电影导演的探索第三集

❶ 《拉片放映室》第32集:张艺谋电影中的构图和色彩运用01

《拉片放映室》第32集--张艺谋电影里的构图和色彩运用01---《黄土地》《红高粱》《菊豆》

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张艺谋是我国第五代电影导演中的代表人物，从1984年在影片《一个和八个》中担任摄影师到1987年导演第一部电影《红高粱》，到2020年执导超过30部作品，近40年间对华语电影和华语导演产生了巨大影响，他的作品除了环环相扣的剧情、仔细地选角、演员精湛的表演外，张艺谋电影广受好评的一个重要原因就是他出色的色彩驾驭能力。

从他的第一部导演作品《红高粱》到2011年轰动全国的《金陵十三钗》，其色彩设计都有一以贯之的特性，这其中囊括了其镜头运用、色彩搭配、人物画面与构图、形象塑造、叙事节奏等诸多方面，这些镜头都用独特的张艺谋式的风格表达了其特有的蕴涵。

而2014年之后的《归来》《长城》《影》以及尚未上映的《一秒钟》《悬崖之上》《坚如磐石》则是张艺谋作为国师之后多元化的探讨和在色彩运用上的突破。

但是对于张艺谋电影的色彩运用，文艺界和影评人确实是说法不一，大概包含有两大观点：支持和赞扬的一部分人认为张艺谋电影色彩设计的运用有很强的民族气息和民族感，比如以大红、大黄等为基调的作品不在少数，而且他也是有意识的运用西方色彩搭配和设计的第一批中国电影导演，色彩的表现力十分突出；反对派和批评的一些人则认为张艺谋电影的色彩运用过于夸张，艺术美感逐渐走向偏激，而且色彩尽显“后殖民主义”的特质，色彩的视觉冲击力远大于其影片所带来的思想内涵，尤其《十面埋伏》《满城尽带黄金甲》《三枪拍案惊奇》《长城》更是饱受非议。可见，张艺谋电影评论的主要焦点仍然是在影片的视觉形式与内容表达上。因为张艺谋不仅具有高水准的导演技能，摄影师出身的他，在色彩构图上也有相当出色的功力。为了让小伙伴们更直观清晰的了解张艺谋电影作品中的色彩运用，那接下来我们就以张艺谋的所有作品分三个阶段来分别拉片分析一下其中的构图和色彩运用……     

1984年的电影《黄土地》中，作为摄影师的张艺谋虽然不能完全主导，但是他也充分的发挥了自己作为摄影师对镜头呈现内容的把控能力，主要着重表现了黄土地、窑洞、黄河、红嫁衣、红盖头、黑粗布棉袄、白羊肚毛巾这些物象，而与之搭配的色彩则是饱满凝重、温暖沉稳，对比强烈，大面积黄色块的运用以凸显电影主题，土黄为主色调，黑、白、红等为辅。通过这些镜头表达了他对于色彩运用在电影中叙事和左右观众情绪的思考。

1987年在张艺谋拥有能力导演自己的第一部作品《红高粱》中，漫漫的黄土，弥天的风沙，赤膊轿夫们背扛着灼热的烈日，他们黝黑的皮肤，拖曳着欢快的脚步，按照船艇的风俗“颠轿”。无论是中远近景的使用和色彩的搭配，都还是在重点凸显他对自己出身黄土地的热爱，而轿子中的新娘，头顶着凤冠霞帔，身穿大红色的新娘装。通过大红单色的使用表现九儿怀着红色而炽热的心，轿子外漫天黄沙和大黄单色则表现旧时的女人出嫁未来渺茫，张艺谋通过一望无际的黄土地和红色装扮的轿子以及新娘形成的对比来反衬那个时代下包办婚姻对于女性的压迫。在电影中，红色的着装、盖头、红轿、红鞋、红日、高粱酒、酒坊、贴纸、窗花等元素是作品主要渲染的物象，构成了《红高粱》中独特的美学特点，搭配剧情，色彩设计也表现出浓郁饱满，饱和度高，色彩纯粹，且大色块大面积运用，颂扬中华民族激扬昂奋的民族精神，融叙事与抒情、写实与写意于一炉，发挥了电影语言的独特魅力，于1988年获第38届柏林国际电影节最佳影片金熊奖，第8届中国电影金鸡奖最佳故事片奖，第11届大众电影百花奖最佳故事片奖，第5届津巴布韦国际电影节最佳影片奖、最佳导演奖、故事片真实新颖奖等等！

进入20世纪90年代，对于当时通过《红高粱》获得一系列国际认可的张艺谋来说，没有获得当时象征着电影人最高荣誉的奥斯卡的认可，就还是证明不了自己。

所以当时张艺谋迎合奥斯卡之心也是路人皆知。当时的奥斯卡评委最爱看什么，禁忌的性，愚昧落后的制度以及桎梏下如蛆虫般生活的丑陋的中国人。张艺谋投其所好，1990年，与杨凤良合作导演影片《菊豆》，《菊豆》继续继承张艺谋电影的主要特色，染坊、瓦墙、服饰、灯笼、各色染布、红烛、棺材、白布、纸钱、火焰等纷纷出现，色彩依旧浓郁饱满，环境以青灰色为主，人物着装色彩对比突出，片中菊豆的服饰多为旗袍，主要有四种颜色，红、黄、蓝、白，蓝色短旗袍最为惊艳。紫色、粉色为辅。

张艺谋为了冲击奥斯卡也算是煞费苦心，为了拍本片他看了超过50部当时称之为变态的电影，拍摄的内容对于很多观众来说也是重口拧巴至极……在那个伟光正的年代，拍这样题材和内容的电影是需要十足的勇气和决心的。

以至于太过于用力，让《菊豆》跑偏，批判不足，猎奇有余，成了许多人心中的情欲片，一度被禁，直到下一部《大红灯笼高高挂》才重新找准方向和定位！

《菊豆》在张艺谋的电影推荐序列中是比较靠后的电影，因为同样是谈性，它没有《红高粱》那种的热情似火，激昂向上的力量；而和《大红灯笼高高挂》相比，它的批判力度又浅尝辄止，少了力透纸背的深刻，像是个半成品。不过在中国影史，它却有着里程碑式的意义。它是中国第一部获得奥斯卡提名的内地电影作品，是以张艺谋为代表的第五代导演正式向奥斯卡发起冲击的标志，从《菊豆》中能看到张艺谋锐意探索的勇气，也能看到他急功近利的谄媚。可大多时候这部作品却被低估，纵观张艺谋导演生涯，被奉为文艺圭臬佳作不胜枚举，可这部无限接近奥斯卡，并在人性方面多方揣度与衡量的《菊豆》却鲜有人提。

当初《菊豆》出现还有一段渊源，1989年张艺谋执导《代号美洲豹》折戟，那是他生涯第二作，标志华语片对商业片的初步试探，此片讲述了海峡两岸携手打击劫机犯故事，两岸同胞情更成为人文核心。可是商业文化上的不兼容导致张艺谋几度崩溃，于是几经拖延与转变，造就了那部敷衍的半成品以及张艺谋生涯黑点，这种情况下张艺谋需要被认可，于是在1990年他又找来巩俐拍了《菊豆》。

影片改编自作家刘恒的小说《伏羲伏羲》，张艺谋之所以选择改编《伏羲伏羲》，最重要的在于作品除了中西文化底色上的交融，其立意上更有着反封建、反枷锁的人性寓言。这是他擅长的领域，如拍摄《红高粱》时利用动荡年间祸乱，来诠释人性的挺拔与癫狂、并利用色彩间的斑斓，来表露人性的欲望与对抗。

同样《伏羲伏羲》改编的《菊豆》亦是毫不遮掩。无论是当时的时代背景或者人性千面，张艺谋都运用了极致渲染给予诠释，除此之外相较《红高粱》的跋扈与粗犷，在这部作品里张艺谋更是百无禁忌的将情欲跟人性暴露的更直接。最初张艺谋定名为《呻吟》，后来改名为《菊豆》。不少影评人都认为原名《呻吟》才更接近电影核心，因为呻吟本是人性映照，而影片所阐述的也正是人性最压抑、最求而不得的内心交响，以及与封建传统间的殊死对抗。呻吟本就是凝结电影始末悲剧的人文核心，可由于名字过于赤裸露骨，碍于民众的接受度，张艺谋还是选择了以主人公的名字为题。可是在仔细观影数遍之后，相信不少小伙伴都会发现《菊豆》是一部越看越让人觉得纠结拧巴的电影。而这是因为第五代电影人大多经历过文革，戴着沉重的枷锁，作为导演，他们的观念里，电影必须批判，必须深刻，必须性压抑。他们渴望被西方主流电影圈认可，他们在谄媚刻意迎合状态下拍出来的电影自然就是纠结拧巴的。

所以导致了电影《菊豆》里，大染坊日夜不停歇的旋转着的彩色，古宅层层叠叠的灰黑色瓦面，菊豆赤裸的身体……这些色彩在推动故事发展、塑造人物性格、反映影片主题等方面起到不可忽视的巨大作用。

《菊豆》通过天青与菊豆的爱情故事，探讨伦理、欲望、人性之间的关系。而这些色彩，就像那条被画在墙上的龙，恰到好处的运用让这龙顿时有了眼睛，破壁飞出！

这座灰黑色的宅子，是杨金山住的地方，也是工作的地方，也是一切故事发生的开始。宅子的杨金山买了一个年轻漂亮的姑娘菊豆，想藉由她来完成传宗接代的任务，这种家族传承的封建思想深深根植在他心里。因为长期无子，让他喜欢通过性虐的方式的来获得快感和证明自己还是个男人，在菊豆之前已经虐死两任妻子。在菊豆身上的施虐，让他有一种征服的快感，让他以为自己雄风犹在，不减当年。这里的镜头展示和屋内红色屋外蓝色对比的色彩运用让人无比拧巴。我们此刻都变成了天青一样在屋外偷听偷窥的人，闹心！  

而这座宅子有着跟杨金山一样的秉性。影片电影中使用俯拍仰拍的镜头非常多，构图也多次用俯拍的视角展现建筑的封闭和压抑，斑驳的墙壁、深棕色的楼梯、灰黑的屋顶，幽深的像野兽的眼睛，让人感到窒息。这种环境这是中国几千年来封建思想的真实写照。

而菊豆在电影中每套着装的颜色也代表着不同时期的人物心理，两人初见时是黄色，发现天青偷窥时是粉色，下定决心想让天青救他之时是蓝色，两人坦诚相对欲望勃发之时是白色，怀孕时是黑色，杨金山瘫痪之后，菊豆换上了红色的衣服，杨金山落红色染池水死亡和菊豆天青两人穿白色孝服挡棺也颇具有戏剧性…… 

我们之前在第21集《电影里的色彩处理》这一小节里面也重点说过影片《菊豆》中菊豆和天青在染坊里的情爱一场戏中来看色彩在影片中视觉语言的综合修辞方法，银幕色彩在强化自然表现力方面的综合作用；

高深、封闭的染坊里深棕色的背景下，有几块色彩鲜艳的红布悬挂其中，隐喻着菊豆和天青二人的激情和情欲被封建礼教深深地压抑和封锁着；当二人在激情中拥抱在一起时，天青扯开菊豆的外衣，露出红色的肚兜，暗示出菊豆冲破压抑后内心的躁动与不安；二人在剧烈的动作中蹬倒支撑晾晒染布的支架，镜头急转如同瀑布般的落下来的大红色彩布，天光同红布一起直泄下来，强烈的天光象征着菊豆和天青彻底打开的不再自我封锁的心扉；而一泄到底、重复交叠的大红彩布，此时此刻则成为二人炽热爱情的欢喻。在这一段落里，一系列红色的由远而近、由弱到强地不断重复，通过视觉修辞形式集中表现了用话语描述方式难以表达的丰富的、微妙的情绪和气氛。导演通过对艺术材料的重新结构，极大地强化了影片的自然表现力，从而获得了震撼人心的艺术效果。

这一段是天青菊豆情感开始的地方，也算是天白诞生的地方，可是最终杨金山在天白3岁时溺水死在红色的染布池里，最终天白亲手将自己亲爹丢进红色的染布池里，并且一棍子打死，这里呼应了一开始急转如同瀑布般的落下来的大红色彩布，最终布落完，镜头定格在染架上，也预示着天青命运的终结！下一个仰拍大火烧毁染布的镜头，也是菊豆此生命运的终结……

染坊是电影里是欲望的开始，也是欲望的终结。所有一切的人性面都是发生在染坊里，天青第一次见到菊豆，第一次偷窥，菊豆第一次暗示天青，第一次欢愉等等……张扬的红色，滚动的染车，像极了在封建礼教下的两个人，流动的欲望，压抑的情感，在染坊里得到了释放。可是，这红色的人性正常舒展的开始，也是封建荼毒的结束。尽管说了许多次，天青仍然没有勇气带菊豆离开。也同样没有勇气告诉天白真相，最终造成了悲剧。他适应以为熬下去就能熬到好日子，越来越离不开这座赖以生存的宅子，他也恨，可他终究做不到。贾宝玉勇敢的和林黛玉自由恋爱，可最终结果却也逃不出那个禁锢他一生的大观园。

菊豆最终也没能逃离这座禁锢她一生的老宅，即便杨金山落水而死以为人生即将迎来新的转机，结果不想自己的儿子害死了老爹，人生彻底黑暗无望，一把大火终结一切，拧巴么？拧巴就对了……

❷ 纪录片《第三极》的导演是谁

曾海若，陕西安康人，毕业于西安交通大学。2001年进入中央电视台新闻中心任编导，2002年进入《东方时空·纪事》，开始拍摄纪录片。

2003年参与《电影传奇》的筹备制作，2006年任《电影传奇》总导演，2007年开始，与崔永元一起探索口述历史类节目的制作。

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导演:KakuArakawa

主演:宫崎骏HayaoMiyazaki

类型:纪录片

制片国家/地区:日本

语言:日语

首播:2019-02-24(日本)

集数:4

单集片长:49

又名:宫崎骏：十年一梦(港)

NHK电视台从2006年开始跟踪拍摄宫崎骏，制作出纪录片《十年一梦》。宫崎骏是日本当代最重要的电影导演之一，创作了一些在时尚独具标志性和广为人知的动画电影。宫崎骏特许了本片的导演和摄影师KakuArakawa，仅他一人跟随他工作并拍摄纪录片，镜头将记录下独家、真实的宫崎骏幕后生活。第一集与2019年2月24日首播，第二集将于3月30日播出，第三第四集分别是4月21日和5月26日播出。

在第一集中，导演记录拍摄了宫崎骏制作《悬崖上的金鱼姬》(PonyoontheCliffbytheSea)构思人物和情节。宫崎骏探索了他的身体能力和想象力的极限，以召唤出令人难忘的主角。

❹ 现在那可以看狂飙第三集

你好，现在那可以看狂飙第三集，具体来说，爱奇艺。此外，狂飙第3集 - 电视剧全集 - 完整版视频在线观看 - 爱奇艺。狂飙,是由徐纪周导演,由张译、张颂文、李一桐等主演的电视剧,于20230114上映。

❺ 第三代导演简介及详细资料

活跃时期

第三代导演的活跃时期可分为三个阶段:

1949年新中国成立到1965年文革前为第一阶段。 优秀作品有成荫的《南征北战》，水华的《白毛女》，崔嵬的《青春之歌》、《小兵张嘎》，谢铁骊的《早春二月》，谢晋的《女篮五号》等。

第三代导演

第二阶段是1966年至1976年的文革十年。除了《创业》、《海霞》、《闪闪的红星》几部较好的影片之外，故事片创作几乎一片空白，中国电影基本处于停滞状态。

第三阶段是文革结束后，已过中年的第三代导演拍摄了大批佳作，进入艺术上的丰收期，如《芙蓉镇》、《鸦片战争》、《骆驼祥子》、《边城》、《春桃》等。第三代导演的创作时期也是中国电影的曲折发展时期。

代表导演

谢晋

谢晋(1923-2008)，是第三代导演中最为引人注目的。他执导了36部影片，先后获得国内大奖23次，国际大奖10余次，许多国家和地区为他举办过个人电影回顾展。谢晋1947年开始电影导演生涯，代表作品有:《女篮五号》、《红色娘子军》、《啊!摇篮》、《天云山传奇》、《牧马人》、《高山下的花环》、《芙蓉镇》、《最后的贵族》、《清凉寺钟声》、《老人与狗》、《鸦片战争》、《女足9号 》。其中《女篮五号》(1957年，兼编剧)是他的成名作，也是中国第一部彩色体育故事片。《红色娘子军》是他前期的重要作品。1997年导演的《鸦片战争》是一部气势磅礴的历史题材影片。谢晋导演的电影几乎都是中国电影史上的经典，他也被海外影评家誉为"当今国际影坛最有名望的中国人"。谢晋不但有艺术上的创新精神，更具有社会责任感，致力于创作出真正具有精神价值、人文关怀，经得起历史检验的作品。谢晋共6次获得"百花奖"，这在中国电影史上是绝无仅有的。

第三代导演:谢晋

凌子风

凌子风(1917年-1999年)原名凌颂强，生于北京，1948年开始执导影片，主要作品:《中华儿女》(与翟强合作)、《光荣人家》、《陕北牧歌》、《春风吹到诺敏河》、《母亲》、《深山里的菊花》、《红旗谱》、《春雷》、《李四光》、《骆驼祥子》、《边城》、《春桃》、《狂》。他导演的第一部影片《中华儿女》展示了人民民众日益高涨的抗日热情，是新中国最早得到国际荣誉的影片之一。1960年执导影片《红旗谱》，在处理革命历史题材上为后人提供了宝贵经验。文革结束后，凌子风艺术创作也进入了鼎盛时期。他把自己的创作视角集中到对现代文学名著的改编上，将老舍、沈从文、许地山、李劼人 的作品接连推上银幕。《骆驼祥子》、《边城》、《春桃》和《狂》中的女性形象塑造，构成了凌子风的创作特色。

第三代导演:凌子风(左)

谢铁骊

谢铁骊(1925年)江苏淮阴人，从影五十余载，编导影片二十余部。代表作品:《暴风骤雨》、《红楼梦》(系列片，共六部)、《海霞》、《早春二月》、《清水湾，淡水湾》、《知音》、《大河奔流》、《包氏父子》、《月落玉长河》。其中，《暴风骤雨》、《早春二月》堪为新中国电影的经典之作。上世纪八十年代，谢铁骊把鸿篇巨制《红楼梦》分为六部搬上了银幕，以细致入微的表现手段再现了封建制度的挽歌。上世纪九十年代，先后导演了《月落玉长河》、《天网》等优秀影片，获得第十届中国电影"金鸡奖"最佳导演奖、中国电影世纪奖导演奖。谢铁骊的导演艺术既有浓郁的民族特色，又具有新颖脱俗的艺术魅力，能将深刻的思想内容、缜密的情节结构、精细的人物刻画融会在一起。

第三代导演:谢铁骊

崔嵬

崔嵬(1912年-1979年)原名崔景文，主演过《宋景诗》、《海魂》、《老兵新传》、《红旗谱》等影片。导演作品有《青春之歌》、《北大荒人》、《小兵张嘎》、《天山上的红花》等。《小兵张嘎》最具特色的是运动长镜头的运用，当时西方的长镜头理论还没有传到中国，这种探索显得十分可贵。《青春之歌》像一首优美而激昂的长诗，在新中国电影史上有重要的地位。在美学思想上，崔嵬追求电影的民众化、民族化，并为此进行了不懈的探索。崔嵬还先后导演了《杨门女将》、《野猪林》等戏曲艺术片。他在传统的戏剧程式化表演中，融入对角色的体验因素，大大增加了原戏的感染力。

成荫

成荫(1917年-1984年)原名成蕴保，出生于山东曹县。一生共编导20余部影片，以拍摄革命战争题材和革命历史题材影片著称。代表作有《钢铁战士》、《南征北战》、《万水千山》、《拔哥的故事》(上下集)、《西安事变》等。《西安事变》标志著成荫导演艺术的高峰。成荫影片的显著特点是:着力于表现重大历史事件，把历史真实、生活真实和艺术真实结合起来，把广阔的历史背景和众多个性鲜明的人物形象结合起来，始终不渝地坚持革命现实主义道路。

水华

水华(1916年-1997年)，早在30年代便投身左翼戏剧运动，1949年后转入电影界任导演，共拍了7部故事片---《白毛女》、《林家铺子》、《烈火中永生》、《革命家庭》、《鸡毛信》、《伤逝》、《蓝色的花》，作品不多却部部精彩。他的成名作是《白毛女》，别具匠心的银幕显现，使原剧固有的民族特色更为鲜明生动。《林家铺子》是水华的颠峰之作，曾于1983年在葡萄牙第12届菲格拉达福兹国际电影节获评审奖。

王苹

王苹(1916年-1990年)，本名王光珍，出生于南京。作品有:《柳堡的故事》、《永不消逝的电波》、《槐树庄》、《霓虹灯下的哨兵》及大型音乐舞蹈史诗《东方红》等。晚年又成功地执导了另一部音乐舞蹈史诗《中国革命之歌》。《柳堡的故事》突破了以往表现战争题材只是描写战斗的框框，像一首清新、优美的抒情诗，显示了导演的艺术胆识和追求。影片的音乐也十分优美，尤其是插曲《九九艳阳天》，直至今天仍四处传唱。

郭维

郭维(1922-10-21)电影导演，天津人。1938年参加陕北公学流动剧团。次年加入中国 *** 。导演的影片有《董存瑞》获1956年文化部优秀影片一等奖。其后导演的影片有《花好月圆》、《柳暗花明》等。《智取华山》1954年获第八届捷克斯洛伐克卡罗维·发利国际电影节争取自由斗争奖。

❻ 哪部电影的开头有流浪地球导演出境

2月1日，电影《流浪地球2》“我们，来了”全国路演来到武汉，影片导演郭帆，领衔主演吴京，特别演出刘德华先生，领衔主演宁理、王智，剧本指导王红卫，剪辑执导张嘉辉，摄影指导刘寅，美术指导/造型指导/概念设计指导郜昂，视效总监魏明、丁燕来、徐建，制片人龚格尔，联合制片人张宁来到现场与大家亲密互动。郭帆导演称将这部电影献给武汉：“我们电影的核心就是每个普通人在最关键的时刻，他的选择和决定，让他成为英雄，所以这部电影献给武汉，献给这座英雄城市。”同时他也回应了来自“国家队”的支持，并笑称“知道去哪里化缘了”。86岁的康康爷爷身着“宇航服”观影并对电影赞不绝口，现场观众也大开脑洞对剧情进行了各种解读，导演还惊喜透露第三集相关内容，吊足观众胃口。

《流浪地球2》上映至今收获了观众们的支持与喜爱，票房现已突破29亿，在豆瓣、淘票票、猫眼、知乎等平台口碑更是一路领跑，同时在海外也收获了大量好评。在《流浪地球2》中各种想象中的视觉奇观被一一实现，宇宙级高速公路太空电梯穿越天际，行星发动机气势恢宏，月球奇景壮观真实，无一不彰显中国电影工业化的新高度。将无限的想象变为现实再呈现到大银幕上，正是《流浪地球2》带给观众的最大震撼！
《流浪地球2》武汉路演致敬英雄城市
 郭帆导演感谢“国家队”支持
电影《流浪地球2》全国路演来到武汉站，台前幕后众主创齐聚共同致敬英雄城市，郭帆导演将电影献给武汉：“我们电影中有一个核心概念，就是每个普通人在最关键的时刻，他的选择和决定可以让他成为英雄，所以这部电影我们想献给武汉，献给这座英雄城市。”吴京更是打趣自己非常喜欢武汉的美食，“每次来都要长两公斤，谢谢武汉让我长胖”。对于此前中核集团、中国航天科技集团、中国石油、中国石化、中粮、中国建筑等96家央企组成的“国家队”对电影《流浪地球2》的力挺，郭帆导演也表示非常感动，还开玩笑说知道去哪“化缘了”，他更是直言：“国家整体技术和国力的发展，让我们拍摄科幻电影的时候越来越有底气。”
活动现场有观众提问刘德华出演图恒宇的感受，华仔直言：“我就是图恒宇，图恒宇就是刘德华。”他将对家人真挚的情感注入到角色当中，最终成就了这个充满执念又打动人心的父爱形象。86岁的康康爷爷也身着“宇航服”来到现场，并夸赞影片为“我们国家科幻片的风向标”，对于爷爷的喜爱刘德华也深受感动，感谢长辈的祝福。现场还惊现小观众表白图恒宇女儿图丫丫，同时也收获了刘德华先生的隔空拥抱。从6岁到86岁，电影《流浪地球2》的观众跨越了地域也跨越了年龄，未来也将打动更多的人。正如宁理在现场所言：“电影中马兆说没有人的文明毫无意义，没有观众的电影也毫无意义，所以希望有更多的观众让我们的电影更有意义。“
郭帆导演透露续集伏笔
 吴京想和刘德华演动作戏
路演现场武汉的观众们热情满满，有人将影片中的机械狗笨笨带到了现场，并大赞电影给人带来深刻思考：“我从事软件开发工作，也经常面临许多困难，就像大家拍中国科幻电影一样，从零起步慢慢努力。科幻电影不仅带来爽的同时，还给我们带来更多关于人性的思考。”有观众脑洞大开：“如果数字生命计划实施成功了，moss手底下会不会有很大一批人质，类似于马兆担心的电子宠物？”现场主创都感慨这个想法太可怕。还有观众猜测：“图恒宇的车祸是不是moss一手造成的，moss问刘培强的问题是不是故意刺激图恒宇？”郭帆导演透露车祸涉及到第三部的剧情，当时全球有五千起车祸同时发生，并开玩笑说四辆车同时撞向图恒宇是“饱和式袭击”。关于图恒宇在水下牺牲后笨笨的去向，导演表示这是为第三集部的一个小梗，“笨笨没有被打捞出来，他在水下永远陪着图恒宇。”活动现场有观众表白马兆，并表示希望马老师第三部还能出现，求导演“给马兆完整的一生”。刘培强和图恒宇两位角色的走向是观众最为关心的问题，吴京更是直接向刘德华邀约打戏：“我特别希望能和华哥打一场。”
    此前有不少观众称电影《流浪地球2》细节丰富，越看越有，更有影评人捋出了电影九十多个隐藏细节，现场主创也揭秘了关于马兆身份彩蛋，马兆在影片中的设定是来自安徽合肥，这里是中国研发的量子计算机“悟空”问世之地。正是对每一个细节的精益求精才让这部电影能够得到观众喜爱。与此同时，郭帆导演还透露电影十几万字的世界观也即将出版。就像吴京在现场所说的一样：“如果说《流浪地球2》建立起了中国科幻电影的底气，那真正的底气是来自于你们，中国观众是所有中国电影的底气。”观众与创作者共同造就了《流浪地球2》，也共同造就了中国科幻电影的新篇章！
电影《流浪地球2》由中国电影股份有限公司、郭帆（北京）影业有限公司、北京登峰国际文化传播有限公司、中影创意（北京）电影有限公司出品。北京阿里巴巴影业文化有限公司、融创未来文化娱乐（北京）有限公司、万达影视传媒有限公司、墨境天合无锡数字图像科技有限公司、潇湘电影集团有限公司、北京上狮文化传播有限公司、上海华策电影有限公司、宁波合乐影纪文化传播有限公司、抖音文化（厦门）有限公司、华谊兄弟电影有限公司、上海电影（集团）有限公司、厦门光合无双影视文化有限公司、保利影业投资有限公司、北京自由酷鲸影业有限公司、深圳市一怡以艺文化传媒有限公司、霍尔果斯联瑞木马影视传媒有限公司、华文映像（北京）影业有限公司、上海瀚纳影视文化传媒有限公司、宁波市文化旅游投资集团有限公司、英皇电影发行(北京)有限公司、长影集团有限责任公司、四川科幻世界杂志社有限公司、之江电影集团有限公司、新浪影视文化发展有限公司、浙江横店影业有限公司、阿那亚影视文化有限公司、北京酷鲸影视文化产业发展有限公司、中影数字院线（北京）有限公司、辽宁中影北方电影院线有限责任公司、深圳市中影南方电影新干线有限公司、陕西广电影视文化产业发展有限公司、北京国影纵横电影发行有限公司、珠江电影集团有限公司、峨眉电影集团有限公司、上海笨小孩影视文化传媒有限公司联合出品。中国电影股份有限公司、郭帆（北京）影业有限公司发行。霍尔果斯联瑞木马影视传媒有限公司、天津猫眼微影文化传媒有限公司、上海淘票票影视文化有限公司、北京登峰国际文化传播有限公司联合发行。郭帆（北京）影业有限公司、中国电影股份有限公司北京

❼ “成龙电影A计划”第六期创投评审团阵容名单曝光

“成龙电影A计划”第六期将于2022年12月在武汉落地举行。本期“成龙A计划”以创新观念激活电影未来，探索未来电影“声”命力为主题。特邀华夏电影发行副总经理黄群飞、导演陈国辉、导演杨子、导演张律、电影评论人谭飞组成创投会评审团进行评选工作，为青年电影人项目支持计划保驾护航。此次主办方公布创投评审团的同时，也公布了由黄明升、刘江江、孙琳、张大鹏四位导演组成的拍摄工作坊导师团。

创投评审团、拍摄工作坊导师阵容公开 十万元拍摄基金助力青年影人圆梦

于9月30日开启报名通道的“成龙电影A计划”第六期，于近日官宣创投会评审团及拍摄工作坊导师团阵容。本期特邀华夏电影发行副总经理黄群飞、导演陈国辉、导演杨子、导演张律、电影人谭飞组成创投会评审团对报名项目进行评选工作，多维度评估甄选出具有市场潜力、内容积极正能量、题材创新、具备话题度的优秀入围作品。经过严格筛选最终将入围8组项目参与创投会路演，并在现场邀请到行业资深从业者对项目进行评估，为青年影人提供学习和交流的平台，真正让项目与行业对话。中国电影的发展之路充满着无限可能，“成龙电影A计划”致力于助力行业新鲜血液的诞生，发掘影视新锐力量，为中小成本的电影制作提供有限度的扶持资金，为电影行业一流顶尖人才提供专业培训和电影孵化。

同时，根据8组入围项目提供的短片剧本、发展方向，从中甄选出4组项目进入拍摄工作坊版块，入围的每组项目将获得由电影人慈善专项基金-成龙电影A计划提供的10万元短片拍摄基金。并由黄明升导演（电影《边缘行者》）、刘江江导演（电影《人生大事》）、孙琳导演（电影《好想去你的世界爱你》）、张大鹏导演（电影《五金家族》）担任拍摄工作坊导师，对入围项目从剧本到拍摄制作等方面进行全方位一对一的实地指导，帮助学员呈现出基于项目创作的短片，更好的进行长片逻辑的作品创作。

中外音乐大咖集结导师课堂 探索电影未来“声”命力

“成龙电影A计划”自正式立项以来，已成功举办五期。不仅集结行业顶尖人才，整合国际电影行业资源，并成功开展了“中美电影交流”、“电影特效”、“动作电影的奥秘”、“虚拟制作”等主题课堂，更为青年影人提供与电影行业大师面对面的交流平台。本期“成龙电影A计划”导师课堂版块将重磅邀请多位国内外电影音乐、作曲领域的大咖，为青年影人深度讲解电影音乐和作曲的重要性，探索电影未来“声”命力。导师团包括：资深音乐人陈勋奇、著名音乐家舒楠、一线电影作曲家彭飞、青年音乐制作人郭一凡、首位漫威女作曲家皮娜·桃普拉克、曾参与电影《战狼2》配乐的美国著名作曲家乔瑟夫·崔帕尼斯、美国著名作曲家迈克尔·A·莱文。

成龙电影A计划是2015年正式立项的电影类公益项目，由“青年电影人项目支持计划”和“新晋电影人培训计划”两部分组成。旨在传播公益慈善理念，为中小成本的电影制作提供有限度的扶持资金，为电影行业一流顶尖人才提供专业培训和电影孵化，并通过电影的力量关照现实。目前，成龙电影A计划第六期“导师课堂”及“创投会”报名通道均已开启，并面向全国范围征集优秀项目和团队。报名详情请关注JC电影A计划公众号。

❽ 《拉片放映室》第十三集--电影里常见的几种画幅

《拉片放映室》第十三集---电影里常见的几种画幅?

拉片有技巧，观影有门道！哈喽，大家好，我是刘导！

学会拉片，让你技术性的去看电影！

前面讲了构图的时候有小伙伴在私下问电影里《我不是潘金莲》《布达佩斯大饭店》《山河故人》等电影里圆形、正方形，长方形构图属于哪种类型的构图，在电影里想要表现的又是一些什么？

那在这里我们就纠正一下很多小伙伴容易混淆或者模糊的概念

构图（COMPOSITION）和画面长宽比（ASPECT RATIO）以及正方形、圆形画幅并不是一回事。

前面我也讲过构图是为了方便传递导演的思想，让观众更好的去理解电影画面，但是电影画面的长宽比，也就是画幅，我们大家熟知的纵横比、宽高比，16:9，2.35：1等等是现在主流常见的电影画幅。

区分和学习电影构图可以回看前五、六、七、八集，在学习电影画幅之前，我们先了解一下电影里常见的几种画幅长宽比：

（1）4：3——二十世纪50年代以前，几乎所有的电影都使用的比例。又称1.33：1，接近（2）1.37：1。比如：《公民凯恩》、《科学怪人的新娘》

（3）1.66：1——许多迪士尼的卡通片和欧洲电影使用该尺寸。 例如：《从海底出击》、《小美人鱼》

（4）1.78：1即16：9——这是当今许多美国电影所采用的比例。

（5）1.85:1--例如：《蝙蝠侠》、《芝加哥》

（6）2.35:1——这个比例通常用于大片或史诗片。例如：《魔戒》、《星战前传》

（7）2.4:1

（8）2.75：1--特殊画幅

一个电影的长宽比的选择能反映很多事情，每一部电影都有导演这样选择的原因，长宽比最终呈现出来的画面效果又直接影响了电影画幅和观众的观影感受。

电影画幅对于影片叙事影响容易被忽视，实则与创作息息相关。

无论从早前的胶片电影到现在的数字电影甚至以后的VR电影，伴随着技术的变革与观影习惯的更新迭代，画幅作为技术的一种在电影中的使用也日趋成熟多变。  

越来越多的导演开始探索多样的电影放映尺寸，从标准放映尺寸到近年来用画幅变化展现人物内心，不仅代表了导演的创作思路和表达方式，更加体现了电影技术的多元化和融合力。电影创作者们也不断从原有的创作习惯中跳脱出来，在标准画幅的基础上，结合情感张力和叙事效果对画幅尺寸进行一定的修改，使得画面的重心放在不同的侧重点上，并以多种形式参与到电影叙事及艺术创作中去。

而其中比较特殊，属于实验玩票性质的有2014年的小众电影《lucifer》和2016年《我不是潘金莲》，《lucifer》全片采用了圆形画幅，导演专门跟布鲁塞尔大学研制了一种拍圆形的镜头，但并未像《我不是潘金莲》一样避免了特写镜头，这是画幅形状参与电影叙事。

除了圆形画幅，大多数画幅变化的电影还是只是调整了画幅的长宽比.比如在贾樟柯2015年的《山河故人》里，随着三个年代的不同也就是1999、2014、2025

画幅从较窄的4:3到比较流行的16:9，再到主流大片最常采用的2.35:1

清楚了之前的概念，我们再学习一下什么是电影画幅？

电影中的画幅指的是电影放映时所看到的画面的大小，常用画面宽高比来定义，也就是画面宽度与高度的比值。

1839年，达盖尔发明了银版照相术，但由于这种技术的感光速度过慢，只适合拍摄静物，直到伊斯曼·柯达的创始人乔治·伊斯曼发明出新的胶片，随后才经过研制成为我们常用的电影胶片。  而爱迪生研究的第一台电影活动放映机所使用的胶片尺寸为12.7mm，在之后改进的第二台机器上，伊斯曼配合他制作了更宽的胶片，即35mm胶片。卢米埃尔兄弟在爱迪生研究的基础上沿用了市面上的35mm胶片，随后便使得这一规格的胶片得到广泛应用和迅速普及。并在1925年法国巴黎国际电影会议上，正式确定了电影胶片的标准宽度为35mm，图像宽高比为1. 33：1，即4：3。

在电影发展的早期，胶片的标准尺寸就是4:3的，符合“黄金分割”比例，视觉效果比较好。许多绘画作品也采用了这个比例。  这个比例的诞生与爱迪生也有些关系。在胶片时代，爱迪生实验室的摄影师威廉·迪克森用 35mm 的胶片设定了 4 尺孔高的图像，图像宽高比即为 4:3。  

1909年，爱迪生所控制的电影专利公司宣布 4:3 的画幅比为今后所有美国拍摄和上映电影的标准。之后的电视节目和早期的计算机屏幕也沿用了 4:3 这一经典比例。  与 4:3 的比例类似的是 1.37:1 的画幅比，当时因有声电影的发明，需要在胶片的一侧记录音轨，这使得宽高比有了一定的改变，这个比例又被人称为学院画幅。

16:9是高清电视的国际标准，那时的高清电视或者网络视频也多为 1920×1080 的分辨率。  这个画幅比处于 4:3 和 2.35:1 之间，基本上所有画幅的电影都可以比较好地展现出来，所以也很快成为了影视作品发行 DVD 和蓝光光盘时的默认画幅比。  现在，16:9 也成为了流媒体视频的首选画幅，不管你是在电脑还是高清电视上观看视频，都能获得比较舒适的观看体验。

2.35:1实际上是把 4:3 的比例进行了 3 次方，这个画幅比能获得更宽的横向视野。  

宽银幕画幅诞生于20世纪 40 年代，当时的院线为了与电视机竞争，纷纷推出了宽画幅的电影，这种画幅比能获得更大的视野，与人眼平时的视野更接近，在电影院观看的时候也很容易获得沉浸感。  

除了2.35:1这个变形宽银幕标准画幅比之外，有的导演还会选择 2:1， 2.75:1 等特殊画幅比来拍摄。  

确定电影的拍摄画幅一般来说是电影前期筹备阶段时摄影指导与导演讨论的首要问题，直接影响电影的整体风格与摄影美学。目前常见的电影画幅长宽比有两种2.35:1和1.85:1。除此之外，还有其他很多略微有些出入的长宽比如2.76:1, 2.55:1等。

大部分老电影的长宽比都是1.37:1的画幅，俗称“学院派比例”，类似4:3的一个方块，如1953年的《罗马假日》。     

近年采用这种老式画幅的有2013年的电影《修女艾达》，担当摄影的是大名鼎鼎的卢卡斯·扎尔（Lukasz Zal）。

20世纪初创作的电影大多使用1.33的画幅比，如1915年格里菲斯拍摄的经典电影《一个国家的诞生》。直到1927年有声电影出现后，电影画面宽高比才逐渐调整为1. 37，因与1. 33相近故也称为4：3比例。     

“学院比例”作为标准被美国电影艺术与科学学院定义为标准画幅，成为好莱坞以及全世界最常用的画幅比。 由于好莱坞电影在全球的影响力，学院比例很长时间内都是国际上认可的画面标准，并一直延续至50年代。  

在1950年之后，因为电视的大量普及，观众在家也可自行收看电影和影像，不再愿意花钱去电影院看电影，此后才有了更多中形式画幅比的探索和创造。  

我们现在常见的画幅比主要分为“普通银幕电影”和“宽银幕电影”，普通银幕电影主要指的是放映时银幕上投射的画面宽高比为1.33:1或1. 37:1，宽银幕电影又分为宽胶片宽银幕电影、变形画面宽银幕电影、遮幅电影。     

宽胶片宽银幕电影就是用70mm电影胶片直接摄制而成的宽银幕电影，画幅宽高比为2:1。而变形画面宽银幕电影的原理是先用变形镜头进行拍摄并在胶片上留下变形的影像，在后期放映时需用“反变形镜头”将其恢复成拍摄时原本的样子，这种宽画幅电影的画幅比为2. 35:1，如1962年的《安托万与科莱特》。     

而遮幅电影又被电影业内人士称为“伪宽电影”，这种画幅的电影并不是用变形宽幅电影系统的方式拍摄而成，而是用35mm摄影机和与之相对应的电影镜头进行拍摄，之后人为的在摄影机镜头前加上遮挡框格，就能使画面宽高比被遮挡成1.66:1至1.85:1的宽高比。

下面，我们以鬼才导演韦斯·安德森、贾樟柯和泽维尔·多兰为例，探讨画幅对电影创作的影响及其摄影美学。

韦斯·安德森

韦斯·安德森喜欢在自己的作品中用电影画幅大小的变换来表达影片中人物的情绪，在《布达佩斯大饭店》中，韦斯·安德森用画幅的不同来表现影片中穿插的不同时间线。不同尺寸的画幅以交替方式叙述时空，电影由四层结构的套层故事组成，导演用不同的画面比例代表不同的时代，使电影的时间线索清晰明了，时空设计上别有一番新意。

第一层时空即为影片开头，女性捧着一本名为《布达佩斯大饭店》的书，前往公墓看望这本书的作者，当时的时间点直指八十年代，画幅比为1.85:1。     

第二层故事发生在1968年，描述作者与Zero相遇的故事，使用16:9画幅比表现。     

第三层故事是1932年，Zero讲述自己年轻时与布达佩斯大饭店的故事，使用1.37:1的经典画幅比例。由于近似正方形的画幅能够为角色的头部以上预留更多的空间，也能让两个以上人物出现时画面显得更为紧凑，更好的展现导演需要的多种可能性。     

影片层层递进，不同时空不同画幅的变换，带给观众的不仅是一种身临其境之感，更能通过镜头画幅的变化给观众以不同的观影感受，导演的创作意图和对情节递进的把控十分精确。

贾樟柯导演的《山河故人》，透过不同比例的画幅影响电影本身的含义和内容表达。

《山河故人》是用画幅宽高比辅助电影叙事的一个很好的例子，贾樟柯导演利用画幅比例的变化区别出了影片中故事发生的年份，即1999年、2014年和2025年三个年份。根据时间线引导的过去、现在和将来，画幅尺寸也由4:3到16:9再到21:9。根据上文所阐释的不同时代的经典画幅比，这三种画幅同样代表了当时年代里重要的画幅应用的尺寸。为了增加影片对过去的怀旧之感，导演甚至运用了当年的影像，并且使用一些老式的DV机进行拍摄，借此形式最大程度恢复当时那个年代的气质和风貌。             

在第二个时间线即2014年，由于故事发生的时间与我们的生活十分贴近，所以在画幅的运用方面也使用了我们最熟悉的16:9的宽高比，这种画幅尺寸恰好符合我们现在的视觉观影习惯，在时代感与距离感方面与观众更为接近。从九十年代4:3的画幅到如今16:9的画幅，画面比例越来越疏离，也预示着情感的波动和走向。             

到了第三个时间线即2025年的未来世界，导演用宽画幅表现了未来的时空以及未来主角们的命运。那时移居澳洲的父子远离故乡，故乡的语言已经成为一种无法找回的记忆，Dollor与自己的故乡——那个汾阳小城失去了根基和联系。Dollor与自己的家乡隔着一片太平洋，也是新时代的海外国人与家乡深深的眷恋与分离的矛盾之感的写照。                 

在泽维尔·多兰的作品《妈咪》中，则更加直观的运用了电影画幅的变化来表现主人公内心丰富多变的情感。一组在银幕上将画幅拉开的场景带给观众不小的震动，原来画幅比例可以如此简单明了的展现情感，而并非以隐喻的方式让观众捉摸不透。

第一次变化是真的惊到了每一个观众，就像是电影语言一种新的修辞手法，当年戛纳放的时候，这个镜头一出来全场起立鼓掌5分钟，可想而知其情绪上的感染力是多么强大（大概在一分五十秒的时候展开）

第二次展开是妈咪陷入幻想的一段

虽远不及第一次惊艳，但当画幅收回，幻想之外的儿子的声音传来，猛然拉回如正方形画幅一般的逼仄现实中，雨声、红灯，我看到这里的时候心情顿时低落到了谷底，不得不说泽维尔·多兰真的很厉害

在影片中，中年单亲妈妈与儿子之间的关系一直存在隔阂，情绪表现十分压抑，为了表现人物的焦躁感和憋闷感导演此时用了宽高比为1:1的正方形，使得人物与人物之间的情绪更加紧凑，带给观众对压抑氛围喘不过气的直观感受。而随着故事发展，母子关系趋于稳定和融洽时，主角则亲手将逼仄的画幅拉到1.85:1的宽幅画面，使观众能够身临其境的感受到主角此时豁然开朗的心境，也是妈咪对于儿子未来生活的美好想象。

这一举动并非多兰为了标新立异或者博得观众眼球，而是立足于剧本故事情节以及主角的情绪爆发点做出的具有表现力的客观决定。这种改变画幅用以渲染感情的手法，不仅将叙事效果提上了一个台阶，更将情感融合的更为直观更容易被观众接纳。

侯孝贤导演的《刺客聂隐娘》同样使用了不同画幅比的变化来为情节和人物服务，画幅宽高比为1.41:1。这种镜头虽然并非当下常见的电影输出格式，但对于侯孝贤来说，这种画幅“拍人的时候很漂亮，七分身或全身，也不会太宽”，符合影片电影美学的设定，所以画幅多采用这一尺寸。只在部分情节需要时，如公主抚琴的片段考虑到琴身的长度与画面的美观将画幅比变为了宽幅的1.85:1，同样是为角色和叙事情节服务。  

不仅是画幅比例的应用，画幅的形状也将在未来发挥更具创意的表现。比如冯小刚导演的《我不是潘金莲》就以圆形构图形成了对于“无规矩不成方圆”的探讨，圆形头图也包含一种窥探的意味，不仅使画幅参与到叙事和情感的表达之中，更体现了导演的哲学理念和表象隐喻。     随着李雪莲去了北京，画幅变成了正方形，以此表现权力中心地的“规矩”。电影中除了圆形画幅和方形画幅的切换，另有宽银幕画幅的尝试，对于这样一个荒诞不经的寓言故事，不同画幅的使用为隐喻式的表达提供了更多的可能。

圆形画幅本身带有一种不符合现实之感，当圆形画幅中所有带有隐喻和执念的故事散去，最终才变成了更贴近我们观看习惯的方形构图，导演用画幅讲述当雪莲最终放下执念，生活继续回到正轨。

关于画幅在电影中的运用不胜枚举，不论是展现人物特性或是描绘宏大场面亦或是为了情节发展服务，很多大导演如昆汀·塔伦蒂诺在《八恶人》中的画幅应用同样也表现了导演的个人风格和表现方法，采用的宽高比为2.76:1。    

随着时代的审美和技术的进步，每个时代都有其代表并适应的画幅比例，而对于导演和我们观众来说，学会了解画幅才能更好的去明白导演的创作意图，更全面的学会拉片，技术性的去看电影……

❾ 喜羊羊怎么回事动画片喜羊羊与灰太狼大电影第二季动画片

《喜羊羊与灰太狼大电影第二季》是一部经典的动画片，讲述了喜羊羊和灰太狼的故事。故事发生在一个美丽的草原上，喜羊羊和灰太狼是一对死对头，他们经常在草原上打闹，引发各种有趣的故事。在这部动画片中，喜羊羊和灰太狼的友谊也得到了深化，他们不仅在一起玩耍，还在一起探索草原的秘密，一起面对挑战，一起帮助彼此，最终取得了胜利。这部动画片不仅有趣，而且也能教会孩子们友谊的重要性，让他们学会和谐相处，友善待人。

❿ 不脸红的说，你硬盘里肯定有他们的电影！（四）

剧角君接着头条和大家继续说。

刁亦男

其编剧和导演处女作《制服》获第22届温哥华国际电影节最佳影片龙虎奖。2007年自编自导的电影《夜车》入围60届戛纳国际电影节一种瞩目竞赛单元。

2013年编剧和执导的个人第三部电影《白日焰火》获得第64届柏林国际电影节最佳影片金熊奖

他的电影是商业与艺术结合的典范，做到了雅俗共赏。他所表达的主题并非局限于“社会之苦”，而是深究灵魂的“人性之复杂”。

钟孟宏

钟孟宏是台湾著名导演，可大陆的影迷对他的熟悉度比较低。他从事广告的拍摄比较多，1997年至今，已经执导了上百步电视广告片。

电影《停车》是他首部剧情长片，初次触电大银幕，就获得第47届台湾电影金马奖最佳导演奖。

之后在2010年拍摄了可能最被大陆人所熟识的《第四张画》，这部电影由内地女星郝蕾出演，并一举夺下金马奖最佳女配。这部电影当年也是获得了很多好评。2010年、2013年分别拍摄了《10+10》和《失魂》。

钟孟宏导演通过对台湾的自然环境和社会环境的书写，尤其是通过摄影机对荒芜的自然环境的镜像记录，传达出导演对于“台湾”的焦虑。不得不说，这是新一代有责任心的导演对台湾的爱的表达

彭浩翔

彭浩翔是香港著名导演，他的处女座《买凶拍人》拍摄于2001年，这部电影让观众看到了他天马行空、想象力十足的本领。

随后拍摄了《大丈夫》《维多利亚一号》《伊莎贝拉》等，都得到了不错的成绩，真正让他大火的还是于2010年、2012年拍摄的《志明与春娇》和《春娇与志明》。

这两部电影都在香港金像奖上获得了多项提名。而彭浩翔最近的电影《撒娇女人最好命》则比起之前的电影有所下降。

彭浩翔导演的电影多拍摄香港的小人物，他们失意、迷茫或者处于走不出的困境中，但导演并没有走沉重的艺术片路线，反而用搞笑、戏谑的方式来消解痛苦。

他的电影有后现代式的拼凑混杂，把多种怪诞的想法和段子混在一起，不但好玩有趣，还呈现出了丰富的文化内涵和社会底蕴。

陈德森

陈德森导演，是香港比较全能的电影人，他集电影导演、演员、制作人、编剧多种身份于一身。他1991年开始拍电影，处女座为《我的老婆不是人》。

1999年拍摄的《紫雨风暴》，这部电影获得了第36届台湾电影金马奖最佳导演奖和最佳影片奖提名。之后还拍摄了《特务迷城》《童梦奇缘》。

真正让他被大多数人所熟知的是他2009年拍摄的《十月围城》，这部电影使其获得了金像奖最佳影片奖以及最佳导演奖。

陈德森导演的电影从早期到现在，拍摄的题材一直在转变，这也契合了他自己所表达的多元类型。他电影中总弥漫着一股小小的悲哀，让人看了非常感动。

梁乐民陆剑青

梁乐民陆剑青，是香港著名导演。他们二人一直合作拍片，他们执导的作品有《寒战1》《赤道》《寒战2》，这三部电影都获得了很好的口碑，《寒战》获得了香港电影金像奖最佳编剧最佳导演奖。

他们专注拍摄港式警匪片，他们的电影让人嗅到了老式港片的味道，紧张、刺激、电影节奏也把控的非常好。

值得期待梯队

第三梯队我们已经列完，我们再给大家推荐一下值得期待的导演。

他们大多拍摄电影的时间都不长，完成的作品数量也不多，以一到两部为主，不过数量虽然少，但全是优质的电影。

大家都知道，电影是一门有多个部门参与完成的艺术，仅凭一两部超高水准作品的出现，是不能全把功劳归在导演身上的，也不能代表导演的全部实力，。

因此，剧角君把有些拍出超高处女座水平的导演仍然放到了这个梯队，希望大家能理解。

大陆地区能被列入这个梯队额主要有毕赣，徐皓峰、徐昂、刁亦男、忻珏坤、杨庆、陈建斌，韩杰。

毕赣

毕赣导演今年拍摄的《路边野餐》，已经被很多人锁定为今年最佳了。有评论称这部电影“创造了一种强有力的新魔幻现实主义，有时令人费解，却刻刻让人着迷”。确实毕赣导演可以说是今年电影界的一个惊喜，他非常值得我们期待。

徐皓峰

徐皓峰导演的电影只有2部，一部是《倭寇的踪迹》一部就是去年获得了非常多好评的《师父》。他的武侠电影并非人们印象中的家国大爱、快意恩仇的热血江湖，而是宛如一曲悲歌，让人在武侠的世界中去寻找真正的情义。

徐昂

徐昂导演在2013年导演的《十二公民》被很多人称赞，他对于外国文本的中国化做了积极的探索，并在电影美学上也做了新的突破。

但今年徐昂导演没有电影上映，反而导演的网剧《法医秦明》得到了很多人的喜爱。我们也期待徐昂导演继续拍摄优秀的电影作品。

忻钰坤

忻钰坤导演在2015年拍摄的《心迷宫》，着实让观众惊艳了一把。这部电影的结构、故事、技巧、主题，一直被大家称赞。用极小的成本拍了部相当成功的处女座。

但今年和其他两名导演联合拍摄的《再见，在也不见》却没有得到大家的认可，毕竟是联合执导的影片，仍然不会降低关注对他的期待。

杨庆

杨庆导演目前只拍过两部电影，一部是《夜店》，一部就是《火锅英雄》，这两部电影在质量上都还不错，电影强调叙事性，讲故事的能力也具备。十分值得大家期待。

陈建斌

陈建斌在2014年导演了电影处女座《一个勺子》，这部电影使其在当年的金马奖上获得的了最佳新导演的奖项。

金马当时给的评语是：犹如照妖镜，让社会中的人无从遁形”。这部电影把人性中的诸多恶解剖给观众看，他没有把疼痛给予一个美好的结尾，反而让恶与疼痛被放大，最终也没有解决，扎的观众生疼的时候也进入了思考。

总之是一部极其优秀的处女座，这部电影也让我们对陈建斌有了更高的期待。

韩杰导演共指导过两部电影，分别是《赖小子》和《hello!树先生》。这两部让他在业界备受关注，并且夺得了上海国际电影节最佳导演。他的作品笔触荒诞幽默，视觉真实有力，现实表达犀利而有质感。

香港地区的主要有：曾国祥、翁子光、周显扬。

曾国祥

曾国祥导演曾在2011年就独立执导了电影《醉后一夜》，但是并没有引起太大关注，而今年拍摄的《七月与安生》却让大家对他刮目相看。他把女生间的友谊、感情拍的十分细腻到位。从而也让观众也始期待他的作品了。

翁子光

翁子光导演2009年开始拍摄电影，处女作《明媚时光》就获得第29届香港电影金像奖最佳新晋导演提名。去年的电影《踏雪寻梅》，让翁子光导演得到了许多奖项的肯定。

这部电影还将代表香港出征奥斯卡。阴暗的社会题材、郁抑的角色命运、残酷的故事情节，这些都是他电影的特征，也是吸引观众的地方。

周显扬

周显扬导演共拍摄了3部电影，2009年拍摄了处女作《杀人犯》，获得当年金像奖最佳新导演提名，2013年凭借电影《大追捕》获得第32届香港金像奖最佳新晋导演。2014年，拍摄了《黄飞鸿之英雄有梦》，显然这部电影不如前两部优秀，但是他的作品我们依然可以期待一下。

台湾地区的主要有陈玉珊、张荣吉、杨雅喆、林育贤、郑芬芬。

陈玉珊

陈玉珊导演一直致力于拍摄偶像剧，并获得了非常大的成功。她2015年涉足电影，拍摄《我的少女时代》，同样相当成功。电影充分把少女的小情绪展现出来，带观众忆起青春的撼动、重燃年少情怀的那份感动。这也让观众对她以后的作品有了期待。

杨雅喆

杨雅喆导演提名字想必大家不知道，说作品大家可能就很熟悉了，他在2012年拍摄了《女朋友男朋友》，这部电影对男女之间的情感纠葛诠释的非常真实，并且获得了金马奖多项提名。他还在2008年拍摄了《囧男孩》，这部电影的口碑同样很好。

林育贤

林育贤导演的处女作《六号出口》拍摄于2007年，这部电影知道的人并不是很多，2011年拍摄了《翻滚吧，阿信》，这部电影既是台湾电影人最拿手的那种小清新电影，青春、励志、打架、初恋这些元素一个不少，又融入了体操的元素，电影非常好看。今年拍摄了《谎言西西里》，但评价不好。不过林育贤导演总体上仍值得期待。

林书宇

林书宇是台湾的小清新电影导演，他于2008年拍摄了处女作《九降风》，他的电影作品不多，共有三部，其余两部是《星空》、《百日告别》。他的作品也常常呈现出中西文化的不同视角与特色，擅长在充满戏剧张力的故事中探索人性最根本的问题，使得剧中的角色真实得触动人心。

剧角君一口气给大家介绍了不少导演，希望这些内容能给大家参考。另外需要表明的是，剧角君并没有把记录片和动画片，列入讨论的范畴。

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