法國電影的光影

Ⅰ 法國電影蝴蝶關鍵詞

法國天才童星柯萊兒布翁尼許是本部影片的亮點。她將一個生活在單親家庭的，聰明伶俐又孤獨敏感的小姑娘麗莎演繹得如此傳神。她的笑容與憂傷，是整部片子的光影，牽扯著所有觀者的視線和神經。
所以本片在法國上映時，吸引了上百萬觀眾前去觀看，票房突破了2億元。這其中，柯萊兒布翁尼許的出色演技居功至偉。她那雙純澈的藍眼睛，羞怯迷人的笑容是這個殘酷世界的抗體，任誰都無法拒絕這樣一個精靈的慰藉。
結尾使人感覺到 這一老一小已經變成了有趣的搭檔，在相互啟迪，相互關愛中，踏上了走向大自然的旅程。電影中的主題曲，就是這一老一小在冒險路上的風趣對話。鄰居爺爺冷靜肅穆，不苟言笑，小麗莎活潑可愛，總有問不完的話題。

《蝴蝶》看似兒童電影，其實劇本寫得聰明巧妙、深入淺出、舉重若輕，在每個問題的背後，都隱含了人生的哲理。這些來自法國的"心靈課題"，可讓大朋友在會心微笑之餘，去思考學習。
片中的小女孩熱情活潑，老爺爺冷靜嚴肅，兩人個性迥然不同。但就某個層面來看，他們卻像兩個小孩子，會彼此鬥嘴、嘲弄和反駁。正如同毛毛蟲會慢慢地變成蝴蝶(蛾)，這一老一小的有趣搭檔，一旦踏上了大自然的旅程，經歷不同階段的相互啟迪，關系也開始有了微妙的轉變……。這位天才童星在劇中純真自然的表現，讓導演喜歡她、攝影師喜歡她，身為觀眾的您，也一定會喜歡她!

Ⅱ 光影的藝術-電影

        七大藝術：文學，戲劇，繪畫，音樂，舞蹈，雕塑，電影。電影是來的最晚的藝術。

        1電影的原理

視覺暫留

視覺實際上是靠眼睛的晶狀體成像，感光細胞感光，並且將光信號轉換為神經電流，傳回大腦引起人體視覺

長久以來人們一直以「視覺暫留原理」來解釋這道轉譯程序。所謂視覺暫留，即指影像在人眼視網膜上持續約十分之一秒之後才會完全消失。

幻盤

2.電影的歷史

2.1前身

中國古代的皮影戲算是電影的鼻祖了。表演時，藝人們在白色幕布後面，一邊操縱影人，一邊用當地流行的曲調講述故事，同時配以打擊樂器和弦樂，有濃厚的鄉土氣息。其流行范圍極為廣泛，並因各地所演的聲腔不同而形成多種多樣的皮影戲。皮影戲始於西漢，興於唐朝，盛於清代，元代時期傳至西亞和歐洲。

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2.2誕生

1872年的時候，在美國加利福利亞州的一個小酒館里，加利福利亞州州長和一個朋友喝酒嘛，兩個人酒喝多了不就喜歡找事情做嘛。兩個人酒打起賭來了。州長就說說：馬跑起來的時候，有一個瞬間是四個蹄子騰空的，他的朋友說：不可能，不管怎麼跑，肯定有一個腿是著地的。兩個誰都不能說服誰，然後就吵起來了。這時候旁邊的那些吃瓜群眾肯定要拉架啊，可是大家也沒辦法，因為馬跑得太快了啊，都看不清到底有沒有著地還是騰空，裡面剛好有一個攝影師想起了一個點子，讓馬在跑道上面跑，跑道一邊放24個木樁，一邊放24個攝像機，每個木樁和攝像機的快門之間之間都用線連著，如果那個馬跑過去，就會把線踢斷了，然後快門也一次拍下了24張照片。等攝影師把這些照片拼成了連貫的照片帶後，快速牽動這個照片帶發現這匹馬競然動起來了。這個時候就是電影的雛形誕生。

2.3發展

2.3.1愛迪生發明活動視鏡

這個攝影師穆布里奇就帶著這些照片世界各地做演講，然後在1888年，一次演講的時候遇到了愛迪生，發明大王啊當時，攝影師就像見到了偶像一樣。那時候愛迪生最著名的一個專利是留聲機，然後和攝影師交流過後，就有要不也發明一個留影機看看。果然到了1891年，發明了世界上第一台電影攝影機。畢竟他是個生意人嘛，就想著怎麼把這個東西迅速商業化。於是就按照留聲機最早的推廣套路：就讓觀眾挨個聽，聽一個收一次費用。他就想怎麼把這些拍攝的膠片放在一個東西裡面放，然後看一次收一次費用。還真被他搞出來一個活動視鏡的東西，就是一個密封的箱子，觀眾要把眼睛對著箱子裡面的一個小孔去看。以每秒48個鏡頭的速度演放了1440張不同而又連貫且依次變化的照片，在這半分鍾內人們看到的是完全活動的影象，現代電影由此產生了。於是1894年4月14日，10台設個活動視鏡在美國百老匯首次營業。每台放一部電影，每部電影持續大約二十秒。觀眾交二十五美分，可看五部電影。這一天，愛迪生賺了一百二十美元，也就是說，首批電影觀眾差不多有五百人。

因為愛迪生沒有在歐洲注冊攝影機和活動視鏡的專電利他在美國注冊專利時，專利局的官員問他是否願意多交一百五十美元，把專利權擴展到法國和英國，他斷然拒絕，認為不值。等到他發現影可以帶來巨額利潤，法國和英國的發明家成為他最強有力的競爭對手時，已經太晚了。

2.3.2盧米埃爾兄弟的改進

盧米埃爾兄弟在愛迪生的基礎上做了一些改進。一是將以電力驅動（那個年代的發電設備很龐大，不像現在這么袖珍）的的愛迪生攝影機改造成了手搖便攜攝影機，可以隨時隨地進行拍攝；二是沒有沿用愛迪生的一次只能一個人觀看的活動視鏡，而讓廣大吃瓜群眾都能觀看的放映機。

1895年12月28日，世界上第一次電影正式公映，盧米埃爾兄弟放映了影片：工廠的大門，火車到站，水澆園丁，嬰兒的午餐等。至此，世界上第七藝術，光和影的藝術——電影正式誕生了。

所以現在你若問美國電影界的人，他們會異口同聲地回答：「是愛迪生發明的。」但你如果去問法國人，他們則會說：「是盧米埃爾兄弟！」那麼誰才是電影真正的發明者呢？答案：兩個人都是！

2.3.3電影的幾個時代交替

1.默片時代（20世紀初-1927年）：蒙太奇的剪接手法（根據影片所需要表達的內容，把分切的鏡頭組接起來的技術）默片通過大量浮誇的身體動作和表情讓觀眾明白其中想要表達的東西。誕生了很多的大師，很多優秀的作品 。其中最優秀的當屬卓別林

我們現在都知道電影播放是24格1秒的，但是在默片時代都是16格1秒的，why？根據當時的數據，如果這個低於15格每秒，每一個畫面，如果長於1/15秒，人就記住這個畫面了 ，他就不會感覺到，這個畫面是連續的動作，他就看到的是一格一格的畫面，所以16格基本上是最低的讓大家看到這個畫面連續在動的這樣一個速度。如果用16格拍，用16格放出來，那麼看到基本就是正常的畫面 。看默片覺得快，因為那時候播放電影是用手搖播放的，手搖不是機器有固定的頻率，可能時快時慢，導致我們看卓別林的電影的時候經常感覺一驚一乍。隨著馬達的普及，電影拍攝與放映的標准速度呼之欲出，但始終還差臨門一腳，那就是有聲電影的發明。當時的電影錄音設備一是華納兄弟公司和Western Electric主推的Vitaphone，採用蠟盤發聲技術，以24格作為標准速度。以及福克斯主推的Movietone，採用片上發聲技術，以21格為標准，後來也很快調整到24格。有聲電影要求畫面和聲音嚴格同步和膠片行走速度的絕對穩定，所以手搖式攝影/放映一定要被電動馬達取代。人眼或許能容忍畫面時快時慢，但對耳朵來說，輕微的速度變化就會引致聲音頻率或音調的極度失真，每秒差三格人的耳朵就會覺得無法接受，這對看電影的人來說絕對是無法接受的。

2.無聲電影到有聲電影：第一部有聲片爵士歌王於1927年10月在紐約首映。發生了天翻地覆的革命，許多默片時代的大師，都紛紛抵觸有聲電影。有聲電影承載的信息量空前的大，突然從1000多個鏡頭，60-70分鍾的電影到幾百個鏡頭，90-120分鍾的電影。過去時候只剪畫面，現在聲音也要剪了 。第一部有聲片《爵士歌王》於1927年10月在紐約首映，當時美國的大部分電影院還未安裝完畢聲音設備。其實攝影和放映的搖速矛盾在《爵士歌王》中亦有體現。影片的無聲段落是手搖拍攝的，攝影師仍然習慣偏慢的搖速，當以24格的標准速度放映時，Al Jolson的步伐就顯得又快又硬，但到有聲的段落就正常了。《爵士歌王》的成功席捲美國，從此好萊塢片廠開始硬性規定那些仍堅持手搖的攝影師以24格每秒的速度進行拍攝。1932年3月15日這天，24格每秒被正式審定為有聲電影的標准拍攝和放映頻率，得到全球電影界的承認，直至今日。

小插曲：關於電影為什麼一般是兩個小時長呢？有一句話特別有意思，因為2小時就是人類憋尿的極限。憋住了尿，看完了電影。有一句話叫做全程無尿點 ，就是這個意思。當然這是一句調笑的話，實際上經過各種大數據的分析，2個小時是人類注意力的極限，超過2小時，注意力就會分散了，所以現在電影基本上都在2小時左右。

3.再到了彩色電影的時候：1935年，美國拍攝出彩色影片名利場，標志著世界上第一部彩色電影的出現又發生了一次革命。有了顏色之後，畫面更加真實了。色彩增加了電影對自然世界的表現能力，以前電影一片黑白，現在通過顏色來表達感情，比如說：姑娘臉紅了現在就可以看出來是害羞了。

4.取消膠片改為數字化。電影拍攝門檻降低，小鮮肉也可以拍了，哈哈。膠片時代，基本上每次電影都是要2，3片就過的。你要多拍也拍不了，膠片每次就那麼點，用完你就拍不了了。今天數字化了，你拍個幾百條也沒事情。

每次變革都會引起大部分人的反感，就如現在人工智慧要來臨一樣，很多人都對於這種新事物有恐懼感，都說可能會取代人類之類的話。但是之前狗熊發過的一篇文章，我看了感覺

3.奧斯卡獎

說到電影那肯定要說下電影界中的幾大獎項了，

1.德國的柏林國際電影節的金熊獎

2.法國的戛納國際電影節的

3.威尼斯電影節的金獅獎

4.就是我們今天要講的奧斯卡金像獎了。也是目前電影界公認的最有權威，影響力最大的獎項了。

奧斯卡獎， 全稱電影藝術與科學學院獎工會獎。

學院成立

1927年5月，「好萊塢之王」——米高梅公司總經理梅耶在一次晚宴上，向在座的同行提出了一個設想：「應該把好萊塢的精英分子們都集中起來，組成一個團體。它包括演員、導演、編劇、攝影師，當然還有製片人。使他們成為好萊塢的支柱，讓他們調解糾紛，或者在製片廠里起疏導作用。

應運而生

1927年5月4日，在美國電影藝術與科學學院成立的宴會上，由與會者提議發起，並於1929年5月16日在好萊塢舉行第一次授獎典禮。當時參會的人約270人。第一個奧斯卡金像獎頒發給了埃米爾·傑林斯（Emil Jannings），他獲得了第一屆奧斯卡最佳演員獎。奧斯卡獎從頒發的最初開始，就受到了電影業及大眾的高度關注，傳媒也積極參加轉播。在第二屆典禮上，洛杉磯電台進行了一小時的實時現場轉播。

「奧斯卡」這個名稱的來歷說法不一，較為可信的是，1931年學院的一個圖書管理員看了獎杯後說：「啊！他看上去真像我的叔叔奧斯卡！」剛好被一個記者聽到了，記者部就喜歡八卦嗎：「藝術與科學院的工作人員深情地稱呼他們的金塑像為「奧斯卡。」

金像獎的評選經過兩輪投票，第一輪是提名投票，先由學院下屬各部門負責提名(採用記名方式)，獲得提名的影片，將在學院本部輪流放映，觀後學院的所有會員再進行第二輪投票(採用不記名方式)，最後得票的多少決定影片的獲獎。票數統計後存入保險箱，選票全交美國的普萊斯-活特豪斯會計事務所加以統計。 統計後的用紙則全部燒毀，絕對保密。各項獲獎名單，分別裝入密封的各個信袋，直到頒獎當日當刻，由司儀當眾拆封宣布。

現在也正值頒獎季，前幾天剛剛第90屆頒獎典禮結束。

今年的奧斯卡獎影片還沒有看

4.奧斯卡獎100周年

一般喝紅酒的都知道1982年紅酒是最好的。因為這是上個世紀紅酒釀造條件最好的一年，降雨和氣溫都非常適合葡萄種植，所以這一年份的葡萄酒就賣的特別的貴。

在電影行業也有這樣的一年，就是1994年。有人說上帝想看電影了，也有些人說這是電影誕生100周年，很多導演想為這100歲生日送上自己的大禮。翻看IMDB上榜影片排名，前50名中這一年佔了4席，前20佔了3部。

      國外

1.肖申克的救贖

2.阿甘正傳

3.低俗小說

4.這個殺手不太冷

5.天生殺人狂

6.獅子王

7.西西里的美麗傳說

8.真實的謊言

9.夜訪吸血鬼

國內

1.陽光燦爛的日子

2.活著

3.飲食男女

4.東邪西毒

5.重慶森林

6.周星馳九品芝麻官，國產凌凌漆，大話西遊

    5.我最喜歡的電影

這個電影看了應該有10幾遍了，剛開始的時候都是把它當作喜劇片看，宿舍裡面沒事兒干，找搞笑影片來看。後來明白：電影反映的就是我們的生活，我們的生活有時候和電影一樣。並不是一帆風順，如此完美，總有陰晴圓缺，即使強如孫悟空，也有很多無奈的時候，無奈也不是辦法，還不是要好好的西天取經。

用心去感受如電影般的生活呢？品味著電影之外，生活之中的感情。也許，我們得不到我們日思夜想的，也最終失去了起初牽手的美好，可是，還有記憶 ，生活還得繼續。

6.你呢？

Conflicting modification on March 11, 2018 at 11:19:34:

第三期讀書會預告

   

1995年正值世界電影100周年，所以這幾年間誕生了許多膾炙人口的電影大作。

七大藝術：文學，戲劇，繪畫，音樂，舞蹈，雕塑，電影。電影是來的最晚的藝術。

中國自己拍攝的第一部電影：定軍山1905年12月28號（清朝）上映，目前該片已經失傳

1電影的原理

視覺暫留

視覺實際上是靠眼睛的晶狀體成像，感光細胞感光，並且將光信號轉換為神經電流，傳回大腦引起人體視覺

長久以來人們一直以「視覺暫留原理」來解釋這道轉譯程序。所謂視覺暫留，即指影像在人眼視網膜上持續約十分之一秒之後才會完全消失。

幻盤

2.電影的歷史

2.1前身

中國古代的皮影戲算是電影的鼻祖了。表演時，藝人們在白色幕布後面，一邊操縱影人，一邊用當地流行的曲調講述故事，同時配以打擊樂器和弦樂，有濃厚的鄉土氣息。其流行范圍極為廣泛，並因各地所演的聲腔不同而形成多種多樣的皮影戲。皮影戲始於西漢，興於唐朝，盛於清代，元代時期傳至西亞和歐洲。

http://www.iqiyi.com/w_19rtgdqh.html

2.2誕生

1872年的時候，在美國加利福利亞州的一個小酒館里，加利福利亞州州長和一個朋友喝酒嘛，兩個人酒喝多了不就喜歡找事情做嘛。兩個人酒打起賭來了。州長就說說：馬跑起來的時候，有一個瞬間是四個蹄子騰空的，他的朋友說：不可能，不管怎麼跑，肯定有一個腿是著地的。兩個誰都不能說服誰，然後就吵起來了。這時候旁邊的那些吃瓜群眾肯定要拉架啊，可是大家也沒辦法，因為馬跑得太快了啊，都看不清到底有沒有著地還是騰空，裡面剛好有一個攝影師想起了一個點子，讓馬在跑道上面跑，跑道一邊放24個木樁，一邊放24個攝像機，每個木樁和攝像機的快門之間之間都用線連著，如果那個馬跑過去，就會把線踢斷了，然後快門也一次拍下了24張照片。等攝影師把這些照片拼成了連貫的照片帶後，快速牽動這個照片帶發現這匹馬競然動起來了。這個時候就是電影的雛形誕生。

2.3發展

2.3.1愛迪生發明活動視鏡

這個攝影師穆布里奇就帶著這些照片世界各地做演講，然後在1888年，一次演講的時候遇到了愛迪生，發明大王啊當時，攝影師就像見到了偶像一樣。那時候愛迪生最著名的一個專利是留聲機，然後和攝影師交流過後，就有要不也發明一個留影機看看。果然到了1891年，發明了世界上第一台電影攝影機。畢竟他是個生意人嘛，就想著怎麼把這個東西迅速商業化。於是就按照留聲機最早的推廣套路：就讓觀眾挨個聽，聽一個收一次費用。他就想怎麼把這些拍攝的膠片放在一個東西裡面放，然後看一次收一次費用。還真被他搞出來一個活動視鏡的東西，就是一個密封的箱子，觀眾要把眼睛對著箱子裡面的一個小孔去看。以每秒48個鏡頭的速度演放了1440張不同而又連貫且依次變化的照片，在這半分鍾內人們看到的是完全活動的影象，現代電影由此產生了。於是1894年4月14日，10台設個活動視鏡在美國百老匯首次營業。每台放一部電影，每部電影持續大約二十秒。觀眾交二十五美分，可看五部電影。這一天，愛迪生賺了一百二十美元，也就是說，首批電影觀眾差不多有五百人。

因為愛迪生沒有在歐洲注冊攝影機和活動視鏡的專電利他在美國注冊專利時，專利局的官員問他是否願意多交一百五十美元，把專利權擴展到法國和英國，他斷然拒絕，認為不值。等到他發現影可以帶來巨額利潤，法國和英國的發明家成為他最強有力的競爭對手時，已經太晚了。

2.3.2盧米埃爾兄弟的改進

盧米埃爾兄弟在愛迪生的基礎上做了一些改進。一是將以電力驅動（那個年代的發電設備很龐大，不像現在這么袖珍）的的愛迪生攝影機改造成了手搖便攜攝影機，可以隨時隨地進行拍攝；二是沒有沿用愛迪生的一次只能一個人觀看的活動視鏡，而讓廣大吃瓜群眾都能觀看的放映機。

1895年12月28日，世界上第一次電影正式公映，盧米埃爾兄弟放映了影片：工廠的大門，火車到站，水澆園丁，嬰兒的午餐等。至此，世界上第七藝術，光和影的藝術——電影正式誕生了。

所以現在你若問美國電影界的人，他們會異口同聲地回答：「是愛迪生發明的。」但你如果去問法國人，他們則會說：「是盧米埃爾兄弟！」那麼誰才是電影真正的發明者呢？答案：兩個人都是！

2.3.3電影的幾個時代交替

1.默片時代（20世紀初-1927年）：蒙太奇的剪接手法（根據影片所需要表達的內容，把分切的鏡頭組接起來的技術）默片通過大量浮誇的身體動作和表情讓觀眾明白其中想要表達的東西。誕生了很多的大師，很多優秀的作品 。其中最優秀的當屬卓別林

2.無聲電影到有聲電影：第一部有聲片爵士歌王於1927年10月在紐約首映。發生了天翻地覆的革命，許多默片時代的大師，都紛紛抵觸有聲電影。有聲電影承載的信息量空前的大，突然從1000多個鏡頭，60-70分鍾的電影到幾百個鏡頭，90-120分鍾的電影。過去時候只剪畫面，現在聲音也要剪了 。

小插曲：關於電影為什麼一般是兩個小時長呢？有一句話特別有意思，因為2小時就是人類憋尿的極限。憋住了尿，看完了電影。有一句話叫做全程無尿點 ，就是這個意思。當然這是一句調笑的話，實際上經過各種大數據的分析，2個小時是人類注意力的極限，超過2小時，注意力就會分散了，所以現在電影基本上都在2小時左右。

我們現在都知道電影播放是24格1秒的，但是在默片時代都是16格1秒的，why？根據當時的數據，如果這個低於15格每秒，每一個畫面，如果長於1/15秒，人就記住這個畫面了 ，他就不會感覺到，這個畫面是連續的動作，他就看到的是一格一格的畫面，所以16格基本上是最低的讓大家看到這個畫面連續在動的這樣一個速度。如果用16格拍，用16格放出來，那麼看到基本就是正常的畫面 。看默片覺得快，因為那時候播放電影是用手搖播放的，手搖不是機器有固定的頻率，可能時快時慢，導致我們看卓別林的電影的時候經常感覺一驚一乍。隨著馬達的普及，電影拍攝與放映的標准速度呼之欲出，但始終還差臨門一腳，那就是有聲電影的發明。當時的電影錄音設備一是華納兄弟公司和Western Electric主推的Vitaphone，採用蠟盤發聲技術，以24格作為標准速度。以及福克斯主推的Movietone，採用片上發聲技術，以21格為標准，後來也很快調整到24格。有聲電影要求畫面和聲音嚴格同步和膠片行走速度的絕對穩定，所以手搖式攝影/放映一定要被電動馬達取代。人眼或許能容忍畫面時快時慢，但對耳朵來說，輕微的速度變化就會引致聲音頻率或音調的極度失真，每秒差三格人的耳朵就會覺得無法接受，這對看電影的人來說絕對是無法接受的。第一部有聲片《爵士歌王》於1927年10月在紐約首映，當時美國的大部分電影院還未安裝完畢聲音設備。其實攝影和放映的搖速矛盾在《爵士歌王》中亦有體現。影片的無聲段落是手搖拍攝的，攝影師仍然習慣偏慢的搖速，當以24格的標准速度放映時，Al Jolson的步伐就顯得又快又硬，但到有聲的段落就正常了。《爵士歌王》的成功席捲美國，從此好萊塢片廠開始硬性規定那些仍堅持手搖的攝影師以24格每秒的速度進行拍攝。1932年3月15日這天，24格每秒被正式審定為有聲電影的標准拍攝和放映頻率，得到全球電影界的承認，直至今日。

3.再到了彩色電影的時候：1935年，美國拍攝出彩色影片名利場，標志著世界上第一部彩色電影的出現又發生了一次革命。有了顏色之後，畫面更加真實了。色彩增加了電影對自然世界的表現能力，以前電影一片黑白，現在通過顏色來表達感情，比如說：姑娘臉紅了現在就可以看出來是害羞了。

4.取消膠片改為數字化。電影拍攝門檻降低，小鮮肉也可以拍了，哈哈。膠片時代，基本上每次電影都是要2，3片就過的。你要多拍也拍不了，膠片每次就那麼點，用完你就拍不了了。今天數字化了，你拍個幾百條也沒事情。

3.奧斯卡獎

說到電影那肯定要說下電影界中的幾大獎項了，

1.德國的柏林國際電影節的金熊獎

2.法國的戛納國際電影節的

3.威尼斯電影節的金獅獎

4.就是我們今天要講的奧斯卡金像獎了。也是目前電影界公認的最有權威，影響力最大的獎項了。

現在也正值頒獎季，前幾天剛剛第90屆頒獎典禮結束。

奧斯卡獎， 全稱電影藝術與科學學院獎工會獎，8000人投票

去年89屆的時候還是一個烏龍。本來最佳影片宣布為：愛樂之城，整個劇組都上去了之後，然後發現搞錯了，是月光男孩得獎了，和月光男孩劇組說他們還不相信，以為這是開玩笑！這個奧斯卡獎一般都是到最後時刻才知道到底得獎的是誰。工會把票都投給會計事務所，然後會計事務所封箱帶到現場由會計事務所的人吧寫有**獎的信封交給頒獎嘉賓，所以上台的時候才能看見到底是誰得獎的。

學院成立

1927年5月，「好萊塢之王」——米高梅公司總經理梅耶在一次晚宴上，向在座的同行提出了一個設想：「應該把好萊塢的精英分子們都集中起來，組成一個團體。它包括演員、導演、編劇、攝影師，當然還有製片人。使他們成為好萊塢的支柱，讓他們調解糾紛，或者在製片廠里起疏導作用。

應運而生

1927年5月4日，在美國電影藝術與科學學院成立的宴會上，由與會者提議發起，並於1929年5月16日在好萊塢舉行第一次授獎典禮。當時參會的人約270人。奧斯卡獎從頒發的最初開始，就受到了電影業及大眾的高度關注，傳媒也積極參加轉播。在第二屆典禮上，洛杉磯電台進行了一小時的實時現場轉播。從此，每年的頒獎會都有媒體進行相應報道。1929年五月十六日第一屆奧斯卡獎舉辦一直到今天，奧斯卡獎就成為美國影藝學院的「主營業務」和該機構的代名詞。

我最喜歡的：摩根·弗里曼

今年的奧斯卡獎影片還沒有看

4.奧斯卡獎100周年

一般喝紅酒的都知道1982年紅酒是最好的。因為這是上個世紀紅酒釀造條件最好的一年，降雨和氣溫都非常適合葡萄種植，所以這一年份的葡萄酒就賣的特別的貴。

在電影行業也有這樣的一年，就是1994年。有人說上帝想看電影了，也有些人說這是電影誕生100周年，很多導演想為這100歲生日送上自己的大禮。翻看IMDB上榜影片排名，前50名中這一年佔了4席，前20佔了3部。

      國外

1.肖申克的救贖

2.阿甘正傳

3.低俗小說

4.這個殺手不太冷

5.天生殺人狂

6.獅子王

7.西西里的美麗傳說

8.真實的謊言

9.夜訪吸血鬼

國內

1.陽光燦爛的日子

2.活著

3.飲食男女

4.東邪西毒

5.重慶森林

6.周星馳九品芝麻官，國產凌凌漆，大話西遊

    5.我最喜歡的電影

這個電影看了應該有10幾遍了，剛開始的時候都是把它當作喜劇片看，宿舍裡面沒事兒干，找搞笑影片來看。後來明白：電影反映的就是我們的生活，我們的生活有時候和電影一樣。並不是一帆風順，如此完美，總有陰晴圓缺，即使強如孫悟空，也有很多無奈的時候，無奈也不是辦法，還不是要好好的西天取經。

用心去感受如電影般的生活呢？品味著電影之外，生活之中的感情。也許，我們得不到我們日思夜想的，也最終失去了起初牽手的美好，可是，還有記憶 ，生活還得繼續。

6.你呢？

Ⅲ 法國有什麼好電影

要什麼類型？
四十部法國經典電影

值得推薦的法國電影太多了，現在從80年代以後的法國電影中選擇了40部自己認為值得推薦的電影，誠意向大家推薦，每一部片子後都加了一句話的推薦理由，當然那隻能代表個人的觀點。還有很多精彩的法國電影，限於篇幅，不能一一列舉，歡迎大家跟帖推薦自己看過的優秀法國影片，希望大家在看過這些電影後，能對當代的法國電影有一個初步的了解和認識。

排名不分先後

1.印度支那 Indochine (1992)
導演：雷吉斯 瓦格涅 Régis Wargnier
一段愛情掩蓋下的殖民地歷史，凱瑟琳 德納芙的表演尤其出色。

2.情人 L'Amant (1992)
導演: 讓-雅克 阿諾 Jean-Jacques Annaud
文學名著和電影的一次完美結合，那些幽暗的房間、濕濕的街道，晚霞中金黃色的渡口，讓人久久難以忘懷。

3.最後一班地鐵 Le Dernier métro (1980)
導演：弗郎索瓦 特呂弗 François Truffaut
一部沒有正面描寫二戰的二戰電影，特呂弗藝術和現實結合的最好的電影。

4.碧海藍天 Le Grand bleu (1988)
導演：呂克 貝松 Luc Besson
呂克 貝松 的光影夢幻，一部大海的童話

5.浪跡天涯/流浪者 Sans toit ni loi (1985)
導演：艾格妮絲 瓦爾達 Agnès Varda
1985年威尼斯電影節最佳影片金獅獎，新浪潮之母瓦爾達最重要作品，描寫了一個拒絕任何社會規則的年輕流浪女慘死在荒郊野外的發人深省的悲慘遭遇。影片一個突出點是它的紀錄片風格。

6.冬天裡的一顆心/今生情未了 Un coeur en hiver (1992)導演：克勞德 索泰 (claude sautet)這是一部令人難忘的法國電影，一部充滿了幽雅含蓄、自始至終沉浸在拉威爾略帶哀傷的奏鳴曲里的電影，它讓人沉浸，讓人著迷，讓人久久的徘徊在男女主角那短暫卻深刻細致的感情之中：許多人因此迷戀上法國電影。

7.瑪歌皇後 La Reine Margot (1994)
導演：帕特里斯 夏侯 Patrice Chereau
一部氣勢磅礴的法國歷史巨片，它猶如一頁歷史書中的精美插圖，將我們帶回1572年的法國。在歷史的血腥中滲透愛情的狂野，在宏大的場面下觸摸個性的張揚，其中曖昧的激情場面與殘酷的大屠殺鏡頭讓觀眾久久難忘。

8.怒火青春/仇恨 La Haine (1995)
導演：馬修 卡索維茨 Mathieu Kassovitz
影片描繪了這樣的一個社會，人們已經不能分辨正與邪的差別，所謂的正邪的斗爭和殘殺，讓每個人心中都充滿了仇恨。影片動感的手持攝影雖然已經不算新鮮，但仍然很好的渲染了混亂的社會環境和青年人動盪的精神世界，與對比強烈的黑白膠片共同形成鮮明的風格。

9.禁色迷情/我們之間 Entre Nous (1983)
導演：黛安娜 科依斯 Diane Kurys
故事取材於導演兒時不幸的家庭遭遇，創作上秉持了冷靜平和的歷史觀，使這部電影得以跳出格局窄小的個人回憶，而成為女性意識覺醒時代的見證。

10.羅曼史 Romance (1999)
導演：凱特琳 布雷亞 Catherine Breillat
它是當代情色電影的代名詞，不凡之處在於導演使影片超出了狹隘的「女性主義」電影社會化的訴求理念，而成為一部別致的探討女人生理本質的另類電影。

11.這個殺手有點冷 Léon (1994)
導演：呂克 貝松 Luc Besson
經典不多說了，個人感覺最主要的是影片完全顛覆了類型片的概念。

12.新鮮誘惑/手到擒來 L'Appat (1995)
導 演：貝特朗 塔韋尼埃 Bertrand Tavernier
1995年柏林電影節金熊獎影片，一部表現殘酷青春的令人不安又發人深思的影片。

13.巴黎野玫瑰 Betty Blue /37°2 (1986)
導演：讓-雅克 貝奈克斯 Jean-Jacques Beineix
看過的最精彩絕倫的法國愛情片，男女主人翁的表演只能用驚世駭俗來形容。

14.愛情重傷/毀滅 Damage (1992)
導演：路易 馬勒 (Louis Malle)
一段瘋狂的畸戀，一場愛的情殤。難忘最後的場景：他回憶起那次分手後與她唯一的碰面，她身邊是他見過一面的男人，手裡抱著孩子，那一刻他突然覺得，她和其他女人並沒有什麼不同。

15.新橋戀人 Les Amants Pont-Neuf (1991)
導演：雷奧 卡拉克斯 (Leos Carax)
在這部影片中導演卡拉克斯和主演朱麗葉 比偌什都完全釋放了自我，以至於影片完成後一對戀人只能選擇分手。

16.羅丹的情人 Camille Claudel (1988)
導演：布魯諾 努丹 Bruno Nuytten
一部讓阿佳妮深陷劇情不能自拔的影片，影片的餘音是阿佳妮和導演的結合以及後來的分離。

17.追憶似水年華 Le Temps retrouvé (1999)
導演：拉烏爾 魯茲 Raoul Ruiz
法籍智利導演拉烏爾 魯茲挑戰不可能，把公認的最難改編的馬塞爾 普魯斯特的同名小說搬上了銀幕，藝術地再現了原著的韻味，眾多國際影星的加盟也使影片更具看點。

18.瘋狂夜/野獸之夜 Les Nuits fauves (1992)
導演：西里爾 科拉德 Cyril Collard
最有勇氣的艾滋病電影，人們永遠無法忘記女主角代表已故導演領獎時那傷心的哭泣。

19.芳名卡門 Prénom Carmen (1983)
導演：讓—呂克 戈達爾 Jean-Luc Godard
40屆威尼斯電影節金獅獎影片。大家一致認可的戈達爾後期代表作，本片音樂的表現尤其富有特色。

20.綠光/眾里尋她千網路 Le Rayon vert (1986)
導演：埃里克 羅麥尓 Eric Rohmer
43屆威尼斯電影節金獅獎影片。仍然是羅麥尓特色，通過長長的對話，將人物感情的變化波動刻畫得真實細膩。

21.不羈的美女 La Belle noiseuse (1991)
導演： 雅克 里維特 Jacques Rivette
艾曼紐 貝阿身體語言的代表作，畫家和模特兒，沖突還是被征服。

22.鋼琴教師 La Pianiste (2001)
導演： 邁克爾 哈內克 Michael Haneke
拋開師道尊嚴，讓壓抑的慾望找到放縱的理由，女主角的表演尤其精彩。

23.親密 Intimacy (2001)
導演： 帕特里斯 夏侯 Patrice Chereau
許多人看到的是肉慾，而導演想要表達的卻是一種人類肉體與心靈的疏遠。

24.理發師的情人 Le Mari de la coiffeuse (1990)
導演：帕特利斯 勒孔特 (Patrice Leconte)
愛是永遠。因為愛而等待，因為愛被感動。從一個男孩到男人的性心理的成長史，帶有法國電影的本質特性：有一點點感傷和淡淡溫情。不喜歡電影結尾。

25.梵谷傳 Van Gogh (1991)
導演：莫里斯 皮亞拉 Maurice Pialat
最傳神的梵谷傳記電影，也是皮亞拉最好的電影之一。

26.野蘆葦 Les Roseaux Sauvages (1994)
導演：安德烈 泰西內 Andre Techine
青春、理想、時代，一組動盪年代的青春群像。

27.柯南上尉 Capitaine Conan (1996)
導演：貝特朗 塔韋尼埃 (Bertrand Tavernier)
戰爭和人，探索戰爭中的人性，人在戰爭中的位置、作用，一貫的塔韋尼埃風格。

28.我的性生活/現代法國艷史 Comment je me suis disputé... (ma vie sexuelle) (1996)
導演：阿爾諾 德斯普萊辛 (Arnaud Desplechin)
導演用很長的篇幅(175分鍾)，向觀眾展示了幾組當代法國青年人真實的感情生活。

29.恩怨情天/瑪儂的復仇 Manon des sources (1986)
戀戀山城/男人的野心 Jean de Florette (1986)
導演：克洛德 貝里 Claude Berri
80年代最好的法國電影，根據文學名著改編，展現了二十年代法國南方波瀾壯闊的歷史畫卷。

30.出電梯左轉 À gauche en sortant de l'ascenseur (1988)
導演:愛都爾德 莫里納羅 (Edouard Molinaro)
選了那麼多一本正經的片子，居然沒有一部喜劇片，選一部大家比較熟悉的，也確實是80年代法國最經典的喜劇片。

31.儀式/冷酷祭典 La Cérémonie (1995)
導演：克勞德 夏布洛尓 (Claude Chabrol)
仍然是典型的夏布洛尓犯罪電影，對人性做了細膩的剖析，經典的結尾令人難忘：夏布洛尓把莫扎特歌劇與血淋淋的槍殺場面交叉剪輯在一起，給觀眾以極大的震撼。

32.我的男人/浪的過火 Mon Homme (1996)
編導：貝特朗 布里耶 Bertrand Blier
本片的視點在於考驗觀眾的道德觀念：你是否可以接受當妓女是樂趣無窮的一種職業的說法？

33.小偷也激情/米雪的告白 La Petite voleuse (1988)
導演：克勞德 米勒 Claude Miller
本片由新浪潮導演特呂弗編劇，通過發生在一個地位卑賤的女孩身上的故事，反思了戰後法國社會中產階級窮奢極欲的生活對成長期的青少年的影響。主演夏洛特 甘斯布的表演太出色了。

34.三色：藍 白 紅 Bleu (1993) Bialy (1994) Rouge (1994)
導演：基耶斯洛夫斯基 (Krzysztof Kieslowski)
平等、博愛、和平，不同的人有不同的理解，影片表現了基耶斯洛夫斯基一貫的對人類基本道德規范的探索。

35.白色婚禮 Noce blanche (1989)
導演：讓-克勞德 布里索 Jean-Claude Brisseau
影片使用唯美的鏡頭和感人的語言向我們講述了未成年少女與中年男老師的一段孽緣。初登銀幕的法國女歌手凡尼莎帕拉迪以她清醇的外表和驕人的演技把一個17歲女生憂郁而狂放的兩面性表現的十分出色。

36.吸煙/不吸煙 Smoking/No Smoking (1993)
導演：阿倫 雷奈 Alain Resnais
電影中桌上有一包xxxx，這個時候，請你——觀眾來選擇，到底是抽，還是不抽？生活中也一樣，處處充滿選擇，處處充滿或者。一個不小心，生活就會截然不同。

37.情迷乾洗店 Nettoyage à sec (1997)
導演：安妮 芳婷 (Anne Fontanine)
一對夫婦和一對兄妹在一次同性戀派對相識，夫婦兩口子竟然發現自己都暗戀上了其中的男孩，最後的結局讓人震驚。本片是女導演安妮 芳婷的成名作。

38.緣份的春天/情感的宿命 Les Destinee Sentiments (2000)
導演：奧利維爾 阿薩亞斯 Olivier Assayas
阿薩亞斯精緻細膩的戰爭愛情片佳作，影片根據小說改編，充滿了濃郁的文學氣息。幾位演技派明星的表演更令人陶醉。

39.小罪犯 Le petit criminel (1990)
導 演： 雅克 杜瓦榮 Jacques Doillon
1990年法國〈電影手冊〉年度十佳排名第一位，導演雅克 杜瓦榮拍攝了一系列青少年成長的優秀影片，本片相信也不會讓你失望。

40.人性 L' Humanite (1999)
導演: 布魯諾 杜蒙 Bruno Dumont
電影探討了對人性的愛，對人的關愛、情感，和與生俱來的同情心，強調為了追求善，罪惡是必經的路程。導演布諾杜蒙是位擁有哲學碩士文憑的法國新銳導演，他後來的影片《29片棕櫚葉》引起了更大的爭議。

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《光影的魅力》
導演: Arnold Glassman、Todd McCarthy、斯圖爾特·薩繆斯
編劇: Todd McCarthy
主演: 厄內斯特·R·迪克坦亂行森、邁克爾·查普曼、艾倫·達維奧、康拉德·霍爾、威廉·弗蘭克、內斯托爾·阿爾門德羅斯、維爾莫什·日格蒙德、史蒂芬·H·布魯姆、斯文·尼科維斯特、羅伯特·懷陪脊斯、黃宗沾、哈斯克爾·韋克斯勒、維托里奧·斯托拉羅、約翰·A·阿朗索、戈登·威利斯、邁克爾·包豪斯
類型: 紀錄片、歷史
製片國家/地區: 美國、日本
語言: 英語
上映日期: 1992-05-14(法國)、1993-02-24(美國)
片長: UK: 92 分鍾
又名: 電影攝影藝術、補光捉影
記錄許多著名攝影師的訪談，暢談他們對攝影的看法，以及他們在參與拍攝電影過程，與各個導演合作的經驗。片中並穿插經典片段，對映攝影師的說法，讓一般觀眾能更了解攝影師的工作與貢獻。
嚴格來說，這並不是一部電影，應該說是「關於電影的紀錄片」更合適。在這部電影中 ，我們也能發現以上介紹過的多部影片。例如《夢斷情天》的攝影師Nestor Almendros，他在臨死之前接受了這部電影的短暫采訪。還有《末代皇帝》的攝影師Storaro等人。
從某種讓嘩意義上說，是導演控制攝影師的拍攝手法。例如，《Rosemary's Baby》的導演Roman Polanski，在接受采訪時多次提到，有時僅僅需要將攝像機多移動幾個厘米，就能使影片的效果得到巨大提升。《In Cold Blood》的導演Conrad Hall，在1967年接受采訪時，提到當年是如何選擇並搭建了一個牢房，...

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《我的法國電影之旅Voyageàtraverslecinémafrançais》

導演:貝特朗·塔維涅

編劇:貝特朗·塔維涅

主演:貝特朗·塔維涅、安德烈·馬爾孔

類型:紀錄片

製片國家/地區:法國

語言:法語

上映日期:2016-05-16(戛納電影節)、2016-10-12(法國)

片長:195分鍾

又名:法國光影半生緣(港)、法國光影百年史、Monvoyagedanslecinémafrançais、MyJourneyThroughFrenchCinema

編劇兼導演貝特朗•塔維涅是一個貨真價實的諷刺電影大家之一。他的經驗是廣博的,他的知識是浩繁的,他的愛是無窮無盡的,他的視野唯有馬丁•斯科塞斯能相與匹敵。這部史詩般壯麗的紀錄片一直在製作。貝特朗•塔維涅對本地的影院十分了解,從巨擘雷諾爾、戈達爾和梅爾維爾到如今被忽視和遺忘的艾德蒙•格里維和蓋伊·吉爾,他的觀察和回憶極具穿透性而且極具個人特色。

Writer-.Hisexperienceisvast,hisknowledgeisvoluminous,...

Ⅵ 《天使愛美麗》中的色彩與光線分析

《天使愛美麗》中的色彩與光線分析

這部精靈古怪、充滿了奇幻想伏伏困象力的影片是法國電影怪傑讓-皮埃爾·儒內的傑作。儒內早年憑借一系列頗有特色的短片確定了自己的電影風格，他偏愛於那些非同尋常、甚至帶有卡通色彩的人物形象和超常規的攝影角度。

一、 影片的整體色彩風格

在其影片色彩處理上，導演強調的是一種以暖色調為主的把互補色並列放置在一起的關系處理，並強調色彩的對比，整個電影構圖完全是油畫重彩樣式，就象女主角黑色的瞳孔與鮮艷跳躍的紅唇，在法國標准得明朗陽光之下，讓觀者有種對生活的暖意與敬意，隨著情節的層層推進，色彩配合人物的情緒變化，將上世紀巴黎的景緻慢慢舒展開來，淡淡的懷舊風格躍然。色彩隨著音樂在流動著，但又有戲劇式“停頓”的固有色。整部影片充分體現出創作者的印象主義色彩與構成主義色彩的完美統一的色彩風格。

二、 影片中光線及色彩處理的特點與整個影片故事情節的發展關系

缺念導演儒內在影片中的時間雖然是現代的，但其實際意境確是他充斥童年記憶的50年代色彩的美麗巴黎。

主人公艾蜜莉，打小就是一個與寂寞的孩子。不能上學，金魚和母親又先後離她遠去。父親也變得孤寂。母親曾送給她一個二手柯達相機，鄰居利用艾蜜莉的天真無知，哄騙她相機有個致命的缺點，會引發一連串意外事故(畫面一)。由於艾蜜莉拍了許多風景照，入夜時她內心充滿疑慮與恐慌(畫面二)，她凝視電視，內心充滿罪惡感(畫面三)。攝影機以小艾蜜莉的主觀視點來表現小艾蜜莉的恐慌心理，電視里的漫天大火(畫面四)，火車出軌，一架波音747墜毀，艾蜜莉恐懼廳坦的眼神光。

導演為了獲得人物和光線上的變化，攝影機緩緩向艾蜜莉推過來，這是以天使的廣角視角進行拍攝，深咖啡色的大沙發上坐著小小的艾蜜莉，大面積有節奏光感的淺黃色木板牆與艾蜜莉的粉紅色外衣形成強烈的對比，人物臉部的造型光線做出一個亮暗反差截然分明的一個光效(畫面二)，完全是一個假定的主觀光源光效，隨著鏡頭的推進(畫面三)，表現了艾蜜莉孤獨的'心靈與人之間的冷漠和疏離。這種光效一方面從造型上可以襯托出人物的矛盾心理，另一方面也是從情節上對艾蜜莉的未來命運的一種視覺上的暗示。

畫面中的色彩結構是經過精心設計的，重要的色彩放在了光影裡面，隨著鏡頭的推進，最經典的是右上側純綠色(固有色)花盆的呼應(畫面一)，雖然是固有色，但由於鏡頭的推動，色彩在光影下也在流動，這時的綠色在主觀層面上具有狹義的象徵意義。粉紅色外衣與綠色的互補色和艾蜜莉鞋面上的一點藍與牆面黃色的互補色構成了一種重要的色彩組合樣式，這種組合樣式呈現出的是既對立又趨向統一的圓滿狀態。隨著光影與鏡頭的流動，這種人物內心的情緒變化強調的是色彩的流動性，傳達出的是主人公的焦慮與不安。這時的粉紅色象徵著艾蜜莉被壓抑的情感，這時的純綠色在畫面整體中具體而又鮮明地顯示出一種特殊力量的作用過程，即寧靜、安詳，隱喻著艾蜜莉即將到來的生命轉機。

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Ⅶ 盧米埃爾受到什麼的啟發發明了活動電影機

法國的盧米埃爾兄弟是受到了縫紉機的啟發,這才發明了活動電影機的。
1895年12月28日，在法國巴黎的卡普辛大街14號大咖啡館的地下室中，眾人圍觀一小型熒幕。

「一輛馬車被飛跑著的馬拉著迎面跑來，我鄰座的一位女客看到這一景象竟十分害怕，以致突然站了起來。」
這描述的的正是世界上第一部真正的電影放映時的場景，以光影技術將現實世界復制再現正是電影誕生伊始的本質功用。

毋庸置疑，法國是電影的故鄉。

從印象派繪畫分支出的印象派與先鋒電影，以及後來備受矚目的三十年代的詩意現實主義電影，再到「新浪潮」以及「左岸派」，後者最為著名的那部以意識流標榜的《去年在馬里昂巴德》至今亦是作為影史上為數不多的異數而存在。
其實，借著科技之光的電影在走向藝術殿堂的道路上，正是眾人合力的結果。

電影試鏡

1872年，美國加利福尼亞州的一家酒店，兩人為「馬在奔跑時雙蹄是否都著地」進行著激烈的口舌之戰。

為了驗證是非，辯論雙方相約馬場一探究竟，但是馬的奔速實在太快，怎麼也搞不清到底奔跑著的馬兒是否著地。

於是，英國攝影師愛德華·穆布里奇沿著跑道並置了24架照相機，並定下24個木樁，當馬沿著跑道賓士而過之時，馬蹄拉動繩子踢斷快門，馬蹄騰空的瞬間依次被拍攝下來。
根據清晰的拍攝可以清楚地知道奔跑著的馬兒是否著地。此後「顯示器」這個發明誕生了，據此，人們可以看到馬奔跑的連續動作。

顯示器利用了人眼的視覺暫留效應，一張張靜止的照片如快速旋轉，相鄰的兩張能在這一段很短時間內連貫起來，畫面「活動」了。

受到顯示器的啟發，愛迪生製成了第一台「放映機」，也叫「電影試鏡」。

電影試鏡就如一個大木櫃，上裝一個2.5毫米的透鏡，櫃內裝的膠片首尾相接繞。

Ⅷ 法國有哪些值得一看的懸疑片

我心中法國的懸疑片還是《寂靜嶺》這一系列吧，在這一系列中，雖然故事情節都差不多，但是在懸疑電影中這部電影絕對可以吧得頭籌，這部電影對《寂靜嶺》這一題材進行了深化與加工，探討寂靜嶺的形成，以及寂靜嶺之中被困的人們的去向，都在這部電影中慢慢的體現出來，《寂靜嶺：啟示錄》是由邁克爾·巴塞特執導，阿德萊德·克萊蒙絲、肖恩·賓、基特·哈靈頓、凱莉·安妮·莫斯等主演的驚悚懸疑電影。影片講述了多年來，希瑟梅森和她的父親一直都在逃跑，總是遭到她無法理解的危險力量。在她18歲生日前夜，被噩夢縈繞和她父親的消失，希瑟發現她自己不是她所想的那樣。啟示引導她進入了試圖將其永遠禁錮在寂靜嶺的惡魔世界。

Ⅸ 呂克·貝松的概況 他電影的特點及鏡頭運用的特點 別復制

呂克·貝松1959年3月18日生於法國巴黎，幼年的理想是做一名潛水運動員和航海家。但是17歲時的一次潛水事故打破了他的童年夢想。貝松很快調整了自己人生的目標。決心做一名電影製片人，於是19歲那年來到美國洛杉磯，學習了3個月的電影製作課程。並開始拍攝一些試驗短片。1983年，貝松的電影處女作《最後的戰斗》問世，這部多次獲獎的黑白、寬銀幕的無聲科幻片，據說是23歲的他用3法郎六蘇拍成的。呂克·貝松似乎向世人證明了，在法國即使沒有受過專業的電影教育，找不到投資，依舊可以拍出與眾不同的電影。也正因如此，貝松曾經一度被奉為法國年輕導演的開路先鋒，不管他樂意不樂意這一稱呼。 《地鐵》和《碧海藍天》為呂克·貝松在國內和國際贏得了聲譽。雖然當年的法國凱撒獎有點吝嗇地僅僅將「最佳錄音」和「最佳音樂」獎授予《碧海藍天》．但是貝松卻公開表示這部影片是其導演生涯中最為得意的作品。畢竟，這部作品傾注了貝松少年時的激情和夢想，貝松終於可以用他的攝影機捕捉他童年時代所看到的海洋的光影和生命。影片中的潛水員傑克最後葬身大海，更確切的說，那是他真正的生存，傑克莫不就是貝松理想中的化身？

80年代的法國有所謂BBC年輕導演之說，即專指Beinex、 Besson、 Carax（貝內克斯、貝松、卡拉克斯）這三位新銳導演盡管有很多相同與不同，但其最大的共同點卻是對藍色莫名其妙的偏愛。從貝內克斯1980年拍的《女歌星》開始，藍色就充滿了銀慕，卡拉卡斯則拍了《卑賤的血統》；而貝松的《碧海藍天》更是從片名到內容都藍色的調子。貝松苦心孤詣營造的對大海的嚮往和浪漫情懷自然是無人能比，其精彩的水下攝影恐怕令《鋼琴課》和《泰但尼克號》的導演也受益匪淺。

《尼基塔》與《殺手萊昂》是呂克·貝松由藝術影片向商業影片的成功過渡。《尼基塔》講述了一個暴力團女成員是如何被改造為國家職業特工殺手的過程，其特工殺手的身份和她內心深處愛情和人性的萌動構成了這部影片的獨到之處，而《殺手萊昂》講述 了一個渴望從善的殺手和一個渴望復仇從惡的女孩之間的故事。這部帶有藝術氣質的法國商業片至今仍是世界各國的電影學子們精精樂道的範例，其中的許多細節諸如萊昂身邊的那株綠色的植物和「記住永遠不要殺婦女和孩子」等精彩對白令人難忘。單憑那株綠色的植物，就不是好萊塢的編劇所能想到的。《殺手萊昂》奪得了當年凱撒獎最佳影片獎，貝松則榮獲最佳導演獎。自90年代以來，法國藝術電影的繁榮將法國商業電影推到了一種尷尬的境地，在法國以外的地方，拍藝術電影是靂要很大的勇氣的，因為你要面臨著嚴峻的生存問題，在法國則不同，如果一個電影藝術家要去拍迎合大眾口味的商業電影，似乎而要更大的勇氣。呂克·貝松就是這樣一位「不合時宜」的導演。

80年代中期，貝松拍攝了《地鐵》，《碧海藍天》等藝術電影之後，被法國評論界稱為前途無限的年輕導演； 90年代貝松在拍攝了《殺手萊昂》、《第五元素》之後，卻受到了法國電影理論界的輕視。《第五元素》1997年在全球創下了2億7千萬美元的收益，名列當年世界電影的第三名，不管評論界如何評論這部電影，它向我們展示了一個法國導演眼中的未來世界，在電腦高科技與時空交錯的敘事中，帶給我們一絲不同於好萊塢大片的歷史和人文內涵。

呂克·貝松是當代法國電影影壇最受矚目而有爭議最大的導演。盡管《第五元素》在商業上的成功使得法國最大的電影公司高蒙公司的營業額翻了一翻，但是貝松在國內卻常常被說成是向好萊塢電影投降的反面典型。為此，苦悶的貝松常常要飄浮過海去好萊塢尋覓知音。影片《第五元素》集科幻、驚險和打鬥於一身，是歐洲有史以來第一部成本高達近一億美元的英語對白影片，顯示了法國電影人復興本國和歐洲電影業的決心和勇氣，影片萊獲1997年戛納國際電影節技術大獎，真故事內容本是呂克·貝松在16歲時就開始構思，當時盧卡斯的《星球大戰》剛剛問世，顯然貝松的想像和構思與之相比還很不成熟。

事隔20年之後，貝松依舊念念不忘少年時代的構想，經過20年的籌劃．該劇本具備了貝松前五部故事片的基本要素。雖然有評論認為《第五元素》似乎更像是一部法國未來主義的滑稽笑劇，認為不過是視覺效果做得好，但是1997年在第50屆夏納電影節開幕式上作為開幕影片放映的時候，這部表現人類未來23世紀的科幻片還是引起了轟動。影片中，布魯斯·威利斯扮演的主人公駕駛著他的那輛抗地球引力的黃色出租汽車飛越紐約城市上空的鏡頭，與盧卡斯的星際字宙飛船相比毫不遜色。當年那個看著《星球大戰》長大的貝松，20年後終於和盧卡斯站到了一起。

早在《碧海藍天》中，呂克·貝松就顯示出他對大製作和宏大場面的迷戀與追求。從《第五元素》和《聖女貞德》開始，貝松日漸游離他過去所從屬的那種電影形態，將目光瞄準了國際市場，不僅在類型方式上玩盡花招，還在製作成本上不斷升級，這也許就是貝松在本國遭到非議的主要原因。而此時的好萊塢也開始在世界各國招兵買馬，其首選就是吳宇森和呂克·貝松。貝松法國式的浪漫風情以及吳宇森東方味的英雄情結倍受好萊塢的青睬與模仿。貝松最終用《第五元素》和《聖女貞德》證明了娛樂大片不是好萊塢的專利，法國人不僅能製造低成本、小製作的藝術電影，還能生產在全球盈利的商業巨片，一個法國人可以在美國的地盤上「與他們相抗衡。今天的貝松似乎成了成功的榜樣，我們可以毫不猶豫地將他看作和斯皮爾伯格同一類型的商業片大導演，但是殊不知貝松能夠走到今天。付出了極大的代價。

作為第一部高成本的歐洲影片，《第五元素》1997年夏天在影院公映的時候，開始票房並不令人樂觀，看慣了藝術影片的法國觀眾和受到好萊塢商業大片熏陶的美國觀眾並不抱有太多的興趣。影評人的反映也是貶大子褒，影片最為致命之處還在於它高達1億美元的巨額成本。但是奇跡出現了，《第五元素》居然克服了它的先天不足和不祥預兆，在不到一個月的時間里在幾個主要西方國家廣泛放映，影片是大賺了一筆，但是評論界對貝松和這部影片的依舊低調處理。

呂克·貝松並不因為這些評價動搖自己的追求和信念，他要拍一部法國人和美國人都叫好的影片。他的《聖女貞德》選取了歷史和現實，民族和國際的恰當交融，拍完之後好評人潮。聖女貞德是法國人心目中的女神，她以自己的生命成就了一曲不朽的傳說。有關聖女貞德的，視作品不計其數，可是只有三部影片值得在電影史上留下一筆，他們分別是：德萊葉導演的為電影默片時代劃上精彩句號的《聖女貞德受難記》；布萊松導演的極度忠實於宗教情節和原審判材料的《聖女貞德受難》：呂克·貝松耗時三年拍攝的史詩性巨片《聖女貞德》。

布萊松的《聖女貞德受騅》僅僅截取了貞德受審和走向火刑架的一段史實，表現了女主人公的宗教信念和歷史的真實瞬間。而呂克，貝松的《聖女貞德》則展示了波瀾壯闊的英法百年戰爭和貞德作為一個少女和法蘭西戰士的浪漫情懷。和布萊松一樣，呂克，貝松也是注國影壇一位孤獨的探索者，也許這是這兩位不同時代的法國導演的唯一相同之處。也許正是這唯一的相同，才使得他們同樣偏愛貞德這個歷史人物，只不過他們詮釋歷史人物的方式有所不同。在呂克·貝松的導演手記里我們看到貝松對貞德的評價：、貞德是我們的先祖，在她的信念和純真之間捕捉到的東西，又在她的時代失去，正像我們在自己的時代所失去的一樣，」貝松在這部影片中表達了自己對於這段歷史的獨到思考：「難道人類的思想必得沿著如此曲折的道路，才能發現隱藏在邪惡背後的善良嗎？」

呂克·貝松這位影壇孤獨的探索者，即使是在他的商業巨片中，我們也可以感受到他對歷史和生命的終極認識，觸摸到他作為一名法蘭西戰士的心路歷程。無論是《碧海藍天》中的傑克，是《殺手萊昂》中的殺手，還是《聖女貞德》中貞德，我們都會感到：這就是呂克·貝松。

Ⅹ 你心目中最好看的法國愛情片是哪部為什麼

心目中最好看的法國愛情片是《藍白紅三部曲》

藍白紅三部曲是波蘭導演克日什托夫·基斯洛夫斯基在1993-1994導演的三部電影。

在被譽有「電影詩人」克日什托夫的藍白紅三部曲中，最為令我個人鍾愛的便是《藍白紅三部曲之紅》，《紅》作為三部曲的完結篇，它所代表的是法國國旗中所象徵的博愛，不同於前兩部作品《藍》的自由與《白》的平等，巧妙的隱喻構思將紅色這種感性卻又強烈的色調融入到了這一命題，而這個看似簡單的故事，實則傳遞的意蘊卻頗能令人回味，以此對人性救贖的著點，方才使電影變的如此驚艷。

文/夢里詩書