英文電影市場發展史

『壹』 跪求英文論文 評價好萊塢電影 要求從好萊塢電影的發展史入手

Article: History of hollywood film instry

The first movie studio in the Hollywood area, Nestor Studios, was founded in 1911 by Al Christie for David Horsley in an old building on the northwest corner of Sunset Boulevard and Gower Street. In the same year, another fifteen Independents settled in Hollywood. Hollywood came to be so strongly associated with the film instry that the word "Hollywood" came to be used colloquially to refer to the entire instry.

In 1913, Cecil B. DeMille, in association with Jesse Lasky, leased a barn with studio facilities on the southeast corner of Selma and Vine Streets from the Burns and Revier Studio and Laboratory, which had been established there. DeMille then began proction of The Squaw Man (1914). It became known as the Lasky-DeMille Barn and is currently the location of the Hollywood Heritage Museum.

The Charlie Chaplin Studios, on the northeast corner of La Brea and De Longpre Avenues just south of Sunset Boulevard, was built in 1917. It has had many owners after 1953, including Kling Studios, who proced the Superman TV series with George Reeves; Red Skelton, who used the sound stages for his CBS TV variety show; and CBS, who filmed the TV series Perry Mason with Raymond Burr there. It has also been owned by Herb Alpert's A&M Records and Tijuana Brass Enterprises. It is currently The Jim Henson Company, home of the Muppets. In 1969, The Los Angeles Cultural Heritage Board named the studio a historical cultural monument.

The famous Hollywood sign originally read "Hollywoodland." It was erected in 1923 to advertise a new housing development in the hills above Hollywood. For several years the sign was left to deteriorate. In 1949, the Hollywood Chamber of Commerce stepped in and offered to remove the last four letters and repair the rest.

The sign, located at the top of Mount Lee, is now a registered trademark and cannot be used without the permission of the Hollywood Chamber of Commerce, which also manages the venerable Walk of Fame.

The Hollywood Sign as it appears today.The first Academy Awards presentation ceremony took place on May 16, 1929 ring a banquet held in the Blossom Room of the Hollywood Roosevelt Hotel on Hollywood Boulevard. Tickets were USD $10.00 and there were 250 people in attendance.

From about 1930, five major Hollywood movie studios from all over the Los Angeles area, Paramount, RKO, 20th Century Fox, Metro-Goldwyn-Mayer and Warner Bros., owned large, grand theaters throughout the country for the exhibition of their movies. The period between the years 1927 (the effective end of the silent era) to 1948 is considered the age of the "Hollywood studio system", or, in a more common term, the Golden Age of Hollywood. In a landmark 1948 court decision, the Supreme Court ruled that movie studios could not own theaters and play only the movies of their studio and movie stars, thus an era of Hollywood history had unofficially ended. By the mid-1950s, when television proved a profitable enterprise that was here to stay, movie studios started also being used for the proction of programming in that medium, which is still the norm today.

『貳』 幫忙找電影發展史的英語版本，萬分感謝

History of Motion Pictures
I INTRODUCTION

History of Motion Pictures, historical development of the visual medium known as motion pictures, film, cinema, or the movies. This article covers the medium』s history as a technology, as a business, as an art form, and as a means of delivering entertainment and information to audiences in theaters and at home. It discusses major filmmakers and their films, principal fiction and nonfiction genres, and film instries in the United States and throughout the world. For more information on the technical aspects involved in creating a film, see Motion Picture.

II ORIGINS

In the early 19th century scientists took note of a visual phenomenon: A sequence of indivial still pictures, when set in motion, can give the illusion of movement. These scientists attributed this experience to what they called persistence of vision, whereby the eye retains a visual image for a fraction of a second after the source has been removed. The eye』s retention of a visual image, now known as positive afterimage, has long been considered a founding principle of motion pictures, even though its relationship to the perception of motion is still not well understood.

A Early Experiments

The persistence of vision concept stimulated experimentation with motion-picture devices throughout the 19th century. Among the first such devices was a slotted disk with a sequence of drawings around its perimeter. When a person spun the disk in front of a mirror and looked through the slots, the drawings appeared to move. The zoetrope, a device developed in the 1830s, was a hollow drum with a strip of pictures around its inner surface. When spun, it proced the same effect. In the 1870s French inventor Émile Reynaud improved on this idea by placing mirrors at the center of the drum. A few years later he developed a projecting version, using a reflector and a lens to enlarge the moving images. In 1892 he began holding public screenings in Paris at his Théâtre Optique, with hundreds of drawings on a reel that he wound through his apparatus to construct moving images that continued for 15 minutes.

Inventors began to conceive of combining the principles of these moving-image devices with the photographic recording of actual movement soon after the development of still photography in the 1830s. The most famous experiment occurred in the 1870s in California, where railroad tycoon Leland Stanford hired British photographer Eadweard Muybridge to settle a bet on whether a galloping horse ever had all four feet off the ground. Muybridge set up 12 cameras along a racetrack and spread threads across the track with a contact to each camera』s shutter. Moving along the track, the horse broke the threads and caused a sequence of photographs to be taken. The photos showed the horse with all four feet off the ground, and Muybridge went on a lecture tour showing his photographs on a moving-image device he called the zoopraxiscope.

Muybridge』s endeavors stimulated French scientist Étienne-Jules Marey to devise equipment for recording and analyzing animal and human movement. He built what he called a chronophotographic camera that could take multiple images superimposed on one another. His work was aided in turn by developments in photographic materials. In 1885 American inventor George Eastman introced sensitized paper roll 「film」 in place of the indivial glass plates then in use. In 1889 Eastman replaced the paper roll with celluloid, a synthetic plastic material coated with a gelatin emulsion.

B Thomas Alva Edison and William K. L. Dickson

Legendary American inventor Thomas Alva Edison drew upon the work of Muybridge, Marey, and Eastman when he turned his attention to motion pictures in the late 1880s. In his laboratories in West Orange, New Jersey, Edison assigned to a British employee, William K. L. Dickson, the task of constructing a machine for recording actual movement on film and another machine for viewing the resulting images. By 1891 Dickson had proced a motion-picture camera, called the Kinetograph, and a viewing machine, bbed the Kinetoscope.

The Kinetograph was operated by an electric motor that moved the celluloid film roll past the camera lens. Motor-driven cameras, which were bulky and stationary, were soon replaced by movable hand-cranked cameras. Dickson』s key contribution was a sprocket mechanism linked to the camera』s shutter, which momentarily stopped the film roll for each exposure. These separate still photographic images came to be called frames. Early cameras used a number of different speeds for exposing frames, but by the advent of sound film in the late 1920s the standard had become 24 frames per second.

In early 1893 Edison constructed a motion-picture studio on his laboratory grounds, bbed the Black Maria by his staff who thought it resembled police patrol wagons known by that nickname. On May 9, 1893, he held the first public exhibition of films shot using the Kinetograph in the Black Maria. But only one person at a time could use his viewing machine, the Kinetoscope. This boxlike structure contained a motor-and-shutter mechanism similar to the camera』s. It ran a loop of positive film past an electric light source, illuminating a tiny image, which the viewer observed through a small window. Kinetoscope viewing parlors containing many machines for indivial viewing began to open in cities in 1894. Edison and Dickson apparently gave little thought to a single machine that could project moving images to a large audience, something Reynaud had achieved in his Théâtre Optique. Reynaud, however, had displayed drawings rather than images photographed by a motion-picture camera.

C The Lumière Brothers

In France, the brothers Auguste and Louis Lumière, who ran a factory in Lyons that manufactured photographic equipment, sought to improve on Edison』s accomplishment. By 1895 they developed a lightweight, hand-held camera that used a claw mechanism to advance the film roll. They named it the Cinématographe, and they soon discovered that it could also be used to show large images on a screen, when linked with projecting equipment. Throughout 1895 they shot films and projected them for select groups. Their first screening for the general public was held in Paris in December 1895.

Elsewhere other inventors were also busy. In Germany, the brothers Emil and Max Skladanowsky devised an apparatus and projected films in Berlin in November 1895. In Britain, a machine developed by Birt Acres and Robert W. Paul was used to project films in London in January 1896. In the United States, a projector called the Vitascope was constructed around the same time by Charles Francis Jenkins and Thomas Armat. Armat then entered into a commercial alliance with Edison to manufacture the Vitascope, and the device exhibited projected motion pictures in New York City in April 1896.

The Lumière brothers held a unique place among all these simultaneous efforts, since they were innovative filmmakers as well as inventors and manufacturers. The many films they made ring 1895 and 1896, though very short, are considered pivotal in the history of motion pictures. Arroseur et arrosé (Waterer and Watered, 1896), a brief comedy drawn from a newspaper cartoon, shows a gardener getting drenched with a hose as the result of a boy』s prank. La sortie de l』usine Lumière à Lyon (Workers Leaving the Lumiere Factory, 1895) and Arrivée d』un train en gare (Arrival of a Train at La Ciotat, 1896), which shows a train coming to a station and passengers getting off, were among the so-called actuality films—films that depicted actual events rather than a story told by actors—for which the Lumières became noted.

III ONE-REELERS

During the decade following the advent of projected motion pictures, films were shown as part of vaudeville or variety programs, at carnivals and fairgrounds, in lecture halls and churches, and graally in spaces converted for the exclusive exhibition of movies. Most films ran no longer than 10 to 12 minutes, which reflected the amount of film that could be wound on a standard reel for projection (hence the term one-reelers). Many were comedies or actualities, following the Lumière brothers』 example. Their purpose was spectacle—to show something astounding, unusual, titillating, or perhaps newsworthy. But filmmakers also struck out in new directions, especially toward fantasy and narrative.

French magician and filmmaker Georges Méliès was the outstanding creator of fantasy films in early cinema. Méliès exploited the new medium to enhance his magic acts through techniques such as stop-motion photography—interrupting the camera』s action and moving or substituting people and objects—so that, for example, a woman appeared to turn into a skeleton. He created elaborate backdrops with multiple scenes and costume changes for these so-called trick films that were widely emulated by other filmmakers. Of the hundreds of works he made between 1896 and 1912, perhaps the best-known is Le voyage dans la lune (A Trip to the Moon, 1902), which in one scene features the animated human face of the moon being struck in the eye by a rocket.

In the United States, a former projectionist and traveling exhibitor, Edwin S. Porter, took charge of motion-picture proction at Edison』s company in 1901 and began making longer films that told a story. As with Méliès』s films, these required multiple shots that could be edited into a narrative sequence. Porter』s most notable film—and the most famous work of early cinema—was The Great Train Robbery (1903), which is credited with establishing movies as a commercial entertainment medium. With its rapid shifts of location, including action on a moving train, this film offered spectators a breadth and immediacy of vision that became hallmarks of the cinema experience.

Spurred by The Great Train Robbery and subsequent story films, film exhibition greatly expanded in the United States around 1905. One phenomenon was the proliferation of nickelodeon theaters, converted storefronts in instrial cities that charged 5 cents for admission and attracted working-class audiences. Demand from these theaters increased the volume of film proction and the profits for procers, but it also brought forth criticism from reformers concerning unsanitary or unsafe conditions in theaters and immoral subject matter in films. In 1908 Edison took the lead in establishing the Motion Picture Patents Company (MPPC), a consortium of procers with common goals: controlling proction and distribution so as to eliminate cheap theaters, raising admission prices, cooperating with censorship bodies, and preventing film stock from getting into the hands of nonmember procers. However, the independent procers excluded from the MPPC continued to obtain materials and make the most popular films. They also led the way toward multireel, feature-length films. By 1915 the MPPC was under attack by the U.S. government as an illegal monopoly (although an ineffectual one), and the independents were combining into the companies that would dominate American filmmaking for decades to come.

IV SILENT MOVIES

With a few experimental exceptions, motion pictures from their earliest days until the late 1920s lacked synchronous sound (sound that matches the action). But silent movies were rarely silent. Early films almost always were projected with piano or organ accompaniment, and sometimes also with a narrator or live actors behind the screen. As feature-length films (four reels, with a running time of 40 to 50 minutes or more) became the norm in the 1910s, live orchestras began to play in larger theaters, frequently using music written specifically for the film.

Until World War I (1914-1918) European filmmakers dominated the world film market. France was considered the leading film-procing country, though Italy, Denmark, and other countries also played a significant role. However, the war, fought on European soil, disrupted commercial filmmaking there. With a sudden drop in European film exports, some regions, such as Latin America, experienced a brief surge in film proction. But U.S. companies soon took over markets overseas, using the same tactics of high-volume proction and lower prices that the Europeans had. By the 1920s some three-quarters of films screened around the world came from the United States.

A American Silent Movies

Even before the war, the United States had made its mark on the world filmmaking scene with epics and comedies. Moreover, U.S. moviemakers had begun to congregate in southern California in the Los Angeles suburb of Hollywood (see The Move to Hollywood, below), creating a film community apart from older urban centers of politics and the arts, and a magical new symbol for popular entertainment and glamour.

A1 D. W. Griffith

The work of D. W. Griffith exemplifies the transformation of motion pictures from the early days of one-reelers to an era of Hollywood』s worldwide dominance. Starting out as an actor in films directed by Edwin S. Porter, Griffith in 1908 became a director at the American Mutoscope and Biograph Company in New York City. He was initially responsible for turning out two one-reel films a week, and between 1908 and 1913 he directed nearly 500 films. Amidst this breakneck schele, he and his co-workers developed many of the cinema』s basic storytelling conventions: moving the camera close to the action, using many separate shots, and editing the shots to cut back and forth among different actions. All these techniques served to shape a narrative, rather than present a spectacle as earlier films had tended to do. Griffith also nurtured performers such as Mary Pickford and Lillian Gish and emphasized an intimate, restrained style of acting suitable for camera close-ups.

Leaving Biograph in 1913 to make full-length features, Griffith planned a historical epic of the American Civil War (1861-1865). The Birth of a Nation (1915), three hours in length, stunned audiences with its dazzling spectacle of a still-recent event and established motion pictures as an art form for cultured spectators. Yet the film』s racist presumptions—specifically, its defense of white supremacy to protect racial purity—was controversial in its own time and remains repugnant decades later. Griffith made another epic, Intolerance (1916), which intertwined four stories about victims of prejudice, and continued to work as an independent filmmaker into the 1920s. Eventually, financial pressures forced him to become a director at a Hollywood studio, and he made his last film in 1931.

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『叄』 好萊塢的發展史它為什麼要建在山上

好萊塢 Hollywood
是美國加利福尼亞州洛杉磯市的一個區，美國的電影城。1887年這里劃為一房地產區。由於它位於美國西部，周圍環境適於拍攝電影外景，1908年在這里拍攝了第一部故事片《基度山恩仇記》。此後陸續有20家左右製片公司搬到此地，成為世界聞名的電影城。由於美國電影充斥世界電影市場，故好萊塢成了美國電影業的代稱，美國影片常被稱為好萊塢影片。第二次世界大戰以後，許多電影公司遷出好萊塢，當地許多製片設施空閑或轉為電視製作場所。20世紀70年代以後，這里又開辟了游覽地。
多年來 好萊塢 一直是摘星族夢寐以求的天堂，電影工業的發達不僅帶動這一區獨特的繁榮景象，更創造了屬於LA的另類文化氣息。

在好萊遲備燃塢，人們願意用一千元交換你的吻，但只願意付50分錢買你的靈魂。(Hollywood is a place where they'll pay you a thousand dollars for a kiss and fifty cents for your soul)，這是國際巨星瑪麗蓮夢露的一句名言，滾畢雖然有些無可奈何的蒼涼意味，但不可諱言的，早期好萊塢的確讓許許多多的明星一夕成名。

好萊塢明信片最常見的主題就是好萊塢Cahuenga山上那九個英文字母「HOLLYWOOD」，每個字母高達50呎，於1923年所設立，當初原有13個字母，是為了替房地產「Hollywoodland」打廣告而建，後來才將後面的LAND拿掉，成為公有且廣為人知的宣傳標志。

好萊塢的主要街道是Sunset Blvd.與Hollywood Blvd.街道兩旁是電影際與高級的商店，極盡繁華之能事。

位於好萊塢大道(Hollywood Blvd.)上的中國碼虛戲院(Mann's Chinese Theater)是好萊塢最重要的地標。

柯達劇院於2001年正式剪綵啟用,作為電影業重鎮的好萊塢,終於成為奧斯卡頒獎典禮的永久主辦地點,從第74屆開始,每年的奧斯卡頒獎典禮都會在這里舉行。

中國戲院 最吸引人就是戲院前庭那百位明星所留下的足印（也就是常說的星光大道）
星光大道的由來，有個有趣的小故事，就是當時的默劇影星Norma Talmadge，在一次參觀中國戲院建築工程時，不小心一腳踏在未乾的水泥地上，而留下腳印，也讓目睹這個過程的Sid Grauman靈機一動，陸續邀請許多巨星前來留下足跡。

好萊塢蠟像博物館(Hollywood Wax Museum)
知名影視、音樂明星的蠟像都可在此找到，約有兩百多個蠟像，以劇中的造型呈現，觀者可以回味許多經典精彩鏡頭，蠟像與真人的相似度尚可。

『肆』 關於美國電影發展史

美國電影發展史 分為早期美國無聲電影 ，早期有聲電影 1、早期電影導演格里菲斯、T.H．英斯和塞納特對美國早期電影的發展作出了貢獻。C.卓別林於1914年拍攝了第一部影片《謀生》，立即吸引了全世界觀眾。1919年，卓別林、D.范朋克、壁克馥3位著名演員和格里菲斯一道創辦了聯美公司，以發行他們獨立製作的影片。20年代，美國影片生產的結構從以導演為中心逐步轉化為以製片人為中心的體制。「製片人中心」模式形成了20年代的「明星制度」，各大公司均擁有一批明星。嚴格的審查制度使美國無聲電影的主要成就表現在喜劇片、西部片和歷史片3個方面。喜劇片的佳作首推卓別林的《尋子遇仙記》(1921)、《淘金記》(1925)和《馬戲團》(1928)，基登的《航海者》(1924)和《將軍》(1926)，H.勞埃德的《大學新生》(1925)；西部片主要有《篷車》(1923)、《鐵騎》(1924)和《小馬快郵》(1925)等；歷史片有C.B.地密爾的《十誡》(1923)和《萬王之王》(1927)，格里菲斯的《暴風雨中的孤兒們》(1922)，R.英格蘭姆的《啟示錄四騎士》(1921)等。 第一次世界大戰後，不少歐洲導演陸續來到好萊塢，他們的才能不同程度地受到了製片公司的抑制和扼殺。他們和美國導演一道，拍攝出無聲電影的最後一批重要影片，如F.鮑沙其的《七重天》(1927)、C.勃朗的《肉與魔》(1927)、H.金的《史泰拉恨史》(1925)和K.維多的《大檢閱》(1925)等。R.J.弗拉哈迪的《北方的納努克》(1922)則為紀錄電影奠定了基礎。 有聲電影：1926年，華納兄弟影業公司拍攝了用唱片來配唱的由J.巴里摩爾主演的歌劇片《唐璜》(A.克羅斯蘭導演)。 1927年10月6日又首映了由A.克羅斯蘭導演、A.喬生主演的有歌唱、對白、聲響的《爵士歌手》，這是世界上第一部有聲故事片。 1928年7月6日華納公司又推出了「百分之百的有聲片」《紐約之光》。自此，有聲電影全面推開。至1930年，除卓別林繼續拍攝了幾部無聲片外，全部故事片均為有聲片。 在導演中間最先適應有聲片製作並拍攝出富於創造性影片的有：R.馬莫里安的《喝彩》(1929)和使用了主觀鏡頭的《化身博士》(1932)，L.邁爾斯東的《西線無戰事》(1930)和《頭版新聞》(1931)、劉別謙的《愛情的檢閱》(1929)和《微笑的中尉》(1931)，K.維多的《哈利路亞》(1930)。卓別林也拍攝了他的第一部有聲片《城市之光》(1931)。 美國電影黃金時代 [ 轉自鐵血社區 http://bbs.tiexue.net/ ]美國電影中的特殊現象——類型影片，在30年代獲得了充分的發展。最初的類型片是無聲電影時代的喜劇片、鬧劇片和西部片，到30年代初期，歌舞片、盜匪片、偵探片、恐怖片等類型相繼出現並得到繁榮發展。類型電影是美國經濟、社會和文化需要的直接產物，它們中成為經典作品的有歌舞片《四十二街》 (1933)、《掘金女郎》(1933)、《大禮帽》(1935)、《風月無邊》 (1936)和《齊格飛大歌舞》(1936)；盜匪片《小愷撒》(1931)、《公敵》 (1931)、《疤面人》(1932)和《嚇呆了的森林》(1936)；恐怖片《吸血鬼》(1931)和《弗蘭肯斯坦》(1931)等。

『伍』 求一篇電影發展史的作文，大學的，150字左右，要英文的急求！

The history of film spans over 100 years, from the latter part of the 19th century to the present day. Motion pictures developed graally from a carnival novelty to one of the most important tools of communication and entertainment, and mass media in the 20th century and into the 21st century. Most films before 1930 were silent. Motion picture films have substantially affected the arts, technology, and politics.
The cinema was invented ring the 1890s, ring what is now called the instrial revolution. It was considered a cheaper, simpler way to provide entertainment to the masses. Movies would become the most popular visual art form of the late Victorian age. It was simpler because of the fact that before the cinema people would have to travel long distances to see major dioramas or amusement parks. With the advent of the cinema this changed. During the first decade of the cinema's existence, inventors worked to improve the machines for making and showing films. The cinema is a complicated medium, and before it could be invented, several technological requirements had to be met

『陸』 英國的電影的發展史

英國人參與了電影的發明，1889年，W.多尼索爾普在英國製造了攝影機和轉動架，拍攝特拉法爾加廣場全景；1895年，B.艾克里斯發明了「動力燈」，拍攝了埃普瑟姆地方的賽馬、牛津和劍橋兩校劃艇比賽、基爾運河通航典禮。這是世界上最早的新聞紀錄片，但當時沒有放映機，沒能及時映出。R.W.保羅1896年 3月26日在奧林比亞大廳里為觀眾作了電影的首次商業性映出，上映的節目是他自己拍攝的《多佛海的狂浪》。後來，保羅攝制了許多喜劇短片，其中有《大兵求愛記》，可放映一分鍾。保羅在索思蓋特還建造了製片車間。配備了特技效果的設施.
對英國早期電影最有影響的是布賴頓的幾位攝影師。其中有E.柯林斯、A.G.史密斯、J.威廉森等，這幾位電影先驅，後來被人稱為布賴頓學派。他們最早採用了兩次曝光、移動攝影、迭印、全景、倒拍、停拍等技巧。柯林斯拍過30部影片，其中只有一部《中斷的旋律》保存下來。史密斯在《祖母的放大鏡》（1900）中採用特大特寫鏡頭，銀幕上出現了放大的走動的表、籠中的金絲雀、人的眼睛；他的第一部作品《夜晚》，表現警察提著燈巡夜，沿路照亮了乞丐、醉漢、行竊的小偷，他用攝影機代替人的眼睛，把它變成了活的東西，這種新的手法，可以說是現代蒙太奇的開端。威廉森則在新聞片中自由地交替變換事件地點並採用外景等，他的《士兵的歸來》和《戰前和戰後的後備兵》兩部影片，描繪了真實生活片斷，在銀幕上首次提出社會問題。
當時的電影藝術家和技術革新家還有C.赫普沃思。1897年，他撰寫的《活動攝影術——或電影攝影入門》，是世界上最早電影論著之一。他曾改進沖洗影片器具、印片機和膠片打孔機。1898年他拍攝了《鐵路切斷中的快車》；接著拍攝的《艾麗斯漫遊奇境記》（1903），長800英尺，分16場景，場景間交融銜接；另一部《浪子救人》（1905）利用攝影機述說故事，結構復雜，採取了分鏡頭劇本的串聯、剪輯、搖拍、低角度攝影等技巧；1907年，他還設計過錄音系統。同一時期攝制故事片的還有F.S.莫特肖。他的 《搶劫郵車》、《白晝行劫》（兩部影片均攝於1903年）奠定了驚險片在英國的地位。
早期英國電影除紀錄像片和故事片外，還出現了風景片，如G.潘廷格的《羅伯特•斯科特漫遊南極》（1913），頗受歡迎。1914年，英國電影工作者製作了第一部動畫片。G.皮爾遜導演的《血字的研究》是根據小說《福爾摩斯探案》中的故事拍攝的第一部偵探片；他的另一部影片《厄爾塔斯——死裡逃生的人》（1916），則仿照法國影片《芳托馬斯》樣式，是第一套動作驚險連續片集。
20年代，赫普沃思因拍攝了《阿爾夫的紐扣》（1920）和其它幾部成功作品而名振一時。皮爾遜製作了《一切都不在乎》（1920）、《爆竹》（1921）、《愛情生活和笑聲》（1923）以及《起床號聲》（1924）。英國無聲影片時代最受歡迎的明星B.鮑爾芾就是他培育出來的。另一部受觀眾歡迎的影片是H.肖的《基普斯》（1921），但是，最為傑出而商業上最成功的作品要推G.卡茨的《女人對女人》（1923），它的成功，是製片人M.巴爾康、導演V.薩維爾、劇作家卡茨和他的助手希區柯克，A.以及當時為大家喜愛的好萊塢女明星B.康普遜合作的結果。希區柯克在20年代後期在蓋恩斯巴勒影片公司因執導《快樂的花園》（1925）和《房客》（1926）兩片而成名。這家公司的成功產品還有卡茨的《老鼠》（1925）、A.布魯內爾的《英國老家》（1927）和《永恆的仙女》（1928）。與此同時，也崛起了另外幾位新人：導演兼製片人H.威爾科克斯繼成名作《朱金洲》（1923）之後導演了影片《十夜談》（1924）、《唯一道路》（1925）、《涅爾`格溫》（1926）和《黎明》（1928）；L.戴•科多瓦導演了《她》（1925）；M.埃爾維導演了《阿爾芒蒂埃爾來的小姐》（1926）與《海軍將帥的副官》（1926）。
隨著電影製片事業的發展，英國的電影放映場所逐步脫離游藝場而建起可容幾百觀眾的影戲院，當時還僱用鋼琴師和小樂隊在放映電影時進行伴奏。不久，一批大影院開辦起來，但是自1909年起，美、法兩國影片佔領英國市場，本國影片只佔全國上映總數的15％，因此，英國既不能從國內電影市場收回大量資金，又沒有充足財力投入製作優質影片、同外國影片爭奪國內外市場。第一次世界大戰爆發後，英國電影生產更受影響。從1916年起，英國加征娛樂稅，對影院營業更為不利，電影事業進一步遭到危機。大戰結束後，美國影片源源而來，使英國影片只佔在本國上映影片的5％，出口影片更是屈指可數，因此一些著名製片人如赫普沃思也不得不於1924年關閉製片廠。為保護民族電影，政府當局於1927年正式通過了電影法案，規定限額分配比率，要求1935年須達到總數的20％，使英國影片在全國影院的上映比率逐年提高。此時，新的製片廠如戈蒙特公司、英國國際影片公司和英獅公司先後成立。到20年代末，英國又攝制出一批引人注目的影片，如希區柯克的《決斗場》（1928）、阿斯奎斯，A.的《流星》（1928）和《地下》（1928）、E.A.杜邦的《皮卡迪利大街》（1929）。因為定額分配影院上映率，需要大量影片填補空檔，刺激英國電影出現了一番興旺景象。但是好影片要耗費大量財力和時間，為了供應市場緊缺的需要，出廠的產品仍然是大批質量差、省工省時的平庸影片。
1929年，有聲影片問世。英國面臨的問題同其它各國大致相同，如錄音方法簡陋，設備笨重，影片內容從頭到尾，不是喋喋不休的對白，就是接二連三的歌曲。希區柯克導演的《訛詐》，拍了一半而改為有聲影片，他在運用聲音效果方面，匠心獨運，這部被公認的英國第一部有聲片，對其他導演很有啟發。此後拍攝出了一批較成功的有聲片，包括：希區柯克的《謀殺》（1930），阿斯奎斯的《逃出達特穆爾》（1930）、《正告英格蘭》（1931）和《跳舞吧，美麗的女郎》（1931），薩維爾的《W——計劃》（1931）和《辦公室的少女》（1932），W.福特的《羅馬快車》（1932），威爾科克斯的《神奇之夜》（1932）等。
30年代，英國電影出現了短期的繁榮景象，每年影片生產量為150部到200部，故事片的復興同出身於匈牙利的製片家柯達，A.大有關系，他於1933年定居英國，創辦倫敦電影製片廠以後，攝制了一批成功的影片，其中以《亨利八世的私生活》（即《英宮艷史》，1933）為最。他用新的觀點處理歷史題材，提出社會出路問題，迎合觀眾的民主思想，取得很大成功，該片在國外享受的盛譽，遠遠超過英國其它影片。更為重要的是柯達孜孜不倦、勤奮進取的精神，促使所有電影業的工作人員努力提高專業水平。他為英國影片開拓了向國外輸出的廣闊前景，又給電影事業灌輸了樂觀與奮發的風氣。他的公司還在世界各國收羅人才，禮聘他們來英國工作，推進了英國電影事業的發展。如德國導演P.津納執導的《凱瑟琳女皇》（1934）、美國明星范朋克，D.主演的《唐璜》（1934）、法國導演克萊爾，R.拍攝的《鬼魂西行》（1935）、美國導演兼美工設計家W.C.孟席斯所拍的《未來世界》（1936），都是引人矚目的影片。這家公司製作的影片如Z.柯達導演的《河上刺兒頭》（1935）、《伏象神童》（1937）以及柯達本人拍的《倫勃朗傳》（即《畫聖情痴》，1936）等，都是成功之作。
這時期英國的其它製片人和導演紛紛緊步柯達後塵，由M.巴爾康監制、希區柯克導演的影片《萬事通》（1934）、《三十九級台階》（即《國防大秘密》，1935）和《破壞》（即《薄命花》，1937）都極為成功。此外，薩維爾的《好夥伴》（1933）、《長青樹》（1934）和《鐵公爵》（1935），威爾科克斯的《涅爾•格溫》（1934）、《老德魯里的假腿》（1935）和《維多利亞女皇》（1937），L.門德茲的《猶太人蘇斯》（1934），T.本特利的《老古玩店》（1935），R.史蒂文森的《都鐸•羅斯》（1936），B.維爾特爾的《羅得島》（1936），均獲較高評價。到1937年，英國故事影片產量達到了200多部。但好景不長，大多數製片人不講求質量，拍攝的影片沒有票房價值，加之多數資金來自借貸，年終結算，很少獲利。到1938年，生產驟然下降，英國議會為挽救這個局面，在這年又通過新電影法案，規定提高英國影片在國內上映的分配定額，從1938年的12.5％，逐年增高至1947年的25％；抵制濫拍成本低、質量差的影片；允許外國資金向英國電影事業投資。根據這個條款，美國米高梅公司和20世紀福斯電影公司都投放了它們的資金，在英國開辦了幾家聯合製片廠拍片，如米高梅公司投資的《一個美國佬在牛津》（即《留英外史》，1938）、《城堡》（即《衛城記》，1938）和《再見，奇普斯先生》（即《萬世師表》，1939），福斯公司投資的彩色片《晨之翼》（1937）等。這些影片全都由好萊塢導演執導、好萊塢明星主演，英國方面只提供場地、攝影器械、技術人員和個別演員。英國電影導演這期間也拍出了幾部成功的影片，如阿斯奎斯的《賣花女》（1938）、希區柯克的《失蹤的女人》（即《瓊花劫》，1938）、里德，C.的《銀行休假日》（1938）和《群星普照》（1939）、Z.柯達的《四羽毛》（1939）等。
這幾年，英國電影事業也實行了明星制度，相繼登上明星寶座的是：霍華德，L.、勞頓，C.、G.菲爾茲、唐納，R.、M.奧勃朗、M.洛克伍德、費雯麗、哈里森，R.、奧立弗，L.等。
1929年格里爾遜在英帝國交易局電影部資助下，導演了一部紀錄片《飄網漁船》，反映北海捕撈鯡魚漁民的生活，富有詩情畫意，使他成為英國紀錄片運動的創始人。他主張電影藝術的目的在於社會教育，並認為蘇聯電影是表現電影社會功能的實際事例。他從工商企業得到經濟上的資助，並吸收有志於現實主義影片的藝術工作者參與這個運動。格里爾遜紀錄電影學派的人員中有P.羅塔、B.賴特、E.恩斯特、A.埃爾頓、H.沃特、D.泰勒、S.萊格、A.卡瓦爾康蒂等，他們的作品反映英國社會出現的尖銳問題，如失業、勞動條件差、居住環境惡劣等，在藝術處理上也有新的追求。
第二次世界大戰爆發後，英國電影業無法正常生產，大部分電影界人才被征入伍，故事片生產從1940年的108部下降到1942年的46部。但觀眾反而有增無已，影片的票房收入直線上升。第二次大戰期間，英國郵政總局的電影機構被新聞部合並，成為皇家電影機構，給了紀錄像片工作者施展才乾的良機，他們拍出了一批優秀的紀錄片，如卡瓦爾康蒂的《最初的日子》（1939）、H.詹寧斯和H.瓦特的《倫敦必勝》（1940）、瓦特的《今晚的目標》（1941）、J.福爾莫斯的《海岸司令部》（1942）、詹寧斯的《火已點燃》（1942），R.博爾廷的《沙漠大捷》、P.傑克遜的《西方進軍》（1944），還有英、美合拍，由里德，C.和美國人G.卡寧合導的《真正的光榮》（1945）。這些紀錄片在戰時所起的作用很大。另外還有些故事片也有很大紀實或宣傳的性質，如P.赫斯特和布魯內爾 3人合導的《雄獅添翼》（1939）、鮑威爾，M.的《第49°緯線》（即《侵略者》，1941）、N.科沃德和利恩，D.合導的《我們所在的隊伍》（即《海神》，1942）、迪金森的《近親》（1942）等。其它有關大戰題材的故事片還有里德的《鐵血忠魂》（1944）、鮑威爾的《壯士春夢》（1943）等。與此同時，也拍有不少其它題材的影片。較突出的有柯達的《巴格達竊賊》（1940）、迪克森的《煤氣燈》（1940）和《首相》（1941）、B.迪安的《二十一天》（1940）、帕斯卡爾的《巴巴拉少校》（1941）、里德的《基普斯》（1941）、L.阿利斯的《穿灰衣服的人》（1943）、奧立弗，L.的《亨利五世》（1944）、吉列特的《臭名昭著的紳士》（1945）和《深夜》（即《新聊齋志異》，1945），還有豪華歷史劇《愷撒和克列奧帕特拉》（又譯為《璇宮艷後》，1945）、N.科沃德和利恩，D.合作的《相見恨晚》（1945）等。
J.A.蘭克是在第二次世界大戰時期崛起的英國電影事業家。早在30年代，他開始從事宗教電影的攝制工作。1935年，創辦英國全國電影公司，攝制了第一部商業性電影，同年他與C.M.伍爾夫合辦電影發行總公司。1941年蘭克已掌握有英國 3大電影放映網中的兩大放映網。大戰結束時，他的總公司擴展成了勢力雄厚的聯合企業，擁有英國的製片、發行和放映事業的大部分實權。他雄心勃勃，計劃建立巨資故事片廠，包括兒童片、動畫片部門，攝制新聞紀錄連集片，開辦電影學校，專門培養有希望的童星。他想用巨資大片打進美國市場，把英國電影事業從多年困境之中拯救出來，1947年，他去美國談判推銷他的影片。不料英國政府卻在這時頒布法令，要徵收國外進口影片75％的稅收，美國各家製片公司堅決抵制，好萊塢影片全部停止輸往英國，使各地影院減少了大量片源。蘭克想在美國打開市場的計劃也成為泡影，英國電影界陷入了極為困難的境地。英國政府於是敦促蘭克和其它製片人增產影片以填補空缺。但是英國電影業經濟拮據，影片能收回成本的也為數不多。1948年，英國政府只得撤銷外國影片的進口稅，美國影片又立刻大量涌進，英國影片在本土銀幕上仍無容身之地。英國政府再度規定：美國影片從英國所得利潤必須將其中的一定數額向英國電影事業投資，這種辦法又讓美國電影勢力進一步深入英國電影事業。此時期，蘭克影片公司和別的製片廠比較優秀的作品有：利恩根據狄更斯小說拍攝的《錦綉前程》（即《孤星血淚》，1948）和《霧都孤兒》（1948），鮑威爾和普雷斯伯格的《上天階梯》（即《太虛幻境》，1946）、《黑水仙花》（又譯為《思凡》，1947）和《紅菱艷》（1948），奧立弗自導、自演的《王子復仇記》（1948），里德導演的《虎膽忠魂》（1947）、《倒下的偶像》（1948）和《第三個人》（1949），還有迪金森的《黑桃皇後》（1949）等。
為了維持和保護本國電影事業，英國政府只得仍舊採用上映定額分配辦法，規定從1950年起，分配英國影片上映的定額要增加到30％，可惜當時娛樂捐稅仍保持戰時標准，電影事業所得實惠甚微。英國政府乃於1949年成立國家電影籌資公司，通過該公司將錢借給電影事業；接著1950年又創立英國電影生產基金會，專門支配從電影票上徵收的捐稅，作為補助電影生產。不過，這時候電視越來越受群眾歡迎，電影院的上座率開始以驚人的速度下降。
從50年代起，英國出現了由巴爾康主持的「伊靈喜劇影片」。伊靈是製片廠名，位於倫敦西郊。伊靈喜劇表現實際生活，敢於打破常規，描繪反對官僚主義的人物的各種遭遇，以新眼光觀察生活，溫和地批判貴族階層和人情風俗的繁文縟節。最成功的作品當推哈默的《善人與貴族》（1949），麥肯德里克的《清潔的小島》（1949）、《白衣男子》（1952）和《專門勾引女人的人》（1955）。其它值得提到的有C.克萊頓的《大叫大嚷》（1947）、《拉旺德山暴亂》（1951），H.科尼利厄斯的《史姆利科的護照》（1949）、《日內瓦的婦人》（1953）以及M.江普的《天堂的笑聲》（1950）等。
英國政府限定了美國影片所得利潤的高額百分比要投資在英國事業以後，美國公司開始恢復營業，與英國合作拍片。這一階段英美合拍的較佳作品有J.尼格列斯科的《流浪兒》（1950）、R.沃爾什的《霍恩布洛上尉》（1951）、休斯登，J.的《非洲皇後號》（1952）和《莫比•迪克》（1956），而最傑出的作品則是利恩的《桂河大橋》（1957）。這是一部當時上座率最高的戰爭片。
美國的部分電影工作者由於遭受麥卡錫主義的迫害，紛紛離開好萊塢。導演J.洛西到倫敦定居後，接踵而來的又有卓別林，C.、R.萊斯特、庫布里克、呂美特等。這些人為英國電影藝術作出了貢獻。
英國電影事業多年以來得不到振興，1959年，一夥年輕人以林賽•安德森、托尼•理查德森、卡雷爾•賴茲為首發表宣言並攝制了一系列影片，倡導自由電影運動，這次運動和反對文學與戲劇中傳統價值觀有聯系，也與「憤怒的年輕人」運動的政治和精神抗議相結合。它的基本內容是要求用積極態度來表現藝術工作者的社會責任感，反對資產階級的唯美主義。他們鮮明地反對資本主義的社會現實和道德價值觀，如J.克萊頓的《屋頂閣樓間》（即《金屋淚》，1958），理查德森的《憤怒的回顧》（1959）、《蜜味》（1961）和《長跑家的孤寂》（1963），賴茲的《星期六晚上和星期日早晨》（1960），安德森的《這種運動生活》（1963）。此外重要的影片還有施萊辛格，J.的《戀愛有術》（1962）和《騙子比利》（1963）等。到60年代中，自由電影的調子有所變化，把反抗僅作為個人對待生活態度的一種表現方法而不再具有社會性含義。這種傾向在理查德森的影片《湯姆•瓊斯》（1963）中表現得最為鮮明。60年代末70年代初，自由電影比較重要的作品是安德森的影片《假如》（1968）和《哦，幸運兒》（1973）。在這兩部影片里導演在表現當代社會沖突時把敏銳的觀察和獨創的概括巧妙地結合在一起，在思想上和藝術上都達到了新的高度。
60年代英國利用美國的資金拍了不少影片，其中比較重要的有J.李•湯普遜的《納瓦隆的大炮》（1961）、利恩的《阿拉伯的勞倫斯》（1962）、T.揚的《烏有博士》（1962）、P.格倫維爾的《繩環》（1964）。其它英國名片有G.格林的《憤怒的沉默》（1960）、卡迪夫，J.的《兒子和情人》（1960）、克萊頓的《無罪的人》（1961）、B.福布斯的《一個雨天下午的集會》（1964）和《L形的房間》（1962）、施萊辛格的《親愛的》（1965）和《遠離狂亂的人群》（1967）、L.吉爾伯特的《阿爾菲》（1966）等。
英國國會在70年代又通過一個新電影法案，把本國影片在影院的分配定額提高到30％。增加了電影籌資公司的預算，因為美國投向英國電影事業的資金數額逐漸減少，以至完全停止了。隨著電視越來越普遍，影院上座率不斷降低，盡管提高票價，1976年也落到票房收入的歷史最低點，同年，英國訂立一條稅法，規定外僑影片製作者在全世界范圍收入的75％要交納所得稅，從而阻塞了國外投資。這一年，英國故事片生產降到64部；1977年又降到42部。
70年代上半期英國的重要影片（其中有些是美國導演的作品）有利恩的《瑞安的女兒》（1970）、C.邁爾斯的《處女與吉普賽人》（1970）、R.波蘭斯基的《麥克佩斯》（1971）、J.洛西的《送信人》（1971）、阿頓波羅，R.的《青年時代的丘吉爾》（1972）、 M.弗蘭克的《階級烙印》（1973）、庫布里克的《巴萊•林登》（1975）、拉塞爾的《湯米》（1975）、庫珀的《太上皇》（1975）等。
70年代後期，英國製片業在美國資本牽制下，松木和愛爾斯垂兩大製片廠雖也自己投資拍片，主要還是出租場地去同美國合作。美國著名連集賣座片《超人》、《星球大戰》等是在這兩個製片廠的攝影棚里拍的，還有一部分英國電影創作人員去外國拍片。
進入80年代，英國電影事業有所好轉，1981年的《火的戰車》和1982年的《甘地》兩片連續獲得奧斯卡最佳影片獎。《教育麗塔》（1983）、《當地英雄》（1983）、《印度之行》（1984）等片也獲得好評，1986年，艾非里的《一間可以看見風景的房間》和喬菲的《使命》更獲得廣泛的國際聲譽。
這期間英國影片市場仍然被美國電影所壟斷，在全部票房收入中，英國影片僅佔10％左右，許多影片在國內的收入僅能收回投資的10～40％。
英國的大電影製片廠有「松木」、「愛爾斯垂」、「金波頓」和「圖克南」。主要電影教育機構有倫敦電影學校、民族電影學校，皇家藝術學院、倫敦電視電影學院。主要電影研究機構為英國電影學院（BFI）（建於1933年）。倫敦國際電影節是世界著名電影節，每4年舉辦一次，為非競賽性的。主要電影出版物有《畫面與音響》（1932年創刊）和《銀幕》（1959年創刊）。

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『捌』 好萊塢電影發展史

好萊塢電影自誕生後不久就在國際上占據了重要的地位，時至今日已成為世界電影工業的霸主，活躍於世界的每一個角落。縱觀好萊塢發展史，好萊塢電影美學風格在上世紀的六、七十年代有一次較大的變化，在此之前可以稱為經典好萊塢時期，而之後則可成為新好萊塢時期。

第一次世界大戰結束以後十年中間，對於美國電影而言，乃是一個征服全世界的興盛時期。外國影片在美國兩萬家電影院的上映節目中已經完全消滅。在世界各國，美國影片占著上映節目60～90％的優勢，每年約有兩億美元被用來生產800多部影片。電影方面的投資超過15億美元，這樣大的資金使電影事業在美國成了一種大規模的工業，在資本上可以與製造汽車、罐頭、鋼鐵、石油、紙煙這些美國最大的工業相比擬。派拉蒙、勞烏、福斯、米高梅、環球這些大製片公司，支配著影片的生產以及全世界影片的上映和發行。它們和華爾街的金融巨頭如柯恩·洛埃伯銀行、通用汽車公司、杜邦·德·奈莫爾、摩根、洛克菲勒等密切地結合在一起。

自從格里菲斯失勢之後，金融資本家所重視的已不是導演，而是電影明星。後者成了製片公司的一種工具或者商標。從這時起，影片的真正主人是製片人，也就是那些被華爾街的銀行家所賞識與選定的企業家。電影導演和照明技師、攝影師、布景設計師一樣，只不過是每周領取一定報酬的受雇者而已。製片人利用解除合同這種暗中威脅的辦法，把導演過去所掌握的大部分實權，如對主題、明星和技師的選擇、劇本和蒙太奇的仔細推敲、布景和服裝的監督等等，全部奪取過去。

這樣一來，製片人便成了決定藝術成敗的一切因素的主人。他最關切的乃是怎樣多賺錢，他的董事會也只根據影片的利潤率來估量他的價值。因此攝制影片完全以票房收入為指導原則。他們對獨立的影評家的評論，滿不放在眼中，而事實上，這種影評在美國當時可說幾乎全未存在。

但製片人自己只在幕後指揮一切。在好萊塢露面的乃是電影明星，而「明星制度」也成為好萊塢征服世界的基礎。觀眾對電影明星的崇拜是用幾百萬張簽名的照片來維持的，廣告和宣傳在這些偶像周圍創造一種傳奇的氣氛。明星的戀愛、離婚以及他們所使用的化妝品、住宅、他們喜愛的動物，在某些國家成了一般人關心和津津樂道的題材。「明星制度」甚至使魯道夫·范倫鐵諾、瑪麗·璧克馥、道格拉斯·范朋克、格洛麗亞·史璜遜、華萊士·雷德、約翰·基爾伯特、梅·茂萊、瑙爾瑪·塔爾麥琦等人變成了真正被崇拜的偶像。

一些有名的宗教團體對這種競爭深感不安。清教徒對好萊塢展開了一起起攻擊，這些攻擊又因一些明星醜事的傳播（如：華萊士·雷德因吸毒和酗酒而身死，某一舞女在有胖明星亞布克爾參加的一次宴會上遭到了謀殺，以及某些明星曾犯謀殺或因戀愛犯罪等等），而變得更加猛烈。

此時資本家成立了一個名叫「美國製片人與發行人協會」的機構，這個機構是由一個虔誠的清教徒、共和黨領袖威廉·海斯負責組織起來的。按照海斯的說法，電影變成了旅行商人，「商品跟在影片後面，凡是美國影片深入的地方，我們一定能夠銷售更多的美國貨物」。

當好萊塢了解到這種國際使命時，美國某些明星扮演的人物也發生了變化。道格拉斯·范朋克在「三角影片公司」時曾幽默地扮演一個強壯、天真、樂觀、為女人所喜愛的美國英雄，但到後來卻在墨西哥的《佐羅的標記》、法國的《三個火槍手》、英國的《羅賓漢》、東方的《巴格達竊賊》及《黑海盜》中變成一個不可戰勝的大力士，一個無所畏懼和無可指責的騎士和保衛正義而且總是獲得勝利的人。隨著年歲的增長，范朋克日益喜好巨大的布景、極端的豪華和神秘的力量。

拒絕把自己附屬於明星的導演為數可說極少。隨著好萊塢的建立，電影先驅人物不是日趨沒落就是銷聲匿跡。托馬斯·英斯已經故世；麥克·塞納特雖然還在繼續攝制一些優良的作品，但他的聲譽卻並未因此增長；至於格里菲斯此時則正在逐漸走下坡路。標志格里菲斯登峰造極的作品，在美國乃是他的《一個國家的誕生》，在歐洲乃是他的《被摧殘的花朵》，在電影藝術方面則是《黨同伐異》。但是，商業上的失敗終於註定了格里菲斯的悲慘命運。這位被列入製片廠黑名單的偉大藝術家，在他以後殘余的二十幾年生命中，再也沒有機會導演一部影片了。好萊塢的拜金主義把它的創始人都毀滅了。

格里菲斯的沒落，正好和西席·地密爾的興隆形成鮮明的對照。後者的庸俗的商人氣息和浮誇的作風，成了好萊塢影片四十年以來的特徵。他拍了各種樣式的影片，從浮華喜劇《男性和女性》和其他由格洛麗亞·史璜遜主演的影片，一直到場面豪華的反蘇宣傳片《伏爾加的船夫》和反對無神論的鬧劇片《不信上帝的少女》（片中有對兒童監獄的傑出描寫），凡是能夠賺錢的影片，他都加以攝制。地密爾最成功的作品是一些帶有濃厚游藝場氣氛的大型片，在這些大型片中，地密爾除了取材於聖經上的故事以外，還加進了一些色情的描寫。好萊塢給他一筆格里菲斯所得不到的資金來攝制場面浩大的影片《十誡》和《萬王之王》。地密爾由於承襲了義大利電影的老傳統，結果成了最能賣座的商業性影片的導演之一。弗萊德·尼勃羅模仿他的例子，替高德溫和梅育拍了一部叫做《賓虛傳》的巨片，這部影片花去了600萬美元的攝制費，雖然風行一時，可是收入卻不過400萬美元。

好萊塢這個驟然之間交了紅運的城市，具有暴發戶們的那種低級趣味，他們建造的豪華的別墅，硬把羅馬的露天劇場和洛可可式的堡壘，天主教的大教堂和摩天大樓結合在一起。這種建築上東拼西湊的誇張趣味連同那種說教式的象徵趣味，在根據勃拉斯哥·伊巴涅茲的原作改編的影片《啟示錄四騎士》里表現得最為突出。這部由雷克斯·英格蘭姆導演、使范倫鐵諾因此成為明星的超級影片在上映收入上打破了紀錄。英格蘭姆在其他影片中——例如在無聲電影末期他將結束電影生涯時在尼斯攝制的那些影片中——也顯示出這種講究形式的作法。

好萊塢在成為國際上的強大勢力以後，它攝制的題材也變成國際化了。在它最賣座的無聲片中，以美國為背景的為數很少。在這些影片中，只有詹姆斯·克魯茲導演的那部極著名的《篷車》直接取材於美國歷史，是一部歌頌開拓西部地區者的史詩。 西部片由於托馬斯·英斯和W．S．哈特的功勞，曾提高到藝術的水平，但此時的西部片，除了象約翰·福特的《鐵騎》這樣極例外的影片以外，又變成了一種廉價影片的同義語，由一些專門迎合平民觀眾的導演和無名的演員粗製濫造地攝制出來。美國電影這種「失去本國特性」的傾向成了極其普遍的趨勢。亨利·金雖然還能按照托馬斯·英斯和格里菲斯的傳統，導演了一部完美的、描寫美國地方生活的影片《孝子大衛》，可是人們不但不鼓勵他沿著這一方向前進，反而導使他去攝制一些流行的言情小說（如《史泰拉恨史》），或者象他以後在羅馬攝制的那些影片那樣，向著義大利那種場面巨大的影片方向去發展（如《羅莫拉》、《白修女》等）。

由於金融資本的國際聯合、審查制度的嚴格、流行小說被有系統地搬上銀幕、明星制度、專為賣座的打算和製片人的拜金主義這些原因，使得美國電影藝術日趨貧乏，這種貧乏和物質的豐富相形之下，顯得更為突出。但美國電影中至少還存在著一個作品豐富的喜劇學派和幾部例外的作品，這些影片幾乎都是由外國籍的導演攝制出來的。萊昂斯·彼雷給美國人培植了對浮華喜劇的愛好，加斯尼埃則是系列影片的創造者之一。除這兩人以外，還可以舉出肖塔爾、阿爾倍·卡普拉尼，以及協助卓別林導演《巴黎一婦人》的阿巴迪·達拉斯特。

1920年以後，好萊塢為了打倒它的競爭者，大量吸收外國籍的優秀導演和演員前往美國。 莫里茨·斯蒂勒帶著葛麗泰·嘉寶來到美國。但他專門為從德國來的演員波拉·尼格麗和強寧斯導演影片。他導演的《帝國旅館》和《罪惡之街》這兩部影片，無論在藝術上或商業上來說，都不是很成功的作品。與斯蒂勒相反，嘉寶在美國卻大走紅運。這位著名的女悲劇演員，確實是好萊塢一棵搖錢樹，同時也給好萊塢的攝影棚帶來了藝術。廣告宣傳使嘉寶成了傳奇式的人物。她所主演的影片片名本身就具有一種宣傳性質，如：《誘惑的女人》、《肉與魔》、《仙女下凡》、《神秘夫人》、《野蘭花》、《接吻》等等。她在傳奇式的故事中表現了歷史上最著名的多情女子。

除了嘉寶以外，斯堪的納維亞半島的移民，對好萊塢幾乎沒有帶來什麼貢獻。但從德國來的移民，特別是斯特勞亨、劉別謙、馮·斯登堡，卻對美國電影有很大的貢獻。歐洲電影的示範作用，使幾個美國導演傾向於攝制一些藝術性超過商業性的影片。他們之中有幾個確實達到了藝術的水平。有聲電影興起的前夕，美國出現了一批有才能的新電影導演，這些導演在某種程度上開始接替了先驅者的地位。

好萊塢在它歷史上最繁榮時期，它的電影先驅者和歐洲最偉大的電影藝術家，與其說是加以利用，毋寧說是加以排斥。隨著好萊塢的世界霸權的建立，它大部分生產就陷於毫無意義和追求豪華場面的停滯局面。

1927年10月23日，阿蘭·克勞斯蘭德攝制的有聲響、對白和歌唱的《爵士歌王》的第一次上映，標志著電影已進入了它的歷史的一個新時代。有聲技術的運用使電影中復雜的敘事與流暢的對話成為可能，這一切促成了經典好萊塢電影濃重的戲劇化風格。同時這種風格也符合當時的製片廠制度。由好萊塢巨鱷麥克•塞納特創造的製片廠制度客觀上要求電影必須以迎合最廣大觀眾的審美需求為目標，而傳統的被大眾所熟悉的戲劇化美學觀顯然是最好的選擇。類型電影在這樣的背景下應運而生。這些被克拉考爾稱為迎合觀眾「深層集體心理」的影片，通過程式化的情節、類型化的人物，迅速占據了觀眾的視野，科幻、歌舞、犯罪等形式的類型片得以在世界影院中大行其道。

西部片作為最「美國化」的類型片在經典好萊塢時期佔有重要的地位。西部片頌揚、推崇那種粗獷的個人主義和適者生存的精神，體現著善必勝惡的道德理想，因而在美國影壇上長盛不衰。弗雷德•金尼曼拍攝於1952年的《正午》就在很多方面體現了西部片的特徵，或者說是體現了經典好萊塢時期影片的特徵。 然而，《正午》雖然在很多方面有著經典好萊塢的影子，但它決不算是一部地道的經典好萊塢電影。事實上這部拍攝於1952年的影片在好萊塢發展史中扮演著新舊兩時期轉折點的角色。《正午》中最明顯異於傳統好萊塢影片的莫過於對凱恩這個形象的塑造。傳統西部片中的英雄形象往往代表著絕對的正義與公理，而凱恩在影片中卻處在一個尷尬的境地。由於小鎮居民不肯幫助這個曾經保衛他們的警長，使得凱恩的對立方不僅是惡棍，甚至還包括了小鎮居民。影片對凱恩作了大量的心理描寫，他開始思考自己的立場與行為，思考自己的何去何從。《正午》中塑造人物避免了過於類型化，對以往的警長形象也有了一定地顛覆，影片還放棄了西部片一貫的大團圓結局，選擇了凱恩扔掉警徽離開小鎮作為結束，增強了故事的客觀性。

《正午》拍攝於1952年，而這恰是好萊塢黃金時期剛剛結束的時間，好萊塢隨之進入了一段困頓的低潮期。直至上世紀的六、七十年代，隨著西方社會後工業化、後社會化的愈演愈烈，新的社會藝術思潮泛濫。這些新思潮激盪著人們的思想，改變了人們對於藝術的欣賞取向和接受程度。電影的觀眾群體也發生了變化，經典好萊塢時期電影的風格已不能滿足他們的觀影需要了。四十年代的義大利新現實主義運動和五十年代的法國電影新浪潮沖擊和影響了當時的美國影壇，加速了好萊塢電影的變化。於是以亞瑟•佩恩的《邦尼與克萊德》為代表的一批「新式」的影片應運而生，也拉開了新好萊塢時期的序幕。

新好萊塢時期描寫人物的典型手法是，影片中的主人公不再是善惡分明的類型化人物，而是具有更加復雜的內心世界。新好萊塢注重人物的立體化與心理化，增加了影片的層次與深度。新好萊塢電影的敘事特點，即在繼承好萊塢善於講故事傳統的基礎上，將影片的故事納入到廣闊的社會背景中，為影片融入真實性與社會性，使好萊塢電影較之以前更加具有社會意義與深度。

新好萊塢電影還受到歐洲電影的深刻影響。商業電影藝術化、藝術電影商業化成為這一時期電影發展的一個趨勢，許多歐洲藝術電影的處理方法被用於好萊塢電影中。

從經典時期到新時期，電影在好萊塢這塊土地上經歷了半個世紀的演變，無論是故事結構還是人物形象或是觀念意識，都發生了巨大的變化。經典好萊塢時期的一套手法在當代已不能滿足觀眾的需要，而更善於適應社會時代需要的新好萊塢電影卻悄然占據了觀眾的視線。

從70年代到80年代的過渡時期，新好萊塢完成了自己的使命。近10年的時間，美國每年生產200部左右的影片，電影與電視爭奪觀眾的競爭已達到平衡。電影保持著10到12億的觀眾，並且有了自己的越來越廣闊的海外市場。據1993年的統計證實，美國電影國內票房收入達52億，發行收入26億。視聽產品的貿易順差僅次於飛機製造出口業，為美國第二大行業。在全年世界銀幕上上座率最高的10O部影片中美國影片佔88部。

好萊塢電影通過自身的調整完成了向後工業時代的過渡，至今仍雄踞世界電影工業金字塔的頂端，顯示出其強大的生命力。通過對好萊塢的全面考察，有助於我們對日常生活中電影的思考，有助於我們對自己的民族電影的判斷。對一般觀眾來說，可以作為娛樂方式看待好萊塢電影；對電影創作者來說，可以學習好萊塢式商業電影獨特的藝術形式的規則；對於製片人來說，可以從好萊塢式的商業規則中，學習好萊塢的電影理念和運作方式；而對理論家來說，可以通過對好萊塢特性的認識反思的歷史和問題。考察好萊塢的電影史對於中國電影產業的發展，不可不說是有所裨益。

『玖』 好萊塢電影的發展歷史

1853年，好萊塢只有一棟房子。

1870年，這里已成為一片興旺的農田。

1886年，從房地產生意發財的富商哈維·亨德申·韋爾考克斯在這里買下了0.6平方公里的土地。好萊塢這個名字來自英語的「holly」（冬青）。韋爾考克斯的夫人一次旅行時，聽到她旁邊的一個人說她來自俄亥俄州的一個叫做好萊塢的地方。她很喜歡這個名字，回到加州後就將她丈夫的農庄改稱為好萊塢了。韋爾考克斯計劃在這里建造一座小城。

1887年2月1日他在地區政府正式注冊此名。在他夫人的幫助下他鋪設了今天的好萊塢大街做為城市的主街，在這條大街和其它大街的兩旁種了胡椒樹並開始出售產權。他的夫人募資建了兩座教堂、一座學校和一座圖書館。為了使好萊塢名符其實，他們還進口了一些英國冬青，但這些植物在加州的氣候下沒有存活很久。

1900年，好萊塢已經有一間郵局、一家報社、一座旅館和兩個市場，其居民數為500人。10萬人口的洛杉磯位於市東11公里處。在好萊塢和洛杉磯間有一條單軌的有軌電車，但這輛電車的運行不準時，每程時間為兩小時。

1902年，今日著名的好萊塢酒店的第一部分開業。

1903年，好萊塢成為一個鎮。當年下的兩個命令是：除葯店外其他商店禁酒，以及不準在街上驅趕數量多於200的牛群。

1904年，一條新的被稱為好萊塢大街的有軌電車開業，使好萊塢與洛杉磯間的往返時間大大縮短。

1910年，好萊塢的居民投票決定加入洛杉磯。原因是這樣他們可以通過洛杉磯取得足夠的飲水和獲得排水設施。

1960年，女演員喬安娜·伍德沃德得到了第一顆星的殊榮。

1985年，好萊塢的商業和娛樂區被正式列入美國受保護的歷史性建築名單。

1999年，洛杉磯的地鐵開通到了好萊塢。

2001年，柯達劇院(Kodak Theatre)在Highland大道開業，成為奧斯卡獎頒獎禮新的舉辦場所。

2002年，一些好萊塢居民發動了一個讓好萊塢自主獨立，不再是洛杉磯一部分的運動。好萊塢市政府決定讓所有洛杉磯居民投票表決。獨立運動被以絕大多數否決。

(9)英文電影市場發展史擴展閱讀：

電影工業——

20世紀初，紐約和新澤西的電影公司開始遷向加州，原因是這里的天氣好，日照時間長。雖然當時已經有電燈了，但當時的電燈還不夠亮，當時最好的光源是陽光。除此之外，加州視野寬廣，有各種不同的自然風景。此外當時托馬斯·愛迪生持有電影的專利，而加州離新澤西非常遠，因此愛迪生很難在這里控制他的專利權。

在美國東岸，獨立的電影公司經常被愛迪生和他的代理人訴訟。在遙遠的加州沒有那麼多愛迪生的部下。即使他派人來加州，他的人往往比其消息來的晚，這樣一來這里的電影製造商就可以及時躲到附近的墨西哥去了。

1911年第一個電影工作室在好萊塢開業，同年已有15個其它的工作室在這里定居，成千上萬的夢幻製造者緊隨而至。

1923年，今天成為好萊塢象徵之一的白色大字「HOLLYWOOD」被樹立在好萊塢後的山坡上，本來這個字後面還有「LAND」四個字母，是一家建築廠商為了推銷新建好的的住宅社區設置的廣告看板。但它們被樹立起來以後就沒有人去管它們，以致漸漸荒廢。

一直到1949年，好萊塢商會將後面的四個字母去掉，並將其它字母修復。這個招牌今天受到商標保護，沒有經過好萊塢商會的同意，無人有權使用它。

1929年5月16日，奧斯卡金像獎第一次頒發，當時的門票是十美元，共有兩百五十人參加。