① 推薦一部好萊塢動畫電影
瘋狂農場
超人總動員
別惹螞蟻
冰河世紀
玩具總動員
小蟻雄病
機器人歷險記
汽車總動員
沖浪企鵝
② 迪士尼動畫作品發展史1950—1966 要做PPT作業 。
華特迪士尼在二十二歲時隻身從堪薩斯到好萊塢闖天下，當時誰也沒想到會因此造就一個娛樂王國的誕
生！半個多世紀以來，迪士尼動畫一直帶給全世界歡樂，盡管娛樂本質不變，但在拍攝技巧、內容取材、音
樂等方面，迪士尼作品也有頗多變化，大致可分為以下向個時期：
開創時期（1937—1942）
戰間調整時期（1943—1949）
黃金時期（1950—1966）
蟄伏摸索時期（1967—1988）
第二黃金時期（1989以後）
開創時期（1937－1942） 華特迪士尼的成功可說好萊塢影史上一大佳話，當年他憑著本身創意起家，在二十二歲時隻身從老家堪薩斯來到好萊塢闖天下，當時電影仍是黑白、無聲階段，卡通片則只不過是擺在電影開演前的娛樂節目，都只有短短十幾分鍾而已。迪士尼一開始默默無聞住在單身公寓，在1927年，華特迪士尼終於創出一個頗受歡迎的卡通人物【幸運兔奧斯華】（Osward, the Lucky Rabbit），當時獲得不少人的青睞。
1928年2月，華特迪士尼信心滿滿地與太太莉莉蓮搭火車趕到紐約，要與發行人 Charles Mintz 洽談奧斯華卡通下一期的合約，華特原本計劃要提高價格賣出，不料發行人在此時告訴華特一個殘酷的事實：他已經高價買通所有奧斯華的幕後人員！照樣可以繼續推出奧斯華，而華特卻已無法擁有奧斯華了…奧斯華是華特迪士尼心底永遠的痛，在此事件中華特嘗到被下屬背叛的滋味！經此慘痛經驗後華特迪士尼學到一個教訓：一定要本身擁有影片的版權！從紐約回途在火車上，華特迪士尼腦中萌發了另一個卡通主角的靈感，那就是：一隻老鼠！華特馬上幫這只老鼠取名為「Mortimer Mouse」，不過迪尼夫人莉莉蓮卻想到一個更好的名字：「Mickey Mouse」！
有了奧斯華慘痛的經驗，迪士尼這回可學乖了，老鼠的秘密計劃是在自家車庫中秘密進行的，在迪士尼與夥伴 Ubbe Iwerks 努力趕工下，第一部米奇卡通飛機迷終於完工！迪士尼將成品拿給一些片商看，不過卻都沒有人感到有樂趣，華特迪士尼並不因此放棄，繼續再推出。不過反應卻還是很冷淡！在當時有聲電影的時代剛開始，於是迪士尼動起把卡通拍成有聲片的念頭！因此第三部製作的米奇卡通就被製作成有音效卡通，本片也成為影史上第一部有音效卡通影片！1928年11月18日【汽船威利號】在紐約市的殖民大戲院隆重舉行首映，反應空前熱烈，許多人涌進戲院不是為了看當天上映的電影,而是為了看電影前播出的迪士尼卡通。
迪士尼又在1932年推出世界第一部彩色卡通【花與樹】（Flower and Tree），他所創作出的米老鼠、唐老鴨更是從此家喻戶曉，然而華特迪士尼卻並未因此而滿足，他有一個更大的夢想，那就是拍一部完全是卡通的電影。當華特迪士尼決定開拍白雪公主時，許多影評都嗤之以鼻認為沒有人會願意花錢看一部都是卡通的電影，沒想到本片一上映就空前成功，在好萊塢戲院首演時，獲得包括卓別林等名人觀眾起立鼓掌，片中歌曲也成為人們琅琅上口的旋律。
到了1940年迪士尼又推出第二部動畫片【木偶奇遇記），首次拿下奧斯卡金像獎兩項音樂大獎，在美國依然獲得不錯的票房，但是卻因為第二次世界大戰爆發使得歐洲市場頓失，本片製作的高成本讓迪士尼無法獲利。那就是當時日本突然偷襲珍珠港，美國因此宣布參戰，一夕之間美國也捲入了世界大戰。
戰間調整時期
（1943—1949） 在1940年代初期，歐亞各國正為二次大戰打得如火如荼，當時美國原本希望孤立於戰火外免受波及，因此當時美國非常重視與中南美洲的鄰邦關系，期待讓美洲國家能維持和平的局面。迪士尼之前的幾部電影【木偶奇遇記】、【小飛象】…等尚無緣與歐亞地區的觀眾見面，但是在拉丁美洲早已熱烈上映，米老鼠、唐老鴨更已經風靡當地的觀眾，因此美國國務院就邀請華特迪士尼代表國家到中南美親善訪問，以敦睦彼此邦交。1941年，迪士尼花了約六周的時間走訪中南美各國，並且也順便拍攝了許多當地的風土民情，回國後迪士尼將這些影片剪接製作成兩部類似紀錄片性質的動畫電影，分別是【致候吾友】（Saludos Amigos）與【三騎士】（The Three Caballeros），都是由唐老鴨獨挑大樑。但是沒想到當這兩部電影推出之前，美國卻早已捲入第二次世界大戰，盡管如此，這也是迪士尼經典動畫中頗有時代意義的兩部作品。
當美國參戰之後，迪士尼片廠一半的員工都被軍方徵兵去了，片廠大部分也被美國政府借去作為軍事用途，因此這時期迪士尼無法再拍像之前【白雪公主】、【小鹿斑比】那樣的長篇動畫，迪士尼原本的一些長篇動畫片計劃也因而暫時停擺，參戰後迪士尼也接受政府的委託拍一些宣導從軍、繳稅之類的短片，例如在一部動人納稅的宣導短片中，唐老鴨不納稅最後卻自討苦吃，呈現納稅的重要，迪士尼以唐老鴨這種」逆向宣導〃的手法收到很大的效果！
此時期由於戰爭的關系迪士尼無法繼續推出長片，但是迪士尼卻必須維持推出動畫作品以跟片商、支薪的員工…等交代，所以迪士尼就把一些短篇組合起來，成為一部動畫長片。所以從1942年的【小鹿斑比】之後，迪士尼接下來所推出的六部動畫電影都不是長篇劇情片，它們包括之前所說的兩部紀錄片【致候吾友】與【三騎士】，以及兩部短篇合輯音樂片【為我譜上樂章】（Make Mine Music）與【旋律時光】（Melody Time）、兩部中篇合輯劇情片【米奇與魔豆】（Fun and Fancy Free）與【伊老師與小蟾蜍大歷險】（The Adventures of Ichabod and Mr. Toad）。其中【米奇與魔豆】、【旋律時光】、【伊老師與小蟾蜍大歷險】正式在美國戲院推出時，都已經是二次世界大戰結束之後了。
當第二次世界大戰漸趨尾聲，美國的戰況也逐漸樂觀，再加上迪士尼公司於大戰的期間幫國家拍了不少政令宣導的影片，因此許多當初被徵召從軍的片廠員工，都相繼被國家派回迪士尼片廠協助拍片，華特迪士尼於是開始計劃再度拍攝長篇劇情動畫電影，迪士尼動畫也從此進入黃金時期。
黃金時期（1950—1966） 迪士尼動畫王國黃金時代首部推出的動畫片是1950年的【仙履奇緣】（Cinderella），本片創想其實在二次大戰期間就已經產生，但是一直到了戰後才正式開拍，片中的主題曲「A Dream is a Wish Your Heart Makes」被視為是祈求和平反戰的代表作；之後迪士尼又推出當初因為戰爭緣故而停擺的【愛麗絲夢遊仙境】（Alice in Wonderland）、【小飛俠】（Peter Pan）；更在1955年的【小姐與流氓】（Lady and the Tramp）里，首度把動畫場景由幻想王國搬到現實都會當中。在此一黃金時期，迪士尼動畫幾乎拍遍了所有童話題材，無論是以王子公主為題材的【睡美人】（Sleeping Beauty），以動物角色為題材的【101忠狗】（101 Dalmatians），或是改自歷史傳奇故事的【石中劍】（The Sword in the Stone），在次顯示出迪士尼動畫取材的多元性。
在這黃金時期，迪士尼還拍了許多真人主演的電影，以及許多關於野生動植物的紀錄片，1950年推出的【金銀島】（Treasure Island）是迪士尼影史上第一部完全由真人主演的電影。華特迪士尼也成為每年奧斯卡金像獎的常客，其中在1964年迪士尼推出一部由真人及動畫合演的電影【歡樂滿人間】（Mary Poppins），一舉獲得奧斯卡十三項提名、五項得獎，其中包括茱莉安德魯絲（Julie Andrews）拿下的最佳女主角獎。【歡樂滿人間】也成為迪士尼影史上成就最高的電影。
另外，此一時期迪士尼的娛樂王國擴張的更大，在1955年加州迪士尼樂園（Disneyland）正式開幕，1954年時迪士尼為了要幫即將開張的迪士尼樂園宣傳，就在美國國家廣播公司（ABC）買下一時段，每周播出一名為【Disneyland】的節目，每集都是在介紹迪士尼樂園的所有一切。後來迪士尼在ABC這個時段就一直持續播映下去，但是節目名稱也由原來的【Disneyland】先後換了好多個名字，內容也不再只是介紹樂園而已，甚至包括迪士尼動畫、公司的介紹，甚至還拿來播映一些早期的作品、專門拍來首播的劇情片…等等，後來這節目也從ABC換到其他的頻道播出，到了1961年，這節目換到NBC頻道的時段播出時，才正式更名為【彩色世界】（The Wonderful World of Disney），這一系列的迪士尼電視節目在美國一播就播出26年。
華特迪士尼晚年把重心都放在籌劃佛羅里達州的新樂園【迪士尼世界】，當他染上肺癌不得不躺在病床上時，還望著天花板的方格，利用方格來『規劃』未來的EPCOT中心，不料他還是在1966年12月15日上午9點35分與世長辭。【森林王子】（The Jungle Book）便成為他最後的一部遺作。當【森林王子】在1967年上映時，立刻開出空前亮麗的票房，對於影迷來說，這也是為動畫史上這位不朽人物的一種悼念吧！
蟄伏摸索時期（1967—1988） 在華特迪士尼還在世時，迪士尼動畫拍攝過程都不須編劇，華特迪士尼總是把所有工作夥伴召集到一個房間，然後花將近四、五個鍾頭，他一下扮演小矮人，一下扮演老巫婆…把整部電影情節手舞足蹈地呈現出來，整個劇本都在華特的腦海里！迪士尼本人是一位夢想實現家，而且他也是公司的創意來源。然而，當迪士尼於1966年去世後，迪士尼公司頓時面臨失去」創意〃的窘局，1971年華特的兄長洛伊迪士尼在完成華特建造佛羅里連迪士尼世界的夢想後也相繼辭世，公司頓時陷入前人不在的困境，動畫工作也為了尋找新方向而必須摸索。
華特迪士尼去世後，原本視為迪士尼公司非凡成就的動畫電影，也隨著華特迪士尼的去世而減少量產，在1970年代，迪士尼僅僅推出四部動畫片，其中還包括只是集結著作而成電影的【小熊維尼歷險記】（The Many Adventures of Winnie the Pooh）。其他的作品如【貓兒歷險記】（The Aristocats）以及【羅賓漢】（Robin Hood），都還保有早期迪士尼動畫片詼諧及音樂等特質；至於1977年的【救難小英雄】（The Rescuers）則是一部轉型期的迪士尼作品，片中可以看到傳統迪士尼動畫討喜的人物情節，也可以聽到流行感十足的主題曲。此時期隨著動畫片減產，迪士尼公司的利潤主要來自於主題樂園，因此迪士尼公司才會決定遠渡重洋授權日本OLC成立東京迪士尼樂園（Tokyo Disneyland），以增加公司穩定營收。
到了1980年代，當初與華特迪士尼一同打天下的動畫家們都到了退休年紀，公司積極培養新的接棒者，1981年推出的【狐狸與狼狗】（The Fox and the Hound）就是由兩代動畫家共同完成的作品。新人一接手總是想有新的作風，因此1985年推出的【黑神鍋傳奇】（The Black Cauldron）可說是迪士尼動畫最另類的作品，片中不但沒有任何歌曲，而且有許多黑暗面的表現方式，以當時美國標准不太適合兒童觀賞。僅管題材取向還在摸索階段，但拍攝技巧卻是持續在進步，【黑神鍋傳奇】第一次採用電腦動畫輔助，不過只是短短幾個畫面而已；到了1986年的【妙妙探】（The Great Mouse Detective），迪士尼才第一次用電腦動畫製造出倫敦鍾樓的場景。之後1988年的【奧麗華歷險記】（Oliver & Company）更利用電腦做出不少精彩的畫面。
然而除了動畫作品方向還在摸索之外，此時期迪士尼內部的派系之爭更是愈演愈烈，當時的企業執行長 Ron Miller（華特迪士尼的女婿）將經營重心轉向不動產的投資、刪減創意部門，此舉激怒了華特的侄子Roy Disney（他跟他父親同名），他認為若繼續如此經營下去，公司將只會變為華特迪士尼的『紀念館』，電影一直是創意理念的基礎，沒有 Snow White、 Cinderella …等，就沒有 Disneyland 。Ron Miller 與 Roy Disney 理念的不合，造成一些兼並野心家因此有機可乘，一場迪士尼爭奪戰就此展開。
美國娛樂界80年代中期被一股兼並熱趨勢橫掃，許多公司以橫跨各型態媒體的經營方式來擴大影視力，例如時代－華納、新力－哥倫比亞…等等，但是反觀迪士尼，在這股兼並歪風侵襲下，正處於內憂外患的處境，企業執行長 Ron Miller 最後終於辭職下台，總裁 Ray Watson 於是力邀已離職的董事 Roy Disney 重返公司解除困境， Roy 為了解決長期以來家族式管理造成的危機，於是延攬了專業企業管理人 Michael Eisner 接管公司才挽回頹勢，迪士尼公司的全名也從原本的『Walt Disney Picture Company』更改為『The Walt Disney Company』，朝多角化經營邁進。而原本的動畫部門則改以一般電影製作流程來進行，有劇本、導演等要素，維持傳統迪士尼動畫的高品質。之後迪士尼又成立了好萊塢（Hollywood）和正金石（Touchstone）兩家子電影公司，以拍攝更多角度的電影。Michael 入主迪士尼後，是這家公司第一次由外人經營，卻可能是除了華特迪士尼本人外，讓迪士尼表現最令人激賞的時期！
第二黃金時期（1989年以後） 隨著電影市場主流更替，百老匯式的歌舞片在80年代逐漸失去光環，迪士尼電影也因此面臨瓶頸。到了80年代晚期，即使【奧麗華歷險記】依然賣座，片中也依舊充滿音樂歌曲的成份，但卻總感覺還是缺少些什麼。直到【小美人魚】（The Little Mermaid）製作時，迪士尼找來音樂劇創作家亞倫孟肯（Alan Menken）和霍華愛許曼（Howard Ashman），才真正找到問題所在，那就是歌曲音樂與劇情的統整性，故劇情與音樂在【小美人魚】製作過程是緊密結合的，而不是分開作業最後才湊在一起。
盡管1990年迪士尼仍推出一部沒有歌曲的動畫片【救難小英雄澳洲歷險記】（The Rescuers Down Under），但前一年的【小美人魚】已經成功定出未來的走向，百老匯歌舞片因此在迪士尼動畫里獲得重生！【美女與野獸】（Beauty and the Beast）更成功與流行音樂結合，從此以後的迪士尼動畫都有流行版的主題曲，並且【美女與野獸】也是影史上到目前唯一被提名奧斯卡最佳影片的動畫片。
在拍攝的技巧方面，迪士尼的電腦動畫技術愈益靈活，在【美女與野獸】、【阿拉丁】（Aladdin）都還只能繪制場景而已，到了【獅子王】（The Lion King）開始用在有生命的動物身上，【鍾樓怪人】（The Hunchback of Notre Dame）更將其用在人物群眾身上，尤其在1995年還與PIXAR公司一同推出一部完全用電腦製作的電影【玩具總動員】（Toy Story），之後繼續推出的【重重危機】（A Bug's Life）、【玩具總動員2】（Toy Story 2）都有很好的成績，並且在2000年，迪士尼又耗資甚巨推出首部完全自製的電腦動畫片【恐龍】（Dinosaur）。另外迪士尼也嘗試用陶土模型走出新的動畫方向，【聖誕夜魂】（The Nightmare Before Christmas）和【飛天巨桃歷險記】（James and the Giant Peach）都有不錯的成績。
在故事取材方面，迪士尼動畫題材走向也愈來愈多元，除了改編自神話的【阿拉丁】、【大力士】（Hercules）外，迪士尼並嘗試取材自歷史傳奇故事，如【風中奇緣】（Pocahontas）、【花木蘭】（Mulan）；或自名著取材，例【鍾樓怪人】（The Hunchback of Notre Dame）、【泰山】（Tarzan）；甚至也嘗試原創故事，例如【獅子王】、【變身國王】（The Emperor's New Groove）等。並且迪士尼也替這些經典動畫片開創新的出路，例如改編成音樂劇、冰上表演、電視影集…等，或是直接就以影音產品推出續集，像【阿拉丁】的續集【賈方復仇記】（The Return of Jafar）及【阿拉丁和大盜之王】（Aladdin and the King of Thieves）、獅子王的續集【獅子王2：辛巴的榮耀】（The Lion King 2: Simba's Pride）…等，都在錄影帶銷售排行榜上名列前矛。
迪士尼從沉潛到重生，開創出第二個黃金時代，不但繼續穩占動畫王國版圖，更成功跨入各娛樂領域，從樂園到游輪、從電視到網站、從冰上表演到音樂劇，其他還有專賣店、互動式游樂場、運動球隊…等，迪士尼已經成為娛樂界的龍頭！告別20世紀，迪士尼特別在千禧年時推出了與IMAX技術結合的古典音樂動畫電影【幻想曲2000】（Fantasia/2000），這部作品正象徵了迪士尼神奇與魔幻的傳承。新世紀以後迪士尼的新片題材還包括有探索沉沒大陸亞特蘭提斯之謎的【失落的帝國】（Atlantis: The Lost Empire）、以夏威夷為背景的【星際寶貝】（Lilo & Stitch）、把（Treasure Planet）、以變成熊的少年為主角的【熊的傳說】（Brother Bear）、回到美國西部拓荒年代的【放牛吃草】（Home on the Range）…等等，然而，隨著迪士尼動畫市場的成功經營，華納、夢工廠、哥倫比亞等公司也都紛紛開始籌拍動畫片，迪士尼新的挑戰才剛開始 ━╅╆┪┧┵#^_^#($ _ $)(⊙0⊙)(⊙_⊙)?(⊙_⊙)?●▽●(⊙0⊙)●0●●0●⊙﹏⊙⊙﹏⊙(⊙0⊙)^*(- -)*^^*(- -)*^#^_^#(⊙_⊙)?◑﹏◐(⊙o⊙)(⊙_⊙)?
③ 200分急寫出5部你超級喜歡看的電影並簡單地寫劇情
愛情片NO.1：《情書》（一部很乾凈純粹的電影，一部電影時間有限，去反映很寬泛的題材有些不切實際，導演充分展現了集中力量干大事的智慧。
整個故事簡單樸素，而且我一直堅信愛情是很形而上的東西——形而上這個詞我也不太明白，反正應該有點柏拉圖的味道，這個片子也完全摒棄一些世俗的偏見，純粹的表現了純真無邪的愛情，通過一張張雪一樣純白的畫面，讓兩個藤井樹初戀的情愫之花靜靜綻放在我們眼前）
懸疑片NO.1：《記憶碎片》（推薦這部片子有兩個理由，一個是他的敘事手法；另一個是他的結局。
這個片子的剪輯手法是在高明，有正敘，有倒敘，這個倒敘還不是一般的倒敘，是一段一段不停的倒敘，最高明的是，這兩條敘事情節到最後歸於同一點——影片的結局,全片的高潮，讓人看到最後才算是淋漓盡致;然後說說結局。
很多人覺得這個結局很讓人郁悶，不符合這個人物前面所表現的人生態度，但我認為這個結局才是導演的高明之處，直接在那些人物中弄出個兇手確實可以使懸疑的味道大大增加，但這片子也就緊限於懸疑了，這個結局有點類似莊子夢蝶，是記憶造就了我們還是我們創造了記憶？！~~）
喜劇片NO.1：《國產007》（這個類型很難選啊，有點想選《我的野蠻女友》和那些黑色幽默的片子，但我感覺還是周星星的片子在我腦海中的份量大點，這個片子內涵什麼的就不說了，喜劇片嘛看著舒服好笑就是成功，套用句俗話：微笑是上帝給人們最好的禮物）
動作片NO.1：《拳霸》（動作片看的少啊，感覺這個片子比中國的看著舒服——可能是中國的看多了..,他的動作簡單，迅速，致命，故事十分老套，但那些武戲足以彌補一切！~）
恐怖片——（我看的恐怖片實在是太少了，而且還很濫，經典的都沒看過，主要是膽小啊，見不得血腥、恐怖的場面，記得以前看OFFICE有鬼，已經算是很嚇人的了，所以這個還是不寫，免得大家笑話）
更多選擇請參考：
http://www.mtime.com/group/filmov/discussion/98488/
④ 動畫電影《海洋奇緣》觀後感影評
看完影片，其實最讓我震撼的，不是迪士尼新公主元氣少女莫阿娜，不是花臂少年逗逼半神毛伊，而是火山惡魔惡卡。作為終極大BOSS存在的惡卡，一直是個迷，負責推進影片的緊張情緒。惡卡曾經打敗毛伊，讓毛伊失去了魔法魚鉤。莫阿娜要完成這次“連環闖關任務”，就必須在最後一關打敗惡卡，才能歸還“海洋之心”。然而，故事的最後，當毛伊試圖拚死一搏的時候，莫阿娜看到了惡卡的內在——原來她是海洋女神，因為失去了真心，才變成了惡魔。失去了真正的自我，神會變成惡魔。光明會變成黑暗。所謂的黑暗力量原來來自於此。這就是這部電影最深層的寓意了吧!
莫阿娜的航行是為了找尋到自我——尋路人。
毛伊的歷險是為了找尋到自我——人類的英雄。
“海洋之心”歸位之後，惡卡找到了自我——光明的生命之源海洋女神。
當莫阿娜返回家鄉，一直自給自足、閉關鎖島的莫圖魯尼人找到了自我——自由的航海家。
他們找到了自我，忠於自我，才取得了未來幸福的通行證。
對於我們來說，生活看似忙碌不停卻不一定是因為熱愛自己做的事情。多少孩子在學校里悶悶不樂，心染塵埃;多少大人疲憊不堪，難負重壓。甚至不少身患心理疾病，最終自殘自殺，讓人痛惜。這樣的“黑暗力量”如何被光明驅散呢?
因為不知道自己真正想要什麼，在遇到各種各樣的選擇時，特別是學業上、事業上的重大選擇，上什麼學校，做什麼工作，我們不是為選擇項的豐富自由而欣喜，反倒是像枷鎖，無從下手，平添壓力。說到底，還是因為我們不知道自己要什麼。
就像我喜愛的漫畫家蔡志忠說過的，“我認為一個人，要選擇自己最拿手，最喜歡的事物，然後全力以赴，把它做到極致，沒有不成功的。”
所以，從電影院回家的時候，我看著女兒許下心願，願你及早了解自己想要什麼，把人生過成你自己想要的樣子。
前一段時間，每天晚上和女兒一起讀的床邊書是米切爾•恩德的《永遠講不完的童話》。開頭一個故事是《願望國》，願望國有一所魔法學校，孩子們可以學習魔法。魔法的秘訣不是像《哈利波特》那裡的咒語、葯水，而是一個人內心真正的願望。
女兒問，什麼是真正的願望?
我想了一下舉了兩個例子，就像你看的歷史故事裡，明熹宗朱由校自幼沉迷於刀鋸斧鑿油漆的木匠活，技巧嫻熟，一般的能工巧匠都比不上他。而另一位皇帝宋徽宗趙佶如果心無旁騖專研書法，肯定是一個名垂青史的書法家。
哦，這兩個皇帝真正的願望不是當皇帝，而是當木匠和寫字。女兒似懂非懂地說。
直到昨晚，搶鮮觀看最新上映的《海洋奇緣》，發現這部迪士尼最新奇幻音樂片更好地回答了女兒的問題。
Follow your heart and intuition
影片中，三歲的莫阿娜到海邊，海水自動分開給她讓路，給她送上美麗的貝殼。你相信這樣的神跡嗎?我相信。因為喜歡一種東西，內心會有一個聲音告訴你。
莫阿娜從小就喜歡大海，盼望著有一天能走出部落去探索外面的世界。然而她的父親卻一直期待她接任部落的下一任酋長。幸好睿智的祖母說，目標能夠給你提供前進的方向，但是錯誤的目標卻會引你走向深淵。一定要遵循內心的聲音。
莫阿娜也曾妥協過，她聽從父親的教導，努力為成為下一任酋長而努力。在部落議事會上，應對得體。學習如何成為一名強而有力的首領，保護部落子民，保證他們富足安康。然而在危難來臨的時候，莫阿娜內心真正的願望復甦了。她揚帆出海，乘風破浪。真正的願望有強大的內驅力，讓一人“自燃”，像發動機一樣引爆人的生命。
所以作為父母，我們盡力讓孩子做自己真心喜歡的事，進入真正擅長而喜愛的領域，就會成為那個“被選中的人”，如有神助! 正如紀伯倫在詩中說的：你的孩子不是你的孩子，他們是生命對於自身渴望而誕生的孩子。……你可以給予他們的是你的愛，卻不是你的想法。
喬布斯說得更明白：Follow your heart and intuition。是的，你要聽自己的聲音，並認真聽清楚。
珍愛天賦，讓堅定的心汲取無窮的力量
作為一名老師，我深深地體會到，有的孩子確實有知識學習的天賦，有的孩子有體育的特長，有的善藝術，有的愛音樂。比如，老虎伍茲為什麼成為高爾夫王子，有其天賦的原因。巴菲特接受《財富》雜志采訪的時候說：我生來就知道怎樣利用資本。
我接觸過很多家庭，最失敗的家庭教育是養出了一個長不大的孩子。經常有些五六年級的孩子，書包還是由媽媽給收拾的。忘帶作業的時候，打電話責怪媽媽。更奇特的是，媽媽還軟聲細語地道歉。這樣的孩子都不把學習當成自己的事情，何談了解自己的天賦呢!
要知道有些路需要孩子自己去走，幫助孩子及早找到真正的自己，為自己負責，是父母最大的責任。就像莫阿娜，父親把自己懂得的關於一個首領所需的知識和本領悉心傳授，雖然她最終沒有走父親給安排好的`路，但父親那句“沒有什麼事是解決不了”，成為了她的信念。所以後來在大海上遇到一次次打擊的時候，她才會很快想到辦法，轉敗為勝。
當然，天賦是一方面，卻並非天生做某件事做得比較好，就一定能出類拔萃。鼓勵孩子找到自己的興趣所在，第二步更要激發他堅持努力的信念。
其實和家庭一樣，作為教育者，也要幫助孩子找到自己真正擅長和喜歡的東西，默默地跟隨內心，在時間里磨礪、積累，最終才有燦爛爆發的一天。
做自己，才有可能在未來得到幸福。
在這個政治正確在你球全面崩塌的寒冬，再開女權視角來談迪士尼“公主電影”的這部新片，也多少有了些莫名其妙的心理負擔。但還是要來港一港!因為，實在是太暖了啊。陽光，海島，鮮花、歌舞，皮膚黝黑的部落公主，性情頑劣的遠古半神，海洋選擇的少女，聆聽心底的聲音，夢想和勇氣，友誼和冒險……一連串的詞堆砌下來，會發現這回的故事依然是迪士尼百試不爽的傳統配方，但那又怎麼樣?看完後你還是會像我一樣默默點開網站，查查機票和酒店，最後去下了一首Rock版《You’re welcome》。(哈哈哈原聲碟里竟然最愛他!)
Moana是迪士尼的第14位公主，也是首位來自大洋洲、或說是波利尼西亞人的公主，當然，“公主”在今日的語境下早已談不上是令小女孩艷羨的身份，而狡猾的迪士尼爸爸也乾脆借著Moana和Maui吵架來先吐槽為敬——
Maui：“If you wear a dress and have an animal sidekick, you're a princess!”
穿裙子帶寵物就是公主了?現場起碼會有二十個女生起立“那我也是公主!”但是現在沒人嚮往公主了好嘛，大家都已經進化到仙女、到神奇女俠了。“公主”背後隱藏的嬌滴滴一無所長又富有聖母心的刻板印象，說來也算是迪士尼開的先河，立完靶子如今再自己打，又成了喚醒新世代女性意識的先驅，永遠代表先進文化的前進方向。不過方式還算巧妙，像是航海時上躥下跳的Moana，體育成績大約能在歷任公主中排到前列，但從頭至尾依然一條小裙紙、帶一隻“可能是迪士尼史上最蠢的動畫角色”(導演語)的公雞出海，但內心OS卻活脫脫是：“我穿裙子、披長發、有一隻豬、一隻雞，但我知道我不是公主!”但事實上，是公主，或是酋長的女兒，都不是關鍵，關鍵在於Moana作為故事的主角，有夢想，更有勇氣;她是冒險的主宰者，不等待別人來拯救，還去喚醒和拯救他人。而最最重要的是，她善良卻不盲從，懂得傾聽內心的聲音，用身體力行的冒險給天下所有的小女孩示範了那堂永恆的成長課：know who you are & listen to your inner voice.
所有的小女孩都終將會面對Moana經歷的那道考驗——但你一定要跨過那道他們不準你踏足的礁，因為跨過之後才會發現，你原本屬於海洋。
夏天的時候曾經去采訪本片的主創，兩位導演是2D時代攜手走過的好基友，作品包括大名鼎鼎的《小美人魚》和《阿拉丁》。兩人興致勃勃講了五年製作期的許多點滴，從Maui的紋身靈感到將海洋擬人化的挑戰，但如他們所言，最大的挑戰還是故事。
盡管大家很早就確定這會是個英雄拯救家園的冒險故事，但最開始英雄未必是女性，確定是女性後，早期的故事也沒逃出英雄救美和美救英雄的套路。直到南太平洋的一場采風之旅，那些關於波利尼西亞人的航海傳說促使導演們推翻了全部設定，這場夢想與勇氣的冒險才是今天的模樣。
女性力量耀眼地裝點了這場奇妙的航程，如母親的包容，如祖母的理解，如女神的一體兩面，熔岩或青山，暴烈與溫柔只在一念之間。當然最厲害的是Moana，她是父親與Maui的反叛者，打破陳規和舊有信條，同時亦是他們的拯救者，帶去身體與心靈的重生之機——當然啦他們也是很厲害的，沒有Maui的力量我們的Moana也無法獨自完成冒險，反正我們又沒有要追求女極權，政治正確的世界當然是攜手共進，只是我們想先給能乾的姑娘們起立鼓掌三分鍾。
最後的最後，這是你在《Brave》《Frozen》之後第幾次看到公主們淪為高貴的單身狗了?總之這幾年，迪士尼的女主角們普遍表示——談戀愛，沒興趣。
莫非這是貴圈的未來趨勢?
⑤ 貓王普里士萊的詳細介紹
20世紀世界流行音樂中最重要的人物是誰？答案勿庸置疑，那就是貓王埃爾維斯-普雷斯利--「貓王」(The Hillbilly Cat)，這個綽號是狂熱的美國南方歌迷為他取的昵稱。
20世紀50年代，貓王的音樂開始風靡世界。他的音樂超越了種族以及文化的疆界，將鄉村音樂、布魯斯音樂以及山地搖滾樂融會貫通，形成了具有鮮明個性的獨特曲風，強烈的震撼了當時的流行樂壇，並讓搖滾樂如同旋風一般橫掃了世界樂壇。盡管除了在少數的電影
歌曲中，貓王從未錄制過外語歌曲，並且除了在三個加拿大城市的五場演出，他也從未在美國國外舉辦過演唱會。英俊不凡的容貌，天賦的音樂靈性，不羈天性而富有感召力的舞台表現力成為了貓王的標簽，也使他成為世人狂熱崇拜的明星，貓王在Graceland的家中，獎品陳列館放滿了金唱片和白金唱片，以及各種各樣來自全世界各個國家的榮譽，他們中一部分是挪威,南斯拉夫，日本，澳大利亞，南非，英國，瑞典，德國，法國，加拿大，比利時以及荷蘭。從50年代到70年代，他的影響力持續了20多年，歌曲流行經久不衰。1977年貓王去世之後，他的經典舊作仍然廣為流行，任何再版唱片都能保持非常穩定的銷量。毫無疑問，貓王是流行音樂歷史上唱片銷量最高的藝人。
據估計，貓王已經在世界范圍內售出超過1，000，000，000張專輯，是唱片業歷史上銷量最大的歌手。僅僅在美國，貓王就已經擁有RCA唱片公司和美國錄音工業協會(RIAA)追頒的131張金唱片及白金唱片。據估計，貓王總銷量中，40%是在美國國外創造的。
貓王於1935年1月8日出生在美國一個貧窮的農場工人家庭里。他從小就沉迷於福音音樂。同時，貧民窟里流行的節奏強烈的黑人音樂，以及藍調、民謠亦深深打動了年幼的貓王。教堂的唱詩班演唱給予了貓王音樂啟蒙，教堂里教徒們充滿激情的歌舞對貓王影響至深，他那著名的富有爭議的扭胯動作就脫胎於此。
1948年，貓王舉家遷到了孟菲斯。在這里，貓王開始接觸了職業樂手，偶然中他參加了四人福音歌曲演唱組"黑森林兄弟"(Blackwood Brothers)的演出。可以說這次的搬家開啟了貓王音樂生涯之路，曼菲斯的黑人靈魂樂及R&B，再結合白人鄉村音樂成為了貓王特有音樂與演唱風格的形成根源。
一次很偶然的機會開始了貓王輝煌的音樂生涯。1953年的一天，他在Sun唱片公司老闆薩姆-菲利普斯(Sam Phillips)名下的一家錄音棚錄制送給母親的歌曲時，邂逅了菲利普斯的助手馬里恩-凱斯克(Marion Keisker)，並深得凱斯克的賞識。1954年6月，菲利普斯讓貓王去SUN公司錄制一首來自納什維爾的歌曲，同時受邀請的還有本地樂手斯科蒂-穆爾(Scotty Moore，吉他)和比爾-布萊克(Bill Black，貝司)，由他們為貓王伴奏。這一組合的效果開始並不理想，直到貓王演唱了阿瑟-克魯杜皮茨(Arthur Crupiz)的節奏與布魯斯歌曲"好極了"(That's All Right)，他們才找到了感覺。這首歌曲最終成為貓王在Sun唱片公司的首張單曲唱片，並征服了當地的歌迷。此後貓王順勢推出了幾張唱片，並開始進行了巡迴演出。他那種體現了鄉村音樂和節奏與布魯斯結合的音樂以及狂野不羈的姿態引爆搖滾樂前所未有的風暴。貓王從此走上成功之路，一顆超級巨星開始冉冉上升。
薩姆-菲利普斯預見到貓王這樣一位具有黑人風格的白人歌星必定會引起轟動，因為他向人們展示了一種極富個性和創新的意味的白人音樂和黑人音樂風格的融合。於是菲利普斯在給貓王製作唱片時也是獨具匠心，利用公司原始的錄音設施以及菲利普斯對回聲技術的不斷運用製造出所謂的"Sun公司聲響"，再結合帶有明顯黑人節奏的一鄉村音樂為基礎的器樂部，形成了貓王獨特的風格。在Sun公司錄音的作品中，貓王顯示出對黑人音樂家風格的深刻理解。他從來不是簡單地照搬別人的歌曲，在電台音樂節目主持人方塔納(Fontana，鼓手)以及比爾-布萊克和斯科蒂-穆爾的協助下，他總是以一種新的方式來處理這些作品，而不會像其他白人歌手一樣在處理歌曲時沖淡原有的力量。
Sun公司在英國由HMV公司發行的貓王的一些單曲唱片總在一面收集一首布魯斯歌曲，而在另一面收集一首鄉村歌曲，並且在表演上都採取了激進的、與眾不同的方式。這些唱片包括了"好極了"(That's All Right)和比爾-蒙羅(Bill Monroe)的"肯塔基的藍月亮"(Blue Moon of Kentucky)、"今夜好好搖擺"(Good Rocking Tonight)／"我不管太陽出不出來"(I Don't Care If the Sun Don't Shine)、"奶牛布魯斯布吉"(Milk Cow Blues Boogie)／"你是個傷心人"(You're a Heartbreaker)、"親愛的，讓我們去看戲"(Baby Let's Play House)／"我在左，你在右，她走了"(I'm Left, You're Right, She's Gone)以及"神秘列車"(Mystery Train)／"我忘了是否記得"(I Forgot to Remember to Forget)。那些由Sun公司錄制但是在發行之前就被RCA公司買走的作品包括了"我愛你，因為"(I Love You Because)的兩個版本(其中於1954年7月錄制的版本直到1974年才收入專輯《埃爾維斯，傳奇歌手：第1集》(Elvis A Legendary Performer: Vol-1))以及"藍月亮"(Blue Moon)、"我永遠不叫你走，小寶貝"(I'll Never Let You Go (Little Darlin')、"正因為"(Just Because)和那首出色的"試圖靠近你"(Trying to Get to You)。其它未發行的這個時期的歌曲被收入到一張非法發行的專輯《今夜好好搖擺》之中。
在1955年11月的一次由電台音樂節目主持人參加的民意評選中，他被認為是一位最有前途的"鄉村與西部"風格的歌手。這時帕克"上校"成了貓王的經理人，菲利普斯則以35,000美元的價格把他與貓王簽訂的合同轉讓給了擁有在全國范圍內推銷和發行唱片實力的RCA公司的分公司Victor。再加上帕克成功地安排了貓王在電視上有選擇地露面，貓王馬上成為了全國性的明星，他此後的每一張唱片都在排行榜上名列前茅。加盟RCA的首支單曲"Heartbreak Hotel/I Was The One為貓王締創首支冠軍曲，並於同年3月推出加盟RCA首張專輯Elvis Presley，蟬連了Billboard專輯榜10周冠軍。接著第2張專輯Elvis發行後，單曲Love Me Tender就占據了全美4項排行冠軍。與此同時，襯衫、圍巾、牛仔褲、口紅在內的二十多種貓王商品接連問世，在貓王入主RCA第一年就賺進2000萬美金。
貓王在RCA公司最初的錄音是於1956年1月在納什維爾進行的，他的伴奏陣容包括了切特-阿特金斯(Chet Atkins)和"約旦人"(Jordanaires)樂隊等。而其後的一些唱片幾乎都是在公司位於紐約的主要錄音棚里錄制的。評論界認為貓王加盟RCA公司預示著他作品的質量迅速下降，而這一趨勢一直繼續了下去。盡管這一期間(至1958年貓王參軍之前)錄制的唱片顯示出貓王在音樂的風格和內容上的相當大的變化，但是從歷史角度來看，這些作品所形成的流派其實是50年代主流搖滾樂的精華。"不要太冷酷"(Don't Be Cruel)和"單方面風流韻事"(One Sided Love Affair)之類的歌曲體現了貓王從輕快、瘋狂的Sun公司風格到以後的壓抑、陰暗、沉重的風格的過渡。後者更傾向於商業化，但是依舊保持了令人興奮和性感的特點。而且，正是這類歌曲，通過在電視台黃金時間播出，尤其是通過貓王那憂郁的形象，把無數白人青少年引向了搖滾音樂，例如"傷心旅店"(Heartbreak Hotel)和"獵犬"(Hound Dog)。一些錄制較早，但直到貓王去德國服兵股期間才發行的作品也具有這一風格："一夜"(One Night)、"我心靈受創"(I Got Stung)。"我這個笨蛋"(A Fool Such As I)以及"太多的愛"(Big Hunk O' Love)。
到了50年代後期，貓王已具有了極高的身價，他的歌曲也處理得越來越精緻和得心應手。1956年9月，RCA公司作了一次史無前例的嘗試：將貓王的7首單曲同時發行，結果從8月到12月，貓王每周都高居排行榜首。
與此同時，帕克"上校"正在忙於進一步樹立貓王的形象--拍攝貓王的首部電影《溫柔地愛我》(Love Me Tender)並同意製造商們製作從鑰匙環到枕套的各種貓王紀念品。同樣，在唱片的錄制中也體現了一種商業上的精明，貓王於1957年出版的專輯《埃爾維斯的聖誕集錦》(Elvis' Christmas Album)是一張民歌和搖滾歌曲巧妙的混合體，其中還不失機地加入了一些宗教、合唱及流行的節目歌曲。1957年的聖誕節前十天，美國三軍極力爭取貓王以歌手身分入伍，貓王婉拒好意，以平民身分接受徵召。在為家鄉父老唱完兩場後，1958年3月24日，穿著英挺軍服，前往位在德州Killeen郊區的第二裝甲師營區報到，正式開始他的軍旅生涯。1959年11月，空軍上尉Joseph Beaulieu的14歲女兒Priscilla開啟貓王的愛情心扉。1960年，貓王開拍退伍後的首部電影"G.I. Blues從軍樂"，其電影原聲帶10月發行後迅速再攀冠軍王座，停留榜中達111周之久，排行停留周數傲視貓王一生的所有專輯。此時，Priscilla搬進Graceland與貓王同居。
1960年3月，貓王從德國服兵役歸來, 1958年時那種狂野粗暴和"我行我素"的風格仍一成不變地保持著。但是專輯《埃爾維斯回來了》(Elvis is Back)卻似乎在重新嘗試節奏與布魯斯和鄉村音樂與開始一種新的溫柔的演唱方法之間猶豫不定。這種溫柔的嗓音和演唱風格感覺沒有任何新意，反而喪失了以往的熱情和奔放。貓王以後的大部分作品中，這種風格一直延續下去。
1961年2月25日田納西州州長宣布此日為"貓王日"，往後每年聖誕節，貓王都會在家鄉作慈善演唱。唱片"粘上你"推出和美國的"披頭士狂熱"(Beatlemania)開始興起期間，貓王仍舊保持了他最傑出的以出版單曲為主的歌星地位，雖然只有為數極少的唱片：例如"布魯斯彌撒"(A Mess Of Blues)和"這是最後的火焰"(It is Latest Flame)／"小妹妹"(Little Sister)--光輝並不遜於他的50年代。不過從這個時候起，貓王將事業重心轉到好萊塢，接演了"藍色夏威夷Blue Hawaii"等25部電影。盡管從銷量上看，貓王正處於他事業的頂峰，但事實上他的形象已遠不如50年代時那麼光芒四射。大多數的被推崇的歌曲都是一些溫柔舒緩的作品，如"或是現在或是永不"(It's Now Or Never)、"你今夜否是否孤獨"(Are You Lonesome Tonight)和"投降"(Surrender)，或者是從電影中選的插曲，如"無情的心"(Wooden Heart)和"鄉間野趣"(Wild in the Country)。此外，他還推出了一些專輯，其中很大一部分都是從他開始出演的一大串好萊塢音樂片中選出的插曲組成的。
60年代早期，貓王開始一年接拍三部電影，雖然這些典型的好萊塢影片一部比一部粗製濫造令人失望，然後而貓王自己演唱了其中的全部歌曲，這些只是用來填補空洞的電影情節的歌曲往往都是第三流的，與他早期影片：《溫柔地愛我》(1956)、《愛你》(Loving You)(1957)、《監獄搖滾》(Jailhouse Rock)(1958)中所採用的歌曲以及詞曲作者的標准簡直不可同日而語。此後專門為貓王拍攝的電影，如《燃燒的星》(Flaming Star)(1960)和《鄉間野趣》(1961)則令人興趣寥寥，這些影片前後有20多部。而這期間的唱片包括了從"迷人的好運"(Good Luck Charm)開始的一系列單曲"她與你無緣"(She's Not for You)、"回到發送器"(Return to Sender)和"出售一顆破碎的心"(One Broken Heart for Sale)。
1966貓王和Priscilla的感情結果，他正式向Priscilla求婚，隔年兩人在拉斯維加斯的Aladdin飯店結婚。1968年，兩人的愛情結晶女兒Lisa Marie Presley出生，讓貓王開始享受輕松愉快的居家生活。然而好景不長，1972年時，貓王與Priscilla分手，Priscilla帶著女兒Lisa Marie離開，並選擇在隔年貓王生日當天提出了離婚訴請，法院判定Priscilla擁有女兒監護權。雖然貓王的多情浪漫並且緋聞不斷，但是Priscilla是貓王一生中唯一的摯愛，也是他一生中唯一有合法婚姻的妻子。
1968年之後，貓王被看作流行音樂界憤世嫉俗、軟弱以及倒退現象的縮影。此外，他的電影利潤連連下滑，並且質量也越來越糟糕，甚至貓王本人也明顯地表露出他對這些電影同觀眾一樣的討厭和生氣。
隨後，他自1960年以來首次嘗試在電視上拓展事業，這一次，他有了自己的電視特別節目，並且穿上了一套黑色皮裝，在一個觀眾包圍著的小舞台上表演。他給人一種貓王再生的感覺：具有領袖式的超凡魅力、輕松自如並帶有一種預示凶兆的意味，這讓全世界的樂迷們激動不已。
這次節目的成功將貓王逼到了一條令他頭疼的分岔路上：要不以此為起點開始一次全新的、但非常冒險的音樂嘗試，要不仍舊回到他以前老的製作程序中去，只需略微改變一下細節。開始，他的唱片似乎保持了這兩者之間的平衡。從他的電視節目中選出的單曲"假如我會做夢"(If I Can Dream)非常的有力強勁，好像試圖一下子擺脫他60年代的軟弱，隨後他於1969年初回到孟菲斯去錄制專輯《埃爾維斯在孟菲斯》(Elvis in Memphis)，他使用了奇普斯-莫曼(Chips Moman)的"美國錄音棚"，並由當地的一些傑出音樂家組成他的伴奏團體，這張專輯再次激動了他的歌迷，成為他一段時期內最鼓舞人心的作品。
貓王隨後在拉斯維加斯進行了自1961年以來的首次現場演出。盡管他的樂隊陣容強大，他的作品也很出色，人們卻沒有看到期望中的貓王，這種期望是由貓王的電視特別節目所萌生的。很快貓王又使他的音樂回到了過去的風格中去，同他的電影一樣安全，這可以從他一系列來自紐約、夏威夷和拉斯維加斯的"現場錄音"專輯中得到證明。這些作品只是收錄了一些隨意的翻唱的老歌，並且沒有一首歌曲可以同它的原有版本相媲美。盡管如此，當那張夏威夷現場錄音專輯於1973年登上美國排行榜首位時，它--以及其它70年代的熱門歌曲向人們證明了一個快要被懷疑的事實：貓王仍然是銷量最大的音樂家，他的藝術生涯並未結束，雖然已經今非昔比，但貓王的影響和支持者依然可以令他驕傲。
具有諷刺意味的是從貓王自1960年開始的下降趨勢中可以看出他在作品選擇中傾向於商業化程度較低的音樂，而不是他以前的歌曲。他早期錄制黑人音樂的做法一直持續到70年代。他分別於1958年和1973年錄制了艾弗里-喬-亨特(Ivory Joe Hunter)的歌曲，而他服役之後的唱片中包括了選自諸如查克-傑克遜(Chuck Jackson)、利特爾-沃爾特(Little Walter)、O-C-史密斯(O-C- Smith)、"航海者"(Coasters)、傑里-巴特勒(Jerry Butler)、凱蒂-萊斯特(Ketty Lester)、查克-貝里(Chuck Berry)、"車軸草"(Clovers)、"流浪者"(Drifters)、魯弗斯-托馬斯(Rufus Thomas)、威利-狄克遜(Willie Dixon)等音樂家的作品，此外，貓王還演唱了新一代南部作家的作品，例如傑里-里德(Jerry Reed)的"吉他手"(Guitar Man)、麥克-戴維斯(Mac Davis)的"在貧民區"(In the Ghetto)、托尼-喬-懷特(Tony Joe White)的"Polk Salad Annie"和丹尼斯-林德(Dennis Linde)的"熾烈的愛"(Burning Love)。
在挑選歌曲上所作出的這一系列努力和冒險使得貓王所推出的唱片效果一直不好這一現象變得更加無法解釋。實際上，自1960年以來他象50年代那樣顯赫的作品非常少。1960年的宗教風格專輯《他引領我的手》(His Hand in Mine)在嗓音處理上十分精緻和純正，而唱片"親吻老朋友"(Kissin' Cousins)的B面"傷害了我"(It Hurts Me)(1965)中，人們又突然看到了貓王50年代那種激動人心和冒險精神的光芒在閃爍。值得一提的是專輯《埃爾維斯在孟菲斯》(From Elvis in Memphis)和《埃爾維斯鄉村》(Elvis Country)(1971)以及現場錄音的"美國三部曲"專輯《Elvis: Aloha from Hawaii via Satellite》(1973)。
到了70年代中期，貓王再次似乎絕望的放棄了任何為爭取作為一名藝術家而受人尊敬的努力而完全棲身於他最後的那些陳規之中。他的嗓音比任何時候都要來得鬆散慵懶和漫不盡心，在音量高的時候顯得粗糙刺耳，音量低的時候則搖擺不定，並且完全喪失了原有的生命力和細致。他的精神似乎變得迷離起來。更糟糕的是，大量服用葯物、暴飲暴食，放盪不羈私生活也擊垮了他的身體。
73年10月貓王因肺炎與胸膜炎復發、結腸擴張及肝炎住院，經紀人Parker圖利自己的壓榨式經紀策略，將健康狀況惡劣的貓王推向財務危機。有指證指出，Parker在1973年之前有故意不支付版稅酬勞給貓王的惡劣行為，貓王為了紓解經濟慘況，只得疲於奔命的巡迴演唱，身心勞累的他只能仰賴鎮靜劑等葯物，健康問題日益嚴重。
即便如此，1976年整年都是緊湊的巡迴演唱行程。11月底，貓王認識新女友Ginger Alden，Ginger成了貓王生前最後一位女友。1977年4月初，貓王再度病發入院，出院後強撐著繼續演唱行程到6月。6月26日在印第安納州的印第安納波里的演唱會竟成為貓王生前最後一場演唱。原本在Graceland家中休養准備另一次演唱的貓王，卻被巡迴演唱行程經理發現(也有說是女友發現)倒卧在浴室，經緊急送往醫院急救後，醫師宣布貓王因心律嚴重失常(也有說是用葯過量)導致心臟病突發過世，享年僅42歲。消息於下午發布，震驚全球，數千樂迷到Graceland誌哀。貓王遺體最後跟母親合葬在Graceland後方的'靜默園'。
1979年貓王父親辭世後，貓王的龐大遺產由唯一當時年僅11歲的女兒Lisa Marie繼承，經過近兩年四次官司訴訟，終於判定強制經紀人Parker將貓王的影像與錄音作品全數交還給RCA與貓王家族。1982年秋天，Graceland成為觀光勝地，平均每年吸引近60萬人前往，貓王遺產的價值早已超過一億。1986年，貓王成為樂壇前十位入列搖滾名人殿堂的歌手。截至1999年8月，RCA唱片公司和美國錄音工業協會(RIAA)共追頒了131張的金唱片及白金唱片給貓王的女兒Lisa Marie，這是歷史上獲贈最多的金唱片及白金唱片紀錄，貓王無疑是史上最偉大的演唱藝人。同時，RCA也頒予'世紀藝人Artsit Of The Century'特別紀念獎感念這位一代巨星。
50年代的貓王影響了至少整整一代人，60年代以後，他們一直抱著一個幻想：他們心中的貓王只是被他自己打敗了，只要讓上了年紀並變得肥胖的貓王改變他拉斯維加斯／好萊塢式的生活方式，讓他在封閉的裝滿他早期唱片的自動電唱機的房子里，聽一聽他自己的音樂，他就會發現一個曾經如此偉大的貓王，曾經如此光芒奪目的自己。於是他會自己根自己斗爭，最終取得勝利恢復往日的天才。盡管這一幻想直到1977年8月16日貓王逝世的那天也沒有實現，他在現代音樂中的地位依然無人可以取代。他在50年代以及以後偶爾所表現出來的罕見的令人驚訝的才能葉柄沒有因為他後期的活動而受到任何影響。他，以白人身份把帶有種族色彩的黑人節奏布魯斯音樂介紹給了白人，所承受的壓力和獲得的成功都是非凡的；他犧牲青春換來永恆傳奇，燃燒生命烙下20世紀流行文化的圖騰，更讓全球的觀眾至今仍激盪不已。他的作品超越了任何一個影響搖滾樂歷史的因素，他也決定了搖滾樂將採用的形式，他第一次使得青少年得以重視和發揚自己的音樂個性。.盡管他的歌曲太簡單膚淺，缺少力度和社會責任感，但這些久遠傳唱的曲目卻真實地反映了第一代受搖滾思想影響的青少年的群體形象，他不僅擁有漂亮的容貌、標志性的扭胯動作和出色的舞台表演，更成為這個時代，這一代人的鮮明的標志。蘊含了巨大潛力的整個年輕一代在他身上找到了反抗精神的共同性。自貓王以後，鮮明的思想性和強烈的現實批判性的搖滾樂迅速流傳。也因為他的魅力，搖滾樂成為美國全民運動。貓王開辟了搖滾樂艱難的前進道路。
貓王普雷斯利，永遠的搖滾之王。