1. 八月電影觀後感
《八月》電影講述了九十年代初期之際的呼和浩特，國家開始實施國有單位轉型，鐵飯碗被打破，國有製片廠家屬院里，每一個簡單家庭的生活都被改革所影響，而少年小雷就這樣在經濟變革與家庭改變之間懵懂成長的故事。以下是我為大家整理的關於八月電影觀後感，給大家作為參考，歡迎閱讀!
黑白電視機、燕舞收音機、老式撥號電話......九十年代的各式老物件陳設讓影迷彷彿“穿越”回了兒時時光，溫馨而有情懷。3月25日，台灣金馬獎最佳影片《八月》電影交流會在昆明舉行，導演張大磊攜演員張晨現身，與觀眾及媒體進行觀影交流，分享影片拍攝幕後故事。
影片誠意滿滿 細節之處重現兒時閑適
電影《八月》講述了九十年代經濟發展浪潮中，西部小城裡的小雷一家在面臨鐵飯碗即將被打破時的處境和選擇，影片以小雷的孩童視角懵懂地旁觀大人世界的生活變化。
觀影結束後，觀眾與眾主創進行了積極的互動。不少觀眾表示，這是一部“誠意滿滿、感人至深”的電影。片中很多細節設置引發觀眾情感上的共鳴。
譬如影片中小雷一直隨身攜帶著雙節棍這一細節。小雷的偶像是李小龍，雙截棍是李小龍的標志更是主人公精神的寄託。“雙截棍是父親給小雷做的，這代表著父愛。”導演張大磊解釋說，影片最後，給父親送行的小雷身上披著一件過大的衣服，“那也是父愛的體現，不易察覺，卻一直守護著孩子。”
現場有觀眾表示，由於自己年紀與影片描繪的年代相仿，片中所描繪的時代特徵及故事場景讓自己深有感觸。導演張大磊也分享了影片的拍攝初衷：“其實早在2008年就想到要拍《八月》，現代人生活節奏太快，沒時間停下來想想問題。不像八九十年代，能夠感受慢節奏的生活。”他說，2008年的一個午後，他突然回想起兒時吃過午飯曬太陽的閑適時光，過去的記憶與感受突然浮現，於是，《八月》的雛形便在腦海中誕生了。“算是對兒時的一種抒情的表達與嚮往吧。”張大磊說。
素人演繹 純粹而干凈的光影呈現
據張大磊介紹，片中的演員皆為“素人”，飾演主人公小雷的孔維一是同事家的孩子，小雷的父親是自己從小玩到大的好哥們兒，而小雷的母親則是自己從事婚慶行業時的客戶，他笑稱創作班底為“七大姑八大姨”構成，但整部電影的製作水準卻是專業級別。
在片中飾演小雷父親的張晨也分享了自己的拍攝感受：“我覺得最重要的是把演員帶回那個年代。導演的方法很好，他給了演員比較大的空間，劇本台詞沒有完全固定，大家可以把自己的感覺融合在裡面，我覺得這就是能讓大家看起來覺得舒服和有共鳴的原因。”
影片的另一亮點是採用了黑白的拍攝手法，直至片尾才還原彩色。對此，導演張大磊也給出了自己的見解：“純粹和干凈就是選擇它的原因。2008年有拍攝想法時我就決定要用黑白，就是呈現光影，光給人一種夢幻的感覺，如同我們回望那個片中離我們已遠的年代一般。”
從“曇花”到“八月” 不變的是含蓄而內斂的表達
《八月》的最後，小雷家的曇花迎來了最盛大的一次綻放，也寓意著小雷家美好的新生活即將到來。導演張大磊透露，最開始電影的名字其實就叫“曇花”：“曇花寓意美好，因為結束得太快，於是更期待下一次，與影片想表達的情感不謀而合。”
至於最終棄用“曇花”改用“八月”的原因，張大磊說：“影片蘊藏的含義，我想讓觀眾自己感受。現在看來，我覺得《八月》更好，‘曇花’的解釋太直接，片子的情緒是內斂的表達，含蓄的‘八月’更貼切一些。”
談及此次來到昆明的感受，張大磊笑著說：“雲南給我的感覺和家鄉內蒙古很像，人們都很熱情好客。”他還表示，希望有機會能拍攝一部關於雲南的電影。
據悉，迄今為止，《八月》已入圍海內外13個國際電影節(影展)，提名24個獎項，憑借細膩的情感表達和質感不俗的影像風格獲得不俗的口碑，影片於3月24日在全國上映。
青年導演張大磊執導，2016 年台灣金馬獎最佳影片《八月》在全國院線公映。迄今為止，該片已經入圍海內外 13 個國際電影節(影展)，提名 24 個獎項。《八月》憑借細膩的情感表達，質感不俗的影像風格，口碑一路看漲，成為 2017 年春季首部被眾多媒體安利，值得一看的華語影片。導演張大磊以"簡單、安靜和浪漫"三個關鍵詞概況影片風格，"是一個小男孩的夢境"。
《八月》出品方和宣傳、發行方愛奇藝影業配合影片上映發起了"像 90 年代一樣看電影"的主題活動，繼著名表演藝術家濮存昕、導演張大磊本人積極配合發聲之後，新生代實力小生董子健接棒亮相，支持華語佳片的票房成績。
在接受媒體深度訪問中，董子健難得敞開心扉聊到父親董志華。董志華是香港大導演張徹愛將，最著名的作品就是出演周星馳《功夫》，擅使五郎八卦棍，這也是董子健出道以來首次如此細致聊到父親對自己的影響，原因恰恰是感慨《八月》中的父子互動情節。
評價《八月》神似青春經典
《陽光燦爛的日子》
90 後生人董子健出生於北京，他說 90 年代留給自己"淡淡的味道"，"我在一個大學里長大，跟電影相似，也算 21 世紀的大院，那時是有生活二字的，不像現在，節奏快，生活氛圍反倒沒那麼強烈。對於那個年代，我印象最深刻的就是氣味，泥土的氣味，學校里的味道。"他坦言可能與生俱來對生活有豐富的感受力，因此幫助了他很快地進入到有年代感的角色中，出道後雖然是新人但卻能夠與諸如劉傑、肖洋、賈樟柯、相國強等導演合作，連續出演或年代感強烈，或文學性豐富的影片，比如《青春派》、《德蘭》、《少年班》、《山河故人》、《少年巴比倫》等，在評論界和媒體看來，初步形成自己的表演風格，駕馭角色的功力日益成熟。
董子健的母親是著名經紀人王京花，父親是著名電影演員董志華，可以說他出生在演藝家庭，"從小就聽大人們聊工作，聊劇本"，很多大明星對他來說都沒有神秘感，這樣的家庭背景也讓董子健作為演員的狀態超常鬆弛，"剛演電影時什麼都不想，什麼都不在乎，連劇本都沒有考慮，我只需要相信這個角色，相信導演"。董子健說，這就是他理解的"初心"，坦言"現在已經回不去這種狀態了，演得越多反而會考慮其他的問題，還會挑劇本角色，心想怎麼能那麼糙。"
演電影有初心，看電影也有。董子健回憶起 90 年代的電影經典，第一個躍入腦海的就是《陽光燦爛的日子》，更加奇特的是他說印象中就跟看《八月》的感覺神似，"畫面都是黑白的"，講的也是少年故事，情節很安靜抒情。他回憶到，我趴在姥姥家的小房間，有一個小桌子放一個特別小的黑白電視機，就放著這個片子。
《八月》里有熟悉的年代氣味，是董子健加盟入"像 90 年代一樣看電影"主題活動的第一個原因。
首度詳談父子情
"我演得像狗屎他都會覺得好"
功夫，成為 90 年代少年成長的集體回憶。《八月》導演張大磊在回憶起自己的 90 年代時，提及曾效仿銀幕角色方世玉在空地里模仿動作。很巧的是，董子健的父親董志華也是資深動作明星，曾與香港大導演張徹合作過數部影片，"我很早就知道張徹這些人，我爸爸以前一直拍他的電影。聽我爸口中的張徹，是很較真的，一個踢腿都要拍好多遍。"當董子健看到電影《八月》有小雷父親在深夜的客廳里孤獨打拳鏡頭時，生起不少感慨，也想起自己跟父親董志華比劃武打動作的童年片段。
"小時候經常帶我去打拳，我們以前住在一個胡同里，每次下那個樓梯，走過胡同泥濘的路，經過垃圾桶，小吃店，那些奇奇怪怪的味道混在一起。我們走到一個院子，就在那裡打拳。我爸有時候會扔一個塑料袋，我就對著塑料袋胡打，我爸一直鼓勵我，倆人還對打。等回去路上，還要經過哪些味道，順序顛倒了。我們上樓，從鄰居家偷根蔥，回家做飯。"
董子健還談到自己小時候看父親出演周星馳《功夫》，""非常不喜歡"，覺得不像之前星爺作品的感覺了。"我爸爸還挺生氣的，說，嘿!我演的片子你還不喜歡了?後來大一些了，再看一遍，才覺得覺得爸也厲害了，片子也厲害。"而反過來，董志華對兒子的角色一概接受，"他可能不喜歡有些片子，但我演的角色都喜歡，就算演得像狗屎一樣都會覺得好。"談到這，兩代影人的父子情就很動人了。
《八月》能勾起自己對父親的美好記憶，是董子健加入"像 90 年代一樣看電影"主題活動的第二個原因。
電影《八月》已經公映，濮存昕、張大磊和董子健代表的三代華語電影人紛紛為難得一見的佳作發聲助陣，在媒體、業內都掀起情懷浪潮，也引起越來越多年齡層廣泛的普通觀眾產生強烈觀影需求，希望走進電影院一起"入夢"，在光影交錯中留住好時光。
公映之後 24 小時口碑集體爆發
90 後觀眾要帶爸媽二刷"表達愛"
公映當天，影片口碑在 24 小時內呈集體爆發的趨勢，普通觀眾和媒體分別從自己的角度肯定《八月》在影院放映的寶貴價值，很多評價發布在社交平台，直抒胸臆："在電影院里哭的自己都不好意思，想想父輩經歷的一切，特別心疼。" "《八月》是好看的電影，故事和演員氣質完美統一。""真的希望這部電影被更多人看到。""好像回到自己的那一段《八月》，不想結束。""想帶著爸爸媽媽二刷，用電影來表達說不出的愛"等等。觀眾真誠、直接的觀影感受直接反饋到數據平台上，據藝恩官方數據顯示，《八月》認知指數為 5.17，直追好萊塢大片《金剛：骷髏島》(5.68)，遠超同檔期華語影片。《八月》出品方代表愛奇藝影業總裁亞寧先生在首映當天的金句"電影院是好電影最完美的呈現形式"刷爆各大媒體平台。
很多觀眾在觀影後都表示被影片中的真情實感所打動，認為影片是中國版的"請回答 1994 "，被勾起很多對於往昔生活的美好回憶。部分觀眾激動表示平時與父輩溝通太少，這次一定要推薦自己的父輩去看。在與主創互動環節中，有一位 90 後剛參加工作的小夥子說《八月》可以拉近與父輩之間的心靈距離，"中國人不太會直接表達感情，片中合影那場戲小雷虛摟並不在身邊的父親很打動人"，他表示願意帶爸爸媽媽再看一遍，"雖然我不會說，但我希望爸媽知道我愛他們"。另外還有一位女影迷發言說這已經是她第二次看《八月》，她覺得電影是屬於大銀幕的，只有在影院看才不會錯失影片豐富細膩的親情細節，她願意推薦身邊的親友買票觀看。不少觀眾直接表示，沒想到作為文藝電影的《八月》原來觀看過程是很放鬆愉悅的，感動之餘笑意持續，"高級的幽默源自真實的生活"，父母拌嘴、小雷耍雙截棍怒視、父母求人解決孩子上重點等都成為引發觀眾會心一笑的觸點。而現場不少媒體肯定了《八月》出色的視聽語言，與故事相得益彰，共同完成了一次美好的情感旅程，堪稱記錄 90 年代"最浪漫的影片"。
據悉 , 《八月》由青年導演張大磊執導，愛奇藝影業、北京麥麗絲影視文化責任有限公司、北京永旭良辰文化發展有限公司、霍爾果斯映可大方傳媒有限公司、北京果實創想影視文化有限公司、北京追蹤影視文化有限公司、東方影業有限公司、北京天地力行影業有限責任公司，火象(上海)影視文化發展有限公司出品。
去年金馬獎上，“80後”導演張大磊執導的電影《八月》“爆冷”戰勝馮小剛、杜琪峰等大牌導演的作品，摘得金馬獎最佳影片獎。影片已於24日全國上映，它也成為首部由中國藝術電影放映聯盟參與全國發行的藝術片。
《八月》描述了上世紀90年代一戶普通人家瑣碎的生活日常，呈現出12歲的小雷無憂無慮的暑假，和大人所必須面對的國企改革的歷史潮流。導演張大磊說，很難概括《八月》的故事，“我只能說這部影片是關於一個12歲少年小雷和他身邊人發生的故事，是一場簡單、安靜、浪漫的白日夢。”
在中國電影現在的市場形勢下，《八月》的題材和類型極易成為又一個“口碑好票房差”的藝術片典型案例。談到這，張大磊謹慎表示，不敢對票房抱太多期待，“別虧本就行”。
“別虧本就行”的願景，是藝術電影在電影市場“弱勢”境地的一個縮影。商業院線鮮少給藝術片高排片是事實，黃金場次更是難見藝術片的身影。這些年，王小帥等導演以或憤怒或悲情的姿態，多次振臂呼籲，應該有相應的院線政策來讓藝術電影有準入市場的權利。
作為電影界“陽春白雪”的代表，藝術片由“小眾”走向“大眾”並非一朝一夕之事，但在各方的醞釀下，藝術片在尋求“被看見”方面邁出了探索性的一步。成立了不足半年的中國藝術電影放映聯盟，最終目標是在全國徵集400個合作放映廳，實現3000塊銀幕動態放映藝術電影。
中國電影資料館館長孫向輝介紹，《八月》是該聯盟首次參與發行的影片。全國55個城市的110家影院與電影資料館簽約，在專門影廳保證持續兩周的時間，每晚提供黃金場次給《八月》。
其中，廣東有廣州百麗宮影城(獵德店)、廣州萬達(白雲店)、廣州金逸空中電影城等7家影院參與簽約。南方日報記者留意到，簽約影城的確保留了黃金場次給《八月》，以24日為例，《八月》在廣州百麗宮影城(獵德店)的開場時間為19：15，在廣州萬達(白雲店)則為18：10。
2. 《星際穿越》觀後感5篇觀後感悟
片名簡單易懂，體會為穿越星際，講述了為什麼要進行星際穿越，如何穿越星際，穿越過後又能得到什麼。以下是我整理的《星際穿越》 觀後感 5篇觀後感悟 範文 ，歡迎閱讀分享。
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《星際穿越》觀後感1
最近，我看了一部英語原版大片《星際穿越》。它講述了在人類的未來，地球上的環境十分惡劣，植物無法存活，人類無法生活。
在這危急關頭，主人公庫珀接受美國航天局的命令，帶著機器人和其他幾名宇航員到外星系考察尋找適合人類生活的星球。他們駕駛飛船，連接上了一個空間站，通過「蟲洞」來到了一個奇特的星系，這里所有星球上的一個小時就相當於地球上的七年。
他們脫離空間站，開著飛船來到了第一個星球。他們發現整個星球表面充滿了水，但只過了幾十分鍾就會有一個幾百米的大浪降臨。於是他們馬上撤離了這個星球而繼續前往下一個星球：以還休眠在那裡的Dr.Mann曼恩博士的名字命名的星球。但到了那裡他們才發現這里根本不適合人類生活，之前曼恩博士說「這里很好」只是他的一個詭計。他這么說是因為他的飛船燃料已經不夠了，但他怕死，就想讓別人開飛船過來，趁機弄走飛船，開回地球。但是聰明的機器人沒有讓他的計劃得逞，曼恩博士的飛船發生了爆炸。
宇航員們和機器人決定前往埃德蒙多星，但由於飛船燃料有限，只能靠「蟲洞」的引力產生彈弓效應，使飛船彈射向埃德蒙多星。但飛船還是太重了，所以無奈之下庫珀只能把他和機器人乘的飛船駛入「蟲洞」。飛船著火了，庫珀被彈射了出來，無意中進入了一個五維空間，在這里他看見了他女兒小時候的樣子。
他讓女兒手錶的指針振動成某種規律，女兒發現後馬上根據摩爾斯電碼知道了五維空間……
庫珀醒來後發現他已經來到了一家醫院，外表四十多歲其實一百二十多歲的他在八十多年後又一次緊緊抱住了自己九十多歲的女兒。
這一部電影讓我懂得，人類想要尋找 其它 星球作為自己移居的目的地，機會十分渺茫。我們唯一的出路就是保護環境、愛護地球，地球才是我們人類可依靠的家。
《星際穿越》觀後感2
電影史上最著名的銀幕黑洞是庫布里克的《2001太空漫遊》。電影中宇航員大衛在經歷了一些列和飛船電腦鬥智斗勇之後，進入了一個神奇的隧道一樣的空間。這個進入空間的鏡頭有近乎十分鍾之長，沒有對話和任何情節發展，就是光影在銀幕上不斷變幻。大衛透過的這個隧道式的空間被普遍認為是進入黑洞。在這個漫長的視覺隧道結束之後，大衛來到了一個房間，他發現自我迅速變老，代表宇宙終極奧秘的黑石再次出現，還有一名星孩。
和《2001太空漫遊》比較，諾蘭對黑洞的展示是具體的，從無邊無際的飛沙到以三維形態投影存在的高維時空都觸目可見，可逐一邏輯分析。在黑洞時空扭曲的內部，庫珀的行為依然和之前拯救人類命運的大設定息息相關，黑洞之外的 故事 在黑洞之內延續、發展，最後完滿閉合。庫布里克則完全相反，在宇航員大衛在透過黑洞之後，庫布里克完全是以超邏輯的視覺象徵合集的方式來終結電影的。大衛的變老、黑石的出現和星孩的誕生彼此之間沒有敘事上的邏輯關聯，甚至任何一種試圖把黑洞邊界之後的資料和之前進行敘述性上邏輯關聯的嘗試都將失敗。換一種說法，諾蘭的黑洞之旅是以已知推測未知，是給出答案，是閉合的;庫布里克的則是以未知表現未知，是提出問題，是開放性的。
在我看來，隨著科技發展，維度變幻，任何以肯定狀態存在試圖給出答案的 方法 有可能被證偽;而提問題則是老實的(或狡猾的，取決於你的決定視角)，精準地以視覺符號表現全部的未知也比提出某種形態的答案更加困難。庫布里克用具象的視覺符號來表達一種抽象的哲學概念，對宇宙的未知進行了同樣抽象的詩一般的視覺猜想，這是我認為為什麼《2001太空漫遊》能由科幻最後上升到哲學，至今依然是無法被超越的最偉大的科幻電影。
比較之下，《星際穿越》對黑洞的視覺展示是無比壯麗的，而既然我們此刻誰都不理解黑洞，都在猜想，都不確定，那麼諾蘭在電影中所進行的「愛」的猜想也便未嘗不可。然而一旦提出解說，就難免落於巢臼，尤其這個解說只作為完整故事的結尾匆匆出現，不再進一步被邏輯拆解分析研究。在這一點上，《星際穿越》的確更類似於《超時空接觸》，充滿了科幻的激情和熱忱，卻還沒能站到哲學的高度，由科幻最後走向嚴肅的信仰。
所以《星際穿越》最終解決的並不是科幻最終極的哲學問題，它解決的還是好萊塢的問題。
《星際穿越》觀後感三
昨晚晚上上四樓看了星際穿越這部電影，影片中講述了：在不遠的未來，隨著地球自然環境的惡化，人類面臨著無法生存的威脅。這時科學家們在太陽系中的土星附近發現了一個蟲洞，通過它可以打破人類的能力限制，到更遙遠外太空尋找延續生命希望的機會。一個探險小組通過這個蟲洞穿越到太陽系之外，他們的目標是找到一顆適合人類移民的星球。
在這艘名叫做「Enrance」的飛船上，探險隊員著面臨著前所未有，人類思想前所未及的巨大挑戰。然而，通過蟲洞的時候，他們發現飛船上的一個小時相當於地球上的七年時間，即使探險小組的任務能夠完成，他們的救贖對於對地球上仍然活著的人來說已經是太晚。飛行員庫珀必須在與自己的兒女重逢以及拯救人類的未來之間做出抉擇的一個故事!
然後看完電影之後讓我懂得，人類想要尋找其它星球作為自己移居的目的地，機會十分渺茫。我們唯一的出路就是保護環境、愛護地球，地球才是我們人類可依靠的家。所以說我們要更加的愛護地球，愛我們的家;從一些日常小事做起，讓我們的子孫後代也幸福快樂的生活在地球!
《星際穿越》觀後感四
歐美科幻冒險電影《星際穿越》在11月12日全國公映，這部電影由馬修·麥康納，安妮·海瑟薇主演，這部電影講述了探險家們發現蟲洞，在這個基礎上向宇宙進行星際航行的故事。
《星際穿越》故事將講述一隊探險家利用他們針對蟲洞的新察覺，超越人類對於太空旅行的極限，從而起初在廣袤的宇宙中進行星際航行的故事。本片是諾蘭自2010年《盜夢空間》後又一原創劇本，由他和弟弟喬納森·諾蘭共同執筆。影片故事最初的概念來源、加州理工學院物理學家基普·索恩也參與了劇本創作，他對蟲洞和時光旅行的研究為本片增添了不少科學依據。據導演諾蘭御用藝術指導內森·克勞利透露，該片劇情將涉及更多的科學概念，如黑洞原理、相對論以及萬有引力。
這是諾蘭寫給全人類的太空史詩，更是一封寫給女兒的溫情家書。
被粉絲奉為諾神的克里斯托弗·諾蘭，最後揭開了其備受期盼的科幻巨制《星際穿越》的神秘面紗。影片在帶領觀眾踏上絕妙太空征途的同時，更多的還是對人性本質的探索，著重於一對普通父女間的親情以及他們之間超越時空界限的心靈紐帶。可能對為人父母的人來說，兒女總是自我一生最大的牽絆，親情也是人類世代相傳的維系。
所以，假如你要將《星際穿越》和去年大熱的《地心引力》作比較，其實很難找到共同點。要說《地心引力》是讓觀眾目睹桑德拉·布洛克如何上演太空版《荒島餘生》
想盡辦法重返地球的話，那麼《星際穿越》則是在人類末日的大背景和感人至深的父女真情之間，順便帶觀眾身臨其境地體驗了一把進入浩瀚宇宙的完美。
父女情深，影帝馬修賣力演繹催人淚下
當然，與太陽系拜拜的探索之旅仍占據了影片大部分戲份，而且全片太多要交待的前期鋪墊與劇情轉折，也使得近3小時的觀影稍顯冗長。故事在庫珀(馬修·麥康納 飾)和父親以及一雙兒女共同居住的家中開篇——只剩下玉米這一種食物和嚴重多發的沙塵暴已經使地球不再宜居，而在一次沙塵暴之後庫珀和女兒一齊發現了美國航空局的基地。原先，由科學家布蘭德(安妮·海瑟薇 飾)的父親(邁克爾·凱恩 飾)率領的頂尖團隊已經在部署星際之旅，去太陽系外尋找能夠居住的星球。作為以前最優秀的宇航員，庫珀也被說服加入了這支為人類尋求一線生機的探險隊。但對一位父親來說，最艱難的便是要和兒女分離獨自踏上未知之旅，個性是對太空興趣濃厚的小女兒堅信父親永遠拋棄了他們。無奈的庫珀最終還是毅然踏上旅程，雖然探險中也有曇花一現製造麻煩的小反派，和一筆帶過卻感人至深的與布蘭德的感情，但父女間雖然遠在天際卻心靈相通的感人真情才是貫穿影片的絕對情感主線。
卡司方面，影片強大的實力派陣容也為冰冷的太空之旅打下了有血有肉的堅實基礎。今年初剛剛捧起小金人的奧斯卡新科影帝馬修·麥康納將陷入兩難境地、親情至上的父親主角詮釋得十分到位，幾場感情戲著實催人淚下，其對人類共通的情感主線深入人心的刻畫絕對對得起影帝頭銜。安妮·海瑟薇的對白無論是講述正經科學理論還是心靈柔軟之處都極具說服力;而「勞模姐」傑西卡·查斯坦雖然戲份不多，但作為情感主線的一部分，她的表現也相當到位。
身臨其境，震撼視效帶來最唯美科教片
《星際穿越》是一部探索人性的科幻片，更是一部美輪美奐的太空科教片。在當這天體物理學研究領軍人之一、同時也是影片製片人的基普·索恩的科學理論支持下，該片在歷史上首次把基於愛因斯坦廣義相對論方程的「蟲洞」理論展此刻了好萊塢銀幕上。就連索恩自我也表示，雖然在理論上已對「蟲洞」和「黑洞」熟知已久，但真正在眼前看到還是頭一遭。因此對所有觀眾而言，這都是一次前所未有的視覺享受，是一場揭開神秘太空面紗的奇幻之旅。
在索恩的幫忙下，諾蘭和他的團隊一齊從觀眾的視角，把震撼人心的「蟲洞」穿越和美輪美奐的土星相遇完美呈此刻了銀幕上。諾蘭始終堅持的實景拍攝與70毫米IMAX膠片的運用也都保證了最佳觀影體驗，而當飛船的強大混音帶動影院座椅一齊震動時，有那麼一瞬間你可能會覺得自我真的就坐在那艘轟鳴的飛船上。
作為一種將一小部分人能欣賞的高雅藝術科普給普羅大眾的藝術形式，《星際穿越》的觸角伸到了嚴謹的科學領域。這必須是你看過最美的科教片，感謝電影人在充分發揮 想像力 ，為人類探索星空中無限未知可能的同時，仍然紮根於最原始最真切的人類情感，帶給我們一段超越時空的完美。
《星際穿越》觀後感五
片名簡單易懂，體會為穿越星際，講述了為什麼要進行星際穿越，如何穿越星際，穿越過後又能得到什麼。影片總時長花了近3個小時來講述，但是每一個畫面每一句台詞都沒有浪費，而是真真切切表達了影片的核心思想。它不是一部普通的科幻片，用了較多的類似地心引力的視角來展現太空人所面臨的境地。太空人也是人，是真是的，有人類親情的溫馨，有人類的誤解，人類的自私，人類的恐慌，人類的暴力，還有最重要的人性。看過許多影評，都說片子里的物理天體理論太不貼近現實，但是據考證，這是最貼近現代科學和技術的科幻片，就連黑洞的模型都是有美國拉薩組織的參與，絕不僅僅是幻想。
作為一個心裡有宇宙夢的偽科幻迷，很喜歡那種天馬行空的科幻片，但此片卻把人帶會到現實，用僅有的現實理論演繹了一部驚天的科幻片，不同與地心引力的個人視角，一人一片的新科幻模式，此片帶著探索宇宙，探索高維度，探索未來的理念，讓人很容易有代入感，體會片中世界帶來的感受。
此片看了兩次，或許我還會找時間再看，因為每看一次，感受不同，注重的細節和人物感情不同，想更深層次的理解此片。
此片和《穆赫蘭道》帶給我一個共同的感受：片子一模一樣，當你看的角度和體會的心情不同，獲得的觀後感會有不同的體會，好片子就是用簡單的演繹帶給人無窮盡的體會和感受。細細體會，慢慢品味。
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1895年，盧米埃爾兄弟的《火車進站》在法國的公映標志著電影的誕生。
1902年，同樣來自法國的一位電影大師梅里愛推出了第一部科幻電影《月球之旅》。
由此我們可以看到，科幻電影的誕生與電影史的肇始幾乎是同一時間。人們的非凡想像力，從一開始就賦予了科幻電影以綿延不斷的長久生命力，一路走來經過了100多年。這一百多年裡，許多科幻精品橫空出世重寫電影歷史，推動著這個獨特的片種不斷的創新發展，並給我們帶來了無盡的想像空間。如果電影是夢的話，科幻電影可以說是最瑰麗的一個。
電影是影像的藝術，所以絕佳的創意必須有足夠強硬的技術支持才能展現給觀眾，流芳百世。這也是絕大多數經典的科幻電影作品都產在科技一直走在世界前端的美國的原因。由於技術所限，早期的科幻電影多顯得粗糙，特技效果讓人不敢恭維，沒有多少留給人們銘記的經典。而這種情況在1968年的一部橫空出世的作品打破，可以說，這部作品代表著科幻本義，這就是斯坦利•庫布里克的《2001漫遊太空》。這部偉大的作品不僅有著深刻的含義，其逼真的特技效果即使放到今天來看仍讓人嘆為觀止。而它也是直接促成喬治•盧卡斯拍攝後來享譽全球的《星球大戰》系列的重要原因。而它科幻電影NO.1的地位也直到1982年雷德利•斯科特的《銀翼殺手》的出現才被打破。迄今為止，不論任何的科幻電影評選中，這兩部作品也一直牢牢的佔領著前三甲的兩個席位，其藝術魅力可見一斑。
可由於其超前的意識和深邃的思想，它們無一例外的在剛剛上映時受到或者是票房或者是票房的冷遇，尤其是《銀翼殺手》，當年票房慘敗評論戚戚，可隨著時間的檢驗，自身的價值逐漸顯現，已經成了後來者居上的典範。
不同於以上一類經典科幻電影的風格，有一類導演的科幻作品，從來都是藝術和娛樂兼具，如此兼容並包的定位使得他們的作品在席捲全球票房的同時，在評論界也獲得了良好的口碑。這類導演的代表中最出名的有兩個，一位是用《異形2》《深淵》《終結者》等一系列科幻作品開創科幻電影新概念的詹姆斯•卡梅隆，另一位就是大名鼎鼎的史蒂芬•斯皮爾伯格（Steven Spielberg）。
斯皮爾伯格是好萊塢電影的標志性人物，他的電影也牽動著整整一代人回憶。猶太裔的他在自己的作品中充分展現了本民族特有的華麗到奢侈的想像力，並在其中注入了自己始終保持著的一顆童心。縱觀他的作品，我們可以發現科幻作品佔了其中的很大一部分，從最初的《第三類接觸》的神秘莫測，到《E•T外星人》的童心未泯，《人工智慧》的溫情和殘忍，《少數派報告》的質疑反思，再到去年上映的《世界大戰》中的末世情結。每一部作品無一不是在講述觀點的同時又用他豐富到令人咋舌的科幻元素的牢牢吸引著觀眾的眼光。而在這其中最顛峰的科幻作品便是1993年讓全世界為之驚嘆的《侏羅紀公園》（Jurassic Park）。
我們沒有生在美國，我們同樣沒有生在70年代，因此在沒有足夠的文化鋪墊的前提下，我們這一代並沒有感受到多少《星戰》系列的巨大的魅力，更不用說是對這種由電影而產生的文化的狂熱擁蹙了。可是，我們會記得上個世紀90年代，有這么一部科幻作品，讓全世界的影迷如潮水般涌進電影院為之瘋狂，而這種情形直到1997年的《泰坦尼克》出現後才重現了一次。這部作品就是《侏羅紀公園》，那個還原了恐龍的奇異世界。
《侏羅紀公園》至今仍然以9億多的票房成績排在全球票房排行榜的第六位，排在前十位影片幾乎被近幾年的《魔戒》和《哈利•波特》系列霸佔著。而在它們十年前就已經出現的《侏羅紀公園》是前十名中唯一一部上個世紀的影片。也許票房並不能成為衡量一部電影的全部標准，可這一系列數字已經完全可以驗證它獨到的藝術魅力，正如影片中不可一世的霸王龍一樣，《侏羅紀公園》完全稱得上是藝術與娛樂結合最佳的科幻電影霸主！
影片改編自著名科幻小說家邁克爾•克萊頓（Michael Crichton）的同名小說作品。講述了約翰•哈蒙德博士在進行恐龍研究過程中發現一隻吸了恐龍血，被困在樹脂化石中的蚊子。他從蚊子體內的恐龍血中提取出DNA，復制出真正的恐龍，並建成一個恐龍「侏羅紀公園」。沒想到的是，公園發生意外事故後又遭人破壞，恐龍出逃造成了災難性局面。
這是一個典型的「軟科幻」故事（科幻作品分為「硬科幻」和「軟科幻」兩種，兩者的區別在於前者是以自然科學為科幻構思的作品，作家力圖把每一種科學發明寫得符合自然科學能夠加以解釋清楚的程度，如果出現不合情理的解釋，也是由於受科學發展水平的局限。軟科幻一般不會刻意去對作品中提到的科學發明的科學根據進行過多的解釋，甚至也不顧這種超前的科學構想是否有可能實現，因為對於作家來說，他所關注的是這一科學發明出現後，或者是在這一特定科技背景下，將會發生什麼事，社會出現怎樣的變化，未來的社會將會是怎樣的。因此有人認為，軟科幻以包括哲學、社會學、倫理學等學科的社會科學為科幻構思的作品。杜漸：《世界科幻文壇大觀》第一冊，108頁）。
斯皮爾伯格看中這個故事，正是因為它豐富娛樂元素表象下對社會科學發展帶來惡果的深刻反思。自然規律是不容相悖的，否則必然遭到毀滅性的打擊。可是即便如此，當影片剛開始，伴隨著約翰•威廉姆斯史詩般壯闊的音樂，在哈蒙德博士的指引下，我們在熒幕上第一次看到那個已經消失了幾百萬年的龐然大物的時候，激動的心情還是無以言表。恐龍這種史前怪物曾經是地球的霸主，但卻最終因為地球環境的改變而全體滅絕，這本身就是一個讓無數人心馳神往的謎題。所以那隻栩栩如生的恐龍在熒幕上仰天長嘯的一刻，全世界人們的心為之震顫，這種震撼不僅僅是一部電影所能帶來的，這是原始生命帶給我們的悸動，超越時空直達心底，讓我們實實在在的感受到了生命的偉大。當然，創造了這一切的科技也同樣開創了歷史的先河，《侏羅紀公園》中的特效由盧卡斯的「工業光魔」（ILM）公司打造，影片中的恐龍們也成為了影史上第一次出現的由數字技術創造的能呼吸的，有真實皮膚，且有肌肉和動作質感的角色。
科幻電影是我從小時候開始就最喜歡的電影類型，出名的不出名的都在我的前後搜刮下看得差不多了，可觀看《侏羅紀公園》時無比興奮的心情也像它其中的恐龍一樣前無古人，不知道將來會不會有來者。斯皮爾伯格深諳如何控制影片的節奏，使得故事的發展一直張馳有度。而影片中形形色色的各異角色更添生氣，有著利慾熏心的胖子，有天真勇敢的兄妹倆，有一方面為失敗而痛心一方面為保護家人而堅定的老博士，有鎮定冷靜的男主人公艾倫博士。還有最重要的一群角色，就是影片中讓我們大開眼界的恐龍們，它們不再是以往影片里單調笨拙的配角，它們憑著各異的性格和特點成為了絕對搶眼的主角。溫和柔順的食草梁龍對著小女孩的一個巨型噴嚏至今想起來還讓我捧腹，在原野上受驚集體狂奔的恐龍的出現是影片第一次群體恐龍出現的場面，那種氣勢來勢洶洶撲面而來。
迅猛龍算是影片中一個最大的夢魘了，某種程度上它讓我想起了「異形」的某些恐怖特徵。龍如其名，動作迅速敏捷的它們，殺傷力極強，最可怕的一點是它們極其聰明，不僅懂得埋伏襲擊，還會在某些特定的情況下模仿研究，比如說開門什麼的。於是在艾倫博士的帶領下，一路幾乎都是在躲避這些迅猛龍的追擊。也無怪乎周星馳在《國產零零漆》中還戲謔一下「跑來跑去亂咬小朋友的那隻」恐龍了。當然，至尊的霸王龍的每次出場都會掀起前所未有的風暴般的高潮。雨夜突然出現後把兩個小朋友嚇到失魂，尾隨汽車後面一路狂奔也讓我們的心提到了嗓子眼裡。在影片最後時刻出現，幹掉迅猛龍後的一聲巨吼，然後「侏羅紀公園」的字幅緩緩墜地。這種不可一世的霸氣讓我想起了在帝國大廈樓頂上捶胸怒號的金剛！它們都是自然界某個階段的霸主，那是一種王者的氣魄。
結尾，逃出生天的人們坐在直升機里飛離了小島，外面是一望無際波光嶙嶙的海面，剛才驚魂甫定的他們此刻已經恢復了平靜，看著身邊熟睡的孩子他們對視而笑。一手締造了「侏羅紀公園」的約翰•哈蒙德博士撫摸著手杖上那隻琥珀化石陷入了沉思。這是全人類的反思，激戰之後的透徹淡然，摻雜著對生命規律的敬畏。幾百萬年來地球賴以生存的自然法則，不會因為人類的自以為是而輕易改變。而世界上還存在著多少擁有了高端科學技術就以為自己是上帝的渺小的人啊！在悠揚的樂章中，斯皮爾伯格讓我們帶著這份淡淡的憂慮結束了觀影。而直升機也慢慢消失在金色的夕陽之中，畢竟，他是愛著人類的，所以，他讓我們飛向了希望。
從某種程度上來說，這部影片做到了沒有瑕疵。當很多年後我回憶起來仍然可以毫不誇張的這樣說。把斯皮爾伯格結合藝術與商業的能力發揮到了極致，在影史上劃上了濃墨重彩的一筆。
在這之後，1997年，斯皮爾伯格再次執導了《侏羅紀公園》的續集《失落的世界》，這次不知死活的人們把霸王龍帶到了城市。而影片藉此演了一出母龍尋找子女的好戲，同樣取得了驚人的票房。
而到2003年的《侏羅紀公園3》，沒有了巨擘斯皮爾伯格的執導，失去了觀眾對熒屏上恐龍的新鮮感，它的地位與前兩部已經不可同日而語。可憑著對第一，二集中沒有深入刻畫的翼龍的挖掘，這些創新噱頭讓影片也取得了不俗的票房成績。
「這是一個最好的時代，這是一個最壞的時代。」《雙城記》里的這句名言用在現在科幻片的處境可謂最恰當不過了。隨著電腦科技日新月異的發展，好像已經沒有無法展現在熒幕上的光影了，科技帶給了人們無窮的希望。而另一個方面，科幻電影最核心的部分――創意，卻越來越顯出頹勢。放眼望去，現在在熒幕上大行其道全是超人，蜘蛛俠，蝙蝠俠等漫畫英雄，任何一部科幻影片只要花大價錢好像都可以用特效堆砌的光怪陸離。而像以前的科幻帶給我們痴迷般的心醉，卻越來越少不知去何處追尋了。
雖然如此，些許創意十足的影片還是固執的堅守著科幻的本質，這些影片讓我們欣喜。像1995年的《十二隻猴子》，用科幻的外衣包裹了一個宿命的悲劇。1999年，科幻迷們迎來了世紀末的一次狂歡，《駭客帝國》這部擁有著宗教和哲學氣質的塞伯朋克科幻作品讓所有人耳目一新。而這個系列也是近年來科幻電影的最大突破。2004年的一部小成本科幻作品《蝴蝶效應》，憑借獨特的平行空間和時空轉移理論贏得了廣泛的好評。
美國電影理論家約翰•巴克斯曾經這樣評價過科幻電影的作用：「無論它的社會學重要性如何，科幻電影仍是一種激起美感的基本手段，它是原子能時代的詩，是使我們意識到自己現在是何物和將會成為何物的警句……正如40年代的流行音樂使人更多地聯想到那個時代的躁動和時尚，而不是它自以為附麗的文學，科幻電影這樣的現象或許終會有一天被人們視為比其它藝術門類更完整的代表著產生它的這個年代的歷史性煩憂。」科幻影視忠實地反映人類通過想像在已知與未知之間尋求路徑的過程。
而對於我們這群瘋狂的影迷來說，期待著更多的科幻精品，讓我們感到熱血沸騰，這就夠了！
4. 誰能幫忙寫篇觀後感是看電影的、、
當代作品中CGI技術的運用
——觀《恐龍》有感
提起電影的概念，30年前人們可能會毫不猶豫地說：電影就是用膠片來進行拍攝，經過剪輯之後拿到電影院里播映的影像。但如今，人們對這個問題的答案不再那麼確信，就算是對電影有著深厚研究和愛好的電影人也不能給出一個完整、准確的答案。原因很簡單，當前信息革命正以勢不可擋之勢沖擊著各行各業，IT闖入電影界，電影的信息化被視為人類進入信息社會的主要標志之一。這場信息革命使得影視在美學和物質載體兩個層面發生了質變。在美學層面，電影影像的逼真性受到CGI（Computer-Generated Imagery計算機生成圖像）的挑戰；在物質載體層面，膠片不再獨行其道，以數碼信號為基礎的電子平台將膠片電影進行整合。
計算機生成圖像技術(Computer Generated Images)是指完全由計算機創造出的影像，包括靜止的圖像和三維動畫，即通過計算機軟硬體的環境來創造三維的電影人物形象、創造一個模擬的電影空間壞境、描繪或改進一個真實的空間環境或者創造出一個獨立的「虛擬現實」，一個前所未有的三維空間，計算機生成圖像技術也稱為計算機圖形(Computer Graphics)技術或電腦成像(Computer Generated Images)，簡稱CGI技術，它的產物是一種數字化的作品。由於在整個製作過程中計算機可以直接產生畫面，這就意味著取消了攝影機的參與，因此可以說通過使用CGI技術，傳統的通過攝影機來拍攝畫面的「拍電影」的說法已經不能成立，而是通過計算機軟硬體環境來「做電影」。
電影中活靈活現的恐龍其實是電腦特技的功勞。隨著計算機的發展及3D動畫技術的完善，電腦特技已經成為現代電影製作不可缺少的一種手段。在《侏羅紀公園》里，造型逼真、兇猛殘暴的恐龍就是通過電腦特技完成的。繪制人員先在電腦屏幕上製作出一頭3米長的恐龍外形，然後把綠色的非洲風景照輸入電腦，將恐龍的形象嵌入照片內，再模擬兩架照相機的多次成像過程，把照片上僅有的一頭恐龍變成10多頭恐龍。緊接著，繪畫專家會把恐龍每一秒內的動作分解為24幅連續變化的靜止畫面，再製成電影膠片，經放映機放映，觀眾就可以從銀幕上看到一群恐龍在草地上捕獵的奇幻場面了。為了使這些恐龍像真的猛獸那樣在銀幕上追逐廝殺，人們又用超級繪畫計算機繪制出了一個長達10秒鍾的恐龍運動特寫鏡頭，每一幅草圖上都畫出恐龍的三維視覺效果圖，甚至標出每一塊骨骼的位置。先在已有的骨骼上附上肌肉，然後根據日照的明暗程度給它上色，最後用皺紋、鱗片和一些泥土對它進行細致的調整。現在一些危險或需要加入特定效果的拍攝也是通過電腦特技來完成的。演員只是站在藍色背景下拍攝動作，之後用電腦特技將藍色背景替換成需要的背景。一些地震、海嘯等情節無法真實拍攝時也都會用電腦特技來完成。 電影史上最大的巨制，迪士尼耗資3.5億美元製作的《恐龍》，是世界上最早一部實景拍攝加數碼影像合二為一的電影，1300個電影特效鏡頭展現了活動的、寫實的、會說話的三維恐龍和狐猴，將觀眾完全帶入一個亦幻亦真的史前恐龍世界，堪稱世界電影史上的奇跡。 《恐龍》影片劇本早在1988年已完成，《恐龍》的影片也開始醞釀和策劃，由於當時技術達不到影片的要求，因此1994年迪士尼才著手開拍，為了完成這項拍攝計劃，迪士尼專程建立了一個全新的數碼工作室：Feature Animation Northside。《恐龍》是一部實景拍攝加數碼影像合二為一的電影,它的故事版最初寫於1996年，1997年發展成二維的分鏡頭腳本，後來又用Avid的Softimage 3D製作成三維動畫分鏡頭，同時也對背景進行了描述。攝制組為了拍攝和三維描述的史前世界非常接近的拍攝地點，而且在鏡頭中的比例必須能夠容納這些巨大的動物們，他們用了18個月走遍世界各地,如：佛羅里達州、委內瑞拉、澳大利亞、夏威夷、洛杉磯、加州的死谷等地尋找合適的外景。然後再掃描、合成、修飾，創造出白堊紀的景象。 時間回溯到6500萬年前的白堊紀晚期。阿拉達是一頭禽龍，生活在一個世外桃源般的小島上。它從未見過自己的同類，是一群狐猴將它養大。一場突至的流星雨毀滅了小島，阿拉達和幾只狐猴朋友僥幸逃脫了這場劫難並來到大陸。它們加入了一群四處尋找安全的棲身之所的恐龍隊伍。水源和食物的短缺、以及嗜血的食肉恐龍的不斷侵襲時刻威脅著它們的生命。具有創新思想並對弱小同伴表示同情的阿拉達與冷酷而固執的首領克龍和它忠誠的手下布魯頓不可避免地發生了沖突。在克龍的妹妹妮拉的支持下，阿拉達向傳統發起挑戰並證明了適應環境並相互團結才是最好的生存之道。
電影的開頭，一隻慣於偷蛋的恐龍偷走了即將出世、還在蛋殼中的阿拉達，隨後這個恐龍蛋又被一隻會飛的恐龍叼在嘴裡飛越了千山萬水，最後掉落在了一座美麗的小島上。在這整個過程中，我們看到了海灘、森林、草原、懸崖峭壁等眾多美麗的自然景象。這些都不是合成的，而是實景拍攝。為了做到這一點，兩支外景隊在18個月的時間里周遊世界，為這部融科學事實與迪斯尼豐富想像力於一身的神話故事抓取各種各樣奇幻的背景。由電腦控制的攝像設備拍下的實景被送回位於伯班克的工作室，由一批數字專家一幀一幀地分離出來，再與電腦創造的史前生物天衣無縫地融合在一起。於是我們看到的那一幕幕，就像是真的一樣了！
在那座美麗的小島上 ，生活著一群毛色鮮艷的狐猴。這些活蹦亂跳的狐猴也是專家們通過CGI技術合成的。對於狐猴來說，真正的挑戰是如何製作皮毛，因為在1995年幾乎沒有相應的軟體可用。軟體總監Sloat說：「我們只能完全用動力學來製作，狐猴要有又短又直或又長又卷的頭發。再由我們的設計師來進行裝飾，要看上去有點濕而且粘著灰塵，同時還要符合特寫鏡頭的要求。」 為此，軟體開發組編寫了公司內用的皮毛工具，運行在SGI Iventor前端上。在渲染方面，用的是Pixar公司的Render Man軟體。在動力學方面，製作組用的是Maya軟體。而製作狐猴的動畫時，為了呈現它們身上細密的皮毛，技術人員不但為每個狐猴加上了超過上萬根的毛發，更誇張的是，還特別用軟體將這一萬多根毛發一一編號，並藉由這套昵稱為「發型師」的程序，在電腦中依場景所描寫的環境，將不同編號的毛發依風向決定它的方向及位置甚至是不同的毛色。「當你愈關注那些細節，你就會更逼近真實。」負責視覺效果的希林（J．Hilin）在解釋為何要如此大費周章時說。 我們應該都注意到了，影片中有很多對恐龍肌肉和皮膚的特寫鏡頭。對於凸出的肌肉和微微顫動的皮膚，製作組運用了被稱作Body Builder的獨特工具，該軟體在Maya 環境下運行，技術導演把一個截面是圓形的封閉曲面附到骨骼上，來製作肌肉。當骨骼移動時，曲面發生形變，導致截面也發生形變，因此肌肉會凸出。影響肌肉的另一方面是慣性的計算，有助於表現大型恐龍的重量。為了控制皮膚上大量的皺紋，技術導演運用了參數貼圖和彈性網格。
在《恐龍》這部影片中，最驚天動地的場景要算是損石雨撞擊狐猴大本營的一幕了。超巨大的損石從天而降，實在是一種不可思議的自然景觀。為了創作逼真的戰地效果，迪斯尼的藝術大師們，結合爆破特技效果，以電腦摸擬損石撞擊後的煙雲。你看為使屏幕上的煙雲活靈活現，攝影師們把攝影機倒了過來。哦，煙雲真的好像是在地上蔓延了，電腦師又把現場的影像掃描進了電腦，在經過數位燈光師開始在電腦中為煙雲著色，製造光影特技就是我們現在所看到的煙雲效果了。在損石落下這場景中，恐龍與狐猴在實景火光四射的森林中奔跑的這場戲是攝影車模擬跑動的動物在林中四處飛奔，拍攝下四射的火光後，再把恐龍、狐猴等動物，按攝影車跑動的路線合成上去完成的。 創造另一個令人信服的一點是音效。製作組為不同的恐龍製造了不同的音效。他們首先去佛羅里達錄制獅虎豹的聲音，你看花豹一副要吃人的樣子，非常適合怒吼著的食肉龍。狐猴的聲音來自猴子和玩具喇叭的叫聲。恐龍走路的音效是由兩個人來完成的。他們一個人負責前腳，一個人負責後腳。
迪斯尼公司的《恐龍》是一個新的典範，電影工作者將眾多三維和二維的電腦動畫片斷、實拍場景和微縮模型場景藝術地組合到一起，專業動畫師們製作了寫實的三維動物形象。在這部影片中，他們不留痕跡地把拍攝和三維動畫融為一體，達到了出神入化的境界，並且使像真人一樣說話的恐龍和大家熟悉的迪斯尼傳統風格有機地結合在一起。正如在迪斯尼公司製作三維動畫已經有13年的Griffith所說：「今天電影製作中電腦動畫與實際拍攝已經變得隨心所欲。」
數字技術在電影製作中的運用，極大地擴展了電影在技術和藝術手段上的表現力。數字技術也從根本上改變了電影製作的工藝流程，向傳統的電影製作觀念和大眾對電影本體的認知進行了強大的沖擊。
《恐龍》帶給我們的不僅僅是視覺上的震撼，還有心靈上的啟示。正如《恐龍》一片所闡述的，在巨變的時代，惟有不墨守成規、最能適應環境者才能生存，當科技進占娛樂工業，惟有那些能善用技術、滿足觀眾幻想的，才會是最後的贏家！
這是我們選修課的論文，有3500多字吧，你覺得長了的話就改一改吧。
5. 變形金剛4 ，400字左右的觀後感 速度！
在這個世界盃季里，我放下看球賽和填坑跑去電影院看首映，就是因為：He is back。
很顯然，即使我們都知道這是一部商業片，但作為一個TF腦殘粉，當大哥回來時，你的心情無疑是激動激動激動激動激動的。
我忍了一天沒寫影評就是因為很多人今晚會去看，我容易嗎我。
首先是它高昂的製作成本。這是一部用百萬美元的攝像機架在一萬多美元的卡宴上拍出來的電影，從你進影院開始你就知道你的票價超值了。真正意義上的IMAX影片，然後你就會開始期待大哥什麼時候回來。因為你會很想知道這種超贊的光影效果如何體現大哥威武霸氣的打鬥。
當然，等到大哥真的變形的時候，你已經忘記這碼子事了。你的眼裡只有：大哥，乾死那個蠢逼！
而且當探長、漂移他們在山頂上歡呼He is back時，我他娘的淚流滿面不能自控了好嗎！麻痹我只要想到那個場景就要飆淚啊！滿滿的蘿卜魂正在燃燒！
接著原著黨歡呼吧，這是一部融合了原著的商業片。而且有意思得是，本片出來的幾個機器人，在原著里充滿了倒戈劇情。
比如反派禁閉，變形金剛里的賞金獵人。丫原本是霸天虎安插進汽車人的間諜，不過這貨兩面三刀，根本不從屬於博派和狂派。只要有錢拿有武器收，這貨就會幫你幹活，典型的雇傭兵職業。不知道這點你怎麼能懂這個叨逼叨的反派角色為啥拿了擎天柱就乖乖滾回去一點也不找愚蠢的地球人的麻煩呢？
同時關於禁閉幹掉救護車的劇情，原著黨告訴你，這也不是沒有任何理由安排的橋段。要知道救護車作為老汽車人，他有一個很強的武器，電子脈沖，可以干擾所有的變形金剛。還記得變2里他一炮將霸天虎還原成廢鐵嗎？而就是這個電子脈沖武器，在08動畫里被禁閉偷了，於是除了救護車，禁閉可以干擾所有的變形金剛，而唯一的隱患就是救護車。當然電影里沒有直接套用這個設定，因為禁閉的那個顏射炮沒有把大哥干成廢鐵……我們把這里當成一個花絮看吧。
另外順便一說，禁閉是從lockdown直接翻譯過來的，也有叫他解鎖的。
再比如小諸葛，那個藍發小金剛，這貨是從霸天虎那倒戈的。他的名字Brainstorm很有意思，中文翻譯不出那種感覺。這名字有個釋義叫腦猝病，而小諸葛的角色設定真的就很腦猝……因為想法太多太快經常處理器過熱當機……
還比如漂移，那輛布加迪威航，三變形態，可以變跑車和直升機。漂移原本是霸天虎的死鎖，後來被飛翼拉到水晶城改造了，本來的塗裝是黑色，後來變成了白色，武器從槍變成劍，而且大概是由於日版動漫開始的原因，這貨逐漸就變成了日本武士的屬性了。順帶一提，他也是個人氣不錯的很有魅力的博派人物。
不得不說，這部里引入了那些會讓原著黨尖叫的人氣角色真的很吸引眼球。比如說鋼鎖。大哥騎著鋼鎖的那張海報已經夠讓人癲狂了，等到真的看到他騎著鋼鎖領著機器恐龍部隊沖鋒陷陣的時候，你必須熱血賁張。要知道G1世界觀中，鋼鎖可是比擎天柱還老派的角色，只是後來掛了再植入到機器恐龍中後出了問題，這個問題在各個世界觀里都不太一樣，有說語言中樞出問題的，有說沉默太久腦子有病的，有說記憶混亂的，總是他還是那麼桀驁不馴，勇猛善戰，讓人愛到想被他咬。同時無論哪個世界觀里，鋼鎖都只服擎天柱一人。雖然表面上還是喜歡搗亂啦，但是只要大哥需要，俺鋼鎖咬死你們這群臭霸天虎。原著中鋼鎖是折服於大哥的魅力，這里被搞成了決斗輸……麻痹不能忍，又不是馴馬。
同時隨同鋼鎖一起出戰的還有他的機器恐龍戰隊。因為機器恐龍的超高人氣，所以嚎叫、鐵渣、淤泥、飛標的戲份也不算少。順便一說居然把嚎叫從劍龍改成脊背龍，名字也從嚎叫Snarl變成藐視Scorn，而淤泥Sludge也從雷龍變成了迅猛龍，名字則變成砍殺Slash，這宣告了賣拷貝誓死要將TF變成暴虐野獸的意圖，他驅逐了草食系，將他們全部升級成肉食系了……
探長在本片里的表現真是讓人有重回G1的感覺。比如說在G1宇宙里，探長愛地球勝過賽博坦。於是他和擎天柱一樣是個熱愛好人類的傢伙。這也解釋了為什麼在Nightship里探長對克羅斯說的話：對你的好處就是不用被我幹掉。
當然也不是沒有讓人失望的。作為原著黨最失望的應當屬於驚破天了。那個卡車頭是驚破天？驚破天會是那個鳥樣？我無法想像魅力無窮的反派角色威震天的後續機會是個擎天柱的翻版形象這個設定。要知道驚破天雖然是個三變，但他只是變成加農炮和手持槍，好吧他還變過坦克，但請問變成個卡車頭是個鳥意思？我知道這是劇情需要，但我不能接受！因為我最不能接受得是，變形金剛大電影里驚破天是被神級反派宇宙大帝改造出來的，這片里麻痹是被人類改出來的。改你母啊！誰他娘的要大哥永遠的宿敵被愚蠢的地球人改造啊混蛋！
不過且罷，因為禁閉老是在提創世神，那麼我相信下一部才會是更加輝煌的承接G1宇宙的重頭戲。
因為TF里可以說成神的人有至尊太君、元始天尊和宇宙大帝，其中元始天尊創造了變形金剛，這里還不知道賣拷貝會怎麼糟蹋這個設定，但是不管怎麼說，下一部宇宙大帝會出場應該是沒跑了，總不至於去打元始天尊吧，至於至尊太君……難道他不是變成猴子了嗎？
6. 入殮師影觀後感1000字
一個失業的大提琴師，一份與演奏毫不相關的職業，一場以死亡貫穿全片的 故事 情節，一個有關人生的終極命題，隨影片的緩慢鋪陳，不經意間流露出來，沒有剩餘的修飾，一切但是生活的常態，卻道出生活的真諦：人生必有其儀式，即使在人死亡之後——《入殮師》為我們展示了如何把尊嚴還給死者以及生者如何透過這最後的優雅儀式與死者和解。下面是我整理的幾篇 文章 ，希望你們喜歡。
入殮師 觀後感
《入殮師》整部電影都籠罩著一種淡淡的氛圍，沒有濃墨重彩的色調，沒有誇張浮華的演技，它靜靜敘述，緩緩推進，娓娓道來。值得一提的是，這部電影從頭至尾縈繞的久石讓的音樂是那麼澄凈，哀而不傷，樂而不淫，是真正的東方式的情感流露。在緩慢而抒情的音樂里，我似乎看到像是 雨水 沖洗過的被陽光慵懶照著的那片藍色天空，在不知不覺間，我的心平靜下來，享受著光影交錯帶來的美感。
當你的付出不再得到認可，當你十幾年的努力驀然之間化為泡沫，你是選取繼續堅持自己已經殘破的夢想，還是換一種方式重新開始?影片的男主人公大悟選取了後者。樂團解散後，他賣掉大提琴和妻子一齊回到了鄉下。偶然從報紙上看到一個關於旅行的工作，被錄取後欣喜之餘卻發現自己的工作是入殮師，大悟猶豫之後還是選取了理解，於是他的人生被徹底改寫。
大悟經歷了從第一次看到屍體的嘔吐不止到之後能夠心存敬畏地描繪死者的容顏的過程：屍體腐爛不堪的老人、外表像女人一樣美麗實際上卻是男生的雙性人、留下年幼的女兒而死去的母親、穿長筒襪離去的老奶奶……就應說，在不同的國度，死亡都是一個重要的 文化 ，體現著一個民族對於死亡的態度。日本的喪葬禮儀顯得繁冗復雜，大悟用細膩緩慢的動作詮釋了對死者的尊重。但是這樣的工作終究是不被認可。朋友對他指指點點，連妻子也認為他雙手無比骯臟甚至離他而去。他很難過，但是他依舊堅持。但是，正是因為大悟的堅持，他贏得了我的尊重。
我們明白，失去親人最痛的兩個時刻，一是在親人斷掉呼吸的那個瞬間，你突然醒悟，以後再也見不到活著的他了;二是當親人被送入焚化爐的瞬間，你會意識到，從此以後，你愛的那個人連肉身也將要消失，往後你想要輕輕地撫一撫他的臉頰也不能夠了!大悟的妻子因懷孕而回來，她雖然還反對丈夫的這一份工作但是不得不同大悟一齊出席他好友母親的葬禮。她親眼目睹了大悟為死者「入殮」的全過程，目睹了失去母親那一家人的悲傷，目睹了火化那一刻好友撕心裂肺的痛楚。片中的那個火葬師說：「死是一道門，生命走到盡頭，不是終結，而是超越，走向下一程。」
影片的結局完美得讓人想哭。大悟的妻子最後理解了丈夫的工作，大悟也放下了對父親的恨意。那些昔日的痛苦都隨著眼淚而煙消雲散。大悟用他的經歷用他的心，在黑暗無情的死亡之上盛開了一朵美麗的花，升華了他的生命……
入殮師影觀後感
趁活著，為心解鎖!
潛艇羨慕魚，沒有機器的束縛，能夠自在地游;風箏羨慕鷹，沒有線的束縛，能夠盡情地飛;行道樹羨慕山頂松，沒有園丁的束縛，能夠隨意地長。我們躊躇不前，並不是受到外界的阻擋，而是心靈的羈絆。趁活著，為心解鎖——這是我看完日本電影《入殮師》後最深的感悟。
「我打算迎來人生最大的轉折點，但賣掉大提琴時，很不可思議，覺得很簡單，覺得被一向以來的束縛解放了。自己以前堅信不移的夢想，可能根本不是夢想。」當小林大悟賣掉大提琴時，他發現自己的心也許被上了鎖：現實的殘酷束縛他的內心。而回到鄉下，則是掙脫這一束縛重要的一步。在鄉下，他遇到了那位幫他解鎖的社長——一位入殮師。在社長身邊他看過了無數的死者，而與眾不同的是一位男性，或者說是一位「女性」——止夫，止夫將自己打扮成女人，他沒未被生理甚至心理所束縛，他期望自己是一位女士，就將自己扮成了內心的樣貌。是啊，何必在乎別人的看法，笑著閉上眼才幸福!小林還遇見了舊友山下的母親，老人並不在乎兒子的看法，一心想著將澡堂經營下去。工作，是她期望的狀態，而不是等待，等待死亡的到來。她真的這樣做了，在生命的最後一刻，她還忙著搬運柴火，這就是她所期望的結尾。
在河邊，小林看見幾只魚努力地逆流而上，但屍體卻被湍流沖走。在小林看來，那總覺得讓人悲傷，為了死而努力，終歸是一死，不用那麼辛苦也能夠吧。他們並不是為了死而努力，只是為了回到自己的出生地，看淡了死亡，也就沒了束縛，沒了束縛就勇敢地回家!——這是魚內心的吶喊。在火葬場，那位火葬師在說山下的母親時，說出了自己認為的山下母親期望自己經營澡堂的原因是「我火燒得很好」時表現出了一種簡單，一種把自己的工作當作平凡燒火的簡單，這份職業讓他看淡了死亡：「死可能是一道門，逝去並不是終結，而是超越，走下一程，正如門一樣。我作為看門人，在那裡送走了很多人。說著，路上留意，總會再見的。」這該是怎樣的灑脫!
看過了這一個個的人生，小林不再徘徊，解開了心中的一把鎖，選取了「讓已經冰冷的人重新煥發生機，給他永恆的美麗，有冷靜，准確，而且要懷著溫柔的感情，在分別的時刻，送別故人，靜謐，所有的舉動都如此美麗」的入殮師作為自己不悔的職業。但當他得知當年拋棄他和母親的父親去世時，他停下了，他不想去見那個欺騙了他的人，最後是妻子和同事的勸說才讓他見了父親最後一眼。當他發現父親手裡緊攥著那個當年的「承諾」時，他心裡最後一道心鎖被打開了，心底那張父親的面龐逐漸變得清晰了，最後，他妻子那句：「我丈夫是入殮師!」讓我流下了眼淚，我在替小林高興：那個不理解入殮師丈夫的妻子消失了，影片中最後一道心鎖解開了。
在這部影片中，我看到了一群人在尋找心靈的鑰匙，掙脫心靈的枷鎖，跳出內心的羈絆，而這並不是讓我們莽撞行事，而是讓我們灑脫做人。人生短暫，趁活著，為心解鎖!
《入殮師》：用死亡尋覓生命之光
每個人都在用自己的生命尋找一件屬於自己的東西，也許當我們找到的那一刻，東西本身已經遭到了損毀，但是若不去這么做，生命本身的好處也就不存在了。——基督山伯爵題關於「死亡」，凡是讀過村上春樹作品的人想必都明白那句註明的論斷：「死並非生的對立面，而作為生的一部分永存」。作為一部以殯葬業工作者為主角的電影，「死亡」是《入殮師》無法迴避的一個話題，然而「死亡」卻絕非影片真正的主題，「死亡」在那裡單純的只是一個窗口，透過這個窗口所能看到的，是我們所生活的這個世界。年輕的人們目睹生死的時候會否像入殮師小林大悟那樣悄無聲息地苦痛，這種苦痛能否最終得到良好的正視，繼而闡述真正的生命就應充滿著熱情、充滿著奉獻、有理解的渴望、有交流的誠心。要把這樣一個包含著諸多生活哲理的作品拍攝成電影絕對不是一件簡單的事，如今的電影市場中，觀眾永遠是最聰明的，任何導演一旦低估觀眾的理解潛力，那麼勢必就會遭遇徹頭徹尾的失敗。觀眾們相較於去單純地看一個故事，他們似乎更願意去思考與感悟一個故事，那些有著明確說教好處的主旋律作品在平凡的歲月中往往很難抓到觀眾的心。而真正能夠打動人心的電影作品多是那些故事性高於說理性的劇情電影。於是，能夠讓人們透過一個普通
的故事，得到與自己心理狀態所對應的感悟，就變成了電影製作者最值得稱贊的地方。回顧本屆奧斯卡的提名電影，盡管最終小金人落腳貧民窟，但是我堅信肯定有不少影迷在為《朗讀者》的落榜而感嘆不已，其實《朗讀者》所丟失的小金人能夠在《入殮師》的獲獎上得到彌補。兩部作品在資料上雖然相去甚遠，但是在本質上都有著同樣的思考，對於生命的思考;就連氣質上，兩部作品也都同樣被一種悲涼的氛圍所籠罩，也正是這份悲涼與那個奧斯卡提名，似是而非地聯系著這兩部不同國家的電影作品。男孩與漢娜的故事、入殮師與父親的故事，前者代表著感情、後者代表著親情，二者最終都透過象徵性的物件得到了生命中的一次頓悟。當漢娜收到男孩寄給她的錄音帶時，她頓悟了;當入殮師看到父親手中滑落的石頭時，他流淚了。過去的記憶瞬間得到喚醒，那些原本已經被遺忘的畫面漸漸地浮此刻了眼前，漢娜透過聲音看到了當年的那個孩子、入殮師透過那塊光滑的石頭再一次看到了父親的臉，那張被歲月沖刷得滄桑不已、同時又飽含著愧疚的臉，那張他以前發誓再也不想看到的臉。漢娜用自殺的方式結束了自己的生命，她的死亡深深地嵌入了男孩的內心，永不磨滅，在心靈的墓地里不時牽動著男孩，而入殮師則是透過死亡不斷地感受著悄無
聲息的苦痛，繼而思索著生命的真諦。
「死亡」是一種巨大的力量，任何人的死亡都會對其他人產生深刻的影響，令人無法抗拒。它所反應的問題是每個人都務必應對的，是一種困惑與選取。「死亡」在影片《入殮師》中所賦予的資料與好處，將影片中的所有人物都推向了一個更深、更遠的價值領域去思考，生命領域的思考。「死亡」是每一段故事的切入點，也是透析每一個人物生存狀態的最佳路徑。比方說有著男性生殖器的兩性人、無人認領的腐爛孤老、誤入歧途的青春少女、年輕孩子的母親，這些逝去的人都有著屬於自己的生命故事，入殮師送他們走完人生旅途中的最後一程，讓那些已經冰冷的身體再度煥發出生命的光彩，他冷靜、細致、懷著溫柔的情感，在分別的時候送別故人，那份靜謐地美，是他在生命的故事上畫下的最後一筆濃墨。對於一部優秀的電影作品來說，鏡頭所做的不僅僅僅是對事件的記錄，對主題的闡述，更多的是對於事件的描述，這種描述彷彿就是文學作品中事物內在關系之間的運動感。譬如米蘭·昆德拉在《不能承受的生命之輕》中那種「輕」與「重」、「靈」與「肉」的碰撞、馬里奧·普佐在《教父》中故事年代上的交錯、村上春樹在《世界盡頭與冷酷仙境》中游離於兩個社會的那種自然。這種運動感在《入殮師》中同樣存在，並且構成了影片最為核心
的「心理描述」，導演在那裡主要透過對於事物的靜態特寫與人物主角的動態行為相結合的方式來描繪主人公的復雜心境。片中有這樣一幕場景，小林大悟第一次處理完屍體回到家中，應對著桌子上已經死去的家禽，開始嘔吐反胃，繼而在妻子的身上尋求心理上的安慰，在深夜的床頭回憶起了自己的過去，他想到了已經死去的母親、看到了父親模糊的臉。導演在那裡對於入殮師小林大悟的心理活動拿捏得十分精湛，鏡頭中首先聚焦了小林大悟在黑暗的房間中擁抱著自己的妻子，鏡頭靜止，文字獨白響起，緊之後的下一個鏡頭轉換成了獨自坐著的小林，依然是靜止鏡頭，隨即切換到母親的相片，再回到抱肘靜坐的小林，鏡頭一如既往的靜止，構成了四幅具有內在聯系的靜態畫面，繼而吊燈亮起，小林拿出了那台大提琴，鏡頭也隨之開始了運動。大提琴、石頭、這些具有意象好處的物件一一展此刻了觀眾的眼前，兒時的畫面開始在這種靜謐的氣氛中逐漸呈現。大提琴略帶沉重的音符所流露出的是對生命以及生活的迷茫與困惑。事實上，這也正是影片《入殮師》的內在氣質之一，進一步說，這是影片前半段的典型氣質——悲涼、傷感。《入殮師》的這種悲涼氣質主要是來源於影片中超多的死亡場面感染而來的，在電影的開頭，導演就引用了主人公成為
入殮師後的一次實際經歷作為全片的引子，這是悲涼氣質的開頭，也決定了整部作品的基調。如此多的死亡影片中淡淡講來，沒有撕心裂肺的哭泣，沒有生離死別的糾纏，入殮師在行使這一職業的時候永遠都是那麼地無動於衷，這樣的表現方式十分與眾不同，影片中的死亡也因此而顯得安詳，同時也增添了一份無奈感與宿命感。觀眾往往為這種平靜所震撼，在心靈上的印象也肯定是深刻而久遠的，這種情感上的沖擊力絕非「瓊瑤劇」式的生死別離所能到達。這是一群有故事的人，每一個人物都十分得飽滿，但是每一個主角又都過著十分平凡的日子。我們不禁感嘆，這就是生活嗎?是的，活著並不可能每一天都轟轟烈烈起伏不定，更多的時間里我們都是以一種平靜的方式生活著，飲食、睡覺、按時上班。
《入殮師》中的人物何嘗不是如此。社長每一天都在為逝者清洗身體，日復一日地做著這份另類的工作，然而誰曾明白，他第一次協助入殮的居然是自己深愛的妻子;辦公室的助理看似生活平淡，實質卻是一個為了愛人而遺棄親生孩子的不合格母親，她一生都活在愧疚之中;在澡堂經常泡澡的大叔也並不像看上去活得那麼安逸，他每一天都在殯儀館中見證著一次又一次的死亡。這群有著故事的人，讓影片的情節變得充實，也使影片所要表達的思想變得有力。此外，影片中入殮師的太太美香溫柔賢惠，她的每一次出現都給人以一種強烈的期望感。美香很少去過問丈夫具體的工作到底是什麼，她所做的每一件事都在默默地支持著他，給予他最誠摯的關懷。如果說作為入殮師的丈夫始終都以低音的方式在解讀生命的話，那麼作為家庭主婦的美香就是用舒緩的曲調在輔襯丈夫。關於美香，影片中同樣賦予了她具有象徵好處的行為，在影片的開頭，鄰居家的阿姨給了她一隻剛釣上的章魚作為晚餐，當美香發現章魚還活著的時候，她選取了放生。這是美香對於生命態度的一種暗示，所以當她發現自己懷有身孕的時候，她還是毅然回到丈夫的身邊，試圖說服丈夫放下手上這份不雅的工作，理由是期望孩子能夠有一個良好的背景。直到她親眼目睹了作為入殮師的
丈夫為澡堂老闆娘做儀式的那一刻，兩段不同力度的音符得以匯聚，演奏出了生命的樂章，那是理解的渴望，是交流的誠心。影片最後的結尾也是在象徵著生命的美香那裡落下了帷幕，當那塊光滑的石頭在她手中被合攏的時候，她所握著的是世上最美麗的東西。「我看見一隻白色的鳥在漫天飄舞的雪花中朝南面飛去。鳥越過圍牆，消失在南面 大雪 彌漫的空中。之後，剩下的唯有我踏雪的吱吱聲。」——《世界盡頭與冷酷仙境》
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影童年
電影，為兒子打開了另一扇了解世界的窗，通過觀影，讓兒子感受到成長的正能量，發現光影世界裡別樣的美好情致。透過那一部部經典影片，讓兒子了解到一個個或曲折或感人的故事。
這要感謝張祥聽老師，在他的啟蒙下，兒子學會了電影賞析，學會了寫觀後感，從此，也讓他愛上了電影。讓他在看書、看電視之外多了一個愛好。有空時，在電影頻道看看喜歡的電影；偶爾也走進影院，一起享受分享看電影的樂趣；有時候，想到哪一個好看的影片，從網上搜一下，看個過癮。每次看電影，都是兒子最快樂的時光。
有一次去時代影院，剛好趕上影院的4D廳開放，就第一時間觀賞了《狄仁傑之神都龍王》，驚濤駭浪涌動時，坐椅飛搖，水花四濺，那逼真的場景讓我們印象深刻。
元旦在家，兒又欣賞了一遍影片《墨水心》，這是他以前在張老師那裡曾看過一次的一部經典影片，還曾經寫過一篇讀後感《魔法舌頭》。影片講的是一個男人擁有一條銀舌，那是一條魔法舌頭，他在朗讀時，能把書里的人物讀出來，在現實世界裡復活。有一次，他在讀一本叫《墨水心》的書時，讀出了書中的壞人等，卻把他的妻子讀進了書里去了。他的女兒長大後，也擁有了一條魔法銀舌，她與這幫壞人鬥智斗勇，最終將那些人讀到了他們該去的地方，也救出了媽媽，一家人得以重新團聚共享天倫。這部影片反映了善與惡，愛與親情，能讓孩子感受到溫暖的力量。
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時光，看起來遙遠卻分分秒秒流失的東西。我們一直在生命中執著的，到底是什麼？是一些不著邊際的夢想嗎？還是真真切切的生活？飛屋環游記里，有一個有趣的角色分配現象，主角有兩位，一位是年近六旬的老翁，一個是十多歲的小童軍，他們一個代表著時光走到盡頭卻依然執著追尋夢想的老人，一個代表年輕朝氣想要實現探險夢想卻不知道自己該如何做到的小孩，他們在一個陌生的環境下走到了一起，老人乘坐著飛屋想要到達年輕時和老伴一起想要去的神秘瀑布，小孩想幫助老人且獲得最後一枚童軍徽章，他們的故事並不復雜，但前面最震撼的一分鍾交代了老人之前的一生，卻不得不讓人感嘆時光的消失中，我們是不是遺忘了什麼，那麼我們曾想要達成的夢，那個最真最美的夢想。。。
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世外桃源里的童真
文/夢里詩書
對於《哆啦A夢》最為成功的劇場版翻拍，在更為出色的動畫製作下，劇情依舊是《新·大雄的日本誕生》夯實的奠基，在這部動畫電影里不僅將友情賦予了動容的羈絆，更營造了一個滿載歡樂與奇想的世外桃源，輕松詼諧的氛圍中為人走進了色彩斑斕的光影之夢。
《大雄的日本誕生》是哆啦A夢劇場版系列，至今日本觀影人數最高的一部動畫作品，這不僅源於「日本誕生」這一博人眼球的辭藻，更還在於它滿載童真充沛的劇情，一如往常大雄面對媽媽的壓力，這一次在哆啦A夢的協助下回到了7萬年前的日本，同他的朋友靜香、小夫、胖虎、一起開創了屬於自己無憂無慮的世外桃源，我們在成長中何曾不會面對學習與生活的重壓，又何嘗不會幻想能有著這樣的一群摯友，無拘無束的歡樂，這部電影在伊始其實就巧妙的把握住了觀眾最為期望的需求，用桃花源為引的「日本誕生」攬獲已觀眾的心房。
一個完整劇情清晰且不低幼的故事是《新·大雄的日本誕生》的源泉，雖然每次的劇場版都是大雄從懦弱到堅強的成長，但這樣的劇情卻總是能被那源於友誼的羈絆所打動，這一次透過大雄和小夥伴們與暗黑反派對決的主線，透過他與三隻寵物天馬、獅鷲、龍間的友誼依舊為人感受到了這種情感的真摯，相較於國內諸多低幼蒼白的說教，《新·大雄的日本誕生》的情感並不會令人有感空洞，相較如今敏這般賦予動畫電影以深刻哲思，但並不適合孩子的動畫，那關乎友誼勇敢的正直，又能成為孩子樹立正確價值觀的啟蒙，這樣的電影才是一部真正屬於合家歡的動畫。
電影在友誼勇敢這慣以的情感介質中，其實有著另一個為人深思的切入，為何大雄他們要穿越回到7萬年前日本的伊始，將土地私人和國有的問題，做出了一種全新的思考，土地本就是猶如空氣水源這自然孕育人類的溫床，但在現代化的進程中，土地卻變成了人類私有的產物，這種觀念雖然乍看只是孩子的無稽之談，但又何嘗不是電影用桃花源式的美好和孩子的童真所賦予的耐人尋味之處，這亦是《新·大雄的日本誕生》真正獨具匠心的所在。
《新·大雄的日本誕生》誠然與過往的內容有著近乎90%的重疊，但更為出色的製作和節奏把控，都使這部80年代的動畫電影綻放了如老樹新花般的生機，使那世外桃源中尋覓以久違的童真。