精疲力盡法國電影2018在線觀看

① 精疲力盡，戈達爾選擇在無疾病情況下安樂死，他的晚年生活是如何度過的

戈達爾在91歲的時候選擇安樂死，也令很多人都感覺到非常的意外，在法國戈達爾是比較著名的一個導演，在去世之前戈達爾的身體是比較健康的，並沒有任何疾病，之所以會選擇安樂死，也是因為感覺到有一些精疲力盡。戈達爾的晚年生活一直都是比較輕松愜意的，但是戈達爾會把大部分的時間都放在關注電影上，平時也會在社交平台上曬出一些自己的日常。在2018年的時候，戈達爾已經88歲了，但是依舊會選擇帶著自己拍攝的作品去參加電影節，《影像之書》這個作品也受到了很多人的喜歡。

而戈達爾的一生也是足夠傳奇了，在1960年的時候憑借著《筋疲力盡》這個作品成功的進入到了導演圈當中，也獲得了很高的知名度。因為實力過人，在之後又相繼發布了很多作品，《人人為己》，《隨心所欲》，《愛情與憤怒》都取得了不錯的成績，是一個很出色的導演。

② 有什麼好看的韓國電影

《軍艦島》大結局最後是黃政民女兒的特寫鏡頭！一個小女孩的臉和眼睛，把這一切都記錄下來了。暗指現在韓國政府要求日本政府正視歷史賠償慰安婦和工人！本影片中，黃政民的角色把當時的殖民統治下的市井小民怕死，討好日本人的漢奸嘴臉，為了女兒能活下來，犧牲的父愛精神。都是當時國家給他帶來的影響！國家被殖民後，小老百姓為了存活，不顧一切地活著！沒有靈魂的活著！宋仲基在這部影片和其他演員比起來，真的演技純熟面癱！畢竟其他人都是影帝級別，演技真的無法挑剔，就導致宋仲基演技就讓人感覺不老練了。當然，很老戲骨一起同台飆戲，肯定差別就出來！尤其是和黃政民一比較就凸顯出來的。

《七號房的禮物》將人世間極惡和極善交織在一起，在萬惡匯聚的監獄里上演一段人世間最真摯的父女情，造成強烈的對比與反差。處理手法上，雖然理智的看有很多不合理的地方，例如，小女孩偷進監獄並且住在牢房等等，但在感性的呼喚下，誰又會去考慮那麼多合理與否，只會被故事的細節感動，韓國電影往往在抓住人心這一點上做得極度到位!在人物設置上，主角二人，眾多配角小人物各有特色，但本性之善依然能起到感染觀眾的作用。演技上，男主角的智障角色塑造還算可以，但他到底是真傻假傻，什麼時候該傻，這一點上導演也許值得細細的深度推敲，做到更好。最牛的要數女兒的扮演者，小演員簡直是天才，聰明、漂亮、伶俐匯集一身，天生演員的料，成年女兒從出現幾乎就一直在噼里啪啦掉眼淚，也值得肯定。

③ 用音樂溝通,用愛教育的溫暖片《放牛班的春天》里的馬修老師為何要將貝比諾帶走

馬修因為沒有地方施展自己的才華，他去了那個學校成了學監。馬修來到學校認識的第一個孩子就是可憐的貝比諾，貝比諾雖然不會唱歌，但因為他是學校最小的孩子依然得到了老師們的喜愛，但這些對這個孩子來說並不能改變什麼，他只想要自己的爸爸能來接他回家，但他卻不知道自己的父母早已死在了戰爭中，老師們隱瞞了這個事實，騙他說到了星期六爸爸就會來接他，於是他固執的等呀等，每天都盼著星期六能到來，每天都希望爸爸快快來接他回家。
成為學監的馬修，發現了校長為了自己的前途，用一些很強勢的手段來對待孩子們，他就是一個正義的化身，馬修想要通過自己的力量改變孩子們的命運，他開始重新組建合唱團，從孩子門裡面挑選唱的好的孩子，他用音樂打開了孩子們封閉的心靈，同時也得到了孩子們的認可，他的才華在這里得到了肯定。但馬修最終辭職了，在星期六的那天，馬修辭去了學監的工作，走到校門口時，貝比諾問他能帶他走嗎？善良的馬修可能是不想可憐的貝比諾再這樣無休止的等待下去，那樣太可憐了，於是他同意帶走貝比諾，馬修的善良，讓他帶走了貝比諾，這或許對他們來說是個新的開始。

④ 想看歐洲藝術電影，哪位能給點入門建議

日本電影導演黑澤明的《羅生門》
法國電影「新浪潮」的代表作《精疲力盡》、《四百下》、《廣島之戀》
瑞典的電影大師伯格曼的《野草莓
費里尼的《甜蜜的生活》
這里有必要講一些電影藝術史，這樣我們才會了解：作為一門博大精深的藝術，好萊塢是決不能代表電影的全部的，而且好萊塢有今天，也是汲取了電影史上各國電影藝術精華的結果。

相對於音樂、繪畫、舞蹈、戲劇、雕塑、建築、攝影等藝術門類來說，電影是一門最年輕的藝術，它的歷史只有100年。電影在誕生之初，可沒有想到將來能發展成這樣一門令無數人傾倒的藝術和一項進出多少億美元的巨大產業，它只是一種供人娛樂的小玩藝。當愛迪生剛剛發明出電影的時候，電影只是一種擺在公園里讓大家花幾分錢硬幣看上幾個鏡頭哈哈一笑的箱子。後來在1895年12月28日，法國人盧米埃爾在巴黎對電影鏡做了根本性的改進，發明了銀幕，這才有了今天的投射式的影院——這一天被作為是電影的誕辰日。即使這時候，電影比我們原先在廟會上看到的皮影戲強不到哪去，有點身份的人都羞於承認自己去過電影院。電影的發展經歷過幾個關鍵性的階段：從短片到長片、從單鏡頭到多鏡頭剪接，從而形成視覺語言，這大概用了30多年，我們有時能看到的所謂「默片」即是那時的作品；再後來的20年，電影第一有了聲音，第二有了彩色。從40年代中期往後，電影進入了自己燦爛的黃金時代。

當電影藝術逐漸發展壯大以後，就出現了一批優秀的電影藝術家。他們投身電影並不是為了發大財，他們只是為探索電影的各種表現手段來拍電影，用電影——如果在從前他們可能會用繪畫或戲劇什麼的——來表達他們心中的復雜感受，他們的探索在電影史上掀起一個又一個藝術浪潮。比如著名的法國電影「新浪潮」，或義大利的「新現實主義」等等。

所謂「新浪潮」，是指50年代末以戈達爾、特呂弗、雷乃等法國一批青年導演所拍的現代主義電影。「新浪潮」電影的鮮明特徵是要為打破商業桎梏，提倡一種個性化的「作家電影」。他們的許多作法都是對當時電影的傳統拍法的大膽叛逆，比如，用事件的無邏輯組合或非理性的意識活動來代替或打亂邏輯的情節結構，也就是評論家們後來津津樂道的「生活流」或「意識流」。一般人們習慣看的電影，情節之間都是連續有因果關系的，比如一個人走進了飛機場的候機大樓，接下來一個鏡頭就是飛機起飛了，這是大家都看得懂的。但是在《四百下》里，描寫一個叫安托萬的男孩怎樣走上了犯罪的道路，他只是在逛馬路、逃學、撒謊、逛市場、漫步海灘，看上去這些事之間沒什麼聯系，更沒有什麼戲劇性沖突，平淡得就像是日常生活中無數平淡的一天一樣。導演特呂弗是有意識這樣做的，他旨在表現一種現代觀念：人生無結構可言。

「新浪潮」的出現在世界影壇上引起巨大震動，因為它的手法讓人震聾發饋，耳目一新。當然，人們特別是普通的觀眾開始對它是無法接受的。1960年，當一部「現代派」的電影《奇遇》在戛納電影節上映時，觀眾大為惱火，噓聲不斷。但是這部片子最後贏得了電影節的評委特別獎，後來在世界各地的上映也十分成功，它的導演安東尼奧尼由此一舉躋身世界名導演行列。電影藝術的每一次進步，都伴隨著一個群眾從視為異端不能接受到逐漸接受的過程。比如在電影中的特寫鏡頭剛出現時，觀眾們在電影院里看到銀幕上出現一個比自己的頭大得多的頭顱，竟嚇得四散驚逃。到了今天，不用說頭部的大特寫鏡頭，就是在情節發展中的不斷「閃回」，過去與現實的不斷交叉，人們不是也看得挺習慣？——如今在好萊塢電影中大量我們已習以為常的電影方法，其實都是吸取了這些新銳藝術家的創造的結果。如果沒有了這些手法，現在試想一下，電影將多麼陳舊乏味？

每一個偉大的電影藝術家，他們每創造一種新的表現手法時，他們既沒有想到此舉會為老闆賺得大票房，也不考慮觀眾的胃口，甚至是否合乎電影節的評委們的喜好。他們只是覺得電影還有這樣的可能，覺得只有這樣才能表達自己的感覺，某種意義上，他們是在為自己拍電影。而正是這樣不為功利的探索，推動著電影藝術一波一波的前進，發展成今天蔚為大觀的「第八藝術」。

⑤ 最近迷上了法國新浪潮時期的電影，有哪些值得推薦呢

許多人都喜歡去電影院看電影，但是大多數人喜歡看懸疑劇或者愛情劇。不過，並不是所有人都喜歡看這些電影的，或者說看多了這類電影之後有時我們也會想換換口味。有人問，迷上了法國新浪潮時期的電影，有哪些值得推薦呢？第一部是《表兄弟》，第二部是《四百擊》，第三部是《五至七時的克萊奧》。下面讓我們具體看一下。

《五至七時的克萊奧》是瓦爾達第二部作品，這部電影雖然說是電影，但是大部分內容是實時記錄的。這部電影的主角是一名歌手，故事主要發生在咖啡館、巴黎街道以及公園里，講述的是這位出名的歌手等待身體檢查結果的故事。

大家還有什麼電影可以推薦一下的嗎？