A. 我们经常在一些关于电影导演介绍方面的知识上说某某人是中国第四代导演 ,比如说黄健中是第四代导演,
基本上,中国现在的导演分为6代
基本划分是这样的:
第一代导演:指默片时期的电影导演,大致活跃于上世纪初叶到20年代末。这一代导演约100人左右,代表人物有郑正秋、张石川、但杜宇、杨小仲、邵醉翁等,其中尤以郑正秋、张石川的成就为大。他们作为中国电影的先驱,在既缺乏经验,拍摄条件又非常简陋的情况下,创作了中国第一批故事片。
第二代导演:主要活动时间是在三、四十年代,部分导演一直到五、六十年,甚至八十年代,仍工作在电影岗位上,这一代导演主要有程步高、沈西苓、蔡楚生、史东山、费穆、孙瑜、袁牧之、应云卫、陈鲤庭、郑君里、吴永刚、沈浮、汤晓丹、张骏祥、桑弧等。
第三代导演:建国后走上影坛的导演艺术家,人称中国电影导演的“第三代”。这一代导演主要有成荫、谢铁骊、水华、崔嵬、凌子风、谢晋、王炎、郭维、李俊、于彦夫、鲁韧、王苹、林农等,他们在遵循现实主义原则表现生活的本质,深入展现矛盾冲突,以及在民族风格、地方特色、艺术意蕴等方面,都进行了十分有益的探索。
第四代导演:主体是60年代北京电影学院的毕业生。他们提出中国电影“丢掉戏剧的拐杖”,打破戏剧式结构,提倡纪实性,追求质朴自然的风格和开放式结构,注重主题与人物的意义性和从生活中、从凡人小事中去开掘社会与人生的哲理。
第五代导演:是指八十年代从北京电影学院毕业的年轻导演。这批导演在少年时代卷入了中国社会大动荡的漩涡中,有的下过乡,有的当过兵,经受了10年浩劫的磨难。在改革开放的年代,他们接受专业训练,带着创新的激情走上影坛。他们对新的思想、新的艺术手法,特别敏锐,力图在每一部影片中寻找新的角度。他们强烈渴望通过影片探索民族文化的历史和民族心理的结构。在选材、叙事、刻划人物、镜头运用、画面处理等方面,都力求标新立异。“第五代导演”的作品主观性、象征性、寓意性特别强烈。
第六代导演:一般是指上世纪80年代中、后期进入北京电影学院导演系,90年代后开始执导电影的一批年轻的导演。代表人物有:张元,王小帅,王一持,路学长,章明,管虎,何建军,娄烨,张扬,贾樟柯,王全安,陆川,宁浩等。
B. 《世纪末的魔术师》讲的是什么
世纪末的魔术师 【概况】 监督 儿玉兼嗣 制作·发行 东宝电影 首演1999.4.17 收视率 23.3%-2000.3.20 总票房 14.5亿日元 (当年日本国产电影票房收入排行第5位,全部票房第11位) 日本名 世纪末の魔术师 【电影解说】 这部无论是从故事情节上还是从场景设置上都恢复了第一部所具有那种高水准,主要内容是围绕着一颗罗马诺夫王朝的皇室秘宝「记忆彩蛋」而展开的。柯南最强的对手--“怪盗KID”再次登场,而小兰也开始怀疑柯南与新一的关系,名侦探——江户川柯南,终于要面对他生平最大的危机,同时,也是史上最难解的谜团!在制作此剧时,工作人员为了贯彻柯南系列所特有的那种写实场景风格,拍摄了大量的实景照片,取景地点从大阪到横须贺,范围大到豪华客轮小到民宿民宅,连步美所住的那栋豪华住宅,就是取景于青山刚昌本人所居住的高级住宅楼(再一次感叹,日本的漫画家真的都非常非常的有money!)。本片中的登场人物非常之多,几乎柯南系列中的所有人物都出现了,尤其是惯偷KID常常变装,在众人的眼皮下以多种形象出现,但因为故事情节的巧妙编排,所以看起来并无杂乱无章之感,反而显得更加的跌宕起伏,曲折动人。 【电影开场白】 新一:我是高中生侦探工藤新一,当我跟青梅竹马的同学毛利兰一起到游乐园游玩时,却目击了黑暗组织的交易现场。当时我只顾着偷看交易,却忽略了从背后而来的另一个同伙。我被那个人强灌了毒药,等我醒来时…… 柯南:我的身体已经缩小了!要是让他们知道工藤新一还活着,不但我的性命难保,还会危害到我周遭的亲人。在阿笠博士的建议下,我隐瞒了身份。当小兰问及我的名字时,情急之下,我化名为江户川柯南。为了搜集那些家伙的情报,于是便住进了父亲以侦探为业的小兰家中。 小五郎:我是名侦探毛利小五郎....哎哟~~(被麻醉针射中) 柯南:大家称他为“沉睡小五郎”。其实是因为我以手表型麻醉枪让他沉睡,再使用领结变声器,模仿他的声音解说实情原委。这些机器都是阿笠博士的发明。博士虽然长的那付德行,其实是个天才。其他还有涡轮喷射滑板,追踪犯人眼镜,增强脚力鞋等。新产品也在陆续发明中。其中尤其以滑板最棒!只要在白天充好电,晚上也可以用30分钟。而知道我真实身份的除了博士以外还有二个人。西方的高中生侦探服部平次;以及转学生灰原哀。她原本是黑衣男人的同伙,因为想脱离组织,被迫吃了和我一样的药,身体也因此而缩小。 我一方面追查黑衣人组织,一方面不断的遭遇到棘手案件。如今,我又碰到了一个强劲对手(KID)。在混沌和疑惑中的一线曙光……身体虽变小,但头脑一样棒,无所不知的名侦探,真相永远只有一个! 【基本情节】 罗马王朝的皇室秘宝-回忆彩蛋,将在大阪铃木财团美术馆内展出的同时,怪盗KID寄出「犯案预告信」准备夺取这无价的皇家艺术之宝,於是铃木会长要求小五郎协助警方侦查,以防彩蛋被窃取。柯南一行人来到大阪,遇到服部平次,便一同侦查此案。在美术馆遇到了苏联大使馆的书记、珠宝美术商、罗马王朝研究家、职业摄影师等人。看完彩蛋,大家便解读预告信线索,不料将时间、地点都解读错误。而KID窃听到彩蛋被转移了。在疏於防备的情况下,KID 成功地找到了回忆彩蛋。虽然柯南已经发现了KID的行动,看还是晚了一步。KID在逃离途中,却被神秘的杀手狙击,坠海失踪,生死不明。 柯南以新型滑板追踪,夺回彩蛋。与此同时从国外回来的香阪夏美小姐,从祖母的遗物中发现彩蛋的原稿图与实 物不同。 柯南看了原稿后,认为彩蛋有两颗,而在彩蛋的玻璃上映照出夏美曾祖父所盖的城堡,所以大夥儿及对彩蛋虎视耽耽的研究者决议要去此城探索 ,找寻第二颗彩蛋。在返回东京的船上,摄影师寒川被杀,而且和KID相同是被击中右眼。木暮带着白鸟赶到,调查后柯南发现凶手可能是职业杀手史考兵。而白鸟却几次揭穿柯南的提示,使小兰对柯南的身份起了怀疑。 到达东京后,大家前往城堡,阿笠博士为了送做给柯南强化的眼镜,与灰原哀 也一同出发至城堡,不料少年侦探团也藏身在车上跟踪而行。在城堡中,柯南意外发现通往地下室的通道,在秘道中珠宝商干被杀。而其他人在一个棺木中发现了第二个蛋,并明白了回忆之卵的真正含义。 但专门狙击人右眼的神秘杀手「史考兵」也在人群之中…… 他再次行动,目标是小五郎和小兰,刺杀失败后凶手抢走了彩蛋,并想烧毁城堡。柯南追赶凶手,在熊熊大火中,凶手露出了她的真面目……柯南在白鸟的帮助下逃出了火海。回家后小兰对柯南(新一)的真实身份再次起了疑问,正当柯南要说出真相时,新一出现了……
C. 一个导演应该具备什么技能
一个导演应该具备什么技能
真正的电影导演到底需要具备哪些能力?以下就是我为大家介绍一个导演应该具备什么技能,欢迎大家阅读!
导演与影视艺术
十九世纪末法国鲁米埃尔兄弟创造了电影艺术,电影的出现使导演的创作以文学剧本为基础,运用蒙太奇思维进行艺术构思,编写分镜头剧本和导演阐述,包括对文学剧本的构思,对导演影片主题意念的把握,人物的描写,场面的调度以及时空结构、声画造型和艺术样式的确定等。然后物色和提案提议选择演员。并根据具体构思对摄影、演员、美术设计、录音、作曲等创作部门提出要求,组织主要创作人员研究有关资料,分析剧本,集中和统一创作意图,确定影片总的创作计划。
除此之外导演还要按照制片部门安排的摄制计划,领导现场拍摄和各项后期工作,直到影片全部摄制完成为止。艺术上没有服从领导和听命指挥,导演也不是片子的教头,导演的意义就是组织片子的安排人之一和影片指导员,相当于大队中的大队辅导员和军队中的指导员。一部影片的.质量,在很大程度上决定于导演的素质与修养;一部影片的风格,也往往体现了导演的艺术风格。
一部好的影片离不开一个好导演,一个好导演一定也是个敬业的导演。
电影作为一门综合的视听艺术。包括剧本选材,角色设定,布景道具,演员表演,拍摄剪辑,到最终的后期制作宣传播出;这些每个环节都需要导演精细入微的把控和参与。可以说一部影片制作完成,作为总设计师的导演无疑是工作最复杂,涉及环节最多,同时也是最劳心劳力的那一个。在以上过程中导演的艺术素养,眼界学识,经验技巧乃至性格和生活习惯,都可能以微不可查的方式融入到最终的成片中,这些细节则会影响该部影片的艺术水准和影片质量。
一个好导演不论是对单个影视作品的制作发行,还是对整个影视艺术的发展进步,都有着非常重大的意义。
那么导演应该具备什么?
首先是要有相当高的文学修养,如果没有读过相当数量的中外世界名著和人文历史,对人生社会有深刻的理解,绝对不可能成为真正的大导演。
哲学是人们理性认识世界的基础,作为导演必须有理性认识世界,人类社会的能力,能从剧本文学中分析深掘出更多的理性内涵来,作为自己导演的最高任务。
在情感上导演必须感情丰富,这里有一部分天赋因素,能理解和抓住生活中情感的各种要素,使自己的作品有振憾人心的感情力度。
必须掌握导演学基础,导演学引论的知识,知道戏剧组成矛盾的结构分配。
要完全了解世界三大戏剧体系斯氏,布氏,梅兰芳体系的特征与异同,以及现代戏剧的诸多流派特点,否则你就没法从借鉴中寻找到最有艺术特色的戏剧样式来。
音乐,美术,表演三大学科若是欠懂,怎么样来和音乐设计,舞台美术设计,乃至灯光服装化妆对话,并且指导他们完成全剧统一的艺术形式。导演不懂表演,怎样来指导演员排戏?真正当一个好导演不容易啊!很多人羡慕导演这一工作,很多人想当导演,很多人也称自己是导演,所以我诚心地希望从上述六大知识领域勤奋!不要只学导演的脾气!
概括而言
导演的主要工作内容包括:
研究和分析剧本,为剧本找到恰当的表达形式;
与制片联合提名和推荐演员角色人选;
根据剧本和拍摄要求选择外景或指导搭建室内景;
指导道具组完成道具的准备和布置工作;
指导现场拍摄工作;
与出片方商讨作品的宣传计划;
拍摄现场的灯光、 剧务、 演员、 摄像、 录音、 美术、 化妆、 服装。
其实,最重要的是情商,是与人沟通的能力。想象力、艺术感悟什么的是得有,但要真没有,只要有一个专业的团队,还是能把他们都调动出来。所以关键还是如何驾驭团队,与团队合作的能力。
情商第一,艺术感觉第二。艺术感觉包括专业技能上最重要的是画面感。因为电影还是以画面为主来讲故事的。画面感不是说特别强调或者善于制造视觉效果或器官,而是拿到文字,就能想出画面,并且知道怎样用画面去表现这个文字或是想法。
D. 中国的第几代导演是怎么排的
划分是没有标准定义的,一般都是约定俗成的说法。具体划分为:
1、“第一代导演”指20年代中国电影的拓荒者,如张石川、郑正秋等。
2、“第二代导演”指三、四十年代活跃在影坛上的一批导演,如蔡楚生、孙瑜、费穆、吴永刚等。他们是第一代导演的学生。
3、“第三代导演”指五、六十年代活跃于影坛的导演,如郑君里、谢晋、水华、成荫、崔嵬、凌子风、谢铁骊等。
4、“第四代导演”指在“文革”前毕业于北京电影学院或各电影厂培养出来,在新时期崭露头角的一些导演,如张暖忻、吴贻弓、滕文骥、吴天明、谢飞、郑洞天、黄建中、黄蜀芹等。
5、“第五代导演”指电影学院78班毕业的一批导演,如陈凯歌、张艺谋、吴子牛、田壮壮、何群等。
6、“第六代导演”指八十年代中期接受电影教育在九十年代初开始拍电影的一批导演。如管虎、路学长、娄烨等。
7、“第七代导演”指“新生代导演”的提法,如姜文、贾樟柯、张扬、施润玖、金琛等。
(4)世纪末电影导演怎么解析扩展阅读
一、第一代导演
第一代导演指默片时期的电影导演,大致活跃于上世纪初叶到20年代末。1913年,郑正秋与张石川合作拍摄了《难夫难妻》,进行独立的电影剧本创作,开始尝试摆脱戏曲舞台的框范,被夏衍誉为“给中国电影事业铺下了第一块奠基石”。他们也就成了中国的“第一代导演”。
二、第二代导演
“第二代导演”主要活动时间是在三、四十年代,部分导演一直到五、六十年,甚至八十年代,仍工作在电影岗位上。“第二代导演”的突出贡献是完成了中国电影从默片到有声片的转变。
在艺术上,这代导演最大的特点是写实主义,同时,他们注意把“写实”和电影化结合起来,开始逐渐掌握电影艺术的基本规律,逐渐摆脱舞台的局限,充分发挥电影艺术之所长。
三、第三代导演
第三代导演的活跃时期可分为三个阶段:
1、第一阶段:1949年新中国成立到1965年文革前,优秀作品有成荫的《南征北战》,水华的《白毛女》,崔嵬的《青春之歌》、《小兵张嘎》,谢铁骊的《早春二月》,谢晋的《女篮五号》等。
2、第二阶段:是1966年至1976年的文革十年。除了《创业》、《海霞》、《闪闪的红星》几部较好的影片之外,故事片创作几乎一片空白,中国电影基本处于停滞状态。
3、第三阶段是文革结束后,已过中年的第三代导演拍摄了大批佳作,进入艺术上的丰收期,如《芙蓉镇》、《鸦片战争》、《骆驼祥子》、《边城》、《春桃》等。第三代导演的创作时期也是中国电影的曲折发展时期。
四、第四代导演
第四代电影人大多是文革前北京电影学院毕业生构成的创作全体,他们一毕业就遇到文化大革命,以至于他们的创作生命是从1978年以后才开始的。因时代局限性,第四代导演在学习时期没能接触到苏联以外的电影,这影响到第四代导演电影语言的创造力和表现力。
但他们提出电影不应该受僵化的舞台限制,应该选择自然、真切和简单的形式挖掘普通生活的诗意和哲理,同时也开始了对历史的反思。整个第四代的创作高潮正是伴随着这次反思而爆发的,第四代的创作带动了中国电影的复兴。
农村渐渐成为第四代作品的中心题材,他们以农村作为中国社会缩影的表现手法也直接影响了后来的第五代导演。
E. 20世纪末,世界电影艺术的观念发生了哪些革命性变化请举例分析。
它刚刚走过了一个世纪,经历了从黑白到彩色、从无声到有声、从普通银幕到宽银幕、大幅银幕、穹幕电影、立体电影;从单一电影到电影电视文化的巨变;电影录音技术发生革命性变化;计算机技术开始运用于电影艺术。在当代世界电影艺术出现的多方向、现代化、多元化和多样化趋向。
对于世界电影具有重大影响的是美国风格的好莱坞电影、英法意德为代表的欧洲风格电影、苏联电影。此外亚洲印度等国、拉丁美洲国家等国的电影也极富民族特色。当代非洲的电影和戏剧具有明显的传统性和宗教形式色彩; 同时风格和手法自由灵活、适合大众化需求; 容戏剧、音乐、舞蹈、滑稽剧、假面舞、歌曲等于一体。
F. 如何评价电影《世纪末》
如果说2019年最值得回味的同志电影那一定是《世纪末》,你很难相信这个是一个新人导演的处女作。《世纪末》获得了洛杉矶同志影展的最佳国际剧情片奖。
事实上没有人可以一眼望尽二十年,生活终究是没有捷径的。但是一眼看见你,无论如何,我总归会爱上你。
《世纪末》很值得一遍又一遍看,下个世纪再爱你。
G. 电影导演分镜头方法解析
电影导演分镜头方法解析
分镜是在文字脚本的基础上,导演按照自己的总体构思,将故事情节内容以镜头为基本单位,划分出不同的景别、角度、声画形式、镜头关系等,等于是未来影片视觉形象的文字工作本。后期的拍摄和制作,基本都会以分镜头剧本为直接依据,所以也称为导演剧本或工作台本。下面是我为大家带来的电影导演分镜头方法解析,欢迎阅读。
什么是分镜头
分镜是在文字脚本的基础上,导演按照自己的总体构思,将故事情节内容以镜头为基本单位,划分出不同的景别、角度、声画形式、镜头关系等,等于是未来影片视觉形象的文字工作本。后期的拍摄和制作,基本都会以分镜头剧本为直接依据,所以也称为导演剧本或工作台本。
分镜头剧本是导演对由文学形象到视觉形象的转变中的具体化的总体把握和设计,可以体现导演创作的风格特点。
分镜头剧本的内容一般包括镜号、景别、摄法、长度、内容(指一个镜头中的动作、台词、场面调度、环境造型)、音响、音乐等,按统一表格列出。
可以说它是影片的拍摄计划和蓝图。
分镜头草图(故事板)的使用可能开始于华特·迪斯尼的第一部卡通片,韦布·史密斯是迪斯尼20世纪30年代早期发明故事板的动画师。不过即使没有迪斯尼的影响,故事板最近的血亲——漫画书,已经扎根于30年代大多数美国人之中。而电影可以用单一的画板加以影像化的观念,成了不可避免的发展结果。
希区柯克也许是最擅长故事板的导演,他使用细致的图卡来修饰他的视像和控制拍摄流程,以保证他的原始意念可以完整的被转化成影片。他手绘的《西北偏北》分镜图,如今已经成为众多电影人观摩学习的必读手册。对美工师出身的希区柯克而言,这也是一种借以确认他就是影片创作人的途径。他经常会说他的电影还在没拍之前就已经完成了。我们能够从他在现场很少看取景器的事实得到证明,因为现场所拍的仅仅是故事板中的等同物,而故事板则老早就已完成。
在好莱坞,几乎每部电影都会有专门的故事板制作团队。从早期的默片到现在的大片,故事板的制作是电影筹备前期的必要一环。分镜师根据剧本和导演的意见画出来的故事板,将画面的基本构图和运镜时间等都详细地准备好后,电影开拍,导演几乎能按照每个画面进行调度拍摄。但是在国内,因为资金不够,这些年才开始慢慢有了分镜师这个行业。一般也就是大导演的片子才会花钱请分镜师,一些投资小的片子,导演会画就导演画,导演不会画就让摄影画,也有干脆不画的。
而国内也有十分重视故事板的导演,徐克就是其一。例如前段时间网上流传的徐克的手绘故事板就是电影《狄仁杰之通天帝国》的手绘图。 这么多年来,他始终保留手绘镜头的习惯,灵感来了就会画上几笔,《通天帝国》、《七剑下天山》、《蜀山传》等电影的手绘镜头都是无一例外地华丽漂亮。
分镜的作用主要有这么几个目的:
第一,他让影片创作者得以预先将他的意念显现出来,并且可以像作家一样,通过连续的修稿来发展意念;
第二,它可作为与整体制作组成员沟通意念的最佳语言。
分镜的沟通价值会因为制作的复杂程度而增加,但它并不局限于动作场面和高成本的制作,即使是小规模的、戏剧性的影片也能受益于分镜头剧本。
然而故事板最明显的限制就是它不能表现运动,不只是画面之内的运动,更重要的是摄影机的运动。另外还有叠化、淡入淡出等光学效果,也超出故事板的表现范畴,景深和焦点的操纵也是如此。最直接的方法就是用文字注明和概要图,去形容画不出来的东西。
这个表格的最左边是场景号和镜头号。许多初学者会误以为一格就是一个镜头号,其实并不是这样,有的连续画面镜头会占用好几个格子,是为了详细的表现镜头的运动方式,或镜头中角色的行为等。
然后是“画面”,也就是要把向表现的画面画在这些格子里。
“内容”、“台词”部分则是要写清楚无法用画面表达的和需要加强说明的一些内容和拍摄手法,比如摄影机的运动方式、角色的台词、表情动作等。
“秒”就是秒数,有的视频制作可以不必特别精确,不过对于动画创作而言,很多时候是要精确到秒的,所以这里主要是标注镜头时间的。
最右边就是音效和特效的说明。
接下来介绍一些分镜相关的基本理论知识。
☆分镜头剧本(故事板story board)绘制要求
1、体现导演的创作意图,创作思想,和创作风格。
2、分镜头运用必须流畅自然。
3、画面形象须简捷易懂。
4、分镜头间的连接须明确。(一般不表明分镜头的连接,只有分镜头序号变化的,其连接都为切换,如需溶入溶出。分镜头剧本上都要标识清楚。)
5、对话,音效等标识需明确。(对话和音效必须明确标识,而且应该标识在恰当的分故事板画面的旁边。)
关于镜头方面的问题
景别:是摄影机在距被摄对象的不同距离或用变焦镜头摄成的不同范围的画面。电影为了适应人们在观察某种事物或现象时心理上、视觉上的需要,可以随时改变镜头的不同景别,犹如我们在实际生活中,常常根据当时心理需要或趋身近看,或翘首远望,或浏览整个场面,或凝视事物主体乃至某个局部。这样,映现于银幕的画面形象,就会发生或大或小的变化;在镜头拍摄上,也就产生了远景、全景、中景、近景、特写等。
在一般的视频拍摄中,景别的划分通常有两个方式,一种就是以被拍摄人物角色在画面中被截取部分的`多少来进行划分,另一种就是以被拍摄景物在镜头画面中被截取部分的多少来进行划分。按照造型风格和表现风格来分,景别可分为全景系列和近景系列。其中全景系列包含了大远景、远景、大全景、全景,近景系列包含了中近景、近景、特写、大特写。
大远景:一般用来确定当前事件发生的大场景,同时也为后面的镜头确定故事的情节关系。大远景典型的拍摄用法都是用于表现地域的广阔、大城市的天际线、一片街区或者一片大海等等。一般都是采用静止镜头或在不改变镜头画面结构的情况下缓慢移动拍摄,努力营造一种宁静、深远、空旷、广阔的意境。一般情况下我们在一部电影的一段情节开场或结尾经常看到此类镜头。
远景:相对于大远景来说,远景中的被摄人物或景物通常占镜头画面的1/2甚至1/3左右。它的目的是展示当前的地点、被摄主体和行为。这也是一般视频拍摄中最为重要的镜头,它包含了一段视频片段的几乎所有要素,远景可以描绘一个足球场、度假中心或者一片海水浴场。此类镜头为视频片段定下了基调,并且展示了主人公的活动空间。
全景:字面意义上来说就可以了解,把一个人头顶画面顶端,脚踩画面底端,就算全景景别了(人物的全身都可见)。 不过“顶天立地”的拍摄感觉出来的人很“傻”,所以我们要注意在拍摄全景时要在头顶和脚底留出来一定的距离,除非及特殊的情况下,不建议主体人物紧贴视频边框。
中景:中景的镜头画面范围一般是指从人物的头顶到膝关节或者腰部的画面。不过千万不要把画面卡在膝盖和腰部,这是拍摄视频的大忌。同时也不要截取到手腕、脚腕等部位。中景和全景的区别在于包容景物的范围有所缩小,环境处于次要地位,重点在于表现人物的上身运动。中景画面是叙事性的景别,所以在平时的视频拍摄中占的比例较大。中景在两人或三人的对话场景中使用最频繁。脸部的表情和身体语言都能在此景别中得到很好的体现。而镜头中还包含了足够的背景,可以让观赏视频的人获得更丰富的信息。
近景:近景拍摄主要截取的范围是在胸部以上。通常此类拍摄主要用于体现主人公的表情和部分肢体动作。近景和特写的表现手法类似,即视觉效果比较鲜明,有利于对人物的容貌、神态、衣着细节、动作进行描写。可以表现人物的感情交流,揭示人物内心活动。
特写:特写镜头是拍摄人像的面部,或被摄物的局部所采用的镜头。特写镜头有很多变种,但是总体上拍摄人物是从肩旁上方截取画面。特写镜头是电影画面中视距最近的镜头,因为其取景范围小,画面单一。表现的对象在整个环境中突显了出来,造成强调效果。特写镜头能表现人物面部表情的情绪变化,使欣赏者在视觉上和心理上受到感染。
H. 第几代导演是怎么分的 各代导演代表人物
1、第一代导演
第一代导演指默片时期的电影导演,大致活跃于上世纪初叶到20年代末。这一代导演约100人左右,代表人物有郑正秋、张石川、但杜宇、杨小仲、邵醉翁等,其中尤以郑正秋、张石川的成就为大。
2、第二代导演
中国“第二代导演”主要活动时间是在上世纪三、四十年代,部分导演一直到上世纪五、六十年代甚至八十年代,仍工作在电影岗位上。这一代导演主要有程步高、沈西苓、蔡楚生、史东山、费穆。“第二代导演”的突出贡献是完成了中国电影从默片到有声片的转变。
3、第三代导演
建国后走上影坛的导演艺术家,人称中国电影导演的“第三代”。这一代导演主要有成荫、谢铁骊、水华、崔嵬、凌子风、谢晋、王炎、郭维、李俊、于彦夫、鲁韧、王苹、林农等,他们在遵循现实主义原则表现生活的本质,深入展现矛盾冲突,以及在民族风格、地方特色、艺术意蕴等方面,都进行了十分有益的探索。
4、第四代导演
第四代电影人大多是文革前北京电影学院、上海电影学校毕业生构成的创作群体,他们的创作生命是从1978年以后几近不惑之年才开始的。在第三、第五两代人的夹缝中,他们以稳健的创作实力探索奋斗,很快找准了自己的位置,并有持久的艺术后劲。
整个第四代的创作高潮是伴随着电影和戏剧分家的讨论和对历史的反思进行的,农村渐渐成为他们作品的中心题材。第四代导演的代表人物有谢飞、郑洞天、张暖忻、黄蜀芹、滕文骥、黄建中、吴天明等。他们与第三代、第五代导演一起创造了中国电影的第二个黄金时代。
5、第五代导演
第五代是指1982年自北京电影学院毕业的导演系学生(后来扩展到摄影系、美术系),包括张军钊、陈凯歌、田壮壮、张艺谋、张建亚、黄建新等。
第五代导演成长历程
“第五代”年轻电影人因为历经文革浩劫,在动乱底层顽强搏击,重返校园后系统学习电影专业知识,接受当时流行的西方哲学、美学思潮,形成新的价值观、美学观——这些反规范的精神品格,与当时整个文艺领域的强烈主体意识、反思思潮相适应。
有深厚的生活积淀,他们的影片才如寒冬后嫩草,新鲜独特。与大陆第五代一样,香港新浪潮没有宣言和纲领,也没有共同组织,正如许鞍华所说,新浪潮导演并没有一致的意识形态。
但可以从他们的影片中找出一种把现代香港的浮华表面撕去,将真相赤裸裸呈现出来的视界。这种现实视界在以往是找不到的。这批战后出生的影视人面对都市文化的勃兴,勇于表达着本土传统与外来冲击下的诸般感受。
I. 导演的第几代是根据什么划分的
导演第几代的划分并不是一个学术概念,而是一种约定俗成的说法。
第一代导演指默片时期的电影导演,大致活跃于上世纪初叶到20年代末。这一代导演约100人左右,代表人物有郑正秋、张石川、但杜宇、杨小仲、邵醉翁等,其中尤以郑正秋、张石川的成就为大。
第二代导演主要活动时间是在三、四十年代,部分导演一直到五、六十年,甚至八十年代,仍工作在电影岗位上,这一代导演主要有程步高、沈西苓、蔡楚生等。
第三代导演是指建国后走上影坛的导演艺术家,这一代导演主要有成荫、谢铁骊、水华、崔嵬、凌子风、谢晋、王炎、郭维、李俊、于彦夫、鲁韧、王苹、林农等。
第四代导演的主体是60年代北京电影学院的毕业生,他们提出中国电影“丢掉戏剧的拐杖”,追求质朴自然的风格和开放式结构,农村渐渐成为他们作品的中心题材。
第五代导演是指八十年代从北京电影学院毕业的年轻导演,他们的作品特点是主观性、象征性、寓意性十分强烈,代表人物有张艺谋、陈凯歌、田壮壮等。
第六代导演一般是指20世纪80年代中、后期进入北京电影学院导演系,90年代后开始执导电影的一批年轻的导演。代表人物有:张元,王小帅等。
第七代导演影片方向基本都定位在商业片,有 陆川、 高彭、 李芳芳、 常征等几人。
(9)世纪末电影导演怎么解析扩展阅读:
导演的职责:
导演与主要创作人员研究和分析剧本,为剧本找到恰当的表达形式,负责整部剧的艺术准则;与制片人联合提名和推荐演员角色人选;根据剧本和拍摄要求选择外景或指导搭建室内景;
指导道具组完成道具的准备和布置工作;指导现场拍摄工作;与出片方商讨作品的宣传计划;指导拍摄现场的灯光、剧务、演员、摄像、 录音、 美术、 化妆、 服装等各部门工作。