1. 電影<<城南舊事>>觀後感600字
英子在她的心中默念著，在她得到自己父親離去的時候。驪歌的樂音在耳畔縈回著，一縷哀愁淡淡，一抹相思沉沉……去了，「人生難得是歡聚,唯有別離多」，太年輕的時候，為何卻早已體驗了「知交半零落」的愁苦？
惠安會館的瘋女秀貞，飽受養父虐待的夥伴妞兒，為供弟弟上學而偷竊的無名青年，從小在凄風苦雨中生長的蘭姨娘，朝夕相伴的奶娘宋媽和沉痾染身的慈父……涉世未深的小英子的思緒，久久縈繞在時光與命運的變遷之中。夾竹桃零落滿地，她在懵懂與靜默之中送別了自己的童年……
讀《城南舊事》感動著我的，是這文字之間盪漾的一種淡泊與純凈。海音以兒童清澈的眼眸，用清新淡雅的文字，訴說她對城南舊事的情意繾綣。半個世紀的別離，城南的落花依舊，然而零落的，只是人們記憶的碎片。
「看見冬陽下的駱駝隊走過來，聽見緩慢悅耳的鈴聲，童年重臨於我的心頭。」 海音寫道。京華古都的城垛頹垣、殘陽駝鈴、鬧市僻巷……從容淡定之間，多少悲歡離合，掠過生命的軌跡。對於一個孩子來說，愁苦又有何用？「一壺濁灑盡余歡,今宵別夢寒」，童年去了，留下無窮思戀與懷想……
驀然回首，滿地零落的花瓣兒，訴說著盛夏的情懷……落寞之後，驪歌那清越悠揚、古樸深婉的樂音仍在耳畔縈回著，淡淡的愁緒，沉沉的情思之中，少了一絲懵懂，多了一點緬懷。
「長亭外,古道邊,芳草碧連天。晚風拂柳笛聲殘,夕陽山外山。天之涯,地之角,知交半零落。人生難得是歡聚,唯有別離多。長亭外,古道邊,芳草碧連天。問君此去幾時還,來時莫徘徊。天之涯,地之角,知交半零落。一壺濁灑盡余歡,今宵別夢寒……」
落花下，一個女孩，在夕陽的余輝里靜默著，正如她衣襟上的那朵沉默的夾竹桃.
答案補充
《城南舊事》以它那清新和雋永的散文敘事鏡語表現了一個時代「童年往事」般的心理路程。在影片中，小英子是故事中的敘事人，但由於她的年幼，這就必然消解文本的深層語意慾望對象缺席的象徵意味，從而也推卸了小英子的社會行為承擔責任。
影片最大的魅力就是編導有意讓真正的敘事人即成年後的「小英子」（也可說是吳貽弓或者林海音）與被敘述的故事拉開時空距離，使影片的敘事風格籠罩了一段惆悵、朦朧的情感色彩。
在影片開始的情景里，小英子學著駱駝咀嚼的模樣，這不僅反襯了她內心的天真和童稚，更為重要的是奠定了她在影片中的敘事視點。全片大多數鏡頭是以小英子的低視角的主觀鏡頭拍攝的，這樣，隨著小英子那純真目光的追溯，「一切都離我而去」的傷懷情緒顯得尤為真切，同時也顯得更加凄婉和痛楚。
答案補充
從影片的內容上看，故事中所講述的人物命運可以說是相當凄慘的，但語調還是相當溫婉。如秀貞發瘋了，是因為與她相好的大學生從事地下革命活動被警察抓走，生死不明。導演是用秀貞那哀傷的畫外音講出來的，鏡頭在當年曾居住過這對戀人的房屋內緩緩地移動，那朱紅的被剝落的牆壁和窗戶彷彿烙下了他倆情感的印跡。這些都為影片提供了豐富的視聽想像空間，使觀眾沉浸在一種特定的情緒之中。
秀貞與那大學生的自由戀愛為宗族禮法不能容忍，私生的孩子卻作為恥辱扔到齊化門，直至母女倆相見後去火車站，以至最終慘死於火車巨輪之下，似乎是那個社會給她們安排的必然歸宿。影片為了表現這一悲慘的人物命運，精心拍攝了雨夜送別的場面，讓火車煙囪冒出的白煙吞沒了整個大遠景的鏡頭畫面，大雨中，給
答案補充
母女倆送行的小英子暈倒了。畫外傳來買報聲的叫喊：瞧一瞧，母女倆被火車壓死了。導演在這里沒有讓小英子幼小的心靈承受太多的打擊，也不想讓她純凈的眼睛蒙上太厚的灰塵，一切沉重的精神浩劫都推到了幕後，這種含蓄的表現手法是十分耐人尋味的。
相反，在表現年幼的妞兒和小英子相互關愛和體貼上，導演卻有意依仗各種視聽形象的延續和積累，來渲染內心情感氛圍的彌漫和擴散。通過四次拍攝藤箱里的小油雞和盪鞦韆的鏡語抒寫，刻畫了她倆內心的童真純朴、傷感失意、離愁別恨，以及辛酸孤獨的種種情愫，這種情感一直貫穿在影片那舒緩而又沉靜的節奏感
2. 電影觀後感要搞笑的越長越好
<喜劇之王觀後感>
前些天，我重新看了一次喜劇之王。我已經記不清這是我第幾次看這部電影了，從本科時代到現在。有時候是漫不經心的用來打發時間，有時候是用來激勵自己一定要努力向前，不管動機怎樣，每一次都會被感動到熱淚盈眶。想起它1999年的世紀末在全港影院慘淡收場的情景，仍然叫人有些嗟嘆，從那時到現在已經快七年了，看著星星臉上的皺紋越來越多，他的眼睛還是那樣的亮。電影誕生也已經百年了，我堅信，喜劇之王必將隨著時間的流逝而名垂青史。
事實上，看周星星的電影越多，看喜劇越多，看香港電影越多，就越來越認識到喜劇之王里的人生蘊涵著怎樣可貴的精神。很多時候，感動觀眾不用太多本事，因為導演拍出來的就是他自己，比如姜文和陽光燦爛的日子，比如北野武和壞孩子的天空，比如侯孝賢和童年往事，比如金基德和春夏秋冬又一春。這些就是活生生的例子。
周星星的喜劇之王之所以是他最偉大的作品，之所以幾乎達到了喜劇電影的最高境界，原因很簡單，就是因為他拍出了他自己。想當初，我看尹天仇這個死跑龍套的怎麼死都死不了，在娟姐後面翻來滾去浪費菲林，還不明白這到底是出自怎樣的故事。直到前年星星空降人大，在八百人說起他的不堪往事，我才恍然大悟。當年拍射鵰，他演一個被梅超風的九陰白骨爪一爪抓死的小龍套時，就跟導演說，可不可以擋一下再死，導演毫不猶豫地拒絕了。於是，「我就不停的開開心心的提建議，再開開心心的被拒絕」。
很多人看星星，都是從大話開始，或者有些人是從蘇乞兒開始，有些人是從唐伯虎開始，但是把他的作品看的差不多了之後，大多數人都會選擇喜劇之王作為他們最珍惜的電影。在星星諸多無厘頭、夠瘋狂、夠惡搞的作品中，突然間插入了這么一部帶有強烈的悲劇色彩的正劇，當時都沒有人能接受，但是日子久了，星迷們就都開始競相膜拜了。
打動人心的力量，是星星的真誠，一個人在書寫自己的時候，一定是最真誠的。所以一開始，我們就能看到那個穿著劣質西服、面對海浪大呼努力奮斗的背影，那就是星星自己數十年來摸爬滾打不改對電影的痴心的寫照。所以他獻出了自己最好的本色演出，在片場每天只求有便當的小跑龍套卻抓緊機會在攝像機前過過癮，這樣的開場一貫的無稽，卻也夠真實。
粵語版看了很多遍，國語版倒是只看了一次，比較了一下，雖然石斑魚的配音盡出神采，但星星自己的原配音軌反而更能打動人。這實際上和電影本身的寫實風格也是搭調的：石斑魚的聲音特質顯然比周本人要誇張得多。所以到現在，我都還是會背誦很多粵語台詞。
在本科那麼灰暗的時光里，喜劇之王一遍又一遍的在感動我，在鼓勵我，在給我看人生逆境里不屈美好的那一面，也在告訴我輕輕鬆鬆的擺平不順和委屈。有的時候大家一起看完了跑到陽台上對著空氣大喊幾聲：「努力！奮斗！」小人物的自我勵志，是不能不珍惜的一份人生財富。
就好像我們中的許多人，並沒有良好的出身，也未必得到過硬的教育，他們從鄰里街坊中走出來，抓緊小孩們在街坊活動室打乒乓球的功夫看書，三句台詞也會緊抓劇本不放，沒有人來看也照樣擺齊了番茄醬演雷雨，即使愛上的人是個三陪女郎，只要兩個人在一起，什麼都可以不介意。
很多人最感動的大概是尹天仇沖出屋子對柳飄飄大叫一聲「我養你啊！」，這一瞬間我常常會想起大一的時候喜歡的女生，她和我一樣都熱愛喜劇之王。那時候第一次接吻之前，她就很狡猾的問我：「要不要塗點唇膏？」
電影的音樂雖然不多，但我卻把旋律記在了心裡。柳飄飄第一次出場的時候，尹天仇對柳飄飄許下一生承諾的時候，他和莫文蔚翩翩起舞的時候，那些音樂的調子我都沒有忘記。記得剛開始看大話和唐伯虎的時候，是懷著一顆孩子的心去崇拜周星星的，但自喜劇之王之後，我對這個死跑龍套的不由得肅然起敬。
看了這么多遍，早已不像剛看頭幾次時看到哭鼻子了，但看到任何一處被打動的橋段，以及事後每每想起那些眼神和表情，心裡仍然感動到酸楚。最讓我難過的一段是，尹天仇和柳飄飄纏綿一夜後，早上醒來打電話問當下小姐的行情，然後把所有的紙票、硬幣恭恭敬敬的捋平，放在飄飄的衣服上，順便再押上一塊手錶。
這個男人的窘迫和尊嚴，怎麼看怎麼心酸。
至於電影的結尾，頭幾次看的時候，我以為是敗筆，但經過這么些年，卻越來越贊嘆這樣的結局。星星自己說，這樣的結尾是為了給人以希望。但這樣的方式，無疑具有了強烈的戲謔味道，是對過往警匪片中英雄主義的極端調侃：小人物才是大英雄。
3. 《城南舊事》電影觀後感！只要600字，太多了不要，復制的走！
從自己童年的角度來寫的，可以哈？
總覺著自己不是個喜歡回憶往事的人，沒有保留記憶的習慣，也沒有兒時的老友可以敘舊，況且，有知覺的歲月何其得少，老停留在回憶里，作什麼？直到看了《城南舊事》。
總覺著混沌中的童年，沒有門前澄澈的小溪，沒有月夜籬下的蛙聲，沒有夏日老槐樹的蔭蔽，甚至沒有呼朋引伴采蝶去，應該是忘卻了吧！直到看了《城南舊事》。
覺著忘卻的東西，覺著忘卻的那些人那些事，卻原來一直潛藏在心的某個角落裡，此刻竟像潮水一般慢慢涌來。覺著了無印象的童年，覺著早已消褪殆盡的那些童年玩伴的臉，此刻竟又鮮活起來，彷彿就在眼前。其實每個人記性都一樣好，只是芸芸如我們，總是不經意間失落了那把鑰匙，無從開啟罷了。慶幸有《城南舊事》。
一個孩子的眼眸，純凈得容不下任何塵埃，給這世界蒙上一層夢幻般的明朗。人世的掙扎與苦痛，在孩子的眼裡濾去了浮世悲歡，還原成生命本來的 模樣。瘋子也好，賊也好，貧窮也好，富庶也好，在孩子的眼裡，絲毫不帶有任何人間烙印，她的眼裡只有生命本身。孩子的眼神，是非人間的。
不禁覺得好笑，我們苦苦糾結的有關人本的思考，其實早有答案，因為人人生來就有一副純凈的眼眸，只是我們聽任它一天天蒙塵而銹蝕了。悲哀么？有點，亦不盡然。敏感如孩子，我們又何以沉浮在這世上？麻木與世故是成長的代價，少有人能逃離這樣的宿命，何況大多數是欣欣然的。
看《城南舊事》的時候，我一直在驚異：作者和編者何以能葆有這樣清澈的眼眸，讓年輕如我亦覺出自己的衰老？他們在現實中是否也這般率真，壓抑或戴著面具？孩子般率真的人，多是不入世而短壽的，盡管其中的一部分發出過耀眼的光芒。長亭外，古道邊，芳草碧連天。晚風拂柳笛聲殘，夕陽山外山……
童年的回憶大多是片段，因為不懂人世離合，因為無力探究世事紛擾， 只能聽任一切隨緣而來，又隨風而去。仔細想想，又有幾個童年玩伴可以交代明了他們的今昔。這樣的別離，比起成年之後，猶更痛切，因為多數只能留作一生的回憶。
看《城南舊事》，心頭漾起一絲絲的溫暖，因為已經很少看見這樣精緻的東西，這樣的不疾不徐，溫厚淳和，這樣的純凈淡泊，彌久恆馨，這樣的滿 是人間煙火味，卻無半點追名逐利心。
看《城南舊事》吧，如果你累了，倦了，想念母親的懷抱了。你想要的，她會給你。如果你願意，還可以做一個有關童年的玫瑰色的夢。夢猶酣暢，人已遠離。
4. 電影《童年》勾起8o年代的觀後感
電影《童年》是一部富有濃厚文藝氣息的自傳題材的電影，該片以倒敘的方式，展現了上世紀九十年代末期，一個從鄉下轉學到城裡的插班生和同學們之間相互關愛、追逐夢想的故事。溫馨懷舊的生活場景、沉穩灑脫的敘事節奏、質朴逼真的原生態表演加上柔美動聽的音樂，讓該片既有童話般的夢幻詩意，又具濃厚的自傳寫實主義色彩。
影片之所以選景在耒陽，那是多年前一個偶然機會，導演坐火車從耒陽去蔡倫竹海采風，鐵路沿線的風景，彷彿讓他進入了一條時光隧道，在一小時的旅程里從今天的高鐵時代一下子回到70年代的綠皮火車年代。鐵路沿線的場景從城市到工廠，從郊區到小鎮，從鄉村到竹海，這些場景似乎看到中國半個世紀的縮影。當時，就希望有一天能到永耒鐵路拍攝一部關於回憶，關於成長的電影。
而電影《童年》的故事就是導演本人的一段成長記憶，他試圖將一種個體的回憶用電影的形式變成70和80年代的人對童年往事的一段集體回憶。
5. 要經典電影的讀後感（要短）中文
《指間的太陽》講述了紅軍長征過程中的一個小故事，司務耀族老倌、醫官皮文勛、團長歐喜洋等成人紅軍和湯敏吉、壇子、登才、得天等少年紅軍接到了上級的命令，要成立一個收容隊，過草地。他們的任務就是走在大部隊的後邊，盡量收留那些掉隊的和傷殘的紅軍。一路上，他們歷盡了艱難困苦，首先是面臨餓死的危險，沒有吃的了，他們就去采野菜，最後野菜都采不到了……其次，他們時時面臨草地泥沼的吞噬，在行進過程中，他們中有好幾位因為掉進了泥沼而失去了生命。他們還面臨著寒冷和風雨的摧殘……但這一切都讓這些堅強的戰士克服了，他們終於完成了任務，過了草地，到達了目的地。
書中有一個情節最讓我感動，小紅軍得天竟然偷偷地在胳肢窩里夾著一粒青稞。大家以為他是夾了一顆金牙，沒想到當他笑著用手指夾著胳肢窩里那個東西給大家看時，青稞粒已經發了芽，大家從得天的手指間看到了生命的陽光。「指間的太陽」就是一個充滿著生機和活力的意象，它展現紅軍戰士對理想和信念的追求
這個故事使我明白了，我們現在的幸福生活是我們的前輩用他們的生命和鮮血換來的。現在我們的生活富裕了，怕苦怕累，缺乏堅強勇敢的品質，很難成為國家的棟梁。我們應該樹立紅軍的那種堅強信念，學習他們勇敢無畏的精神，把我們的國家建設得更加強大。
6. 城南舊事電影觀後感100字
一滴清水，可以折射太陽的光輝；一本好書，可以凈化一個人的心靈。在我內心的深處，曾經有這樣一本書，它像一滴清水折射了我心中的太陽，這本書就是《城南舊事》，作者是林海音，它是以年少的心態來記敘自己在北京城南的幸福童年生活。看完書後，古城的殘片、大樹的幾根垂落枝條、臨街老店被塗蓋的字型大小、半扇院門的插閂以及那些美好的回憶都一幕幕地浮現在我的眼前。
也許，童年，是記憶的開始，也是一個夢的符號，它代表經歷滄桑後的人對純真年代的懷念。讀著《城南舊事》，我漸漸地走近了書里，看著英子在城南度過的幸福童年，它們就像是一股細流靜靜地，慢慢地滲入我的腦海中：惠安館、胡同的井、鬧市僻巷、草垛子……這些地方所浮現的人物：井邊的小夥伴妞兒、惠安館的瘋女人――秀貞、躲在草垛里的小偷、斜著嘴笑的蘭姨娘、不理「我們」的德先叔、和「我」朝夕相伴的宋媽以及最後因肺病去世的爸爸都與我建立下了深厚的感情，都不是一朝一夕可以築成的。
當讀到英子和惠安館的瘋女人秀貞玩時，我真擔心秀貞會不會做出傷害英子的事；當看到英子知道自己的好夥伴妞兒就是秀貞的女兒時，英子不僅幫助他們母女重縫，還將自己的生日禮物——鑽石表和媽媽的金手鐲送給他們當作盤纏去尋找思康叔。此刻，我不禁為英子感到驕傲，一個六歲的孩子竟懂得友誼，懂得愛，這大概是一種來自生活的力量鼓舞著她在成長吧！讀著讀著，我時而心驚肉跳，時而輕松自在。我覺得很奇怪：難道英子不害怕秀貞嗎？看到最後，我才明白，她的童年之所以精彩，是因為她有一顆純真的心靈，正是因為她有這樣的一顆心，她的童年才那麼快樂。那是真正的，無憂無慮的，不折不扣的快樂。
《城南舊事》絕不僅是一本回憶錄，它還是名篇佳作，它以它獨特的特點，洗滌人的自私心，讓人受到教育。這本書，的確讓人沉醉，它像一位繪畫大師，締造出了真實的人性世界，為我呈現了一出精彩絕倫的演出。合上此書，房間里飄著一股淡淡的幽香，久久無法散去……
7. 求電影影評800字
經歷了《玩具總動員》《怪物公司》和《Wall·E》的數番歷練後，彼得·道格特已然憑借《飛屋環游記》晉升為21世紀初最成功的動畫煽情大師——當然，也少不了鮑博·彼得森的襄助。
影像語言洗練得沒話說，所謂「十分鍾，年華老去」，《飛屋環游記》開場就用了十分鍾，氣球推銷員卡爾·弗雷德里克森從懵懂孩童到垂垂老者的人生經歷便躍然銀幕。他與愛妻埃莉由探險的愛好相知，進而又青梅竹馬相愛，雖無子嗣，但一世相守，如今老屋將被拆遷，卡爾即將被送進老人院，往昔的種種念想，不由得統統湧上心頭。
於是就很佩服道格特的人物設定：動畫片嘛，既要想像豐富誇張，又要現實有跡可尋。一老一少，一白一黃，一孤僻一人來瘋，人生的起點站居然搭上了一班前途未卜的末班車，不肖說，兩位主人公的對手戲肯定會在後面的歷程中火花四濺。
羅素的形象顯然很入中國觀眾的法眼，地道的蒙古人種臉蛋，脖子上的布條雖然官方說法是探險協會、童子軍之類的組織標記，但我看著就是一條紅領巾。而羅素闖入卡爾老屋要求助人為樂的橋段又讓我立馬想起了童年往事：我小學時的少先隊組織每年三月都會搞學雷鋒、做好事的活動，於是，一到周末我們一群小朋友便山呼海嘯聚在一起，然後滿大院弄得雞飛狗跳，末了還要對著出來呵斥的大人高喊一聲：「我們做好事不留名，我們的名字叫紅領巾！」——「借代」這種修辭手法就這樣被我們自學成才。
羅素討厭嗎？當然討厭，真要吹毛求疵，這個亞裔男孩肥胖無知，私闖民宅，還謊話連篇。不過卡爾也有很多缺點。當他一手打造的飛屋拔地而起時，嚇倒了兩個來接他去老人院的社工不說，一路上還擦壞了別人的車、撞榻了別家的房梁。
但是，沒有人會討厭這兩個傢伙，當我們坐在電影院里觀賞電影時，不必苛求銀幕上與現實的一一對應——尤其當這是一部動畫幻想片時。當我們的兒童電影用高、大、全的偶像和莫名其妙的道德說教來規訓孩子們時（參看《尋找成龍》），那些連大人們自己都不信的教條當然會被在網路世界裡游刃有餘的孩子們所唾棄——有些他們也不「唾棄」，因為許多爛片已經其實好的兒童電影必然是全齡電影，孩子們喜歡看的，大人們當然也會喜歡。當孩子們歡呼雀躍《飛屋環游記》里的奇妙冒險時，大人們正在為他們的偽布爾喬亞趣味得到滿足而心潮澎湃。卡爾不就是個被工作、生活壓抑了一輩子的小白領？一世循規蹈矩，不算成功人士，但也衣食無憂。不過童年的冒險夢想早已盪然無存，但《遺願清單》一旦納入「老夫聊發少年狂」的軌道，生活似乎又充滿了激情。更重要的在於，卡爾還是個情聖，當存款和住房成為擇偶的首要條件時，能在銀幕上看到這樣一位從一而終的美國情聖，女觀眾們自然會由衷的生出一層好感——當然，這並不妨礙她們看完電影後繼續在相親時首先詢問對方是否買了房子。
8. 電影<那些年,我們一起追的女孩>影評
跟《海角七號》一樣，在上映前，沒人會相信《那些年，我們一起追的女孩》（以下簡稱《那些年》）能創下如此驚人的票房記錄。但《那些年》跟《海角七號》不一樣，在台灣以外，它在香港、新加坡、馬來西亞也走出了匪夷所思的票房曲線，大有行銷亞洲之勢。
恰好是這一年，《那些年》有一個絕佳的對比參照物，那就是魏德聖的重磅大作《賽德克·巴萊》。不知是否參考了取名學，兩部電影的片名都是既繞口又不好記。可對九把刀和魏德聖來說，他們用不同的方式去實現了自己的夢想，這已經是一種成功。如果一定要分出個孰輕孰重，在我看來，或許九把刀的成功更加不易。
不過，這並不是說，九把刀比魏德聖和鈕承澤擁有更多的運氣。就像九把刀反省的，他寫書那會，最早幾年，書的銷量都非常糟糕。到了搞電影，他拍了短片合集《愛到底》里的《三聲有幸》，評價也不咋地。先於《那些年》上映的《殺手歐陽盆栽》，好像還是不行。到了《那些年》上映，九把刀估計都做好玩一票就跑的心理准備，豈不料，他不僅紅了，而且爆了。
《那些年》有很多成功的經驗因素，比如它脫胎自偏文藝的台灣青春片，又大膽融入了商業的性喜劇。它有異常傳統的愛情訴求，又擺出了熱血勵志的坦然和大度。如果一一道來，或許，《那些年》的成功可以從九把刀本人講起。先不管觀眾是否會被電影打動，你首先要確保自己能被打動。一旦如此，那就不能光靠一張嘴巴，而是要回到過去，還原真實。影片拍的是九把刀的個人經驗，真名柯景騰、記憶中的彰化、就讀的精誠中學、追求的女孩沈佳宜、身邊的形色好友，這些都是確鑿無疑的事實。
在拍攝和改編自身的經驗上，侯孝賢和楊德昌給台灣的後輩導演留下了寶貴的經驗。《冬冬的假期》、《童年往事》到《戀戀風塵》，從《牯嶺街少年殺人事件》、《多桑》到《紅柿子》，新電影的導演們貢獻了幾十年的時代經驗，在台灣解嚴後的藝術領域里處於領先的位置。這些東西在以往的台片里頭是看不到的，要麼不允許表述，要麼會遭遇層層盤查。拿台灣新電影來比較，好像有點太重了。就說魏德聖、鈕承澤、林書宇這批人，魏德聖的個人經驗還沒出現，鈕承澤把《艋舺》獻給了道上的兄弟林小明，《九降風》里的小湯是林書宇的影子投射……而藉助《那些年》，九把刀一步到位，直接把自己的故事搬上了銀幕。
對真實的還原程度上，《那些年》可能做到了百分之八九十。不過，電影的最大看點卻來自九把刀的想像創作——也就是婚禮上的高潮亮點。在這個虛擬的場景當中，愛情就像《兩小無猜》里的純真游戲。敢不敢？繼續下去，一定要。很多人以為，之前的婚禮出場，那已經是煽情的極限了。結果，九把刀把一份塵封的愛突然拔高，又重重摔下。化作塵埃的愛戀，它們居然也會有落地的聲音。當然，真相黨並不這么認為，畢竟藝術還是需要一些加工美化。就像九把刀說的，186公分、又高又帥的柯震東跟他本人非常的接近……但是，所有人都知道，那是一個善意的玩笑。
具體於電影本身，《那些年》有一個青春偶像片的外殼。最明顯的例子，就是前面說到的柯震東。假設，主人公是勃起那副模樣（現實中很可能如此），故事一樣進行，那多少會妨礙到觀感。新人身份的柯震東表現不錯，陳妍希的選角則是天造地設了。或許，內地導演的繆斯們只是潛規則對象，但是，九把刀絕對把陳妍希當做了初戀情人沈佳宜，哪怕看上去，她只是比一般的女星漂亮那麼一點點。再加上製片人里有「偶像劇教母」柴智屏的名字，《那些年》的模樣並不是太難想像。反映在電影里頭，海邊一段是標準的小清新風格，而聖誕節一段，甚至是一有台北的場景，那就不可避免地粘帶上偶像片的氣質。
很多人提到，在電影語言上，《那些年》並沒有多出彩（婚禮上的升格鏡頭是個例外）。考慮到九把刀是個寫網路小說的，沒讀過電影又是第一次拍長片，這的確是個問題。但是，像胯下出場到對抗教官、兩場大雨和情感關系變化的設置，九把刀又做的很到位。可以說，在講故事的方法上，《那些年》做的並不差。九把刀從小愛看漫畫，漫畫格子就好比分鏡頭，他知道觀眾喜歡什麼。片中有很多地方都看得到漫畫的影響，像提及井上雄彥和櫻木花道，像那些誇張的動作造型和動畫特效（包括陳妍希在結尾彩蛋的表情），倒也投一部分觀眾所好。
當九把刀高喊人生就是不停的戰斗，我想，他最大的敵人一定叫無聊。愛戀之餘，《那些年》更多時候在跟無聊作戰。就像堂吉訶德的風車大戰可以理解為無聊，被太陽暴曬的馬小軍無聊地聞到了燒荒草的味道。在柯景騰看來，學習是最無聊的一件事。沈佳宜告訴他，人生本來就有很多事情是徒勞無功的，他不明白。當他追求起沈佳宜，他就慢慢明白了，自己不再無聊。一到失去了沈佳宜，他的大學就布滿了空虛無聊。
除了拿捏年輕男女的戀愛感受，友情成為了愛情的背景，在細節上，《那些年》還做了大量鋪墊，營造真實的時代感。從開場的三張（張雨生、張學友、張惠妹）到黃舒駿《改變1995》里的《戀愛癥候群》，從僵屍片的插入演繹到AV的瘋狂流行。可以想見，有人會不解，也不喜歡，但是，它要的就是那會心一笑。影片里少不了九把刀的文字游戲，像每個故事都有一個胖子、直接用粗口來表達感受，台詞效果很好。
從開頭咬蘋果、中間送禮物到引自聖經的You Are the Apple of My Eye，問及將來想做什麼，柯景騰篡改了喬布斯的「活著就是為了改變世界」，他說，我想成為一個很厲害的人，讓這個世界因為有了我而有一點點的不一樣。而看上去，跟以往的青春片相比，《那些年》是有一點點的不一樣。很多導演愛青春也愛刀子，不搞點殘酷，後來誰死了，好像不符合常理。九把刀的名字有許多把刀，但令人欣慰的是《那些年》無關那些，只有愛情。也有人說了，這部電影是沒有刀，但是，它有很多的槍，瘋狂的手槍……
「我相信大多數人的成長，都跟這個故事一樣，並沒有刀光劍影、打打殺殺，也沒有搖頭磕葯、夜夜笙歌。」台灣青春片里，在情感基調上，《那些年》比較接近《藍色大門》。只是，比起《藍色大門》全篇的青春過去，《那些年》卻打通了時間，用一場婚禮讓電影院觀眾完成了情感代入。
這是一部形式大於風格的電影，也是一部標準的私電影。面對愛之地久天長，多多少少，《那些年》還是有一股傷逝的味道。當柯景騰用跑步來宣洩失戀痛苦和青春無奈，他在操場跑道上躺下，背後的白色跑道恰好是一個十字架的形狀。他如同被釘在上面，獻祭了自己的青春，毫無保留地付與世人。事情一旦做到這樣，《那些年》能風靡港台甚至是內地，那不就很好解釋了？
9. 讀佚名寫的童年往事讀後感
《童年》讀後感550字摘要： 《童年》讀後感550字 最近，我讀了高爾基的著作《童年》，書中形象地描繪了主人公阿廖沙悲慘的童年，
童年的讀後感
。阿廖沙父母雙亡，而外祖父脾氣十分暴躁，只有外祖母疼愛他了。外祖父不太喜歡他，兩個舅舅更是討厭他。就在這樣惡劣的環境下，他卻走過來了。其實，阿廖沙的原型就是高爾基本人，高爾基借阿廖沙這個人物來描述自己的童年。這令我深深地體會到了當時那個年代的人的醜陋面目。高爾基的童年跟我們現在比起來，實在是太悲慘了！ 我們多幸福啊，被父母寵著。每天坐在寬敞明亮的教室中，聽著老師講課；回家有大魚大肉等著你品嘗；你想要什麼，就給你什麼；如果有人欺負你，大人會毫不猶豫地狠狠地教訓那個人一番。而高爾基那個年代呢？高爾
10. 《我十一》電影觀後感怎麼寫
每個人都會被一些早年記憶牢牢糾纏，不管走到何處，境遇如何變化，那些回憶總能輕車熟路地迎頭趕上。在飯桌上，在旅途中，在各種漫不經心的瞬間，讓人徹底穿越。反反復復的穿越之中，往事被不斷重塑，片斷延伸成段子，段子里生長出故事，突然就有那麼一天，你發現自己竟有過一段驚心動魄的成長史。若恰巧你是個小文青或老文中，這些糾纏變幻的往事便有了著落。當創作者被往事追趕，唯有寫下來，與往事乾杯，方可釋懷。
對於少年往事，王小帥依然視若珍寶。《我11》講述了少年王憨在文革結束前一年的生活，紅領巾、白襯衫，大喇叭，課間操，大紅標語，毛主席像，玻璃球，捉迷藏，鄰里嘮家常，哥哥打群架……私人記憶的場景在各種年代背景聲里逐一展現，個人回憶與集體記憶在這部電影里交織一片。從《青紅》到《我11》，王小帥力圖還原時代記憶，用電影致敬時代，更是給自己一個交代。
類似這樣的創作並不少見。同樣成長於文革期間的作家林白，90年代寫出《一個人的戰爭》，深度涉及時代事件與少女私人記憶。與林白同時期的陳染在小說《與往事乾杯》、《無處告別》中，也都夾雜著不少個人記憶。電影方面，台灣有侯孝賢的《童年往事》，香港則有羅啟銳的《歲月神偷》。
小說掠過不提，來說說電影。《童年往事》、《歲月神偷》與《我11》三部電影，大概都算是半自傳式的，講述的故事基本忠於作者的早年記憶。除了恰好為台灣，香港、大陸三地，三部影片各自的時間跨度也挺有意思。侯孝賢生於1947年，《童年往事》大致跨越50年代末至60年代初。羅啟銳生於1953年，《歲月神偷》講述的童年在60年代末。王小帥生於1966年，算是「文革之子」，《我11》的故事發生在1975年。
無論講述外省移民少年成長的《童年往事》，還是潛入永利街上鞋匠一家的《歲月神偷》，都有著和《我11》同樣的特質：集體記憶與個人往事的交織。這樣的表現在此類題材中是必然的，也是成為一部打動觀眾的好電影所必須的。不同的是三部電影對這些內容表現的處理方法。
《童年往事》講述了阿孝從幼年到青年的成長，其間經歷了父親、阿婆和母親的去世，阿姐結婚，兄長離家。影片以平靜的寫實舒緩講述這些個人往事，情感極其節制。雖然開篇就以旁白道出這是個人往事，全片敘述卻始終保持冷靜的注視，幾乎所有的場景都以第三者的視角旁觀，即便親人離世的幾場戲，也沒有什麼情緒上的鋪陳。隨著主人公成長的故事，影片對早期台灣民眾集體記憶中的風光有各種描寫，嘉義舊監獄旁的居民區，日式建築，市井街道，郊野風光和鄉間小路，都真實再現了那個時代的氣息。細節方面處理的也很用心，父親的椅子，書桌，舊照片，一家人合影，街邊的小吃，小孩口中的「反攻大陸」。除了「我」之外的人物也在按時序展開的敘述中豐滿起來，父親坐在椅子上沉默的形象，阿婆拎著包袱走在「回大陸的路」上，無一不是既埋藏在導演內心又感染一代人的畫面。在這種保持距離的敘述中，個人情懷與時代記憶完美融合。這就使《童年往事》有了超越時代的美感和情懷，即使對台灣那個時代完全不了解的人，也能在影片里感受到一代異鄉人的哀愁與青春情懷。
《歲月神偷》則充盈了飽滿的情感，樂觀奮進不認輸的香港精神是影片個人情結與時代氣息的結合點。影片中，哥哥與父母是真正的主角，是私人記憶，也是時代象徵。永利街上的鄰里生活還原了年代場景，街頭不分你我的集體晚餐，刁橫的英國警察，屋頂上的教室，還有那首《I wanna be free》。不同於侯孝賢的對往事的平靜注視，羅啟銳的敘述中，情感滿溢。「做人，總要信」，「一步難，一步佳」，勵志台詞的設計貫穿全片，哥哥的愛情和白血病也在起起落落的講述中進行。這種催淚的拍法有一定風險，所幸的是，電影對細節的關注，演員的精湛演繹，使得洶涌的情感並未流於亂煽。若《童年往事》是可一再細品的茶，《歲月神偷》便是一次性灼燒喉頭的酒。
《我11》的精彩在於年代圖景的真實還原。上世紀60年代初，中國高層對美帝抱有極其強烈的戒備心，擔心隨時可能爆發戰爭。於是，在中國西南地區秘密建設一批軍工廠，開展大規模國防科技建設。1966年，剛剛出生的王小帥隨父母從上海遷往貴陽山區，支援三線建設。這些從大城市遷來的工廠自成一體，與外界隔絕，王小帥的童年便是在「廠」里度過。工廠，就是他的社會。當時，很多老百姓並不知道這些工廠在做什麼，只知道來自北京的命令要求把工廠挪到山區，並帶來了一工廠的城裡人。一批來自一線城市的知識分子就這樣開始了不知何時到頭兒的新生活，一代「文革之子」就在工廠里成長。王小帥1979年才離開貴陽，整個童年和青春期在工廠里度過，那些年成為糾纏他一生的記憶。
《我11》還原的1975年三線工廠就是那批60年代人的集體記憶。故事以「我」的視角展開，熱情地展現往事中的一副副畫面，父親上班，母親做飯，集體操，玻璃球，玩雙杠，被罰站，更不用說反復強調的標語和口號。核心故事是「我」與白襯衫引出的逃犯事件，又以逃犯事件引出以謝家為代表的知識分子家庭在支援三線中的悲劇命運。或許，稱之為「核心事件」並不合適。逃犯事件和謝家人的悲劇在「我」那一年的成長中只是各種情結中的一條線索。導演試圖將更多集體記憶中的場景——比如來勢洶洶卻草草收尾的械鬥——穿插在故事線索中，卻不夠冷靜，缺乏足夠的敘事邏輯，主角之外的人物都面目不清。結果就是，情感意猶未盡，故事半遮半掩。整部影片略顯寡淡，好似一卷帶著時代印痕的相冊，讓人萌生感嘆之情，卻難以品出雋永之味。
在對往事的敘述中，集體記憶往往是符號化的。聲音，圖像，場景，對白。如何將這些符號自然融入敘事極其重要，設置過簡可能令背景失真，強調過重則產生堆砌感。個人記憶的描繪需要必要的距離，過於貼近往事的情緒反而會有矯作之感。在我看來，對回憶最好的藝術處理是旁觀式的虛構，既能理性推進敘事，亦有可能發掘更多隱匿的細節。
更好地隱藏自我，才能更好地表現自我。
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