Koen De Bouw 飾）和韋斯特（沃納·德·斯曼特 Werner De Smedt 飾）亦緊緊的追隨在雷達的身後，想要將其繩之於法。